On Throught The Night (Vertigo). Quinteto inglés correspondiente a la oleada heavy de comienzos de los ochenta que coge el relevo de bandas emblemáticas de la anterior década, pero sin caer en los excesos fantasiosos de sus antecesores a la hora de componer. Def Leppard debuta en el año 1980 con este disco en el que se impone el sonido básico de dos guitarras eléctricas, sección rítmica y cantante de voz aguda. Con este canon no hay grandes sorpresas en el álbum de estreno, donde los riffs de las guitarras combinan con bajo y batería sin tiempo para largas improvisaciones o epopeyas, exceción de tema que cierra el disco: Overture. El ritmo acelerado se impone mediante piezas como las tituladas Rock Brigada, Satellite, Rocks Offs, It Don’ t Matter o Answer To The Master, que constituyen el atractivo de una banda perfectamente coordinada para agradar a los seguidores del rock duro sin grandes complicaciones. La ilustración de la carátula del primer disco de Def Leppard lleva la firma de Melvin Smith.



Canciones: Rock Brigade. Hello America. Sorrow Is A Woman. Could Be You. Satellite. When The Walls Came Tumblin’ Down. Wasted. Rock Off. It Don’ t Matter. Answer To The Master. Overture.


Músicos: Steve Clark (guitarra), Rick Savage (bajo), Pete Willis (guitarra), Rick Allen (batería) y Joe Elliot (voz).





Otras portadas: High ‘N’ Dry (1981), Pyromania (1983), Hysteria (1987) y Adrenalize (1992).

In The Land Of Grey And Pink (Deram). El sonido Canterbury tiene en el grupo Caravan uno de los principales exponentes del rock progresivo de los años sesenta y setenta. Los discos segundo y tercero de dicha formación británica, If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You (1970) e In The Land Of Grey And Pink (1971), respectivamente se publicaron en España en un doble elepé bajo el título del segundo mencionado aquí. Composiciones de largo desarrollo en las que tienen cabida la improvisación y pasajes sinfónicos, apoyados en el jazz, la música clásica y, como no, en el rock, son los elementos que definen a esta banda que lleva a cabo una ruptura con los patrones de la música pop. Winter Wine, Nine Feet Undergroung, And I Wish Were Stond y Can’ t Be Long Now constituyen un viaje a pasajes sonoros en los que entran los teclados, con un notable protagonismo del melotrón, guitarras eléctricas y vientos (saxos y flautas), y asientan las bases de un estilo en el que entrarán con posteridad músicos de rock, principalmente británicos y de otros países de Europa. La ilustración de la carpeta pertenece a la artista Anne Marie Anderson

Canciones: Golf Girl. Winter Wine. Love to Love You (And Tonight). Pigs Will Fly. In the Land of Grey and Pink. Nine Feet Underground/Nigel Blows a Tune//Love’s a Friend/Make It 76/Dance OF The Seven Papers Hankes/Hold Grandad By The Nose/Honest I Did!/Disassociation/100% Proof. If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You. And I Wish I Were Stoned/Don’t Worry. As I Feel I Die With an Ear to the Ground You Can Make It/Martinian/Only Cox (Reprise). Hello Hello. Asforteri. Can’t Be Long Now/Francoise/For Richard/Warlock. Limits.

Músicos: Richard Sinclair (bajo, guitarra acústica y voz), Pye Hastings (guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz), David Sinclair (órgano, piano, melotrón, arpa y voz) y Richard Cughlan (batería y percusión). Jimmy Hastings (flauta y saxo tenor), Brother James (saxo y flauta) y David Drinsted (campanas e instrumentos de viento).

Otras portadas: Caravan (1968), Waterloo Lily (1972), For Girls Who Grow Plump The Night (1973), Caravan & The New Symphonia (1974), Cunnig Strunts (1975) y Blind Dog At St. Dungtans (1976).

Freeze Frame (EMI). La larga década de existencia del grupo norteamericano The J. Geils Band se nota en este disco de 1981 hasta el punto que el conocimiento por parte de sus miembros de los gustos del publico les permitió ser número 1 en USA, gracias a una acertada producción y la presencia en el elepé de canciones con gancho y acordes con las tendencias del momento. La costumbre de la banda tendente a difundir estilos de la música negroamericana, como blues, r&b y soul, queda un tanto difuminada en las canciones incluidas en Freeze Frame, pues desde esta pieza que abre el disco hasta la que lo cierra, Piss On The Wall, teclados y coros de voces adquieren un notable protagonismo, lo cual en algunos casos no constituye ningún desmérito, al contrario contribuye a darle más brillantez a la grabación en general. En esta dirección suenan en las partes rápidas: Rage The Cage, Insane , Insane Again y Flamethrower, mientras que Angel In Blue representa el ambiente reposado que Peter Wolf sabe expresar sin problemas y convicentemente gracias a su privilegiada garganta. La ilustración de la carpeta es de Georgann Deen.

Canciones: Freeze Frame. Rage In The Cage. Centerfold. Do You Remember When. Insane, Insane Again. Flamethrower. River Blindness. Angel In Blue. Piss On The Wall.

Músicos: Peter Wolf (voz), Seth Justman (teclados y voz), Magic Dick (armónica y saxo), J. Geils (guitarra), Daniel Klein (bajo) y Etephen Bladd (batería y voz). Metal en Frezze Frame y Angel In Blue: Randy Brecker, Ronnie Cuber, Lou Marini, Tom Melone, Alan Rubin y George Young. Voces en Angel In Blue: Luther Van Dross, Fonzi Thornton, Cissy Houston, Tawatha Age y Kenny Williams.

Otras portadas: The J. Geils Band (1970), Full House (1972), Bloodhost (1973), Ladies Invited (1973), Nightmares And Other Tales From The Vinyl (1974), Hotlive (1975), Sanctuary (1978) y Showtime! (1982).

Demons And Wizards (Bronze). La banda británica Uriah Heep al grabar su quinto elepé en 1972 contribuía a establecer rotundamente su fama de grupo de pimera fila de rock duro con toques de gótico, como el título del disco indica. Desde la primera canción, The Wizard,aunque se abra con una guitarra acústica, se nota la propensión del grupo hacia el hard rock con gran despliegue de guitarras eléctricas, unas veces distorsionadas por el wah wah, otras con toque psicodélico de fuzz y en alguna ocasión de acuerdo con los principios del rock sinfónico de los setenta. Entre tanta epopeya, personajes demoníacos y otros guiños al heavy, Uriah Heep también factura su éxito para las listas de discos más vendidos, caso de Easy Livin, una canción de impacto en la que sobresale la singular voz del cantante David Byron. Disco completo incluye asimismo composiciones más largas All My Life y The Spell, y alguna balada en plan épico Circle Of Hands, demostrativas del poderío musical de Uriah Heep en su mejor momento creativo. En la carpeta del elepé se utilizó una ilustración del inconfundible artista inglés Roger Dean.



Canciones: The Wizard. Traveller In Time. Easy Livin. Poets Justice. Circle Of Hands. Rainbow Demon. All My Life. Paradise. The Spell.


Músicos: Gary Thain (bajo), Lee Kerslake (batería y percusión), Mick Box (guitarras), Ken Hensley (teclados, guitarras y percusión) y David Byron (voz).





Otras portadas: Uriah Heep (1970), Very’ Eavy Very’ Umble (1970), Lool At Yourself (1971), The Magician’s Birthday (1972), Wonderworld (1974), Tetuán To Fantasy (1976), Fireflay (1977), Conquest (1980), Abominog (1982) y Head First (1983).

