War (Island) 1983U2Portada: fotografía de Ian Finlay


Una historia: “U2 saltó a la palesta con Boy, su primer elepé, en 1980. Paul Hewson, alias Bono (voz, 1960) David Evans, alias The Edge (guitarra, 1961) Larry Mulen (bajo, 1961), y Adam Clayton (batería, 1960) formaban el grupo: cuatro muchachos dublineses, fervientes caltólicos de clase media-baja, que ofrecían una mùsica apasionada, contundente y melódica a un tiempo… October (1981), con su canción gloria, y definitivamnte War (1983), su tercer álbum, los encumbran y son muchos más que un grupo de éxito. Ahondando en la línea de músicas intensas que arropan sus característicos textos con mensajes, los tres discos (con el destacable factor de apoyo de a rotunda producción de Steve Lillywhite) van dando pie a unos directos cada vez más apabullantes y renombrados, verdaderas ceremonias casi religiosas donde Bono se erige en sumo sacerdote, oficiante de un ritual de rock a la vieja usanza –de ahí comienzan a surgir las acusaciones de mesianismo y grandilocuencia gratuita- que provoca auténticos éxtasis colectivos en los anonadados y enardecidos feligreses”. José Luis F. Abel. U2. El cántico espiritual.


Otra: “El tercer elepé sube a U2 a lo alto del pedestal de los grupos más venderos de discos. War fue disco de platino en cuatro países, en Estado Unidos llegó a vender más de cuatro millones de ejemplares, y de oro en otros cuatro más. Del repertorio de este larga duración, New Year’s Day se situó en el número dos de la lista de éxitos Bilboard en 1983”.

Canciones: Sunday Bloody Sunday. Seconds. New Year’s Day. Like A Song. Drowning Man. The Refugee. Two Hearts Beat As One. Red Light. Surrender. “40”.


Músicos: Bono (guitarra y voz), The Edge (guitarra, piano, lap steel y voz), Adam Clayton (bajo) y Larry Mulen Jr. (batería y percusión). Steve Wickhan (violín eléctrico), Kenny Fradley (trompeta). Cheryl Poirier, Adriana Kaegi, Taryn Hagey y Jessica Felton (coros).

Además: "No sé vivir sin la música. No creo que físicamente pueda vivir sin música, es lo único que me permite ser normal. Es como si le preguntaras a un psicótico si puede vivir sin su litio. Sin embargo, hay gente ahí fuera cuyas vidas dependen de gentes como yo que tengo acceso a los agentes que pueden cambiar el panorama, y tendría que pensármelo mucho antes de abandonar esa función. Lo que espero es que el movimiento social que está creciendo al amparo de todos estos temas sea tan fuerte que, llegado el caso de que alguien como yo no participe, nadie lo note. Al fin y al cabo, los movimientos sociales los hacen el día a día, no las estrellas de rock”. Bono en entrevista a Anthony Decurtis. Rolling Stone. Diciembre 2007.

Más portadas: Boy (1980), October (1981), The Unforgettable Fire (1984), The Joshua Tree (1987), Rattle and Hum (1988).

Sex machine (Polydor) 1970

James Brown
Portada: Polydor





Una historia: “James Brown es la figura más importante de la música negra del último medio siglo. Si considerásemos también el otro medio, tendría que disputarse el puesto con Duke Ellington. Y no me refiero sólo al valor intrínseco de su producción discográfica, que es inmenso, sino también en la magnitud de su influencia en varias generaciones de músicos, a su papel fundamental en la afirmación de la conciencia colectiva de la comunidad negroamericana, a su orgullosa autosuficiencia, a su radical inconformismo (compatible con una ideología política tirando a conservadora) y a su enorme habilidad como inmejorable parapeto ante los constantes ataques y desprecios que ha sufrido desde la trinchera blanca”. Luis Lapuente. Historia Guía del Soul.


Otra: “En 1965, después de haberlo dicho todo como soulman, inventó el funk con el tema “Papa’s Got A Brand New Bag” y enfiló su época dorada con una larga serie de pelotazos de puro funk descarnado, desde Say It Loud-I’m Black An I ‘m Proud” hasta Sex Machina, interpretados al límite de la extenuación por una banda absolutamente torrencial. Anticipó el p-funk de George Clinton, sentó las bases definitivas del black rock, precipitó el advenimiento del hip hop, y fue siempre el mayor currante del negocio de la música”. Luis Lapuente. El mapa del soul. Guías efe eme.


Canciones: Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machina. Brother Rapp, Pts. 1-2. Bewildered. I Got the Feelin’. Give It Up or Turnit a Loose. I Don’t Want Nobody To Give Me Nothing (Open Up the Door, I’ll Get ...). Licking Stick -- Licking Stick. Lowdown Popcorn. Spinning Wheel. If I Ruled The World. There Was a Time. It's a Man’s Man’s Man’s World. Please, Please, Please. I Can’t Stand Myself (When You Touch Me). Mother Popcorn Brown.

