Abysskiss (Saddle Creek) 2018
Adrianne Lenker
<<Adrianne Lenker ha estado escribiendo canciones desde que tenía 10 años. Su historia de fondo ha sido bien documentada en varias entrevistas y perfiles para Big Thief en los últimos 3 años. A pesar de, o más probablemente debido a la constante gira y el trabajo de estudio, los últimos años han sido algunos de los más prolíficos para Lenker como escritora. Las canciones saltan en la prueba de sonido. Salen en los trayectos nocturnos entre ciudades. Aparecen en las salas verdes, las escaleras de los hoteles, los jardines y las cocinas de todo el mundo.
>>"Quiero archivar las canciones en sus formas originales cada pocos años", explica Lenker. "Mi primer disco en solitario que hice fue Hours Were the Birds . Acababa de cumplir 21 años y me mudé a la ciudad de Nueva York, donde dormía en un almacén, trabajaba en un restaurante y fotografiaba palomas. Ahora, cinco años después, se está desprendiendo otra piel.
>>Después de un viaje de dos semanas por el suroeste de los Estados Unidos, Lenker se dirigió al estudio con su viejo amigo Luke Temple. Temple se puso su gorra productora de lana 100% lana, de color naranja brillante y holgada, y durante una semana hicieron música. Las canciones elegidas para esta colección fueron las que se sintieron más vivas en la sala. Estos no son náufragos ni lados B Algunas de estas canciones han estado vivas durante años, mientras que otras se escribieron solo unos días antes de la sesión. Algunos aparecerán en diferentes formas futuras, otros no. El hilo que conecta estas canciones no es algo que se pueda expresar fácilmente con palabras. La intuición conecta estas canciones. Son un registro de un tiempo>>.
This Too Shall Light (Yec Roc Records) 2018
Amy Helm
<<Durante las sesiones de 'This Too Shall Light', Amy Helm fue sacada literalmente a 3.000 millas de su zona de confort, dejando el estudio familiar en Woodstock, Nueva York para los icónicos estudios de grabación de los Estados Unidos, el mismo complejo donde grabaron los Beach Boys y The Mamas & The Papas rastrearon <Pet Sounds< y <California Dreamin>. Fue allí donde Helm comenzó su colaboración con Joe Henry, el tres veces ganador del Grammy, conocido por su trabajo con artistas como Bonnie Raitt, Elvis Costello y Lizz Wright. Juntos, en solo cuatro días, la pareja atravesó décadas de material, desde los primeros años de la década de los 70 Allen Toussaint hasta los contemporáneos americanos The Milk Carton Kids. Junto con los originales de Helm y Henry, y un par de homenajes al difunto padre de la cantante (Levon Helm-The Band)>>.
The Od Guy (Southern Domestic) 2018
Amy Rigby
<<The Old Guys, el primer álbum en solitario de Amy Rigby en una docena de años, mide el peso de los héroes, el hogar, familia, amigos y tiempo. Philip Roth y Bob Dylan, reproductores de CD y de cassette, giras, la sabiduría de la edad, Walter White, groupies, Robert Altman, cremas de huevo y mentores son homenajeados. Doce canciones escritas inequívocamente por Amy y grabadas por Wreckless Eric en el Estado de Nueva York. The Old Guys es el sonido de una generosa niña crecida, que nunca se rinde.
>>Amy Rigby ha estado escribiendo y cantando sobre la vida. Con las bandas Last Roundup y The Shams en los años ochenta, Nueva York, East Village; en su estreno en solitario Diary Of A Mod Housewife, de los noventa en Williamsburg; a través de una carrera de compositora en Nashville en la década de 2000 y durante la última década con el socio del dúo Wreckless Eric, lanzó discos en los visionarios sellos independientes Rounder, Matador, Signature Sounds y Stiff Records, así como también en el de Southern Domestic Recordings de ella y de Eric. Durante los últimos veinte años, ha realizado giras por los Estados Unidos, Canadá, el Reino Unido y Europa, apareciendo en Fresh Air con Terry Gross, Late Night con Conan O'Brien, World Cafe, Whad'Ya Know, All Things Considered, Marc de la BBC Radio 6 Music.Vive con Wreckless Eric en el valle de Hudson. Su disco "Dancing With Joey Ramone" es un elemento básico del programa de radio Underground Garage de Little Steven>>.
Andrea Lacoste
<<En la boca del es el nombre del nuevo álbum de la cantante venezolana Andrea Lacoste, donde juega con las palabras y hace relación con la boca del mamífero. “Es un disco diferente, en el que tuve el control tanto en la composición como en la producción, trabajando con varios productores como Henry D’Arthenay (Vida Bohème), Alain Gómez (Famasloop) y Carlos Reyes (REYES, Claroscuro) que entendieron perfectamente lo que necesitaba transmitir”, según Lacoste.
>>Las letras abordan temáticas en relación con la pérdida de la memoria a través del tiempo, la depresión, el amor, desamor y el abuso de poder. "Intento que mi fuente de inspiración sea diversa, no siempre hablar de lo mismo. Pueden ser personas que voy conociendo, situaciones que veo o que vivo, emociones y sentimientos. El único recurrente, diría yo, es la melancolía". “Quiero que la gente se transporte a otros espacios mientras reflexiona. Mis letras son variadas, no siempre son de amor, pero siempre busco que nos toquen de alguna forma. Que nos den impulso o energía, que nos generen melancolía”.