Goodbye Yellow Brick Road (DJM Records). El pianista Elton John consigue en la década de los setenta uno de los mayores éxitos de la música pop de todos los tiempos, reconocimiento que continuará en décadas siguientes tanto por sus actuaciones en directo como por sus grabaciones discográficas. Dentro de la línea ascendente del músico británico, en los años setenta graba sus mejores elepés como el doble titulado Goodbye Yellow Brick Road. En él se incluyen 17 canciones compuestas por la otra media parte que facilita la subida del pianista al estrellato, Bernie Taupin, el autor de muchas de las canciones que se colocaron el número uno de las listas de discos más vendidos de Inglaterra y Estados Unidos. El octavo título de la carrera discográfica de Elton John se mueve dentro de los cánones del pop bien facturado aunque la primera canción, Funeral For A Friend, recibe la influencia del rock sinfónico, estilo en alza a comienzos de la década de los setenta. Más matizado se nota también en otras piezas, como I’ve Seen That Movie Too y All The Girls Love Alice, de menos duración que la anterior pero larga para una composición pop. Mas la preferencia de Elton por las baladas, uno de sus fuertes, se siente en canciones que son ya clásicas: Candle In The Wind y Goodbye Yellow Brick Road, pero Elton John también contribuye a la difusión de la música caribeña con Jamaica Jerk-Off y al acercamiento al country rock con Roy Rogers y Social Disease. La faceta roquera de John, presente en todos sus discos de entonces, se expresa mediante los acelerados ritmos de Your Sister Can’ t Twist y Saturday Night’s Allright For Fighting. La portada de este laureado doble elepé fue realizada por el ilustrador británico Ian Beck.

Canciones: Funeral For A Friend / Love Lies Bleeding. Candle In The Wind. Bennie And The Jets. Goodbye Yellow Brick Road. This Song Has No Title. Grey Seal. Jamaica Jerk-Off. I’ve Seen That Movie Too. Sweet Painted Lady.The Ballad Of Danny Bailey (1909-1934). Dirty Little Girl. All The Girls Love Alice. Your Sister Can’t Twist (But She Can Rock’n Roll). Saturday Night’s Alright (For Fighting). Roy Rogers. Social Disease. Harmony.

Canciones: Elton John (órgano, piano, teclados, piano eléctrico, melotrón, órgano Farfisa y voz), Davey Johnstone (guitarras acústica y eléctica, steel guitar, slide guitar, guitarra Leslie, banjo y voz), Dee Murray (bajo y voz), Nigel Olsson (batería, conga, pandereta y voz), David Hentschel (sintetizador y teclados), David Katz (violin), Leroy Gómez (saxofón), Del Newman (arreglos de orquesta), Ray Cooper (percusión y pandereta) y Kiki Dee (voz).

Otras portadas: Elton John (1970), Tumbleweed Connection (1970), Madman Across The Water (1971), Honky Château (1972), Don’ t Shoot Me I’m Only The Piano Player (1973), Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy (1975), Blue Moves (1976), Too Low For Zero (1983) y Reg Strikes Back (1988).

Chicago V (CBS). Quinta grabación de la banda Chicago, uno de los grupos norteamericanos con mayor reconocimiento a nivel internacional, que consigue desde sus primeros discos ventas multimillonarias y números uno en las listas de éxitos musicales. En 1972 sale a la venta este elepé que rompe el hábito de la banda de editar discos dobles (los cuatro primeros). Los componentes del grupo mantienen sin embargo su estilo inicial de mezclar jazz con rock, principalmente, soul y música clásica. De esta última, en la vertiente más vanguardista, se incluye la pieza que abre el disco: A Hit By Varese, muy en la línea del llamado rock progresivo de la décadas de los setenta. Tras esta carta de presentación, Chicago de la mano de Robert Lam, autor de la mayoría de las composiciones, se adentra en su verdadero estilo de fusión, donde la profesionalidad de los músicos no impide que se adentren en estilos en teoría livianos pero efectistas como el pop de All Is Well, o Saturday In The Park, a pesar de que el rock guitarrero acompañado de sección de viento también está presente en otras canciones representativas del álbum: Dialogue, Pts 1 y 2, While The City Smile y State Of Union, que tienen como despedida la balada Alma Mater. El diseño de la carpeta del disco es de John Berg y el logo tallado en madera corresponde a Nick Fasciano.



Canciones: A Hit By Varese. All Is Well. Now That You’ve Gone. Dialogue, Pt. 1. Dialogue, Pt. 2. While the City Sleeps. Saturday In The Park. State Of The Union. Goodbye. Alma Mater.

Músicos: Terry Kath (guitarra y voz), Peter Cetera (bajo y voz), Robert Lamm (teclados y voz), Lee Loughnane (trompeta, percusión y voz), James Pankow (trombón y percusión), Walter Parazaider (woodvinds y percusión) y Daniel Seraphine (batería, campanas y conga).






Otras portadas: Chicago Transit Authority (1969), Chicago II (1970), Chicago III (1971), Chicago IV (1971), Chicago VI (1973), Chicago VII (1974), Chicago VIII (1975), Chicago Greatest Hits (1975), Chicago X (1976), Chicago XI (1977), Hot Steets (1978), Chicago XIII (1980), Chicago XVI (1982), Chicago XVII (1984), Chicago XVIII (1986) y Chicago XIX (1988).

Southern Accents (MCA Records). Sexto elepé de Tom Petty and The Hearbreakers, lanzado en el año 1985, que sigue una línea más experimental que anteriores discos de esta banda roquera. Con la colaboración de un numeroso grupo de músicos y cantantes, Tom Petty se adentra en un sonido barroco, recargado a menudo, con aportes de psicodelia, rock y soul, una combinación explosiva como se puede escuchar en la mayoría de las canciones de este elepé, donde el mejor estilo de Tom Petty apenas se percibe, excepto en las piezas Rebels, Spike y Dogs On The Run. El resto incluye buenos arreglos en relación con los metales (saxos, trompeta) y las cuerdas, además de mucho teclado que facilitan una música bailable que nada tiene que ver con la de los comienzos de Tom y sus rompecorazones, un roquero introspectivo y en busca de nuevas formas de expresión durante esta etapa de mediados de los ochenta. La portada del disco presenta una pintura del artista norteamericano Winslow Homer (1836-1910).

Canciones: Rebels. It Ain’t Nothin’ To Me. Don’t Come Around Here No More. Southern Accents. Make It Better (Forget About Me). Spike. Dogs On The Run. Mary’s New Car. The Best Of Everything.

Músicos: Tom Petty (guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra de 12 cuerdas, piano, teclados, pandereta y voz), Mike Campbell (guitarra, bajo, slide guitar, dobro, piano, teclados, armónica y voz), Benmont Tench (piano, teclados, piano eléctrico, vibrafono y voz), Stan Lynch (percusión y batería), Dave Stewart (bajo, guitarra, sitar, teclados y voz), Howie Epstein (bajo y voz), William Bergman (saxo tenor, efectos de sonido y voz), John Berry, Jr. (trompeta y efectos de sonido), Dick Braun (trompeta, efectos de sonido y voz), Jim Coile Horn (saxo tenor, efectos de sonido y voz), Molly Duncan (saxofón), Dean García (bajo), Bobbye Hall (percusión y pandereta), Jerry Hey (arreglos viento), Garth Hudson (teclados), Phil Jones (percusión y pandereta), Martin Jourard (saxofón), Jim Keltner (percusión), Kurt McGettrick (viento, efectos de sonido y voz), Jack Nitzsche (arreglos de cuerda), Dave Plews (trompeta), Greg Smith (saxofón, saxo baritone y voz), Daniel Rothmuller (clarinete y chelo), Clydene Jackson (voz), Sharon Celani (voz), Richard Manuel (voz), Marilyn Martin (voz), Stephanie Spruill (voz), Julia Tillman Waters (voz) y Maxine Waters (voz).