Músicos: James Brown (piano, órgano y voz), Catfish Collins (guitarra), Jimmy Nolen (guitarra), Alphonso Kellum (guitarra y bajo), Kenny Poole (wah wah guitar), Alfred Ellis (saxofón alto), Robert McCollough (saxo tenor), Eldee Williams (saxo tenor), St. Clair Pinckney (saxos tenor y barítono), Maceo Parker (saxo tenor y órgano), Clayton Gunnells (trompeta), Richard Griffith (trompeta), Darryl Jamison (trompeta), Joseph Davis (trompeta), Fred Wesley (trombón), Bobby Byrd (órgano y voz), William “Bootsy” Collins (bajo), Charles Sherrell (bajo), John Starks (batería), Clyde Stubblefield (batería), Melvin Parker (batería), Johnny Griggs (congas), Art Lopez (percusión), Marva Whitney (coros), Robert Graham (coros) y Jerry Shearin (coros).
Además: “El esquema repetitivo es inherente a su obra, la insistencia sinóptica del sonido de James Brown es la que hace de él lo que es. Infravalorarlo o negarle substancialidad equivaldría a negársela al minimalismo culto o a la polifonía y polirritmia tradicionales africanas”. Mingus B. Formentor. James Brown. El superlativo. Historia del rock.
Más portadas: Please Please Please (1959), Try Me! (1959), Night Train (1961), Live At The Apollo (1963), Pure Dynamite (1964), It’s A Man’s Man’s Man’s World (1966), Live At The Apollo (1968), It’s A Mother (1969), Soul On Top (1970=, Revolution Of The Mind (1971), There It Is (1972), Black Caesar (1973), The Payback (1974), Hell (1974) The Original Disco Man (1979), Hot On The One (1980) y Nonstop! (1981).

En recuerdo de Dan Fogelberg

(13 de agosto, 1951-16 de diciembre de 2007)

Hickory Grove

Hickory Grove, espérame

Soy tan pobre como un hombre pueda ser.

Hickory Grove, espérame

Soy tan ciego como los otros hombres que ven.

Hickory Grove, haz el sol

Crece más despacio, no tengo mucho tiempo.

Hickory Grove, mírame correr

Por entre los años de mi infancia.

Lady Luck, juega tu mano

Tengo una vida para que juegues con ella

Hickory Grove, seguirás ahí...

Tengo un sueño para poder estar contigo.

Hickory Grove

Hickory Grove, wait for me

I'm just as poor as a man can be.

Hickory Grove, wait for me

I'm just as blind as the other men that see.

Hickory Grove, make the sun

Rise slower I don't have much time.

Hickory Grove, watch me run

Down through the years of my prime.

Lady Luck, play your hand

I've got a life for you to play with

Hickory Grove, you will stand...

I've got a dream that I can stay with.

Hickory Grove, del primer LP: Home Free (Columbia) 1972

Noticia de la muerte de Dan Fogelberg en su página web: www.danfogelberg.com

Sunday, December 16
Dear friends,Dan left us this morning at 6:00am. He fought a brave battle with cancer and died peacefully at home in Maine with his wife Jean at his side. His strength, dignity, and grace in the face of the daunting challenges of this disease were an inspiration to all who knew him.

Tracy Chapman (Elektra) 1988
Tracy Chapman
Portada: fotografía de Matt Mahurin




Una historia: “A Tracy Chapman méritos no le faltan. Desde el diseño sobrio de la funda, hasta la última nota de For You, todo parece encajar. Como cualquier artista novel que triunfa a la primera entrega desde una multinacional, los ases enseñan pronto. Talkin Bout A Revolution describe la frustración de los parados, perdiendo el tiempo en las filas del subsidio; ¿no lo sabes?, hablan de una revolución, suena como un suspiro. Y ella, como el suspiro de un volcán adormilado, entona esta última frase. Con un respaldo eléctrico abierto, compacto, aunque sin aglomeraciones sonoras; limpio. Fast Car sigue en la misma línea instrumental –en realidad, todo el disco-, ahora con una interpretación angustiada. El grito juvenil ante un futuro cuyas máximas no pasan de la mediocridad (y eso con suerte); la tentación de huir como último recurso para enmendar una vida gris; el romanticismo de dejarlo todo y compartir un coche con alguien, ya divulgado en el rock por Springteen. Has de decidirte, te vas esta noche o vives y mueres así. Frases escuetas conforman una Across The Lines –denunciando el racismo que echa por tierra el cacareado sueño americano. Como guinda, Behind The Wall, la cuarta canción describe, en tono reportaje, la vida en los suburbios pobres norteamericanos: los gritos tras la pared en la noche, la policía que siempre llega tarde, la ambulancia y las lágrimas. Para mayor lucimiento de su estilo vocal, Tracy la canta sin instrumento alguno de acompañamiento, en un clima escalofriante. Esta aridez se compensa con la belleza desbordante de Baby I Can Hola You, cuya moraleja trabaja la incomunicación de parejas. Las seis canciones de la otra cara carecen de tan excelso tono”. David S. Mordoch y Alberto Manzano. Folk Pop Femenino. Espiral/Fundamentos. 1990.


Otra: “El disco, desde su aparición en la primavera de 1988, fue ganando adeptos día a día, hasta convertirse en uno d elos más vendidos de aquel verano. El examen final llega con la incorporación de Tracy a la celebérrima gira mundial Human Rights Now, compartiendo cartel y escenario con superestrellas como Swing, Meter Gabriel y Bruce Springsteen, en cuyo marco no le cuesta convertirse en la revelación. Amparada en la filosofía de su estilo, este tipo de actos le viene a la medida, como lo demuestra también el éxito obtenido en un acto de solidaridad con Nelson Mandela”. D.S.M y A.M.

