30 mayo 2014


A Letter Home (ReprisThird Man Records) 2014
Neil Young
Portada: AP Photo/Third Man)

A Letter Home, de Neil Young, representa el regreso de Neil Young al lado acústico, tras la tormenta eléctrica de su anterior disco de larga duración. En esta ocasión, el músico, cantante y compositor de Toronto deja la tercera faceta a otros conocidos de la canción norteamericana, excepto la versión de uno de los primeros temas del escocés Bert Jansch, pero con el añadido de que las piezas recogidas en el disco suenan como lo debían de hacer en 1947, pues recurrió a un artilugio de esa época para entonar las canciones que, sin temor a equivocarme, son algunas de las favoritas de Young y también han marcado su periplo de trovador de la segunda mitad del siglo pasado y de la parte que le corresponde de este tercer milenio. Tras las palabras dedicadas a su madre en la introducción, sin más acompañamiento que guitarra acústica, armónica y piano, además de la voz y piano del cantautor de Detroit Jack White en dos canciones, Neil aborda un repertorio que semeja grabado de un tirón como si fuese ante un grupo de amigos y sin más adornos que los que imponen canciones que más o menos los miembros de algunas generaciones siguen tarareando. Entre otras, Needle Of Death, de Bert Jansch; Early Morning Rain, del también canadiense Gordon Lightfoot; Crazy, de Willie Nelson; Reason To Believe, de Tim Hardin, o Since I Met You Baby, de Ivory Joe Hunter, es decir, mucho de canción de autor en sus vertientes folk, country, r&blues y rock.

Canciones: Chages (Phil Ochs). Girl From The North Country (Bob Dylan), Needle Of Death  (Bert Jansch). Early Morning Rain (Gordon Lightfoot). Crazy (Willie Nelson). Reason To Believe (Tim Hardin). On The Road Again (Willie Nelson ). If You Could Read My Mind (Gordon Lightfoot). Since I Met You Baby (Ivory Joe Hunter). My Hometown (Bruce Springsteen). I Wonder If I Care As Much (The Everly Brothers).

Músicos: Neil Young (guitarra acústica, armónica, piano, silbidos y voz) y Jack White (piano y voz en On The Road Again y I Wonder If I Care As Much.

Más portadas: Silver & Gold (2000), Are You Passionate? (2002), Greendale (2003), Prairie Wind (2005), Living with War (2006), Chrome Dreams II (2007), Fork In The Road (2009), Le Noise (2010), Americana (2012) y Psychedelic Pill (2012).






Love (Sacred Bones Records) 2014
Amen Dunes


Love, tercer disco de Amen Dunes, el alias de Damon McMahon, compositor, cantante y multiinstrumentista afincando en Nueva York, con toda seguridad va a convertir a su autor en una referencia del estilista que es dentro de esa amalgama sonora que representa; y que, sin perder las raíces de un folk rock sui generis, desprende esencias psicodélicas que conducen a muchos lados en cuanto a semejanzas, pero que, por otra parte, resaltan la singularidad de Amen Dunes. La primera pieza del repertorio, White Child, adelanta la intensidad de sentimientos que se desparrama por todo el repertorio de Love. Lonely Richard, I Know Miself, Sixteen,  Everybody Is Crazy o I Can't Dig It son otras canciones a tener en cuenta en la tercera entrega de Amen Dunes, todo un dechado de valentía no exenta de seguridad a la hora de trasladar con sencillez a la música su visión del mundo que le rodea.

Canciones: White Child. Lonely Richard. Splits Are Parted. Sixteen. Lilac In Hand. Rocket Flare. I Know Myself. Everybody Is Crazy. Green Eyes. I Can't Dig It. Love.

Músicos: Damon McMahon: (guitarra, lap steel guitar, piano, batería, percusión y voz), Colin Stetson (saxofón) y Elias Bender (voz).

Más portadas: DIA (2009), Through Donkey Jaw (2011) y Spoiler (2013).

Apunte:  Próximas actuaciones de Amen Dunes en ciudades europeas.
03 de junio. Electric Ballroom (Wooden Shjips), Londres, Reino Unido.
31 de julio. OFF Festival Katovice, Polonia.  
08 de agosto. Way Out West Festival, Gotemburgo, Suecia.
15 de agosto. Jabberwocky Festival, Londres, Reino Unido.
27  de septiembre. Liverpool International Festival of Psychedelia, Reino Unido.