Otras portadas: Tom Petty & the Heartbreakers (1976), You’re Gonna Get It! (1977), Damn the Torpedoes (1979), Hard Promises (1981), Long After Dark (1982), Pack up the Plantation: Live! (1986), Let Me Up (I've Had Enough) (1987), Full Moon Fever (1989) e Into the Great Wide Open (1991).

How Will The Wolf Survive? (Slash Records). Chicanos de Los Ángeles, Los Lobos lanzaban en 1984 su segundo elepé con canciones elaboradas por sus miembros sobre diferentes estilos por los que sentían pasión, es decir rock and roll, r&b, blues, jazz y música tradicional mexicana. Con este bagaje artístico no es extraño que el quinteto despertara el interés del público habitual del rock y de la crítica, principalmente por su fresca originalidad, en la primera mitad de los ochenta, a lo que hay que añadir el dominio de los instrumentos por parte de los músicos, en especial el guitarrista David Hidalgo. Los Lobos abren el disco con una contundente declaración sobre cuál es su estilo preferido, el rock potente, que no duro, de Don’ t Word Baby, mantenido en la pieza que da título y cierra el álbum. Ese rock se fusiona con el country en A Matter Of Time y Lil’ King Of Everything; con el tex mex en Our Last Night y Breakdown; con el rock and roll en I Got Loaded, I Got To Let You Know y Evangeline. Mas, ahí no termina la oferta musical de este disco, donde resaltan Corrido #1 y Serenata Norteña, composiciones que sirven al quinteto para recordar sus orígenes. La portada del disco está adornada con una ilustración de de Elisabeth Brady




Canciones: Don’t Worry Baby. A Matter of Time. Corrido #1. Our Last Night. The Breakdown. I Got Loaded. Serenata Norteña. Evangeline. I Got to Let You Know. Lil’ King of Everything.Will the Wolf Survive?.




Músicos: David Hidalgo (bajo, guitarra, percusión, acordeón, steel guitar, lap steel guitar y voz), Conrad Lozano (bajo, guitarra, guitarrón y voz), Louie Pérez (guitarra, batería y quinto), Óscar Rosas (banjo, guitarra, mandolina y voz), César Rosas (guitarra, mandolina, bajo sexton y voz), Alex Acuña (percusión), Steve Berlin (armónica, percusión, saxo baritone, saxo soprano y saxo tenor) y T-Bone Burnett (órgano y guitarra).





Otras portadas: And a Time to Dance (1983), By the Light of the Moon (1987), La Pistola y el Corazón (1988) y The Neighborhood (1990).

Goodbye And Hello (Elektra). Tim Buckley (1947-1975) entra en la escena musical californiana a mediados de los sesenta con la grabación de sus primeros discos. El segundo elepé, Goodbye And Hello, realizado en 1967, cuenta con la presencia de músicos que exploran nuevas tendencias para aplicarlas al rock de experimentación de la época. En esta línea, Buckley parte del folk para adentrarse en la música influenciada por la psicodelia y sonidos que adornan la potente y evocadora voz del cantante afincado en California y desaparecido prematuramente. No Man Can Find The War, Carnaval Song, Hallucinations y Goodbye And Hello son algunos de los ejemplos de esa introspección musical y los ruidos que van en compañía de la profunda voz que canta los versos de Buckley o los escritos por el poeta Larry Beckett. Sin embargo, la faceta más accesible de este álbum también resulta brillante y llena de matices. Once I Was y Morning Glory recogen la esencia folk que Tim Buckley aún no ha olvidado en su primera etapa discográfica, ya orientada a la búsqueda de nuevas sonoridades. La carátula del elepé fue realizada por el fotógrafo Guy Webster.

Canciones: No Man Can Find the War. Carnival Song. Pleasant Street. Hallucinations. I Never Asked to Be Your Mountain. Once I Was. Phantasmagoria in Two. Knight-Errant. Goodbye and Hello. Morning Glory.

Músicos: Tim Buckley (guitarra y voz), Lee Underwood (guitarra y teclados), Jim Fielder (bajo), Don Randi (teclados), Jerry Yester (tecaldos), John Farsha (guitarra), Brian Hartzler (guitarra), Jimmy Bond (bajo), Dave Guard (percusión) y Eddie Hoh (percusión).

Otras portadas: Tim Buckley (1966), Blue Afternoon (1969), Happy Sad (1969), Lorca (1970), Starsailor (1970), Greetings from L.A.(1972) y Look at the Fool (1974).

Pablo Guerrero en el Olympia (Movieplay). El cantautor extremeño Pablo Guerrero grabó el 2 de marzo de 1975 este elepé en directo en uno de los principales auditorios europeos de música popular, situado en París, y lugar de proyección universal para mucha gente de la música y la canción popular. Con un sobrio acompañamiento, Pablo Guerrero ofrece en este disco un repertorio con sus mejores canciones, a las que se añade una composición popular, Cantares de trilla. De las más conocidas del cantautor hay que mencionar A Cantaros, Hoy que te amo, Ecos de sociedad, Pepe Rodríguez, el de la barba en flor, Emigrante y Extremadura, que no pierden la fuerza inicial después de cuatro décadas de su creación porque son poemas cantados por un hombre alejado de modas e imposiciones comerciales, aunque que ha sabido evolucionar adaptándose al mestizaje con otros ritmos populares, pero sin que la palabra pierda su esencia para comunicar. Como dice Fernando G.Lucini: “Él, como el mar, nos sigue regalando , y su canto -, aprendemos a amarnos mientras el amor, ….Poeta necesario siempre añorado y siempre buscado como quien busca el latido de una vena”. La portada de este disco se cubre con una fotografía sin firma de Pablo Guerrero.

Canciones: Busca la gente de mañana. Hoy que te amo. Buscándonos. Ecos de sociedad. Planeo. Extremadura. Para huir de la muerte. Pepe Rodríguez, el de la barba en flor. Cantares de trilla. Emigrante. A cántaros.

Músicos: Pablo Guerrero (guitarra y voz), Ignacio Sáenz de Tejada (guitarra) y Miguel Ángel Chastang (bajo).

Otras portadas: A cántaros (1972), Porque amamos el fuego (1976), A tapar la calle (1978), En los momentos del agua (1985) y El hombre que vendió el desierto (1988).

Azúcar negra (Bat Discos). Celia Cruz (1925-2003) graba en Madrid y Miami las diez canciones de este elepé que se convierte en disco de oro en España, lugar en el que la cantante cubana tiene un público fiel. Guaracha, son, guagancó y bolero están presentes en esta grabación en los que colaboran conocidos músicos, cantantes y compositores de la denominada música latina, en la que la propia Celia figura como reina de la salsa, aunque ella ha demostrado abrirse a otros ritmos. Del disco destaca el cuidado acompañamiento musical que impone calidad a las canciones bailables, principalmente las de origen afroacubano Azúcar negra, Amores de un día y Ochun con Chango. La salsa también tiene una importante presencia, Pasaporte Latinoamericano, aunque en algunas composiciones se nota la autoría de gente del mundo del pop, caso de Sazón, en concreto del dúo formado entre Gloria y Emilio Esteban. También hay mezcla con el flamenco, Que suenen las palmas, y tiempos lentos en Bolero, bolero y Te busco. Incluso Celia Cruz se atreve con el éxito del trío madrileño Mecano: Cruce de navajas. La fotografía de cantante en la portada pertenece a Rally Hershberger.

Canciones: Azúcar negra. Amores de un día. Sazón. Pasaporte latinoaméricano. De La Habana hasta aquí. Ochun con Chango. Bolero, bolero. Que suenen las palmas. Te busco. Cruz de navajas.