Canciones: Talkin’ Bout a Revolution. Fast Car. Across The Lines. Behind The Wall. Baby Can I Hold You. Mountains o' Things. She’s Got Her Ticket. Why?. For My Lover. If Not Now. For You.

Músicos: Tracy Chapman (guitarra acústica, guitarra, percusión y guitarra rítmica), Jack Holder (órgano, dulcimer, dobro, piano, guitarra eléctrica, órgano Hammond y sitar), Denny Fongheiser (batería y percusión), David LaFlame (violín eléctrico), Ed Black (steel guitar), Paulinho Da Costa (percusión), Steve Kaplan (armónica y teclados),
Larry Klein (bajo) y Bob Marlette (teclados).

Además: “Chapman, como otras cantautoras de su estilo, conoció las anónimas actuaciones en cafés y con posteridad el éxito. A los millones de discos vendidos, hay que añadir tres premios Grammy en el año 1988 por su primer elepé (cantante revelación, mejor interpretación vocal femenina, en concreto por la pieza Fast Car, y mejor disco de folk contemporáneo. En 1997 recibe otro Grammy, esta vez en el apartado de la mejor canción de rock, por Give Me One Reason, del disco titulado New Beginning”.
Más portadas: Crossroads (1989) y Matters Of The Heart (1992).

Strong Persuader (Mercury-Hightone Records)
Robert Cray
Portada: fotografía de Aaron Rapoport

Una historia: “Más que ningún otro artista, Robert Cray se encontró dentro de la corriente de renovado interés por el blues que tuvo lugar durante los años 80. Podía mantener el blues cerca de la corriente dominante del pop mejor que ningún otro artista anterior, y obtuvo su recompensa durante su carrera…La carrera de Cray siguió una curva ascendente. En 1985, Showdown (Alligator), con Albert Collins y Johnny Copeland, tuvo un gran impacto y ganó un Grammy, mientras que el siguiente álbum de Cray, Strong Persuader (1986), el primero grabado con Mercury, llegò a los primeros puestos de las listas de éxitos. En esa época, Cray estaba en la cresta de la ola del nuevo blues, una posición a la que ha tenido que renunciar, si bien ha aparecido en películas como Hail!Hail! Rock’ n’ Roll! Junto a estrellas del rock como Keith Richards y Eric Clapton, y sus álbumes más recientes reflejan su original y amplia base de intereses mnusicales. Cray ha actuado de forma regular como telonero de Clapton en los últimos conciertos celebrados en Europa y Estados Unidos”. Keith ShadwickBlues Keepint The Faith.Ediciones Folio. 2000.

Otra: “Grabó su prime álbum, con Cousin al bajo, en 1978 paa Tomato Records (Who’s Been Talking, producido por Bruce Bromberg y editado en 1980). Su primer álbum en Higtone Records, Bad Influence (1983) le acarreó el recocmiento a escala nacional y un para de premios W.C. Handy y lanzó su carrera. Hoy en día sigue siendo una de las más reconocibles y populares jóvenes estrellas del blues, y es uno de los pocos bluesmen cuyos vídeos se miten regularmente en la MTV y la VHH-1”. Lawrence Cohn. Solamente Blues. Odín Ediciones. 1996.
Robert Cray obtuvo, dentro de los premios W.C. Handy de 1987, los galardones al mejor álbum de blues contemporáneo (USA), por Strong Persuader, y a la canción del año: Right Next Door.
Canciones: Smoking Gun. I Guess I Showed Her. Right Next Door (Beaucuse Of Me). Nothin’ But A Woman. Still Around. More Than I Can Stand. Foul Play. I Gonder. Fantasized. New Blood.

Músicos: The Robert Cray Band. Robert Cray (guitarra y voz), Richard Cousin (bajo=, Meter Boe (teclados) y David Olson (batería). Wayne Jackson (trompeta y trombón), Andrew Love (saxo tenor) y Lee Spath (percusión).

Además: “Creo que ningún guitarrista me ha influido tanto como Albert Collins, ninguno. Después de todos estos años profundizando en su música, fue emocionante paa mí reunirme con él para grabar. Nos divertimos de lo lindo durante las grabaciones. Johnny (Copeland) y yo nos colocamos juntos enfrente suyo, y cada vez que Albert iba a tocar un solo se volvía de espaldas, asomándose por encima del hombro para asegurarse de que nadie copiaba sus punteos. Fue divertido y emocionante”. Robert Cray.

Más portadas: Who’s Been Talkin’ (1978), Bad Influence (1983), False Acusssation (1985) y Don’t Be Afraid Of The Dark (1988).