27 mayo 2014


El 13 no tiene por qué ser un número gafe, y hasta da cabida a un excelente disco


Down River

Over the bridge/ On a wet'n' windy grey day/ Watching the waters kissing/ Skip along slipway/ Got time for dreaming/ Time for drifting with the breeze/ Time to take my time/ And time to spend it as I please/ 


On a lazy da down river/ You can dream away the blues/ A lazy day down river's/ Just the pleace for dreams and music/ For though it's grey and cloudy/ You can dream away the blues/ Down river/

Out from the bank/ You can see the barges glide/ Watch the rowers sweating/ As they fight against the tide/ And the seagulls dancing/ On the cold and chilly air/ Make me wish that I could fly/ And travel anywhere/

Down river/ Cast off the blues river


Río abajo

Sobre el puente/ en un día gris, húmedo y ventoso/ observando besarse las aguas/ que van brincando por la grada/ tanto tiempo para soñar/ tiempo para dejarme llevar por la brisa/ tiempo para tomarme tiempo/ y tiempo para pasarlo como me plazca/

En un perezoso día río abajo/ puede uno olvidar soñando las penas/ es el momento justo para los sueños y la música/ pues aunque esté gris y nublado/ puede uno olvidar soñando las penas/ río abajo/

Desde la orilla/ puedes ver deslizarse las barcazas/ observar a los sudorosos remeros/ cuando luchan contra la marea/ y las gaviotas que danzan/ en el aire frío y helado/ me hacen desear el vuelo/ y viajar a cualquier parte/

Río abajo/ Deshazte de las penas río abajo





El guitarrista, compositor y cantante escocés Bert Jansch (1943 - 2011) grabó en 1979 el elepé que saldría al año siguiente bajo el título Thirteen Down, en el que el citado músico aparecía acompañado por el grupo Conundrum. Tras la etapa norteamericana, Bert anduvo con el también músico Martin Jenkins, quien aparece en los créditos de la canción aquí recogida, una pieza intimista sin duda y melancólica, que se adapta muy bien al repertorio del elepé, grabado en un ambiente relajado y propicio para composiciones que llegan enseguida a captar la atención de quienes las escuchan. El disco se puso a la venta en España en la inolvidable discográfica Guimbarda, un sello que realizó, entre otras actividades, una excelente labor en la recuperación a finales de la década de 1970 y comienzos de la siguiente de los discos de Pentangle y de sus componentes, entre ellos los de Bert Jansh, en solitario, o acompañado de otros artistas. 








El rastro


Santana
CBS
1969




  • Jingo
  • Persuasion






26 mayo 2014


Oka's Big Moka (Sony) 2000
Toploader
Portada: fotografía López


El quinteto británico Toploader se estrenó discográficamente con el larga duración Okas' Big Moka, una grabación propia del nuevo pop que se producía en las Islas Británicas a final del siglo pasado a rebuzo del britpop que tan buenos resultados obtuvo en la década de 1990. No obstante, el primer disco del combo inglés ofrecía un singular sonido en su repertorio de 12 canciones caracterizadas por en determinados casos por orquestaciones que iban más allá del sonido básico del grupo de pop rock con ínfulas. Prueba de esa referencia sonora es la canción Dancing In The Moonlight, todo un dechado de virtudes musicales para escalar puestos en la lista de éxitos de entonces. Sin faltar a la cita roquera, caso de Just Above Living, y al intimismo de alguna balada como Achille Heel, Toploader se convirtió en un disco de éxito en el que sin duda destacaba un sonido expansivo no carente de swing como la pieza Let The People Know, otras de las canciones más conocidas de Onka's Big Moka.

Canciones: Let the People Know. Dancing In The Moonlight. Achilles Heel. Breathe. Do You Know What Your Future Will Be?. Only For A While. Just Hold On. Higher State. High Flying Bird. Summer Cycle. Just About Living. Floating Away (In the Bath Tub).


Músicos: Joshep Washbourne (órgano, piano y voz), Julian Deane (guitarra y voz), Dan Hipgrave (Guitarras eléctrica y acústica), Matt Knight (bajo) y Rob Green (batería y percusión). Paul Buckmaster (arreglos de cuerda), Tommy D (batería y mezclas), Sally Herbert (cuerdas y arreglos de cuerda), Michael Rose (arreglos orquestales y programación) y The Kick Horns (brass y arreglos)

Más portadas: Magic Hotel (2003) y Only Human (2011).