Músicos: Javier Losada (piano, teclados, programación y arreglos), Henry Díaz (percusión), Óscar Gómez (bajo y percusión), José Medrano (trompeta), Tito Duarte (Saxo y flauta), Alfredo Marquez (trombón), María Lar (voz), Maisa Hens (voz), Juan Cánovas (voz), José Morato (voz), Óscar Gómez (voz), Steve Roitstein (piano, teclados, programación y voz), Randy Barlow (piano, teclados, trompeta y programación), Rene Toledo (guitarra), Juanito Marquez (guitarra), Sammy “Timbalón” Pagan (percusión), Eddie “bongo” Torres (percusión), Tony Concepción (trompeta), Luis Aquino (trompeta), Randy Barlow (trompeta), Dana Teboe (trombón), Teddy Mollet (trombón), Ed Calle (saxofón), Cookie López (percusión), Cheo Quiñones “Cheíto” (voz), Miguel Martín (voz), Gloria Stefan (voz), Jon Secada (voz), Papo Pepín (percusión), Rubén Rodríguez (bajo), Sergio George (piano, teclados y voz), Bomberito Zarzuela (trompeta y trombón), Tito Nieves (voz) y Jose King (voz).

Otras portadas: La incomparable Celia (1958), Canciones premiadas (1965), Son con guagancó (1966), Bravo Celia Cruz (1967), Quimbo quimbumbia (1969), Only They Could Have Made This Album (1977), Eternos (1978), Celia/Jonhy/Pete (1980), Celia y Willie (1981), The Winners (1987) y Ritmo en el corazón (1988).

SANTO & JOHNNY

Santo y Johnny Vol. 1 (Hixpavox-Canadian American Records). Los hermanos Santo y Johnny Farina, nacidos en Nueva York, respectivamente 1937 y 1941, formaron uno de los dúos representativos del rock instrumental de comienzos de los sesenta, caracterizado por el sonido de la guitarra de acero (steel guitar o guitarra hawaina), tocada con virtuosismo por Santo, quien, por cierto, enseñó el dominio de la guitarra eléctrica a su hermano. El gran éxito de esta fraternal pareja lleva el título de Sleepwalk, popularizada por bandas instrumentales como The Ventures y The Shadows, así como por otros virtuosos guitarristas de diferentes generaciones: Jeff Beck, Larry Carlton o Joe Satriani. En este elepé recopilatorio de 1966, Santo y Johnny, junto a la Orquesta de Bob Davis, reinterpretan un repertorio de estándares de la música popular seleccionados la mayoría de sus dos primeros discos, de 1959 y 1961, entre los que no faltan los de inspiración country, muy adecuados para el steel guitar, como Blue Moon, aunque también se adentran por la senda del jazz con su particular revisión del clásico Caravan, e incluso se atreven con Andalucía, de Lecuona, o la melodía Deep Purple. Los hermanos Farina aportan algunas composiciones propias como la ya mencionada Sleepwalk, Teardrop, Lazy Day y Long Walk Home, que recuerdan el espíritu poético del dúo. La portada ofrece una fotografía sin firma de un steel guitar.

Canciones: Venus. Caravan. Blue Moon. Raunchy. Harbor Lights. Lazy Day. Sleepwalk. Andalucía. You Belong To Me. Teardrop. Long Walk Home.

Músicos: Santo Farina (steel guitar), Johnny Farina (guitarra eléctrica). Orquesta de Bob Davis.

Otras portadas: Santo & Johnny (1959), Encore (1960), Hawaii (1961), The Beatles Greatest Hits (1964) y Mucho (1965).

Rising (Polydor). El ambiente en el grupo británico Deep Purple era opresivo para su Ritchie Blackmore, mediados de los setenta, cuando la banda de rock duro se encontraba entre las más famosas del mundo, motivo por el cual su mejor guitarrista decide abandonar a sus compañeros de éxitos para dar una nueva orientación a su carrera artística. Sin embargo, en Rising, segundo elepé, de Rainbow, en el que aparecen nuevos músicos en relación con el debut discográfico, se nota la influencia de Deep Purple, pero Ritchie Blackmore, que compone las seis canciones del elepé junto al cantante Ronnie James Dio, se nota más suelto a la hora de tocar y brillante al conseguir un sonido caracterizado por una música que va a contribuir a la aparición de nuevas bandas de heavy metal en los ochenta, cuando este estilo parecía haber entrado en la fase de desaparición. Starstruck constituye sin duda la canción que más destaca a nivel comercial, pero también hay que tener en cuenta la grandilocuente Stargazer, con orquesta sinfónica incluida, y la purpleriana A Light In The Black. En esta última, Richie Blackmore vuelve a demostrar por qué es el guitarrista preferido de los seguidores del hard rock y estilos similares. Grabado en 1976, Rising se convierte en el disco de consolidación de una nueva marca dentro del rock británico, a lo que contribuye el genio de Blackmore y la pericia de sus acompañantes, en especial el cantante Dio. La portada del disco recoge una ilustración de Ken Nelly, que se utilizaría como icono distintivo de la banda para sus actuaciones en directo.

Canciones: Tarot Woman. Run With The Wolf. Starstruck. Do You Close Your Eyes. Stargazer. A Light In The Black.

Músicos: Ritchie Blackmore (guitarra), Tony Carey (teclados), Jimmy Bain (bajo), Cozy Powell (batería) y Ronnie James Dio (voz). Munich Philharmonic Orchestra.

 

Otras portadas: Ritchie Blackmore’s Rainbow (1975), Long Live Rock’ N’ Roll Music (1978), Down To Earth (1979), Difficult To Cure (1981) y Straight Between The Eyes (1982).

Expect No Mercy (Vertigo). El cuarteto escocés Nazareth lleva tras de sí una brillante estela a mediados de los años setenta como banda de rock duro al conseguir que algunas de sus canciones lleguen a las listas de discos más vendidos en las Islas Británicas. A pesar del éxito, el grupo no abandona el rock duro con que se dio a conocer, por lo que en el elepé Expect No Mercy, grabado en 1977, no resulta extraño el protagonismo de ritmos potentes y los afilados riffs de guitarras eléctricas, así como la reconocible voz de Dan McCafferty, muy en la línea de otros afamados cantantes de hard-rock. Las composiciones se apoyan en la versatilidad de los miembros del combo a la hora de componer, porque la mayoría de la piezas están firmadas por ellos, excepto Gone Dead Train y Busted, que también adquieren el tono frenético que Nazareth adopta en casi todo el repertorio de este disco. En él también se notan influencias americanas, del rock sureño, en Gimme What’ s Mine; del blues, en Busted; del country, en Place In Your Heart, o del soul más intenso en New York Broken Toys. Como se puede apreciar, Nazareth muestra tendencia a los estilos musicales de Norteamérica, como buena parte de los roqueros de su generación que se estrenaron como bandas de blues-rock. La carátula del disco recoge una ilustración del dibujante neoyorquino y autor de cómics Frank Frazetta, que también ha desarrollado una importante labor en el ámbito de las portadas de elepés.

Canciones: Expect No Mercy. Gone Dead Train. Shot Me Down.Revenge Is Sweet. Gimmie What’s Mine. Kentucky Fried Blues. New York Broken Toys. Busted. Place In Your Heart. All The King’s Horses

Músicos: Dan McCafferty (voz), Manny Charlton (guitarras), Peter Agnew (bajo) y Darrell Sweet (batería).

Otras portadas: Razamanaz (1973), Loud ‘N’ Proud (1973), Rampant (1974), Hair Of The Dog (1975), Close Enough For Rock ‘N’ Roll (1976), No Mean City (1979), Malice In Wonderland (1980), The Fool Circel (1985) y Snakes ‘N’ Ladres (1989).