Ramones (Sire) 1976
Ramones
Portada: fotografía de Roberta Bayley


Una historia: “Aunque Ramones debutaron en el club CbGB en 1974, el contrato discográfico, con Sire, tardó dos años en llegar. Ramones se grabó en diecisiete días en un estudio del Radio City Music Hall de Broadway por 6.400 dólares. El bajo y la batería se grabaron en un canal, la guitarra en otro, y la voz, repartida, a la manera antigua. El disco sólo llegó al puesto 111 de la lista norteamericana de ventas, pero hizo que otras discográficas se animaran a fichas a grupos de esta órbita.
Salvo el toque más político que le dieron los ingleses, en Ramones está todo lo que sería el punk: velocidad, simplicidad, crudeza, inmediatez y sentido del humor. No bullshit, como dicen en inglés. Rock’n’ roll y punto”. Llorenç Roviras. Los 200 mejores discos del siglo XX. Rockdelux.

Otra: “El álbum apareció en abril, y lo menos que puede decirse es que prendió a casi todo el mundo. Allí se encontraba, en esencia, el pasado, presente y futuro de Ramones. Había himnos que han permanecido hasta hoy como Blitzkrieg Bop, donde aparecía el celebérrimo Hey ho, let’s go adoptado como grito de guerra desde entonces; candorosas viñetas de inspiración sixtie como I Wanna Be You Boyfriend; descabellados consejos imposibles, al estilo de golpear con un bate de béisbol a ese hermanito pequeño que no hace más que molestar en Beat On The Brat; homenajes a sus terrores favoritos como Chainsaw, un tributo a La matanza de Texas (Tobbe Hooper, 1974); declaraciones de la desidia juvenil, cuyo máximo exponente sería Now I Wanna Sniff Some Glue, canción que inspiró el nombre del fanzine publicado en Londres por Johnny Rotten (Sniffin’ blue) y que provocó una interpelación del partido conservador en el Parlamento que tendría consecuencias en el segundo LP; una versión de Let’s Dance de Jim Lee, que ponía en práctica sus teorías al respecto: nos interesan canciones desconocidas que podamos hacer sonar como nuestras, no versionear clásicos, que no pueden mejorarse”. Eduardo Guillot. Ramones. Retrato de familia punk. Guías efe eme.

Canciones: Blitzkrieg Bop. Beat On The Brat. Judy Is A Punk. I Wanna Be Your Boyfriend. Chain Saw. Now I Wanna Sniff Some Clue. I Don’t Wanna Go Down To The Basement. Loudmouth. Havana Affair. Listen To My Herat. 53&3. Let’s Dance. I Don’t Wanna Walk Around With You. Today Your Love, Tomorrow The World.

Músicos: Joey Ramones (voz), Johnny Ramone (guitarra), Dee Dee Ramones (bajo) y Tommy Ramone (batería).

Además: “Una imagen vale más que mil discursos. Eso ha escrito Jesús Ordovás acerca de la cubierta de este disco, verdadero puñetazo en el estómago del establishment rockero de la época. Rock and roll minimalista a mil por hora, con toda la vitalidad y el espíritu lúdico que le suponen inherentes. Después, a eso se le etiquetaría como punk, aunque esa actitud corría subterránea desde los albores del género. Nada mejor para ilustrarla que esta maravillosa instantánea urbana, cortesía de Roberta Bayley, de Punk Magazine: vaqueros rotos, miradas frankesteinianas, mucho cuero. Y mucha marcha”. Gus Cabezas. Las mejores portadas de discos. Editorial La Máscara. 1996.

Más portadas: Leave Home (1977), Rocket To Russia (1977), Road To Ruin (1978), Rock’ n’ Roll High School (1979), It’s Alive (1979), End Of The Century (1980), Pleasant Dreams (1981), Subterranean Jungla (1983), Too Tough To Die (1984) Animal Boy (1986), Halfway To Sanity (1987), Ramones Mania (1988), Brain Drain (1989), Mondo Bizarro (1992), Acid Eaters (1993) y ¿Adiós amigos! (1995).

Just Act Normal (Guimbarda) 1980
Hedgehog Pie
Portada: fotografía de Chris Haigh

Una historia: “Su combinación instrumental más notable es ahora la poca frecuente mezcla de gaita y guitarra eléctrica, proporcionando un zumbido continuo. No es que sea algo muy nuevo, ya existen precedentes: Horslips, por ejemplo, y John Martín, que ha tocado aires lentos irlandeses en la guitarra eléctrica con el “sustian” a tope. El pulso rítmico lo pone ahora Dave Burland con su guitarra acústica, además de sus partes cantadas. Todo esto les da un sonido especial inmediatamente identificable, más folk y, sin embargo, también más roquero, aún sin bajo ni batería. A excepción de The Angels Took My Racehorse Away, canción compuesta por el ex Fairport Convention Richard Thompson, todos los demás de este álbum son tradicionales y de diversas procedencias”. Manuel Domínguez.


Otra: “Tres chalados barbudos conservan la invencible tradición de un grupo folk rock llamado Hedgehog Pie (Pastel de Carne de Erizo), cuya formación eléctrica se deshiciera a finales de 1976, un par de meses después de irse Martin Jenkins, su miembro clave, a tocar con Bert Jansh. Por su parte, Margi Luckley se marchó a unirse a un grupo más orientado hacia el rock. Pero no era la primera vez que se efectuaban cambios en la formación: ya anteriormente, cuando iban a hacerse semiprofesionales, otros dos integrantes del grpo, Phil y Walter, se había separado para formar Jack The Lad”. M.D.