>>Andrea Lacoste compone y escribe desde muy temprana edad, pero no fue hasta el 2010 que decide exponer sus temas. Sus composiciones, al principio acústicas, fueron cambiando al incluirle sintetizadores y sonidos industriales que contrastaran con su voz y con los arpegios de la guitarra (eléctrica, en ocasiones). Estos temas reflejan tanto sus influencias musicales (Nine Inch Nails, Radiohead, Björk, Tocotronic, Tori Amos, José González, Yelle…), como todas las situaciones y cosas que han originado sus composiciones y letras. Aparte de las atmósferas electrónicas y acústicas, Andrea usa el español, el francés, el alemán y el inglés como instrumentos que le dan matices distintos a cada canción>>.
If Only There Was A River (Woodsit/Mare Records) 2018
Anne St. Louis
<<If Only There Was a River es el primer álbum de estudio de larga duración de Anna St. Louis. La compositora, que originalmente es de Kansas City, comenzó a escribir canciones después de mudarse a Los Ángeles hace cinco años . Previamente ha lanzado un casete de grabaciones en Woodsist / Mare Records, titulado "First Songs". En su propio debut, St. Louis, extiende sus alas y se expande en la promesa insinuada en las primeras canciones.
>>Para lograr ese objetivo, St. Louis reclutó a Kyle Thomas (King Tuff) y Kevin Morby para producir el álbum, que fue diseñado por Thomas en su casa en Mount Washington, LA. La colección de 11 canciones también presenta a Justin Sullivan (Night Shop) en la batería y el multi-instrumentista Oliver Hill (Pavo Pavo). Influencias como Loretta Lynn, John Fahey y Townes Van Zandt se asoman por los rincones de las canciones, If Only There Was a River no es un asunto nostálgico. Más bien, marca el surgimiento de un artista que se está convirtiendo completamente autónoma.
>>Ser del Medio Oeste significa que un cierto tono está entretejido en la tela de uno. Y de vez en cuando aparece alguien que tiene el poder de transmitir ese sentimiento solo en su cadencia. Y así todo saluda a Anna St. Louis, que nos permite adentrarnos en su mundo de angustias, maravillas y una danza interminable y sin principio con el tiempo. Su álbum es para los místicos, y nos recuerda que el mundo está lleno de magia a cada paso, si solo nos permitimos verlo. A veces, solo con una simple observación, St. Louis nos deja ver una verdad infinita que tal vez no hubiéramos visto de otra manera. Entrar en el mundo de Anna St. Louis es entrar en un mundo donde el corazón conduce directamente al alma y donde todo está envuelto en un hermoso misterio. "If Only There Was a River" es un registro de anhelo, de un alma que busca más>>. Kevin Morby.
Lake Tear Of The Clouds (Autum Tone Records) 2018
Cornelia Mur
Cornelia Mur
<<En su álbum debut, Lake Tear Of The Clouds, la cantante y compositora Cornelia Murr, radicada en Los Ángeles, se adentra en el espíritu bucólico del valle de Hudson en el estado de Nueva York. Al trabajar con el productor Jim James, de My Morning Jacket, Murr evoca una mezcla nebulosa de música folk y música soul cósmica, con su voz flotando en paisajes fantasmales que recuerdan las fantasías de Broadcast, los momentos más pastorales de Stereolab y el romance espeluznante de Beach House.
>>Murr nació en Londres y reside en California con doble ciudadanía, pero pasó gran parte de su infancia en los Estados Unidos, desde Colorado a Massachusetts, de California a la ciudad de Nueva York y al estado de Nueva York. Es este último lugar el que más informa la geografía espiritual del álbum, que invoca el viaje cíclico del agua desde el punto más alto de las montañas Adirondack hasta el valle que se encuentra abajo y hacia el mar. Como esa agua, la voz de Murr fluye con una gracia líquida.
>>Aunque ha colaborado con otros músicos, incluido Elvis Perkins, que aparece en su LP de 2015: I Aubade, y la compositora y actriz Lola Kirke (Mozart in the Jungle), Murr ha escrito y grabado sus composiciones durante mucho tiempo. Mientras que en el pasado le dio vida a sus canciones a través de demostraciones insistentemente detalladas y armoniosas grabadas en su iPhone, el nuevo álbum representa la expresión más completa y más pública de su forma de componer.
>>Grabado principalmente en Palomino Sound, el registro muestra Murr en voces, Omnichord, melotrón, piano de bolsillo, guitarras eléctricas / acústicas, silbatos y percusión. Está acompañada por las contribuciones de James; piano y teclas de Bo Koster de My Morning Jacket; Lola Kirke en la voz; Naomi Greene en voz y arpa eléctrica. El bajista Shane McKillop y el baterista Justin Flint, ambos de Amo Amo, conforman la sección de ritmo. El apoyo espiritual, señala Murr, fue proporcionado por el perro del estudio de Palomino Sound, Frita, quien gana un agradecimiento especial en las notas junto a Kirke. Originalmente pensado como un EP de cuatro canciones, Murr se encontró con una gran cantidad de canciones, muchas de las cuales había estado trabajando durante años. Alentada por James, a quien llama "el productor perfecto", Murr se dio cuenta de que tenía un álbum completo en sus manos.
>>A menudo, sonando como si ella pudiera estar transmitiendo desde algún sock hop interdimensional o Twin Peaks Roadhouse, las canciones de Murr se transfiguran y se mueven. Desde Cocteau Twins de "Tokyo Kyoto" hasta el grupo de chicas que evoca "Who Am I To Tell You" para el old weird american people de "You Got Me", Murr cambia las experiencias personales, reflexionando sobre la necesidad de reclamar un espacio personal. Completa el álbum una versión del himno feminista de Yoko Ono de 1973, "I Have A Woman Inside My Soul".