Elegant Gypsy (CBS). El guitarrista Al Di Meola durante su primera etapa de solista, tras el brillante periodo en el aclamado grupo Return To Forever, opta sin ningún complejo por la fusión del jazz con estilos de diversas procedencias, como la denominada música latina. Más eléctrico que acústico, sin embargo en este álbum ya apunta su tendencia a recrearse en lo segundo, por lo cual no es extraño que el virtuosismo del músico norteamericano se exprese mediante las inolvidables composiciones Mediterraneam Sundance, con Paco de Lucía a la guitarra española, y Lady Of Rome, Sister Of Brasil, en ésta Di Meola solitario con su guitarra acústica. No obstante, la faceta roquera de Al se manifiesta arrolladoramente en las composiciones Race With Devil On A Spanish Highway y Elegant Gipsy, pero sin perder las influencias del jazz. Esta mezcla está presente en piezas más apasionadas, más latinas, con más protagonismo de la percusión afrocaribeña, como son Fligth Over Rio y Midnight Tango. La predisposición a lo cálido se nota asimismo en la portada del disco con un elegante Di Meola inmortalizado por el fotógrafo Bill King.

Canciones: Flight Over Rio. Midnight Tango. Mediterranean Sundance. Race With Devil on Spanish Highway. Lady of Rome, Sister of Brazil. Elegant Gypsy Suite.

Músicos: Al Di Meola (guitarras, sintetizadores, piano, arp strong ensemble, percusión, castañuelas, maracas y timbales), Jan Hammer (sintetizador y piano), Barry Miles (pianos acústico y eléctrico), Anthony Jackson (bajo), Mingo Lewis (órgano, sintetizador, percusión, conga, timbales y maracas), Steve Gadd (batería), Lenny White (batería y timbales) y Paco de Lucía (guitarra española).

Otras portadas: Land Of The Midnight Sun (1976), Casino (1978), Friday Night In San Francisco (1981), Electric Rendevous (1981), Cielo e Terra (1985) y Tirami Su (1987).

Forgesound (Ariola). Antonio Fraguas de Pablo es uno de los más valorados dibujantes españoles de tiras cómicas pero también artista al que no se le escapan otros ámbitos de la cultura. En el año 1976 participa en la grabación de este disco ilustrado tanto en la carpeta como en el interior. En el interior,  las canciones van acompañados de sus inconfundibles y populares personajes que acompañan a los españoles en diferentes medios desde la década de 1960. Según recoge la información del elepé en el se incluyen “Forgendros músico-literarios originales de los polifacéticos maestros Jesús Munárriz y Luis Eduardo Aute bajo la fastuosa inspiración de Antonio Fraguas de Pablos Forges y sus universalmente famosos monigotes”. Musicalmente hay géneros populares de añeja edad pero adaptados a los todavía difíciles días de la transición española a la democracia. Cha-Cha-Chá, tango, chotis, rock, romance, cuplé, jota y pasodoble, entre otros, aportan sus ritmos para describir asuntos cotidianos que alegran o entristecen la vida de los mortales de aquellos convulsos y sangrientos tiempos de cambios. En la portada y en la contraportada aparecen el popular Blasillo, de Forges, y los inconfundibles bocadillos que dan voz a los personajes del ilustrador.

Canciones: Los cabras locas. Mariano. Carselero, carselero. Sillón de mi entretelas. Romance del Blasillo. Tía mollar. ¡Ay Suiza, patria querida!. La ventanilla. Yo no me voy. Antonio Fraguas “El Forges”.

Cantantes y músicos: Luis Eduardo Aute, Jesús Munárriz, Julia León, Rosa León, Teddy Bautista y Antonio Morales.

So Many Rivers (MCA Records). Cantante, compositor y guitarrista, Bobby Womack es una de las figuras del soul aunque tenga un discreto reconocimiento en el ámbito discográfico a pesar de componer un gran número de canciones, a veces para conocidos solistas y grupos. Tras su declive a finales de los años setenta, en la siguiente década, con la colaboración de músicos amigos como Wilton Fielder, de la banda The Crusaders, graba en 1985 este So Many Rivers. En el elepé se aprecian algunas de las virtudes del soulman de Cleveland (Ohio), entre otras, cálida voz, acertados arreglos y música con mucho sentimiento. Todo esto se puede comprobar escuchando Me So Much, So Baby, Home Without It, Let Me Kiss It Where It Hurts o That’s Where It’s At, esta última de su mentor el gran Sam Cooke. Son canciones intensas, a veces lamentos, con una atractiva instrumentación. Por otra parte, no hay que olvidar el ritmo bailable de So Many Rivers, Whatever Happened To The Thimes? o Check It Out, que confirman al compositor intemporal que es Womack. La fotografía de Bobby Womack en la carátula del disco fue realizada por Jim Shea.

Canciones: I Wish He Didn’ t Trust. Me So Much. So Baby, Don’t Leave. Home Without It. So Many Rivers. Got To Be With You Tonight. Gypsy Woman. Whatever Happened To The Times?.Let Me Kiss It Where It Hurts. Only Survivor. Thast Where It’s At. Check It Out.

Músicos: Bobby Womack (guitarra y voz), David T. Walter (guitarra), Robert Palmer (guitarra), Jeff Baxter (guitarra), David Sheilds (bajo), Nathan Watts (bajo), Rusty Frank Hamilton (teclados), Michael Wycoff (teclados), Dan Lee Butts (teclados), Rusty Frank Hamilton (sintetizador), James Gadson (percusión y voz), Paulinho Da Costa (percusión), Dorothy Ashby (armónica), The Waters (voces), Alltrina Grayson (voz), Katy Wesly (voz), Mary Clayton (voz), Vesta Williams (voz), Stephanie Spruill (voz), Kathy Bloxson (voz), Valentinos Friendly Womack (voces), Curtis Womack (voz) y Wilton Fielder (voz y saxofón).

Otras portadas: Fly Me To The Moon (1969), Understanding (1972), Facts Of Life (1973), Looking For A Love Again (1974), Roads Of Life (1978), Save The Children (1979), The Poet I (1981), The Poet II (1984) y Womagic (1986).

Elite Hotel (Reprise). La cantante Emmylou Harris demuestra una insistente querencia desde sus comienzos por la música country, como la que contiene este elepé grabado durante el año 1975 con un excelente grupo de instrumentistas y compositores. De los segundos, Emmylou, que se caracteriza más en su carrera por las versiones que por piezas propias para interpretarlas, recoge canciones tanto de clásicos del estilo campestre como de los más jóvenes. La firma de la cantante aparece en una canción, Amarillo, coescrita con otro afamado compositor de country, Rodney Crowell, de quien también se incluye en el álbum Hill I Gain Control Again. En cuanto a los estándares, suenan creíbles en la voz de la Harris: Togheter Again, Sweet Dreams y Jambalaya. A las versiones hay que añadir la canción Here, There And Everywhere, de Lennon y MCartney, cuyos arreglos de cuerda constituyen la sorpresa de esta reinterpretación. En relación con los compositores más jóvenes de country, un estilo en auge entre la gente del rock de los setenta en Estados Unidos, hay que señalar que en Elite Hotel se grabaron tres canciones de Gram Parsons, dos veces con el nombre de Chris Hillman, de la etapa de los Flyng Burrito Brothers’, Sin City y Wheels, y de sus discos en solitario, OOh Las Vegas. Los arreglos y la ejecución musical resultan intachables hasta el punto de convertir a este disco en un ejemplo del mejor country rock cantado por una voz femenina, la de Emmilou Harris, cuya fotografía se utilizó para portada del disco.

Canciones: Amarillo.Together Again. Feelin’ Single – Seein’ Double. Sin City. One Of These Days. Till I Gain Control Again. Here, There and Everywhere. Ooh Las Vegas. Sweet Dreams. Jambalaya. Satan’s Jewel Crown. Wheels.