Salto mortal (Ojo Records) 2010
Dolores Solá
Portada: fotografía de Matiás Galán


Dolores Solá, voz del grupo argentino La Chicana, se estrenaba como solista con el disco Salto mortal, una grabación atípica que se centra en tangos poco conocidos y otros géneros de la música popular que trasladan a la segunda y tercera décadas del siglo pasado. Aunque la cantante ahonda en piezas interpretadas en su día por Carlos Gardel, Agustín Magaldi e Ignacio Corsini, el cedé no representa un catálogo de tangos reinterpretados con la ayuda de la tecnología actual, pues Dolores Solá aporta un aire inédito a composiciones como la canción que da título al disco, Pobre milonga y Cobardía, como hace igual con el foxtrot, vals, fado, pasodoble o canción serrana, entre otros estilos, que bajo una instrumentación sencilla pero eficiente en la ejecución, calan muy hondo en quien escuche este hermoso trabajo llamado Salto mortal. La propia cantante reconocía en una entrevista concedida a la revista efeeme http://www.efeeme.com/61685/dolores-sola-el-salto-solista-de-la-voz-de-la-chicana/ el excelente trabajo del plantel de músicos que dio a Salto mortal ese aire artesano, entrañable y cercano con vocación perdurable.

Canciones: Por un cariño. Morocha triste. Salto mortal. Mamá llevame pal pueblo. Caprichosa. En un pueblito de España. Mañanita de sol. Pobre milonga. Zulema. Cobardía (vals). Huella. La hija de la Japonesita. Cobardía (tango). Fox Trot de Gigolette (La danza de las libélulas).

Músicos: Dolores Solá (voz), Diego Rolón (guitarra y mandolina), Luis Volcoff (guitarrón), Paula Sadovnik (chelo), Acho Estol (contrabajo, guitarra, guitarra criolla, guitarra acústica, percusión, órgano, clave, ngomi, clarinete, octavadoram hong luan, dizu, ukelele, serrucho, efectos, bronces y arreglos de cuerdas), Federico Tellechea (percusión), Julio Locatelli (acordeón), Patricio Tripa Bonfigio (acordeón), Luis y Lola (coros), Omar Giammarco (piano y guitarra), Rodrigo Guerra (serrucho), Tata Cedrón (voz), Martín Pavlovsky (piano), Mintcho Garrammone (mandolina y cavaquiño), Hernán Paglia (contrabajo), Santiago Castellani (trombón) y Osiris Aldebrán Rodríguez (violín).

Más portadas: Discos de Dolores Solá como cantante del grupo La Chicana, Ayer hoy era mañana (1999), Un giro extraño (2000), Tango agazapado (2004), Canción llorada (2005), Lejos (2016) y Revolución o pic-nic (2011).




23 mayo 2014


Dos años del sonido Chapa (Chapa) 1980
Varios
Portada: Chapa - Zafiro


El sello discográfico de Madrid Chapa, auspiciado por el Mariscal Romero, toda una institución dentro del rock hispano en cuanto a divulgador, promotor y protagonista desde los años setenta, cuando cumplió su segunda año de andadura puso en circulación un elepé doble en el que se recogían los grupos más representativos del rock cantado en español de aquellos tiempos de transición en todos los sentidos. Los dos discos del recopilatorio constituyen un excelente documento para apreciar las directrices de un tipo de música hasta entonces con escasa presencia en la vida cultural de un país aún por salir de la regresión que supuso la etapa franquista. Baqueteados y presentes en los escenarios más inverosímiles como discoquetas, concursos, fiestas, plazas de toros, festivales, colegios mayores o mitines políticos, solamente la animosidad de los músicos y de algunos representantes de los medios de comunicación, como el mentado Romero, facilitaron que el rock saliera del estado de semiclandestinidad en que se encontraba en los años setenta para convertirse en un referente de la juventud durante los años posteriores. De ese interin roquero de los años setenta del siglo pasado quedan los nombres de grupos que aparecen en Dos años de sonido, una antología en la que se aprecia el carácter urbano y reivindicativo de aquellos pioneros del rock duro que allanaron el camino a bandas posteriores. Entre otros, Asfalto, Cucharada, Leño, Mermelada, Bloque, Topo, Ñu, Topo, Crater o Mezquita.