>>Murr ha mantenido sus canciones cerradas durante mucho tiempo, protegiéndolas de "compañeros de habitación y amantes", pero Lake Tear Of The Clouds representa su deseo de no ocultarse más a sí misma ni a su música. Tanto íntimo como psicodélico, el álbum explora la feminidad y las revelaciones personales que acompañan a la maduración en uno mismo. "He pasado tanto tiempo / En un grito silencioso del espacio / Ahora he olvidado cómo se siente / Saber cómo escucha alguien", Murr canta en "Billons". Lake Tear Of The Clouds presenta la voz de Murr como lo que bien vale la pena escuchar>>.
Coplas de zarzuela (Warner Music Spain) 2018
Diana Navarro
<<La cantante de copla malagueña Diana Navarro ha lanzado el álbum Coplas de zarzuela que recoge los dos recitales grabados en directo en el escenario del Teatro Monumental de Madrid el viernes 30 de junio y el sábado 1 de julio de 2017. con la Orquesta Sinfónica de RTVE, dirigidos por Cristóbal Soler y que estuvieron consagrados íntegramente al género zarzuelístico. El repertorio del disco incluye piezas de Chueca, Luna, Chapí, Barbieri, Giménez, Valverde y Granados, entre otros, con arreglos del compositor Pedro Vázquez.
>>Diana Navarro presentó en 2012 el disco que llevó por título Género Chica, en este disco Diana Navarro nos ofreció su particular visión de un género musical como es la zarzuela, y con el que Diana cerró una trilogía sobre la investigación y fusión de algunas de nuestras músicas con más raíz. Este proyecto dio comienzo con su disco Camino Verde (copla), continuó con su anterior trabajo de Flamenco para poner su broche con este Género Chica (zarzuela), un género que aun siendo anterior a los otros dos engloba todo a la vez, la similitud en letras, melodías y armonías.>>
Pastoral (Anti-Ghost Moon Ray) 2018
Gazelle Twin
<<Gazelle Twin es la invención de la compositora y productora británica Elizabeth Bernholz. “¿Qué especie es esta? ¿Qué siglo? Forjado en un idilio rural en el centro de Inglaterra, el nuevo álbum Pastoral, de Gazelle Twin, exhuma el pasado podrido de Inglaterra, y enciende una antorcha sobre su presente cada vez más oscuro. Contado a través de un grupo de voces multigénero, en vernáculo antiguo y nuevo; desde el eco agudo de la canción popular hasta las excursiones teñidas de tabloides, presenta la idea de que "hay horror en cada idilio y peligro que acecha más allá de lo pintoresco".
>>Cuatro años en desarrollo, en medio de eventos que cambiaron su vida, incluido un traslado lejos de la ciudad, Pastoral será el primer lanzamiento importante del artista desde su aclamado Unflesh (2014, Anti-Ghost Moon Ray) y se encuentra perfectamente en -tema, junto con el programa A / V de Bernholz, inspirado en JG Ballard 'Kingdom Come' (banda sonora lanzada en noviembre de 2017, Anti-Ghost Moon Ray), un infierno infundido de fascismo, esta vez ambientado en la Inglaterra más profunda.
>>Como su única creadora, Gazelle Twin, compositora, música y productora, ha creado un álbum rebosante de frenesí de tropos musicales tradicionales y contemporáneos; desde los primeros instrumentos musicales (el clave y el humilde grabador, alimentados a través de innumerables dispositivos electrónicos) hasta la aplicación ritual y convincente de las muestras encontradas. Más allá de las infusiones de corales de Bernholz, que aquí reverberan como un servicio dominical retorcido, hay incluso sombras de la casa de los 90 y la escena rural delirante, una vez próspera, aunque recordada como un recuerdo acuoso de segunda mano>>.
>>Como su única creadora, Gazelle Twin, compositora, música y productora, ha creado un álbum rebosante de frenesí de tropos musicales tradicionales y contemporáneos; desde los primeros instrumentos musicales (el clave y el humilde grabador, alimentados a través de innumerables dispositivos electrónicos) hasta la aplicación ritual y convincente de las muestras encontradas. Más allá de las infusiones de corales de Bernholz, que aquí reverberan como un servicio dominical retorcido, hay incluso sombras de la casa de los 90 y la escena rural delirante, una vez próspera, aunque recordada como un recuerdo acuoso de segunda mano>>.
Guadi Galego
La artista gallega tras “Lúas de outubro e agosto” (2014) y “O mundo está parado” (2016) presenta este año "Bola de cristal" que constituye el final de un ciclo, que según la compositora, música y cantante de Cedeira: “una inmersión directa en un mundo totalmente distinto en el que tomé conciencia y consciencia de un montón de cousas que hasta ahora no tenía tomado por estar en otra vida distinta”, comenta.
El reciente disco de Guadi Galego en formato CD representa el mundo que le gustaría contemplar en el futuro, sin fronteras mentales, sociales ni de clase. En esa dirección van las canciones como “Fronteiras” o “Recoñecéndome, dos de los cinco recogidos en el disco, los cuales han tenido una excelente aceptación en redes sociales y en la presentación en directo de "Bola de cristal", en el Teatro Jofre de Ferrol.
Throne (Mego) 2018
Heather Leigh
<<Heather Leigh toma su trono como reina del pedal steel con un conjunto de baladas cautivadas con riffs ardientes. Después de la crudeza de su precursor I Abused Animal, Throne es un registro de la noche americana y la feminidad pesada. Canciones de amor íntimas fumadas en sensualidad. Las canciones en Throne son aturdidas, hermosas e incómodas, cubiertas por capas gruesas de bajos pero levantadas por voces multipistas. Estas son formas de canciones ricas que contrastan con el acero reducido en su dúo con Peter Brotzmann.