Canciones: The Angels Took My Racehorse Away. Lowlands Holland. William Taylor. Dancing The Baby. Rueben Ranzo. Peggy O’ Er Sea With A Soldier. Ramble Away. The Cuco. The Bold Fisherman. Uncle Bulgaria.

Músicos: Dave Burland (voz y guitarras de 6 y 12 cuerdas), Mick Donan (gaita irlandesa, flautas, piccolo y voz), .Jed Grimes (guitarras eléctricas y acústicas, mandolina y voz). Con la participación de Phil Murray, guitarra acústica baja, y Tommy Duffy. bajo Fender y contrabajo.

Además: “The Cuco es un caso curioso, por tratarse de la típica canción construída a base de lo que A.L. Lloyd llama estrofas flotantes, es decir, coplas simbólicas estereotipadas repetidas en múltiples canciones, y que incluso pueden llegar a formar canciones por sí solas, como esta versión, procedente de Norteamérica (en las versiones británicas, el cuco canta al acercarse la primavera, mientras que en ésta lo hace el 4 de julio, Día de la Independencia de los Estados Unidos). Han grabado otras versiones de esta canción Big Brother & The Holding Company (Coo Coo, de su primer LP), The Pentangle (en su Basket Of Light) y John Renbourn (en su Faro Annie, la más parecida a ésta). Este es el tercer álbum de Hedgehog Pie”. Editado en Inglaterra en 1978 por el sello discográfico Rubber Records. M.D.

Más portadas: Hedgehog Pie (1974) y Green Lady (1975).

Aqua (Dro) 1992
Asia
Portada: ilustración de Rodney Matthews

Una historia: “Asia se formó cuando cuatro de los más destacados músicos de rock progresivo se juntaron por primera vez en 1981. John Wetton llegó vía King Crimson, Roxy Music, Brian Ferry y Uriah Heep. Carl Palmer estuvo con los legendarios Emerson, Lake 6 Palmer, y Geoff Downes había estado con Buggles (Video Killed The Radio Star) y con Yes. Su legendario guitarrista, Steve Howe, había estado también con Yes. La banda se lanzó a la escena mundial en 1982 con su álbum de debut Asia, copando las listas americanas durante no menos de diez semanas. Y con Heart Of The Moment y Only Time Hill Tell se mantuvieron con éxito en el Top 10 de singles”. Promoción Dro.

Otra: “Asia fueron únicos entonces, y lo son aún: rock inglés con una técnica pulida, sofisticado rock conviviendo con brillantes canciones-single de melodías luminosas. Ningún otro grupo lo había conseguido de esta manera. Tenemos nuestra propia fórmula: rock sinfónico y melódico, canciones inteligentemente construidas”. Geoof Downes sobre la primera etapa del grupo y su nueva reagrupación a finales de la década de 1980. P.D.

Canciones: Aqua Part 1. Who Hill Stop The Rain?. Back In Town. Love Under Fire. Someday. Little Rich Boy. The Voice Of Reason. Lay Down Your Arms. Crime Of The Hearts. A Far Cry. Don’t Call Me. Heaven On Herat. Aqua Part 2.

Músicos: Geoff Downes (teclados y voz), John Payne (bajo y voz), Carl Palmer (batería y percusión), Steve Howe (guitarra acústica, mandolina, pedal steel, guitarra eléctrica de 12 cuerdas y dobro) y Al Pitrelli (guitarras eléctricas).

Además: “El espléndido regreso de Asia produjo un éxito americano mayor aún; The And Now llegó al número 1 en 1990. Sin embargo al año siguiente, el talento de John Payne sustituyó al de Wetton que continuó su carrera como solista. Payne asumió con facilidad el papel de co-escritor junto con Geoff Downes, en seis canciones de este nuevo álbum Aqua”. P.D.

Más portadas: Asia (1982), Alpha (1983) y Astra (1985).

Cuarenta años después (15)

Discos de 1967



The Blues Alone (Ace Of Clubs) 1967John Mayall
Portada: diseño y fotografía John Mayall

Una historia: “Mayal fue el principal catalizador de la escena británica de blues durante los años sesenta. Además de cantante y multiinstrumentistas (particularmente con la armónica), fue un excelente líder. Consiguió mantener operativa una banda por la que pasaron docenas de músicos, entre ellos Eric Clapton, pero también Mick Taylor (antes de ser un Rolling Stone), Jack Bruce (antes de formar Cream con Clapton), John McVie, Mick Fleetwood, Peter Green (los tres pasaron luego por Fleetwood Mac), Keef Hartley…
Hijo de un músico de jazz, Mayall estuvo interesado en el blues desde muy joven. Sin embargo, no empezó su carrera musical hasta finales de los años cincuenta, después de pasar cuatro años en la guerra de Corea. Su banda, con formaciones siempre cambiantes fue bautizada como Bluesbreakers en 1963”. Anki Toner. Blues. Celeste. 1993.

Otra: “En 1969, con Mayall en Estados Unidos, el álbum Turning Point marcará su punto álgido de popularidad. En este LP, grabado en vivo en el Fillmore East de Nueva York el 12 de julio, John presenta la novedad de prescindir de la batería. En 1972, la unión de Mayall con músicos de jazz creará otro hito, aunque a partir de mitad de los 70, John se limitará a mantener su fama, creando bandas nuevas con algunos de sus viejos amigos y grabando elepés un tanto alejados del sentido purista de los años 60”. Jordi Serra i Fabra.