Músicos: Emmylou Harris (voz y guitarra), James Burton (guitarra), Rodney Crowell (guitarra y voz), Mike Auldridge (guitarra), Byron Berline (mandolina), Brian Ahern (guitarra y bajo) Guitar (Acoustic), Rick Cunha (guitarra), Hank De Vito (pedal steel), Amos Garret (guitarra), Glen D. Hardin (piano y teclados), Ben Keith (steel guitar), Bernie Leadon (banjo, guitarra y voz), Bill Payne (teclados), Herb Pedersen (banjo, guitarra y voz), Emory Gordy (bajo), Mickey Rafael (armónica), Ron Tut (batería), John Ware (batería), Dianne Brooks (voz), John Edwards (voz), Linda Ronstadt (voz), Fayssoux Starling (voz) y John Starling (voz).

Otras portadas: Pieces Of The Sky (1975), Luxury Liner (1977), Quarter Moon In A Ten Cent Town (1978), Light Of The Stable (1979), Blue Kentucky Girl (1979), Roses In The Snow (1980), Cimarron (1981), White Shoes (1983) y Duets (1990).

Travels (ECM). Doble disco en directo que recoge varias actuaciones en diferentes ciudades de Estados Unidos, Dallas, Filadelfia, Hartford, Sacramento y Nacogdoches, del Pat Metheny Group, durante algunos días de los meses de julio, octubre y noviembre de 1982. Pat Metheny es entonces un músico que revoluciona el ambiente del jazz rock con su virtuosismo a la guitarra y la utilización de los adelantos de la tecnología para sus creaciones musicales, como la guitarra sintetizada, que en ocasiones originan ambientes de un estilo difícilmente clasificable. Las compasiones son largas en la mayoría de los casos, muy propias del directo, y sirven para que el grupo demuestre su potencial y experiencia en las puestas en escena. Entre los músicos, además de Metheny, hay que destacar la labor del teclista Lyle Mays, quien expresa su arte en varios de sus envolventes solos (San Lorenzo). Así de este trabajo en vivo, brillan con luz propia piezas como la que abre el disco Are You Going With Me, Song For Bilbao o As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls, por citar algunas entre las 11 recogidas en los dos discos. Como colaborador figura el brasileño Naná Vasconcelos, percusionista y cantante, que aporta el sentimiento de la música de su país, por ejemplo en Goodbye. Las fotografías de la portada del disco son de Milan Horacek, Dieter Jahnig y Dieter Rehm.

Composiciones: Are You Going with Me?. The Fields, The Sky. Goodbye. Phase Dance. Straight On Red. Farmer’s Trust Extradition. Going Ahead. As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls. Travels. Song for Bilbao. San Lorenzo.

Músicos: Pat Metheny (bajo, guitarra eléctrica, guitarra de 12 cuerdas, guitarra sintetizada y guitarra clásica Dan Gottlieb (batería), Lyle Mays (órgano, sintetizador, Dan Gottlieb (batería), Steve Rodby (bajos acústico y eléctrico y bajo sintetizado) y Naná Vasconcelos (percusión, batería, berimbau y voz)

Otras portadas: Bright Size Life (1976), Watercolors (1977), New Chautauqua (1979), American Garage (1980), 80/81 (1981), As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls (1981), Still Life (1987), Letter From Home (1989) y Question And Asswer (1990).

Aqualung (Chrysalis). El grupo británico Jethro Tull se consolida como una de las principales formaciones de rock progresivo de la década con este disco de estudio puesto a la venta a comienzos de 1971, y en el que Ian Anderson también destaca como líder de la banda y acertado compositor de canciones iconoclastas y nada complacientes con la religión y la sociedad en general. El disco dividido en dos partes, una en cada cara del elepé, se caracteriza por una mezcla de folk, con presencia de guitarras acústicas y la inconfundible flauta de Anderson, y rock duro, pero sin caer en los excesos del heavy. Lo primero se confirma en My God, Cheap Day Return o Mother Goose. La parte más eléctrica suena con brillantez en Aqualung, Cross-Eyed Mary o Locomotive Breath. El disco tiene una excelente acogida incluso en Estados Unidos, donde obtiene la condición de disco de oro, lo cual no impide que Jethro Tull continúe en los años setenta con la grabación de discos de gran calidad que se reinterpretarán en las numerosas puestas en escena del grupo por diferentes escenarios de todo el mundo. La portada de Aqualung está adornada con una pintura del artista norteamericano Burton Silverman, que firma también el interior y la contraportada de este ejemplar disco para muchos críticos de música rock.

Canciones: Aqualung, Cross-Eyed Mary, Cheap Day Return, Mother Goose, Wond’ring Aloud, Up to Me, My God, Hymn 43, Slipstream, Locomotive Breath y Wind Up.

Músicos: Ian Anderson (flauta, guitarra acústica y voz), Martin Barre (guitarra eléctrica), Clive Bunker (batería y percusión), John Evan (piano, órgano y melotrón) y Jeffrey Hammond (bajo y voz). David Palmer (arreglos orquestales, teclados y saxofón).

Otras portadas: This Was (1968), Stand Up (1969), Thick As A Brick (1972), Living In The Past (1972), A Passion Play (1973), War Child (1974), Minstrel In The Gallery (1975), To Old To Rock’ N’ Roll: To Young To Die! (1976), Songs From The Wood (1977), Heavy Horses (1978), Stormwatch (1979), The Broadsword And The Beast (1982) y Rock Island (1989).

Algo más (Polydor). Tercer disco del grupo madrileño Los Secretos, cuarteto en el que militan los hermanos Urquijo (Álvaro, Enrique y Javier) y el percusionista Pedro A. Rico, quienes introducen alguna novedad en su estilo como el instrumental No me imagino, interpretado con la colaboración de Foi Gras, banda de country rock. La afición a los sonidos campestres por parte del cuarteto se manifestará en sucesivos elepés, como en este grabado en los meses de marzo y abril de 1983, donde también hay otra pieza, Hoy no, con predominio de instrumentos como el dobro. Mas Los Secretos conservan su faceta pop, en la que realmente se sienten más cómodos, principalmente Enrique Urquijo, que compone la mayoría de canciones de este álbum, considerado de transición. Del que sería líder del grupo aparecen algunas composiciones a tener en cuenta como De vuelta, Hoy no y El tiempo pasa, que junto a las dos mencionadas anteriormente subrayan la temática preferida de Enrique, la tristeza, el desamor, las esperas y el inexorable paso del tiempo. Por su parte, José María Granados, cantante de la banda Mamá, en aquellos años de la denominada movida madrileña, aporta Callejear, representativa del pop rock con predominio de guitarras limpias y armonías vocales. El diseño de la portada de este disco grande, dentro del estilo de los cómics, pertenece a OFF, que realiza así un homenaje al dibujante norteamericano Frank Robbins mediante la utilización de una viñeta de su popular personaje Johnny Hazard, según apuntó Dionisio Platel, a quien agradezco su dato.

Canciones: Algo más, Callejear, Tiene que cambiar, De vuelta, No me imagino (instrumental), No me imagino (cantada), Hoy no, El tiempo pasa, Perdida la ilusión y en el bar.

Músicos: Enrique Urquijo (bajo y voz), Pedro A. Díaz (batería, percusión y voz), Álvaro Urquijo (guitarra, guitarra de 12 cuerdas, guitarra acústica y voz) y Javier Urquijo (guitarra y voz). Colaboraciones. Luis J. Serrano (piano acústico, piano eléctrico, órgano, teclados y voz), Javier Encinas (armónica en Callejear), Arturo Marugán (dobro en Hoy no), J.A. Teruel (banjo en No me imagino), José María Granados (coros en Callejear) y J.L. Izaguirre (coros en Algo más y Hoy no). Colaboración especial del grupo Foi Gras en la canción No me imagino (instrumental). Sus miembros son Pedro López (mandolina), Arturo Marugán (dobro), Félix Angulo (contrabajo), J. Antonio Teruel (banjo), Álvaro Asenjo (violín) y Ramón Arroyo (guitarra acústica).