>>Describe los domingos en Prelude To Goddess, vistiendo vaqueros con estampado de leopardo bajo las centelleantes iluminaciones fluorescentes de la costa británica, como Brighton Rock con bajos adicionales. Le sigue Lena - posiblemente Jolene de Leigh - una canción de amor perversa empapada en una sexualidad subversiva, cargada con un pulso pesado. Soft Seasons está anclado con ritmos hundidos envueltos en un lamento, acero gruñendo y una melodía de orejeras. Gold Teeth, la pista más larga del disco, se levanta y se rompe en oleadas. Picos extáticos equilibrados y repetidos por depresiones melancólicas. Se eleva en una corriente ascendente y, desde las alturas cósmicas, se sumerge en el mar en una avería de acero con pedacitos retorcidos y desenfrenados, antes de volver a atrapar la brisa.
>>Days Without You y Scorpio & Androzani son canciones más cortas e íntimas, en esta última los sintetizadores se agitan y el acero se dobla y se dobla cuando la voz de Leigh tiembla ante un coro griego de sombras y reflejos. Pero esto no es una autobiografía, y Throne se cierra en Days Without You, una canción romántica inacabada, ansiosa por medio de pensamientos y conexiones perdidas. Se desliza en la noche con tacones de aguja, dejando preguntas sin respuesta, en un ambiente de perturbación psíquica y una sensualidad enfermiza de amor.
>>La obra de arte de Leigh (que ella fotografió y diseñó) es un espejo visual de las canciones en Throne. Es un álbum de ecos cósmicos, abstracciones e introspección, de personajes e historias que conforman el primer mejor disco pop de Leigh, sus melodías y ganchos iluminan el ardiente núcleo de su único y distintivo pedal steel>>.
Dirty Computer (Bad Boy) 2018
Janelle Monáe
<<Inspirándose en los predecesores radicales: Josephine Baker, Stevie Wonder, James Baldwin, Grace Jones, David Bowie y, sobre todo, su difunto mentor, Prince - Monáe dice su verdad al poder a través de un paisaje sonoro de funk pop. El álbum se siente como una abertura rosa para encontrarse con el sol, cada pétalo contiene un mensaje diferente. Monáe captura la dicha de la fluidez sexual, la ira elocuente y la espiritualidad del feminismo negro, el colmo temporal del nihilismo, el peso de la duda de sí mismo y, finalmente, el cálculo eufórico de saber quién eres. Ella cambia de armonías de colibríes y ganchos de pop azucarados para disparar 16s para denunciar a los enemigos de todas las facetas de su vida; los matones de la escuela secundaria, el presidente Trump y los "hoteps que intentan decirme cómo sentirme" fuman todos. Ella se celebra a sí misma como un otro y brilla para aquellos en la sociedad.
>>Para transmitir visualmente las capas de esta música, Monáe encargó nada menos que un iridiscente viaje de ciencia ficción, una historia de amor a partes iguales y una odisea heroica. A los 48 minutos, la 'imagen emocional' de la computadora sucia de Monáe combina el matiz de sus letras con un vívido mundo distópico en el que cualquier persona que se considera "sucia" es cazada y químicamente lobotomizada o "limpiada". En este mundo totalitario de Computadoras sucias, no muy diferente de la realidad divisiva de 2018, la no conformidad puede significar la extinción si no te defiendes. Con cada riff de guitarra, cada interludio, cada momento de afecto extraño y amoroso con su coprotagonista, Tessa Thompson, Monáe lucha.
>>Me considero una madre de culo libre", dijo Monáe a Rolling Stone justo cuando se lanzó Dirty Computer . Conocer y mostrar tu verdadero ser al mundo es un nirvana tan dulce que parece imposible de lograr. Pero el álbum rebelde de Monáe disfruta de la indefinible dicotomía de sí misma, "el veneno y el antídoto", un nirvana que no se logró, pero que creció desde dentro>>. Sidney Madden.
Another Time, Another Place (BMG) 2018
Jennifer Warnes
<<El nuevo álbum reúne a Warnes con su coproductora y gran amiga.y la colaboradora Roscoe Beck, director musical y bajo de larga data. Jugador de Leonard Cohen. Es la misma asociación que hizo el hito de 1987 del álbum Famous Blue Raincoat. Con gloriosas producciones y actuaciones, y por supuesto, impecable voz, Another Time, Another Place presenta la crema de la cosecha de compositores como Eddie Vedder ("Just Breathe"), Mark Knopfler ("Why Worry"), John Legend, Warren Haynes, Derek Trucks y
otros.
>>Junto a Warnes se encuentran brillantes músicos y amigos como Dean Parks (Steely Dan, Bob Dylan), el rey del pedal steel Greg Liesz (k.d. lang, Eric Clapton) y el baterista Vinnie Colaiuta (Frank Zappa, Sting).
>>Jennifer Warnes siempre ha sido conocida como alguien que hace discos bellamente diseñados con un corazón abierto, sin miedo de mostrarlos. Emoción y amor a través de su obra. Es el momento perfecto para Another Time, Another Place>>.
Faithful Fairy Harmony (Fire) 2018
Josephine Foster
<<Josephine levanta una lámpara de vitrales y nos pastorea admirando las profundidades del espíritu en este álbum doble de cuatro partes. Tras la fama de su voz, hay coros de entidades aladas (y un transbordador espacial) que ascienden y descienden en un laberinto de espirituales: oraciones rituales, lamentos de blues, himnos vestales y bendiciones jubilosas. Los bordes del mundo natural son fondos giratorios desde los cuales nuestro narrador se posa sobre un precipicio simbólico o se pasea por el desierto en un bosque blanqueado por la nieve, explorando temas eternos de mortalidad y moralidad, bajo la luna y en un diálogo ocasional con un misterioso señor del amor, un ambiguo místico figura.