Canciones: Brand New Stara. Please Don’ t Tell. Down The Line. Soony Boy Blow. Marsha’s Mood. No More Tears. Cath That Train. Cancelling Out. Harp Man. Brown Sugar. Broken Wings. Don’ t Pick Me.

Músicos: John Mayall (guitarra, teclados, armónica y voz) y Keef Hartley (batería).

Además: “En el mejor de los casos, como el irlandés Van Morrison en Belfast y John Mayall en Machester, consultaban una discoteca paterna abierta al jazz o el blues (de pre-guerra la mayor parte de las veces). Algunos captaban los programas de la American Forces Network y de Voice of America”, con las esperanzas de poder oír algo más que no fuesen los estirados programas de la BBC o aquellos, demasiado sometidos al mundo del espectáculo, de Radio-Luxemburgo G.B.
Alrededor de Alexis Corner, y más tarde de John Mayall, se crearon, pues, escuelas de músicos a los que atraían el blues. Para ellos, Londres era un centro de reunión. Pero otros puntos del país alimentaban la misma corriente. Si hubieran aparecido un poco más tarde los Rolling Stones no habrían encontrado el sito tan vacío como en sus principios: entre los Animals, que vinieron de Newcastle-upton-Teyne, y los Yarbirds, una infinidad de conjuntos elaboraron por Inglaterra proyectos parecidos al suyo”. Philippe Bas-Rabérin. Le Blues Moderne. Editions Albin Michel. 1973.

Saint Dominic’s Preview (Warner Brothers) 1972
Van MorrisonPortada: fotografía de Michael Maggid

Una historia: “La portada del disco ya anunciaba algo de lo que se venía encima: ni la más remota concesión a la imagen, ni la más mínima pretensión de encandilar con misticismos o con imágenes campestres. Van Morrison aparecía sentado en unos escalones tocando la guitarra acústica; hasta aquí todo normal. Pero había que ver cómo iba vestido: toda su ropa daba la impresión de haber sido adquirida en un ropero de caridad; los raídos vaqueros mostraban un costurón cerca de la entrepierna; las punteras de las botas estaban tan desgastadas que podrían haber pertenecido a un autostopista abandonado en el desierto; y de la americana…bueno, mejor no hablar. Claro que también la música de Saint Dominic’s Preview, publicado en julio de 1972, estaba hecho de contrastes intensos y desesperados contrastes”. Eduardo Jorda. Van Morrison. Cátedra. 1990.

Otra: “Como las cartas, los discos de Van Morrison siguen una cierta regularidad –una treintena en otros tantos años-. Como las cartas, Van Morrison envía sus discos cuando realmente le apetece, cuando tiene algo que decir. Y, como las cartas a la familia o a las amigos más íntimos, los discos de Van Morrison son básicamente sinceros. A los maigos de verdad no hay por qué mentirles. Cuando no se tiene nada que contar, no se escribe, como hizo (o más bien dicho, no hizo), por ejemplo, entre 1974 y 1977. Esta es una diferencia significativa entre los –escasos auténticos artistas y el resto de gente que puebla el show-business”. Anki Toner. Van Marrison. Celeste ediciones. 1995.

Canciones: Jackie Wilson Said (I'm In Heaven When You Smile). Gypsy. I Will Be There. Listen To The Lion. Saint Dominic’s Preview. Redwood Tree. Almost Independence Day!

Músicos: Van Morrison (guitarras, teclados, saxofón y voz), Ronnie Montrose (guitarras y voz), Mark Naftalin (piano, órgano y sintetizador), Tom Salisbury (órgano, piano y teclados), Lee Charlton (batería), Bill Church (bajo), Ron Elliott (guitarra), Leroy Vinnegar (bajo), Rolf Houston (saxofón y voz), Mark T. Jordan (piano), Connie Kay (batería), Bernie Krause (sintetizador y moog), Gary Mallaber (percusión, vibráfono y batería), John McFee (steel guitar), Doug Messenger (guitarra y guitarra de 12 cuerdas), Jules Broussard (saxofón), Pat O’Hara (trombón), Janet Planet (voz), Ellen Schroer (voz), Jack Schroer (piano y saxofón), Rick Shlosser (batería) y Mark Springer (voz).

Además: “Van Morrison sigue siendo ese individuo pequeño y huraño, poseído por su arte, tímido y melancólico, ajeno a las inquisiciones sobre su obra y su persona, náufrago voluntario en los universos paralelos descubiertos y explorados por su voz…Universos a los que se llega mirando hacia adentro y escuchando, por utilizar el título de una de sus obras, el inarticulado discurso del corazón”. Ignacio Juliá.

Más portadas: Astral Weeks (1969), Moondance (1970), His Band And Street Choir (1971), Tupelo Honey (1971), Hard Nose The Highway (1973), It’s Too Late To Stop Now (1974), Veedon Fleece (1974), T.B. Sheets (1974), A Period Of Transition (1977), Wavelenght (1978), Into The Music (1979), Common One (1980), Beautiful Vision (1982), Inarticulate Speech Of The Herat (1983), Live At The Grand Opera House. Belfast (1984), A Sense Of Wonder (1985), No Guru, Mo Method, No Teacher (1986), Poetic Champions Compose (1987), Irish Heartbeat (1988), Avalon Sunset (1989) y Enlightenment (1990).