Canciones: LP 1. Capitán Trueno. A tu marcha. Social peligrosidad. Este Madrid. Marta. Satisfecho. La libre creación. Algunos músicos fueron nosotros. Ira roja. ¿Por qué os portais así? Blancanieves. Viva el metro.
LP 2. El trapichero. Necesito un trago. Mis amigos dónde estarán. Rock mama. Deixa d'estorbar. Escucha este bugui. El garrotín. Zapatos de gamuza azul. No, no, no. Azahara. Buenos deseos. Desde que somos dos. Rock del furgón. 

Grupos y solistas: LP 1. Asfalto. Union Pacific. Cucharada. Leño. Mermelada. Mariscal Romero. Bloque. Ñu. Red Box. Moon. Tarántula. Kaka de Luxe.
LP 2. Paracelso. Tequila. Topo. Cráter. Hot Panotxa. La B.E.P.S. Smash. Moris. Mediterráneo. Borne. Crack. Mezquita. Tapimán.

Más portadas: ¡¡Viva el rollo!! (1975), Viva el rollo. Volumen II: Rock del Manzanares (1978), Visca el rollo. Volumen 3: Rock del Llobregat (1979), Viva el rollo. Volumen IV: Rock mesetario (1982), Historia de una etiqueta: Chapa Discos 1975- 1985 (1985) y Chapa Discos: Así empezó todo (1997).











22 mayo 2014


Burlerías (Nuevos Medios) 1994
Tino Di Geraldo
Portada. Ilustración de TinoDi Geraldo



Tino Di Geraldo (1960) mantiene una actividad musical imparable desde muy joven como percusionista, principalmente en los ámbitos del jazz y el nuevo flamenco, lo cual dice mucho de la música que practica cuando se pone a grabar. Di Geraldo siente un especial cariño hacia el cante jondo, su música y sus gentes. No es extraño que se nombre aparezca en discos y carteles de actuaciones de los más variados grupos y solistas. Es más, para algunos de sus colegas, también seguidores del flamenco, sería impensable grabar un disco sin la presencia de Tino, un notable instrumentista que no se limita en exclusiva a la percusión. A sus dotes musicales hay que añadir la facilidad para componer, como se percibe en su segundo primer disco en solitario, cuyo título recuerda por dónde van los ritmos. El eclectismo de Tino se siente incluso en las piezas más flamencas, que se nutren de jazz, pop, rock y world music. Así tan pronto suena los sones de algún palo como en Bulerías del norte, Mejunje o Burlería, o bien mezclado con música brasileña Carnavalín o sazonado de pop El astronauta de tu corazón. También se nota la experimentación y la influencia de sonidos étnicos que convierten a Tino Di Geraldo en un músico difícil de clasificar y ecléctico, pues compone lo que le da la gana, según sus propias palabras.

Composiciones: Bulerías del norte. En el desierto no hay camellos en agosto. El astronauta de tu corazón. Jam. Vuela, vuela pajarito. Blues verde. Mejunje. Horizonte abanico. Te quiero vida mía. Carnavalín. Burlería.

Músicos: Tino Di Geraldo (percusiones y batería), Carles Benavent (bajo)Fran Rubio (piano), Javier Colina (contrabajo), Vicente Amigo (guitarra flamenca) Suso Sáiz (guitarra eléctrica, grillos, teclados y radio), John Parsons (guitarra eléctica), Jorge Pardo (saxo y flauta), Tato Icasto (teclados), Gaspare Montalbano (disparador de sonido), El Potito (quejío), Elsa Fernández (voz), Abu de Medji (voz), Luz Casal (voz), Germán Coppini (voz), Nacho García Vega (voz), Phillip Gutman (voz), Charo Manzano (voz), Juan Carmona (palmas, jaleo y voz), Antonio Fajardo (voz) Maite Pizarro (voz).

Más portadas: Flamenco lo serás tú (1998) y Tino (2003).

Apunte: Tino de Geraldo ha tocado con diferentes artistas de flamenco, entre otros, Pepe Habichuela, Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar, Camarón, Vicente Amigo, Gerardo Núñez, Enrique Morente y José Mercé.