>>Acompañándose a sí misma en la guitarra, el piano, el órgano, el arpa y el autoharp, este ciclo de 18 nuevas canciones se remonta a varias facetas de la obra anacrónica de Foster (la balada esotérica de This Coming Gladness, los ritmos nativos de Blood Rushing, los valses sonnambistas de I'm A Dreammer, el primitivismo Shaker de Hazel Eyes, I Will Leave You. El humor celestial y la devastadora inocencia se entregan con las contribuciones de Victor Herrero (guitarras principales), Gyða Valtýsdóttir (cello), Chris Scruggs (pedal steel), Jon Estes (bajo), así como miembros de The Cherry Blossoms y otros. Grabado, diseñado y mezclado por Andrija Tokic en su Nashville Bomb Shelter Studio, masterizado por John Baldwin y producido por la misma Josephine>>.
Aviary (Domino) 2018
Julia Holter
<<Aviary es un viaje épico a través de lo que Julia Holter describe como "la cacofonía de la mente en un mundo en fusión", y es el álbum más impresionante del compositor de Los Ángeles hasta el momento, lleno de sorprendentes giros y deslumbrantes arreglos instrumentales. El seguimiento de su aclamado disco de 2015, Have You in My Wilderness , toma como punto de partida una línea de un relato breve de 2009 del escritor Etel Adnan: "Me encontré en una pajarera llena de pájaros que chillan".
>>Es un escenario que parece sacado de una película de terror, pero también es una muy buena metáfora de la vida en 2018, con su ataque interminable de escándalos políticos, desastres naturales extravagantes y voces que gritan sus deseos y resentimientos en el vacío. Aviary combina la astuta y teatral voz de Holter y el trabajo de sintetizador inspirado en Blade Runner con una paleta envolvente de cuerdas y percusión que se revela, y el alcance ilimitado de su visión, a lo largo de quince canciones<<.
Julie Felix
<<Julie Felix hizo del Reino Unido su hogar en los años sesenta, y aparentemente fue la primera cantante de folk solista que firmaba con un sello importante, y la primera artista de música folk que llenó el Royal Albert Hall. También era habitual en la televisión británica, en primer lugar con The Frost Report antes de tener su propio programa Once More With Felix. Ahora tiene ochenta años y ha celebrado con su primer álbum nuevo durante diez años. A ella se le une el extraordinario violinista Peter Knight (Steeleye Span), pero desafortunadamente no sé quién más está involucrado, lo que es una verdadera pena, ya que hay muchos estilos diferentes, desde vientos alisados hasta violín y algunos arreglos maravillosos, y algunas guitarras eléctricas.
>>Este álbum puede haber sido grabado y lanzado en 2018, pero en realidad, es como retroceder en el tiempo al apogeo de Julie. Sí, su voz está fracturada con la edad, pero todavía tiene el control y la emoción. Tuve que sonreír al escuchar algunas de las canciones, ya que ella sigue siendo la activista popular de izquierda. Hay una canción que declara su admiración por el líder de izquierda del Partido Laborista del Reino Unido, Jeremy Corbyn ("Corbinista") y otra que tiene una oportunidad con Bush, Simon Cowell y otros ("Tiger Eyes"). Este es un álbum de protesta de los sesenta, realizado por alguien que estuvo allí, y es un verdadero placer escucharlo. No sé si Julie volverá a grabar, pero si no, ha terminado con un álbum maravilloso que es un gran final para una carrera increíble. Hay muchos cantantes en las listas que no tienen el control de la respiración de Julie, increíble>>. Kev Rowland.
Juniper Grave
<<Desde Edimburgo el cuarteto Juniper Grave Montados bajo el estandarte del álbum debut Of Hellions and Harridans, estos cuatro precursores de la fatalidad han destilado la influencia de los ocultistas, la Ceremonia de Sangre y Jex Thoth en la banda sonora de un trato de Fausto.
>>La alta sacerdotisa de la fatalidad, Jenni Sneddon, maneja su voz de humo y miel como un arma, por turnos, tejiendo historias de folclore olvidado y declamando temibles hechizos, mientras ella y sus compañeros de banda abren un portal a los años 70 con órganos brillantes, voces encantadoras y Riffs melosos, resinosos.
>>Lanzado el 7 de diciembre de 2018, en la presentación del primer álbum participan Jenni (voz y órgano), Jenni Guitarra (guitarra y coros), Shonagh (bajo), Jason (batería), mientras que las voces adicionales corren a cargo de Jason, Eve, Victoria, Aimée. Grabado y mezclado por Graeme Young en Chamber Studio Masterizada por Alan Douches en West Side Music. La parte artística de la portada del disco es obra de Sarah Bramley y el diseño corresponde a Dan Barter Lanzado>>.
Kacey Musgraves
<<El nuevo álbum de Musgraves, Golden Hour, hace picadillo tanto por la inquietud acerca de la calidad del arte de las mujeres del país como por el alboroto de que se hayan cruzado. Es su trabajo más completo y el menos tradicional hasta la fecha. La imponente mermelada de la discoteca "High Horse" puede parecer una dura izquierda en una discografía de tenues canciones de fuera de la ley, pero la magia de Golden Hour es que la lista de 13 canciones introduce pacientemente en su experimentalidad, comenzando con "Slow Burn ", una mermelada apedreada y delicada cuyos antecedentes estilísticos más cercanos son Radiohead, Harvest -Neil Young- y fedora Beck. El lento deslizamiento de las débiles vibraciones de espacio-rock de esa canción a través de la voz de Prismizer en "Oh, What A World", y el ritmo del hip-hop que ancla a "Happy & Sad" se siente cómo el paisaje de la carretera cambia lentamente durante un viaje fuera de la ciudad, o al igual que poco a poco cada vez más fuerte. Cuando "High Horse" finalmente aparece en lo más profundo de la mitad posterior del álbum, es un momento que se siente ganado, en lugar de una estratagema perpendicular para el Top 40.