Otras portadas: Los Secretos (1981), Todo sigue igual (1982), El primer cruce (1986), Continuará (1987), Directo (1988), La calle del olvido (1989) y Adiós tristeza (1991).

Rock’N’Roll Gumbo (Movieplay-House Of The Blues Vol. 4). Henry Roeland Byrd, conocido como Professor Longhair (1918-1980), es uno de los principales representantes del blues de Nueva Orleans, estilo que adquiere inconfundible originalidad en la capital de Luisiana, a lo cual contribuye este recordado pianista, desde sus comienzos en los años cuarenta, al mezclarlo con gumbo, barrelhouse, boggie, música caribeña y rhythm and blues. Un ejemplo de esta música se encuentra en la canción Tipitina, grabada en 1974 con las restantes de este elepé que devolvió la fama perdida al Professor Longhair, quien había recuperado siete composiciones propias, entre ellas una de sus clásicas: (They Call Me) Doctor Professor Longhair, que refleja la espontaneidad del pianista alegre y despreocupado. Además realiza varias reinterpretaciones de piezas populares de Nueva Orleáns, como Junco Partner, Rockin’ Pneumonia y Mess Around, pero se atreve incluso con un hito del country, Jambalaya, que se adapta perfectamente al ritmo mestizo del pianista y sus acompañantes, entre los que figura el guitarrista y violinista texano Clarence Gatemouth Brown. La carátula del elepé incluye un dibujo de Jean Vern.


Canciones: Junco Partner, Meet Me Tomorrow Night, Doin’ It, How Long Has That Train Been Gone, Tipitina, Rockin’ Pneumonia, Jambalaya, Mean Ol’ World, Mess Around, Hey Now Baby y (They Call Me) Doctor Professor Longhair.

Músicos: Professor Longhair (voz y piano), Clarence Gatemouth Brown (guitarra), Julius Farmer (bajo), Shiba (batería) y Uganda (congas).

Otras portadas: New Orleáns Piano (1972), Live On The Queen Mary (1978), Crawfish Fiesta (1980), Mardi Gras In New Orleáns (1981) y House Party New Orleans Style (1987).

Carnaval (MCA Records). Spyro Gyra es uno de los grupos de pop jazz formado a finales de los años setenta por músicos profesionales de Estados Unidos que quieren dar rienda suelta a su creatividad dentro de una línea más autónoma a la que se impone en la grabación de discos de otros artistas. Después de un inspirado comienzo, Spyro Gyra entra en la década de los ochenta con buen pie al convertirse en una de las bandas de referencia del buen gusto musical refrendado por una limpia ejecución de su amplio repertorio. Carnaval (1980) mantiene la mezcla de estilos con incursiones en el jazz como se puede apreciar en la composición Café Amore, muy cercana al pop con ínfulas. En la siguiente, Dizzy, se nota un toque más roquero aunque fusionado con música brasileña y jazz, para a continuación pasar a un sonido atmosférico apoyado por un saxo evocador de ambientes calurosos (Awakening). El resto del elepé se completa con otras tantas composiciones en la línea de las anteriores, que se rompe con la última pieza, la que da título al álbum, Carnaval, que como su nombre indica está inspirada en una de las principales fiestas de los países latinoamericanos y caribeños, donde predomina la música bailable y divertida. La portada se identifica perfectamente con el título del elepé y está firmada por el artista Dave Heffernan.

Canciones: Café Amore, Dizzy, Awakening, Casaca, Foxtrot, Sweet And Savvy, Bittersweet y Carnaval.

Músicos: Michael Brecker (flauta y saxo tenor), Randy Brecker (flauta, saxo tenor y trompeta), Hiram Bullock (guitarra) Jay Beckenstein (piano y saxo alto), Jonathan Abramowitz (cuerdas y chelo), Sanford Allen (violin), Lamar Alsop Strings (viola), Crusher Bennett (percusión), Errol Bennett (percusión y conga), Chet Catallo (guitarra), David Darling (chelo), Peter Dimitriades (cuerdas), Steve Jordan (batería), Harold Kohon (cuerdas y violín), Eli Konikoff (batería), Steve Kroon (percusión), Jim Kurzdorfer (bajo), Jay Levy (cuerdas), Jesse Levy (chelo), Harry Lookofsky (violin), Guy Lumia (cuerdas y viola), Tom “Bones” Malone (trombón y trompeta), Rob Mounsey (sintetizador), Matthew Raimondi (cuerdas y violín), Dave Samuels (marimba y vibrafono), Allen W. Sanford (cuerdas),Tom Schuman (teclados, metales y arreglos de cuerda), Peter Simitriades (violin), Richard Sortomme (cuerdas y violín), Rick Strauss (guitarra), John Tropea (guitarra), Gerardo Velez (percusión) y Jeremy Wall (teclados, arreglos de metal y arreglos de cuerda).


Otras portadas: Spyro Gyra (1976), Morning Dance (1979), Catching The Sun (1980), Freetime (1981), Incognito (1982), Acces All Areas (1983), City Kids (1983), Alternating Currents (1985), Breakoat (1986), Stories Without Words (1987), Rites Of Summer (1988) y Point Of View (1989).

Torna Aviat (CBS/Sony). El catalán Lluís Llach afronta la década de los noventa con fuerza renovada como pone de manifiesto en su elepé Torna Aviat (1991), una obra de transición que confirma el sólido trabajo de varias décadas de uno de los cantautores más estimados de Europa. El disco con un discreto pero efectivo plantel de músicos recoge canciones cuyas letras están relacionadas con el amor, la nostalgia, la crítica, el sarcasmo y la insumisión. También se incluye un instrumental, La forja, de la banda sonora de la serie La forja de un rebelde, basada en la trilogía literaria del mismo título de Arturo Barea. Llach vuelva a crear ambientes cargados de sugerencias en los que su inconfundible voz tiene un destacado protagonismo, casos de Torna aviat y Roda. La segunda constituye un homenaje al poeta Miquel Maria i Pol. También hay que destacar Au blanca en la que interviene la cantante de ópera Victoria dels Ángeles. Sin llegar al nivel de las grandes obras de Llach, Torna Aviat es un elepé más de andar por casa, lo cual no le impide que contenga canciones imperecederas como el arte de Lluis. La realización del diseño de la carátula está firmada por Anatome.

Canciones: Roda, Torna aviat, Esquizoclub, La idea podria enamorar-te, Insubmís, Dóna’m sa mà, Au blanca y La forja.

Músicos: Lluis Llach (voz), Stefano Melone (teclados y arreglos), Jordi Armengol (guitarras eléctrica y acústica), Laura Almerich (guitarra clásica y marimba), Quico Rodríguez (bajo), Lluís Ribalta (batería) y Manuel Rabinad “Rabi” (flautas y sintetizador). Colaboraciones: Victòria dels Àngels, Josep Maria Alpiste, Grup Coral de Parlavà, Jorge Prado, Insubmissos del MOC, Mili KK y Assemblees antimilitaristas.

Otras portadas: Ara i aquí (1970), Lluís Llach a l’ Olympia (1973), Viatge a Itaca (1975), Barcelona, Gener de 1976 (1976), Campanadas a morts (1977), El meu amic el mar (1978), Sommiem (1979), Verges 50 (1980), Maremar (1985), Astres (1986) y Geografía (1988).