Spike (Warner Brothers) 1989
Elvis CostelloPortada: Elvis Costello/Jeri Heiden/John Heiden/Brian Griffin/Phyllis Cohen/Lizard Studio



Una historia: “Casi una obra maestra de frescura melódica, inspiración y acabado musical, y Costello sale al menos dos por década, una marca sólo igualada por gigantes como Dylan. De nuevo, en la gestación del disco, se barajaron nombres más excéntricos, una debilidad del autor (More important work, Pantomime of evil y The beloved entertainer, que finalmente quedó como subtítulo) para un trabajo que apostó por resumir en una sola palabra (Spike) la agudeza, el sincretismo y el talento de un artista que rondaba ya la madurez personal y creativa absolutas. Felizmente instalado en Dublín con su esposa Cait O’ Riordan y el resto de su familia, lejos de las presiones mediáticas y de las urgencias vitales de la metrópoli londinense, Elvis se sentía a gusto y relajado cuando coincidió con su admirado Paul McCartney y ambos decidieron colaborar en sus inmediatos trabajos discográficos”. Luis Lapuente. Elvis Costello. El camaleón exquisito. Guías efe eme. Número 14.

Otra: "Declan McManus (1954) supo desde la cuna que estaba llamado a convertirse en el rey de la nueva ola. Por eso, a la que pudo, adoptó el rutilante alias de Elvis Costello y se lanzó a la arena del rock an roll embutido en un traje de segunda mano y asegurando –como nos de día en el título de su primer elepé- que su puntería era perfecta o que sus intenciones eran buenas”. Ramón de España. Elvis Costello. Buenas intenciones.
Canciones: …This Town…Let Him Dangle. Deep Dark Truthful Mirror. Verónica. God’ s Comic. Chewing Gum. Tramp The Dirt Down. Stalin Malone. Satellite. Pads, Paws And Claws. Baby Plays Around. Miss Macbeth. Any King’s Shilling. Last Boat Leaving.

Músicos: Elvis Costello (guitarra, eléctrica, bajo, piano-bajo, guitarra acústica, mandolina, órgano, percusión y voz), Roger McGuinn (Rickenbacker 12-string), Paul McCartney (Rickenbacker bass y Hofner bass), D.P.A Mac Manus (Rickenbacker 6-string, Gretsh., spider and acoustic guitar, órgano, piano, melódica, pandereta y voz), T Bone Burnett (guitarra acústica y Trigger bass), Cait O’ Riordan (lunge maracas y snowbells), Michael Blair (batería china, Oldsmobile hubcap, pandereta, tímpano, glockenspiel, martian-dog bark, crash box, metal pipe, xilofón, marimba, Magic table, temple bells, snare drum y parade drum), Jerry Marotta (batería), Ralph Forbes (batería eléctrica), Jim Keltner (Extra snare drum, chinese cymbal, tom-tom drum y batería), Marc Ribot (guitarras eléctricas, guitarra española, distant sound y banjo), Benmont Tecnh. (piano, Hofner clavinet y Baldwin spinet), Jerry Scheff (bajo), Gregory Davis (trompeta), Efrem Towns (trompeta), Kevin Harris (saxo tenor), Roger Lewis (saxo barítono y soprano), Kirk Joseph (saxofón), Allen Toussaint (gran piano), Mitchell Froom (Wurtlitzer electric piano, Chamberlain, indian harmonium y órgano), Buell Niedlinger (double bass y chelos), Willie Green (batería), Donal Lunny (bouzuki, bodhram y guitarra acústica), Davy Spillane (low whistle y uileann pipes), Steve Wickhan (violín), Pete Thomas (batería), Jerry Scheff (double bass), Charles Joseph (trombón), Jenel Marshall (snare drum), Lionel Batiste (bass drum), T Bone wolf (bajo y acordeón), Chrissie Hynde (armonías vocales), Derek Bell (irish harp y trompan), Frankie Gavin (violín), Steve Wickhamn (violín) y Christy Moore (bodhran).

Además: “Al filo de los años 80, su obra aparecía como una de las más coherentes, sin bien existen abundantes singles, EP’s y hasta LP’s no oficiales, producto de grabaciones en vivo o en ediciones de otros países. El caso más notable es el Lp Live at The Mocambo, editado en Canadá”. Jordi Sierra i Fabra.


Más portadas: My Aim Is True (1977), This Year’s Model (1978), Armed Forces (1979), Get Happy! (1980), Trust (1981), Almost Blue (1981), Imperial Bedroom (1982), Punch The Clock (1983), Goodbye Cruel World (1984), King Of America (1986) y Blood And Chocolat (1986).