>>En buena medida, el golpe de estado de Kacey viene con una letra sobre vaqueros y caballos. La línea que aconseja a un hombre arrogante montar a su "caballo alto" fuera de la ciudad ilustra la habilidad de Kacey para cambiar los clichés del país y los juegos de palabras descarados. Sus ganchos más apretados son koanes increíblemente simples: "Ten cuidado con tu propio negocio, y la vida será una aventura". "Si alguna vez encuentras un lado positivo, será un día nublado". Son un poco tontos y un poco profundos, como "Space Cowboy", que invoca el éxito de Steve Miller Band cuando la cantante le dice a un inquieto novio "Puedes tener tu espacio, vaquero" y recurre a un clásico de Neil Young en el verso dos cuando lamenta la muerte de una amistad, remarcando que "después de la fiebre del oro, no hay razón para quedarse". "Slow Burn" es el tipo de doble sentido sin esfuerzo que un compositor puede pasar toda la vida persiguiendo. Después de meditar acerca de llegar tarde a las cosas desde el nacimiento en el primer verso de la canción, Musgraves dice: "Estoy bien con una quema lenta / Tomando mi tiempo, deja que el mundo gire". Ella está cantando sobre mantener una carrera que despegó silenciosamente pero aún así Parece destinado a mayores alturas diez años después , pero también está hablando de dar una vuelta y ver ascuas de color naranja en cenizas al final de una articulación gorda>>. Craig Jenkins
Kristin Hersh
<<La prolífica carrera de Kristin Hersh la coloca como reina alternativa de la música. Su décimo álbum de estudio, Posible Dust Clouds, es una gema sociopática altamente personalizada que se presenta como una reescritura futurista de cómo funciona la música, una brisa melodiosa con una cola de viento venenoso.
>>Envolviendo la yuxtaposición del concepto de 'dark sunshine', representa un disco en solitario y meditabundo creado con amigos para expandir su visión sónica; una mezcla chillona y chirriante de belleza discordante.
>>La retroalimentación y el cambio de fase se deben a la simple rasgueo normal, imagina a Dinosaur Jr y My Bloody Valentine armando un pareado Dylan.
>>Possible Dust Clouds es un glorioso retorno a la forma para uno de los verdaderos innovadores del rock alternativo.
>>Ella sigue siendo una presencia tan poderosa como siempre lo ha sido. Pitchfork
>>La prodigiosa producción y el compromiso con la calidad son bastante asombrosos, pero Kristin Hersh es una música muy, muy especial". The Quietus
"Throwing Muses se convirtió en sinónimo del feminismo del rock universitario a finales de los 80, en gran parte debido a la poesía impresionista sin compromisos de Hersh. de angustia emocional, condición de mujer subyugada y enfermedad mental>>. The Guardian
Heard A Long Gone Song (River Lea Recording) 2018
Lisa O' Neill
<<Lisa O'Neill creció en Ballyhaise, Condado de Cavan y ahora vive en Dublín. Heard A Long Gone Song, su primer álbum para el sello de Rough Trade, River Lea, es una colección de material tradicional intercalado con el suyo. La sensación de pertenencia que Lisa impregna en estas viejas canciones, junto con la inmutabilidad de los temas elegidos, hace que sea difícil saber cuál es cuál.
>>Estas son canciones populares en el sentido original de la palabra. El álbum comienza con una versión totalmente no acompañada de The Galway Shawl, que se recopiló por primera vez en 1936, pero se hizo famoso por la grabación de Alan Lomax en 1956 de la gran Margaret Barry. La extraordinaria e ilimitada entrega de Lisa de esta popular balada callejera irlandesa es como escucharla por primera vez. Le sigue la amenaza de construcción lenta de Along The North Strand, una versión de Lady Isabel y The Elf Knight recopilada de una cantante de Traveler llamada Kitty Cassidy>>.
First Flower (Captured Tracks) 2018
Molly Bruch
>>Burch irrumpió en la escena musical en 2017 con su álbum debut Please Be Mine, una oda de diez canciones al romance no correspondido que escribió después de estudiar Jazz Vocal Performance en la Universidad de Carolina del Norte en Asheville. Be Be Mine se ganó los elogios de los críticos por sus vocales llenas de humo y sin esfuerzo y las letras de su corazón sangrante.
>>"Me sorprendió mucho la cantidad de personas que me dijeron que la música les había ayudado a superar su propia ruptura", dice de Please Be Mine. "Estaba tan conmovido por eso. Nunca lo esperé. Estaba consciente de que la gente realmente estaba escuchando mi música y teniendo una experiencia positiva, así que [con el próximo álbum] quería revelar mis propias luchas con miedo y ansiedad ".
>>Burch rechazó sus ideas de su compañero de banda y novio, Dailey Toliver, quien aportaría partes de guitarra y sugerencias de orquestación. Los huracanes los mantuvieron encerrados en sus hogares, donde se obligaron a grabar demostraciones y sacar todo el material posible. Poco a poco, el álbum tomó forma y First Flower se hizo real. Cuando llegó el momento de grabar, Burch eligió trabajar con Erik Wofford en Cacophony Recorders en Austin.
>>First Flower es un recorrido por los pensamientos más íntimos de Burch. A diferencia de Please Be Mine, que se centró en la polémica depresión de la angustia, First Flower explora las amistades rotas, su relación con su hermana y, lo que es más importante, cómo Burch aprendió a combatir la abrumadora ansiedad. Burch es una persona cuidadosa y de voz suave que se aleja de su nerviosismo a diario.
>>"Siento que la gente no me ve como una persona nerviosa", dice Burch. "No se dan cuenta de lo nerviosa que estoy. Soy bueno luchando más allá de mis ansiedades internas. Lucho con la anticipación de las experiencias ”.