Spoon So Easy (Chess) 1997
Jimmy Witherspoon
Portada: Marta Llinás + Laia Sadurní


Jimmy Whiterspoon(1920-1997) era uno de los adolescentes que allá por la década de 1930 cantaba, como otros jóvenes pobres, en el coro de la iglesia baptista de la localidad maderera de Gurdon (Arkansas) hasta que después de la II Guerra Mundial comenzó su ascenso hasta convertirse en uno de los cantantes de blues mejor pagados a comienzos de los cincuenta hasta la llegada del rock and roll, acontecimiento este último que llevó a Spoon a un segundo plano durante un periodo de tiempo que no supuso retirada del ambiente musical sino preparación para una nueva acometida triunfal en los sesenta que devolvió a Jimmy al éxito, incluso a instalarse en Europa, donde los músicos y cantantes negroamericanos eran seguidos con fervor por un público entusiasmado por el blues y el jazz, entre otros géneros fundamentales de la música popular del siglo XX. De su paso por la emblemática casa de discos de Chicago, Chess, Whiterspoon ofrece en Spoon So Easy un recopilatorio de canciones grabadas entre 1954 y 1959, donde se nota la presencia de un sonido muy influido por los estilos del momento, es decir r&blues, rock and roll y soul, que para nada quitan protagonismo a la inigualable voz de Jimmy a la hora de interpretar composiciones propias y ajenas, puntuales o clásicas. It Ain't No Secret, Live So Easy, Congratulations, Goin' Down Slow, Crying, T.W.A. o Mack & Jay resaltan ese canto como si fuese el flujo y reflujo de la marea de su propia vida, con la fuerza pero no forzado, en cantar tocando tus sentidos, no tus defensas, según reconoció en su dìa Annie Fisher en las páginas de The Village Voice.

Canciones: It Aint' No Secret. Ain´t Nobody Business. LIve So Easy. Congratulations. I Can Make It With You. Goin' Down Slow. When The Lights Go Out. Crying. T.W.A. Danger. I Don't Know Why (Why Do Love You LIke I Do). Garfield Avenue. Mack & Jay.

Músicos: Jimmy Whiterspoon (voz), Jay McShann (piano), Willie Dixon (bajo), Harold Ashby (saxo tenor), Eddie Chamblee (saxo tenor) y bateria y guitarrista (desconocidos).

Más portadas: Goin' To Kansas City Blues (1958), At The Monterey Jazz Festival (1960), A Spoonful Of Blues (1962), Blue Spoon (1964), Spoon In London (1966) y The Blues Singer (1973).






Valentyne Suite (Vertigo) 1969
Colosseum
Portada: fotografía de Gerry Bron


Colosseum, a poco de su estreno discográfico y en el año del mismo, graba uno de sus mejores discos: Valentyne Suite, representativo del rock progresivo que se hacía a finales de los años sesenta, pero de marcada fusión con el jazz y la reinterpretación del blues, pues algunos de los miembros de la banda británica habían tocado con John Mayall, lo cual dice bastante de ese estilo negroamericano ampliamente representado en la pieza que abre el elepé The Kettle, en onda dura, y en Butty's Blues, más ortodoxa y con presencia de inspirado metal. Sin embargo, no hay que que olvidar los solos de guitarra de James Litherland, quien estaba poniendo algunas de las piedras del heavy británico, sobre todo en el citado primer tema del disco. Pero el quid de la cuestión está en la composición que da título al LP, distribuida en tres movimientos, donde el teclista Dave Greenslade y el saxofonista Dick Heckstall-Smith desarrollan un impactante trabajo instrumental.

Canciones: The Kettle. Elegy. Butty's Blues. The Machine Demands Sacrifice. Valentine Suite: January's Search. Frebraury's Valentyne. The Grass Is Slways Greener. Arthur's Moustache. Lost Angeles.

Músicos: Dave Greenslade (órgano Hammond, teclados y vibáfono), James Litherland (guitarras y voces), Dick Heckstall-Smith (saxofón), Tony Reeves (bajo) y Jon Hiseman (batería). Barbara Thompson (viento), Jimmy Philips (saxo) y Dave Gelly (saxofón).

Más portadas: Those Who Are About To Die Salute You (1969), Daughter Of Time (1970) y Colosseum Live (1971).