Wish You Where Here (EMI). El cuarteto británico Pink Floyd consigue convertirse en uno de los grandes referentes del rock progresivo de los años setenta debido, entre otros motivos, a la grabación de discos como este dedicado al que fue líder del grupo en sus comienzos, el compositor y guitarrista Syd Barrett. animador de la psicodelia musical de las Islas Británicas. Grabado en 1975, Whis You Where Here mantiene el estilo de álbum conceptual, muy en boga en la década de los setenta, en la pieza Shine On You Crazy Diamond, que abre y cierra el disco, composición divida a su vez en nueve partes, y dedicada a Barret. Este homenaje de apertura y cierre desarrolla cautivadoras melodías y atractivos solos de guitarra eléctrica de David Gilmour. Sin embargo, no hay que olvidar la acústica Wish You Where Here, todo un clásico del pop, que también está dedicada al mencionado miembro fundador del grupo. En este disco hay que mencionar además la colaboración del excelente cantautor Roy Harper, quien pone voz a Have Cigar. Welcome To The Machine, con su texto crítico a la entonces potente industria discográfica, se mantiene en el más puro estilo Pink Floyd que a mediados de los setenta comienza a ser más accesible, comercial, y se encamina al podio de los grandes con el apoyo en las ventas millonarias de sus discos y espectaculares giras con gran despliegue de medios. La portada está diseñada por colectivo Hipgnosis.

Canciones: Shine On You Crazy Diamond, Pts. 1-5, Welcome To The Machine, Have A Cigar, Wish You Were Here y Shine On You Crazy Diamond, Pts. 6-9.

Músicos: David Gilmour (guitarras y voz), Roger Waters (bajo, guitarra y voz), Rick Wright (teclados y voz) y Nick Mason (batería). Dick Parry (saxofón), Venetta Fields (voz), Roy Harper (voz) y Carlena Williams (voz).

Otras portadas: The Piper at the Gates of Dawn (1967), A Saucerful of Secrets (1968), More (1969), Ummagumma (1969), Atom Heart Mother (1970), Relics (1971), Meddle (1971), The Dark Side of the Moon (1973), Animals (1977), The Wall (1979), The Final Cut (1983), A Collection Of Great Dance Songs (1981), A Momentary Lapse of Reason (1987), Delicated Sound Of Thunder (1988) y The Division Bell (1994).

Greatest Hits (Tamla Motown). The Marvelettes. Año de edición 1966. Las primeras componentes de este grupo vocal femenino eran Gladys Horton, Katherino Anderson, Georgenna Tillman, Juanita Cowart y Wanda Young. Sus mejores momentos a nivel de éxitos discográficos fueron desde 1962 a 1966. Entre sus canciones destacan Please, Mister Postman, que también popularizaron en sus comienzos The Beatles, y en los años setenta el dúo norteamericano Carpenters. Sin duda es el grupo vocal con más fuerza de la primera mitad de los sesenta de la factoría Motown de Detroit. Apadrinadas por Smokey Robinson, que les componía canciones, interpretaban también piezas de los famosos Holland-Dozier-Holland e incluso de Marvin Gaye, cantante éste a quien a veces hacían los coros. En las grabaciones intervienen los músicos habituales de sesión de la discográfica Motow. El diseño de la carpeta es de H. Junior.

Canciones: Don' t Mess With Bill, You' re My Remedy, Locking Up My Heart, As Long As I Know He' s Mine, Too Many Fish In The Sea, Danger Heartbreak Dead Ahead, Please, Mister Postman, Playboy, Strange I Know, Forever, Twistin' Postman y Beechwood 4-5789.

Otras portadas: Please Mr. Postman (1961), Playboy (1962), Live On Stage (1963), The Marvelettes (1967(, Sophisticates Soul (1968), Inf Full Bloom (1969) y Return The Marvelettes (1970).

Greatest Hits (Tamla Motown). The Supremes, luego con el nombre de Diana Ross delante, al principio forman el trío Florence Ballard, Mary Wilson y Diana Ross. También cuentan en sus comienzos con la colaboración de los mejores compositores y músicos de sesión del sello Tamla Motow. Desde sus primeros discos triunfan no sólo ante el público norteamericano, sino que su su fama trasciende a todos los países donde se vendían sus discos. Varias de sus canciones ocuparon los primeros puestos de las listas de éxito. En 1966 se marcha Florence, y entra en su lugar Cindy Byrdsong. A partir de la marcha de Diana Roos, en 1970, The Supremes encara una nueva etapa hasta la desaparición en 1976. Este doble elepé de grandes éxitos ofrece canciones desde sus primeros elepés hasta 1967. La carátula tiene como motivo principal una pintura de Robert Taylor.

Canciones: When The Lovelight Starts, Shining Through His Eyes, Where Did Our Love Go, Ask Any Girl, Run, Run, Run, Stop! In The Name Of Love, Back In My Arms Again, Come See About Me, Nothing But Heartaches, Everything Is Good About You, I Hear-A Simponhy, Love Is Here And Now You're Gone, My World Is Empty Without You, Whisper You Love Me Boy, The Happening, You Keep Me Hanging' On, You Can't Hurry Love, Standing AT The Crossroads Of Love, Love Is Like An Itching In My Heart y There's No Stopping Us Now.

Otras portadas: Meet The Supremes (1963), Where Did Our Love Go (1964), A Bit Of Liverpool (1964), We Remeber San Cooke (1965), At The Copa (1965), I Hear Symphony (1966), A Go Go (1966), Reflections (1967) y Love Child (1968).

“Spaces” (Vanguard). El inquieto guitarrista Larry Coryell colabora en la consolidación de lo que se llama jazz fusión con este disco grabado en 1969, aunque difundido en la década siguiente, y en el que acompañan al instrumentista norteamericano conocidos músicos como John McLaughlin, Chick Corea, Miroslav Vitous y Billy Cobham, virtuosos que a pesar de su juventud constituyen la vanguardia del nuevo jazz de finales de los años sesenta bastante enraizado en el bop. La primera pieza, que también sirve para el título del elepé, resalta ese sonido en el que se mezclan jazz y rock, algo habitual en aquella época cuando un grupo de músicos buscaba nuevas sendas para el estilo más clásico de la música negroamericana. Coryell demuestra su talento, sensibilidad y ritmo arrollador en esta composición. La segunda constituye un homenaje al mítico Danjo Reindhart mediante la reinterpretación de “Rene’ s Theme”, de Rene Thomas, por Coryell y McLaughlin con guitarras acústicas que no pierden el “swing” de la melodía original. Por su parte, “Gloria’ s Step, del contrabajista Scot Lafaro, contribuye a que Miroslav Vitous destaque por la utilización del contrabajo con arco, del que consigue sacar sonoridades que recuerdan al violín y al saxofón. El disco se completa con una nueva incursión en el jazz rock con “Wrong Is Right” y lucimiento de McLaughlin a la guitarra eléctrica, mientras que el pianista Chick Corea aporta su técnica infinita al piano eléctrico cuando se adentra en “Chris”. Al final, Larry Coryell se encarga de cerrar el disco con una pieza minimalista interpretada con guitarra acústica para recordar una fecha y un lugar. La portada del elepé recoge una pintura de Jacques Wyrs.

Canciones: “Spaces (Infinite)”, “Rene’s Theme”, “Gloria’s Step”, “Wrong Is Right”, “Chris”, “New Year’s Day in Los Angeles – 1968”.

Músicos: Larry Coryell (guitarras, teclados y sintetizador), John McLaughlin (guitarras), Chick Corea (teclados, piano y piano elécrico), Billy Cobham (batería) y Miroslav Vitous (bajo).

Otras portadas: Lady Coryell (1969), Barefoot Boy (1971), Live at the Village Gate (1971), Offering (1972), Introducing Larry Coryell & The 11th House Vanguard (1972), The Real Great Escape (1973), At Montreux (1974), Restful Mind (1974), Planet End (1975), Twin House (1976),Tributaries (1978), Splendid (1978), Return (1979), Bolero (1981) y Shinning Our (1989).