>>First Flower es un álbum brillante y hermoso salpicado de momentos de triunfo. La voz de Burch es tan fuerte y diestra como siempre, mostrando su increíble rango y profesionalidad como vocalista. El tema de apertura "Candy" es un golpe juguetón, mientras que "Wild" se ocupa de alejar el miedo. Las canciones como "Next to Me" y "Dangerous Place" examinan el fracaso y la distancia, y la canción "First Flower" es la clásica Burch, una canción de amor simple que hace que tu piel se eleve con la piel de gallina cuando entra en el coro. Pero el verdadero sobresaliente del álbum es "To The Boys", un valiente y descarado jodido de su propia autodesprecio, donde aprende a amar todo lo que odiaba de sí misma. "No necesito gritar para comunicarme / no necesito gritar para saber que soy el jefe", dice ella por un riff de guitarra escasa. "Siempre me han dicho que hable toda mi vida", explica Burch. "Necesitaba aceptar eso y no me importaba lo que pensara la gente".
>>El álbum se cierra con "Every Little Thing", una balada inquietante y aireada que suena como algo que Judy Garland hubiera cantado mientras ahogaba su dolor en pastillas y alcohol. First Flower es una etapa sonora bien formada para que Burch brille. La composición y producción cuidadosamente construidas para complementar y no sobre poder.
>>"No tengo las respuestas de ninguna manera, pero quería hablar sobre esas imperfecciones", dice Burch. "No quisiera que alguien que escucha mi música piense que ya lo tengo todo resuelto. Yo no. First Flower soy yo siendo transparente ">>.
>>First Flower es un recorrido por los pensamientos más íntimos de Burch. A diferencia de Please Be Mine, que se centró en la polémica depresión de la angustia, First Flower explora las amistades rotas, su relación con su hermana y, lo que es más importante, cómo Burch aprendió a combatir la abrumadora ansiedad. Burch es una persona cuidadosa y de voz suave que se aleja de su nerviosismo a diario.
>>"Siento que la gente no me ve como una persona nerviosa", dice Burch. "No se dan cuenta de lo nerviosa que estoy. Soy bueno luchando más allá de mis ansiedades internas. Lucho con la anticipación de las experiencias ”.
>>First Flower es un álbum brillante y hermoso salpicado de momentos de triunfo. La voz de Burch es tan fuerte y diestra como siempre, mostrando su increíble rango y profesionalidad como vocalista. El tema de apertura "Candy" es un golpe juguetón, mientras que "Wild" se ocupa de alejar el miedo. Las canciones como "Next to Me" y "Dangerous Place" examinan el fracaso y la distancia, y la canción "First Flower" es la clásica Burch, una canción de amor simple que hace que tu piel se eleve con la piel de gallina cuando entra en el coro. Pero el verdadero sobresaliente del álbum es "To The Boys", un valiente y descarado jodido de su propia autodesprecio, donde aprende a amar todo lo que odiaba de sí misma. "No necesito gritar para comunicarme / no necesito gritar para saber que soy el jefe", dice ella por un riff de guitarra escasa. "Siempre me han dicho que hable toda mi vida", explica Burch. "Necesitaba aceptar eso y no me importaba lo que pensara la gente".
>>El álbum se cierra con "Every Little Thing", una balada inquietante y aireada que suena como algo que Judy Garland hubiera cantado mientras ahogaba su dolor en pastillas y alcohol. First Flower es una etapa sonora bien formada para que Burch brille. La composición y producción cuidadosamente construidas para complementar y no sobre poder.
>>"No tengo las respuestas de ninguna manera, pero quería hablar sobre esas imperfecciones", dice Burch. "No quisiera que alguien que escucha mi música piense que ya lo tengo todo resuelto. Yo no. First Flower soy yo siendo transparente ">>.
Broken Politics (Neneh Cherry) 2018
Neneh Cherry
<<Tras el lanzamiento de su primer single tembloroso en 4 años a principios de agosto, el ícono pop de la contracultura Neneh Cherry lanza su quinto álbum en solitario Broken Politics, producido en su totalidad por Four Tet.
>>Continuando con su desenfoque y la combinación de lo personal y lo político, el segundo single, Shot Gun Shack, aborda el vínculo entre violencia y privación utilizando la lógica poética. El tema ahonda en el problema siempre presente y siempre global de la violencia con armas de fuego en la sociedad. El nombre de la canción fue el resultado de la inspiración que surgió de una conversación medio recordada que Cherry tuvo en el funeral del fallecido gran Ornette Coleman.
>>La política rota plantea deliberadamente la pregunta; ¿Cómo nos conducimos en tiempos extraordinarios? En una era en la que la relación señal-ruido es más desigual que nunca, ¿cuáles son las medidas que debemos tomar para retener y recordar nuestra propia personalidad? Busca respuestas, con paciencia y con gran cuidado, y con la audacia de reconocer que a veces las respuestas ni siquiera existen. Es un disco con partes iguales, enojado, reflexivo, melancólico y envalentonado, mientras Cherry y sus colaboradores continúan expandiendo su paleta sonora cada vez más amplia para crear una música verdaderamente singular y potente>>.
>>Continuando con su desenfoque y la combinación de lo personal y lo político, el segundo single, Shot Gun Shack, aborda el vínculo entre violencia y privación utilizando la lógica poética. El tema ahonda en el problema siempre presente y siempre global de la violencia con armas de fuego en la sociedad. El nombre de la canción fue el resultado de la inspiración que surgió de una conversación medio recordada que Cherry tuvo en el funeral del fallecido gran Ornette Coleman.