Apunte: La edición de lujo de Valentyne incluye composiciones extra Arthur Moustache, Lost Angels y el album The Grass Is Greener.






20 mayo 2014


El rastro


Tommy Jammes & The Shondells
Columbia
1969




  • Sweet Cherry Wine
  • Breakaway





16 mayo 2014


Old Home Movies (Antenna Farm Records) 2008
The Botticellis
Portada: Nartalia Szostak

The Botticellis causaron admiración y sorpresa con su primer disco de larga duración, Old Home Movies, todo un compendio del pop intemporal con matices de indie y americana. Sin duda, el grupo de San Francisco trabajo con estilo las armonías vocales muy en la onda de celebradas bandas californianasde los sesenta, pero también en el álbum se perciben las esencias del mejor  pop de finales de los setenta. Con esas declaraciones de intenciones, no es extraño que cualquier canción elegida al azar resulte una agradable sorpresa para el oído. Un brillante estreno para The Botticellis, y que la inspiración les dure mucho a sus componentes.

Canciones: Old Home Movies. Stay With My Brother. When I Call. Up Against The Glass. The Revierver. New Room. Flashlight. Tongue Is Blue. Who Are You Now. Table By The Window.

Músicos: Alexi Glickman (guitarra, teclados, arreglos y voz), Zack Ebrlich (batería, teclados, guitarra mandolina, arreglos y voz), Burton Li (guitarra, teclados y arreglos), Ian Nansen (bajo y voz) y Blythe Foster (voz).

Más portadas: Daytrotter Session (2008) EP y Daytrotter Session (2009) EP.








4x10
1974


Hamburger Concerto (Polydor
Focus
Portada: Graham Hughes


Focus mantuvo el tipo con brillantez durante la primera mitad de la década de 1970 con su rock progresivo auxiliado por adaptaciones de compositores clásicos, como pasa con el disco Hamburger Concerto, elepé en el que se evidencian sonoridades de Johanes Brahms y Joseph Haydn, pero sin que el trabajo global del grupo pierda la esencia roquera. El disco se divide en dos partes: una con cuatro composiciones cortas por así decirlo, y otra que lleva el título del disco, a su vez subdividida, en seis composiciones. El repertorio, como es habitual en la mejor etapa del grupo, corresponde de un lado a Jan Akkerman, quien aporta alguna que otra joya, como la que abre el disco: Delitiae Musicae, o Birth que cierra la cara A del elepé, ambas demostrativas del virtuosismo del guitarrista holandés. Por su parte, Thijs Van Leer ofrece su lado roquero en Harem Scarem y faceta más sensible en La Cathedrale de Strasbourg, mientras que los dos músicos holandeses se repartan casi a partes iguales las variaciones de Hamburger Concerto, veinte minutos de deliciosas sonoridades que representan otra manera de entender el denominado rock sinfónico.

Composiciones: Delitiae Musicae. Harem Scarem. La Cathedrale de Strasbourg. Birth. Hamburger Concerto: Starter. Rare. Medium I. Medium II. Well Done. One For The Road.

Músicos: Thijs van Leer (teclados, acordeón, flauta y voz), Jan Akkerman (guitarras, palmas y percusión), Bert Ruiter (bajo, autoharp, palmas y percusión) y Colin Allen (percusión, castañuelas, cabasa, cuica, palmas y batería).

Más portadas: Sweet and Sour (2002), Focus 8 (2002), Live In America (2003), Live At The BBC (2004) y Focus 9. New Skin (2006).





Live! (DixieFrog) 1986
Tony Joe White 
Portada: Peter Nash y Stephane Heurtaux


Tony Joe White (Oak Grove, Louisiana, 1943) representa sin duda el músico alejado de los oropeles de la fama pero que mantiene con el paso del tiempo una salud envidiable en cuanto a inspiración. Abanderado desde su juventud del denominado swamp-rock, un claro mestizaje de blues, soul, funk, country y, como no, rock, Tony Joe ha escrito piezas indispensables en el rock de los sesenta y setenta, hasta el punto de que algunas también llegaron a subir alto en las listas gracias a artistas de la talla de Elvis Presley, Tina Turner, Brook Benton o Tom Jones. Asiduo al circuito europeo, en 1971 White realizaba una gira que le llevó tocar en escenarios de Alemania, Bélgica, Reino Unido y Suecia, de lo cual ha quedado este recuperado disco en directo, donde Tony Joe vuelve a demostrar su sentimiento a la hora de desarrollar su estilo mestizo. La mejor faceta de compositor puede seguirse con agrado en las canciones Roosevelt And Ira Lee, Another Night In The Life OF A Swamp Fox, A Rainy Night In Georgia, Willie And Laura Mae Jone, Back To The Country y Polk Salad Annie.

Canciones: Roosevelt And Ira Lee. Another Night In The Life Os Swamp Fox. A Rainy Night In Georgia. Lustful Earl And The Married Woman. Willie And Laura Mae Jones. My Kind Of Woman. Mississippi River. Travelin' Bone. Back To The Country. Polk Salad Annie.

Músicos: Tony Joe White (guitarra eléctrica, guitarra acústica, armónica y voz), Donal Duck Dunn (bajo), Sammy Creason (batería) y Mike Utley (órgano Hammond).

Más portadas: Black And White (1969), Tony Joe (1970), The Train I'm On (1972), Home Made Ice Cream (1973) y Eyes (1976).





13 mayo 2014






La palabra como arma


I Hate The Capitalist System

I hate the capitalist system/ and I´ll tell you the reason why/ it has caused me so much suffering/ and my dearest friends to die/
well I know you all are wondering/ what it has done to me/ well I am going to tell you/ that my husband has TB/
brought on by hardworking low wages/ 
and never enough to eat/ from going cold and hungry/ with no shoes upon his feet/
 my husband was a coalminer who worked hard and risked his life/ just tryin to support three children/n himself, his mother and wife/

well I had a blueyedbaby/ was a darling of my heart/ but from my little darling the mother had to part/

 while the rich and mighty capitalists/ goes to rest in jewels and silk/ my darling blueeyed baby has died for the want of milk/

well they call this the land of plenty/ and for them I guess its true/ for the rich and mighty capitalists/ not for workers like me and you/

 well now what can we do about it/ to these men of power and might/well I'll tell you mister capitalist/ we are going to fight, fight, fight! 



Odio el sistema capitalista

Odio el sistema capitalista, te diré por qué razón: El ha sido causa de mis sufrimientos, y por lo que mis queridos amigos murieron./
Bien sé que todos se preguntan que es lo que el sistema me ha hecho a mí./
Bien, te voy a decir que mi marido tiene tuberculosis. A causa del duro trabajo y poco salario,/
y nunca bastante para comer, por el frío y el hambre y sus pies descalzos./
Mi marido fue minero que trabajó duramente y arriesgó su vida por mantener tres niños, a su madre, su mujer y a él mismo./
Bien, yo tenía un niño de ojos azules que era lo más querido de mi corazón. Pero de mi pequeño amor su madre tuvo que separarse./
Mientras el rico y poderoso capitalista se viste con joyas de seda, mi querido niño de ojos azules tuvo que morir por falta de leche./
Bien; ellos la llaman la tierra de promisión, y para ellos creo que eso significa, para los ricos y capitalistas, no para obreros como tú y yo./
Bien ¿qué podríamos hacer nosotros con éstos hombres poderosos y fuertes?/
Bie; yo te digo, señor capitalista, ¡vamos a luchar, luchar, luchar!



Canción escrita por Sara Ogan en la década de 1930. Es la canción de una esposa y madre que ha luchado por sacar adelante a su familia, desafiando la lluvia, las balas de la policía, para evitar que las personas continuarán muriendo esclavizadas en trabajos que no les daban para comer. La canción fue recuperada por la cantautora, artista y activista estadounidense Barbara Dane para el disco de larga duración que lleva el mismo nombre de la pieza referida, editado en 1973.

Esta canción sigue teniendo vigencia porque aunque han pasado 80 años de su composición, la historia se repite en el tercer milenio: el capitalismo más agresivo sigue recurriendo a la fuerza del estado para destruir cualquier atisbo de defensa de los elementales derechos humanos, cuando no se alía con determinados contrapoderes para hacer lo mismo: mafias, narcotráfico, traficantes de seres humanos, fundamentalismos religiosos y determinados lobbys industriales.





Para escuchar la pieza, pinchad en la siguiente dirección

http://youtu.be/RL2k7ff7Dxw