>>La política rota plantea deliberadamente la pregunta; ¿Cómo nos conducimos en tiempos extraordinarios? En una era en la que la relación señal-ruido es más desigual que nunca, ¿cuáles son las medidas que debemos tomar para retener y recordar nuestra propia personalidad? Busca respuestas, con paciencia y con gran cuidado, y con la audacia de reconocer que a veces las respuestas ni siquiera existen. Es un disco con partes iguales, enojado, reflexivo, melancólico y envalentonado, mientras Cherry y sus colaboradores continúan expandiendo su paleta sonora cada vez más amplia para crear una música verdaderamente singular y potente>>.
El Malquerer (Sony) 2018
Rosalía
<<Rosalía y su álbum El Mal Querer han conquistado a miles de oyentes en todo el mundo. La cantante española de 25 años está revolucionando la música pop, poniendo al frente el flamenco mixturado con variados géneros contemporáneos.
>>Fue un video del Youtuber Jaime Altozano haciendo un análisis detallado del álbum lo que llevó a Rosalía a hacer lo mismo desde su cuenta de Instagram pero en primera persona. El youtuber habla de El Mal Querer como un disco conceptual que tiene de fondo una obra literaria del Siglo XIV y que en base a la historia de dos amantes, se organizan las canciones que componen el álbum. Luego analiza cada canción en su contenido musical, reparando en la elección de acordes, utilización de recursos de música urbana y electrónica, inclusión de diálogos y sonidos.
>>Si bien acuerda con la mayoría de los análisis hechos por Altozano, la cantante y compositora también expone la experiencia compositiva de su álbum en primera persona. Si bien Altozano asegura que el flamenco está mixturado con el trap en varios tracks, Rosalía difiere con esta visión.
>>En la serie de videos publicados, Rosalía también aprovecha para contar que el hecho de haber firmado con Sony no afectó en el proceso creativo de su disco, desmitificando la idea de que firmar con una discográfica condiciona las ideas de los artistas.
>>Rosalía se toma el trabajo de explicar todas sus influencias, los elementos que componen el exitoso álbum y los géneros de los que abreva. Se aleja denodadamente del trap y de su contenido lírico>>. Julieta Aiello.
Trobule Anyways (Scissor Tail) 2018
Rosali
<<Rosali (Long Hots, Wandering Shade), con sede en Filadelfia, escribió las canciones de su segundo álbum,Trouble Anyway, buscando empoderamiento al compartir abiertamente sobre el amor, el poder, el envejecimiento, el sufrimiento, la confusión, las dudas y el enojo. El resultado es un registro de cuerpo completo que es a la vez amplio e íntimo: una exploración vulnerable y poderosa de las narrativas emocionales. Trouble Anyway muestra el fondo de Rosali en diversos estilos musicales, desde improvisación gratuita, garage rock, country y pop, hasta canciones de artesanía infundidas con folk. Luego de su debut en 2016 Out of Love (Siltbreeze), nombrada como uno de los 100 mejores discos de 2016 por Uncut Magazine, el esfuerzo de Rosali en su segundo año es una colección cohesiva de canciones de rock íntimas y exuberantes, con sus voces cálidas y naturales y su potente ritmo y ritmo. guitarra.
>>La instrumentación colectiva de los amigos músicos de la lista A, Nathan Bowles (Steve Gunn, Black Twig Pickers), Dan Provenzano (Squithing Squares, Purling Hiss), Mary Lattimore, Paul Sukeena (Angel Olsen, Spacin '), Charlie Hall (The War On Drugs), Mike Polizze (Purling Hiss), Mike Sobel (Oldermost) y Gretchen Lohse (Carol Cleveland Sings) - acentúan el sonido singular de Rosali y aumentan su órbita. Trouble Anyway fue grabado y mezclado por Jeff Zeigler, de Uniform Recording, quien también ha diseñado discos para The War on Drugs, Allison Crutchfield (también de Waxahatchee) y Kurt Vile, entre otros.
>>La primera vez que me enamoré de las canciones de Rosali es por esta razón, la forma en que su trabajo te lleva directamente a ese sueño valiente y de gran corazón dentro de la composición. Todas las canciones son firmes, ya que es un mundo muy propio, desgastado por la historia del metro, pero accesible como la luz del día. -Meg Baird, Primavera 2018>>.
She Remembers Everything (Blue Note) 2018
Rosanne Cash
<<Los sueños todavía atraen a un mundo dañado, y Rosanne Cash los entrega con feroz gracia a She Remembers Everything, una grabación de estudio presentada por Blue Note Records. Como continuación del lanzamiento de Cash, The River & the Thread, que recibió 3 Grammys, incluido el Mejor Álbum Americana, el disco ofrece un pop brillante, con toques de twang y jazz, que podría encontrar un hogar en casi cualquier año de la música estadounidense de posguerra. Pero la luminiscencia y la brillante producción se filtran con una visión más oscura, voces mordaces, acordes menores y notas dobladas que desestabilizan el paisaje. Familiar pero ajeno, la percepción de Cash de ser una mujer en el mundo revela cuánto ha ido mal.
>>Cerrando las cuatro décadas que Cash ha pasado como artista de grabación, She Remembers Everything contiene ecos de casi todos sus estilos anteriores. Los oyentes familiarizados con Seven Year Ache o Interiors reconocerán el dolor de saber de este registro. Aquellos que escucharon grabaciones y shows en vivo en años subsiguientes, que incluyen residencias en el Centro de Jazz de San Francisco, el Carnegie Hall y la Biblioteca del Congreso, también encontrarán la voz literaria que ha enmarcado su música más reciente. El tiempo de Cash centrado en la música de raíz también le da una forma clásica a su composición que lo hace universal y atemporal>>.
<<Todos los textos pertenecen a sitios, web, blogs y páginas de las artistas cuyos discos están presentes en este post, salvo aquellos en que aparece el nombre de los autores.