Bad Company (Ariola-Eurodisc) 1974
Bad Company
Portada: Hipgnosis

Una historia: “Nacieron como superestrellas. Paul Roberts (voz, 1949) y Simon Kirke (batería, 1950) era la mitad de Free. Surgidos en 1968, su blues-rock emocional, su azorosa biografía y la muerte trágica de Paul Kossoff (1976) convirtieron a Free en grupo mítico. De crucial trascendencia, como temas como All right now, su tensión contenida y desesperación vocal sirvieron de argumento a Bad Co. La elegancia aplastante de Mick Ralphs (ex Mott the Hoople) sustituirá a la tortura guitarrística de Kossoff junto al bajo sólido de Boz Burell (ex King Crimson). Bad Co. Grabó su debú homónimo en 10 días. Al poco tiempo, eran número uno internacional con Can’t Get Enough (1974). Era el mejor disco de Free. Los siguientes continuaron la receta y las ventas millonarias hasta que la rutina se los llevó en 1983”. José M. Rey.


Otra: “Bad Co. (74) fue un impacto consagrador que les colocó en la cima para promocionar este primer LP, el grupo actuó en los días de su edición en Estados Unidos como telonero en las giras de Black Oak Arkansas y Edgar Winter. La fuerza del LP, que llegó al techo de los rankings, hizo que los teloneros se convirtieran en estrellas absolutas de la gira. Con el respaldo de Meter Grant (manager de Led Zeppelín), Bad Comapny se convirtió en una de las escasas aportaciones del primer año de la crisis energética y de la mitad de los 70, ingresando en la élite de las grandes bandas de ese tiempo”. Jordi Serra i Fabra.
Canciones: Can’t Get Enough. Rock Steady. Ready For Love. Don’ t Let Me Down. Bad Company. The Way I Cose. Movin’ On. Seagull.
Músicos: Paul Rodgers (piano, guitarra y voz), Mick Ralphs (guitarra y teclados), Bob Burell (bajo) y Simon Kirke (batería). Mel Collins (saxofones) y Sue y Sunny (coros).

Además: “Tras la primera disolución de Bad Company en el año 1983, Paul Rodgers continuó trabajando de forma activa en el ámbito del rock, tanto en formaciones –The Firm y The Law, por ejemplo, así como haciendo giras con Queen en 2005 y 2006, y grabando discos en solitario. También ha colaborado en grabaciones de homenajes a músicos como Muddy Waters y Jimi Hendrix. En el año 2001 recorrió Estados Unidos con una revitalizada Bad Company”. Sam Rock.
Más portadas: Straight Shooter (1976), Run With The Pack (1976), Burnin’ Sky (1977), Desolation Angels (1979) y Rough Diamonds (1982).

Jazz & Comic (Nobel Musical) 2006
Nat King Cole
Portada: Alexis Dormal

Una historia: “Nathaniel Coles, nacido el 17 de marzo de 1917, conocido indistintamente como Nat Cole o Nat King Cole, considerado por el gran público como un cantante de éxito durante los años cincuenta sesenta es, paradójicamente, un perfecto desconocido para el aficionado medio al jazz. Nat Cole, contrariamente a lo que pueda parecer a primera vista, fue una figura fundamental en la historia de esta música y en algunos de sus desarrollos. Nacido en el Sur profundo, concretamente en Montgomery, Alabama, hijo de un pastor protestante, se inició en la música como otros muchos jóvenes de su edad –y una gran mayoría de jazzmen de color- a través del coro de a iglesia del barrio, del cual, además, su madre era directora. En el caso de Nat cabe pensar que, por razones obvias, esta iniciación fue mucho más intensa y sobre todo más profunda que en la mayor parte de sus compañeros”. Vicente Mensua.

Otra: “En 1939, un joven pianista recién instalado en California iniciaba su carrera al frente de n trío q7ue ejercería una influencia decisiva en el desarrollo de este tipo de formaciones. La fórmula (que en su primera versión había incorporado una voz femenina, en un cuarteto cuyas grabaciones nunca se han reeditado) consistía en sustituir la batería por una guitarra y conceder a los dos acompañantes un similar y marcado protagonismo contrapuntístico. La originalidad del planteamiento piano-guitarra-bajo, unida a la vivaz fantasía del líder, a su elegancia musical y a su peculiar modo de cantar, con una voz suave, pero rica en inflexiones maliciosas, se tradujo en un inmediato éxito popular y, además, se erigió en una especie de eslabón entre el jazz tradicional y el moderno”. Vicente Mensua.


Canciones: Unfogerttable. Dream A Little Dream Of Me. Too Young. Pretend. Hey, Not Now!. Hit That Jive Jack. Sweet Georgia Brown. Staighten Up And Fly Right. Laugh! Cool Clown. A Pile 0’ Cole.. Laura. The Man I Love.Calypso Blues. Sweet Lorraine. Boulevard Of Broken Dreams. Mona Lisa. Nature Boy. Embraceable You. Rhumba Blues. Bésame mucho. Route 66. Lulubelle. Making Whoopee. (I Love You) For Sentimental Rehaznos. Chant Of The Blues. Gone With The Draft. Jack The Bellboy. Bop-Kick. It’ s Only A Paper Moon. How Deep Is The Ocean. A Portrait Of Jenny. Rhumba Azul. Honeysuckle Rose. Jumpin’ At Capitol. I Got Rhythm. Rex Rhumba. Whats Is This Thing Called Love. I’m In The Mood For Love. Me Baby Just Cares For Me. Smoke Gets In Your Eyes. Go Bongo.

Músicos: Nat King Cole (piano y voz), Oscar Moore (guitarra eléctrica) y Wesley Prince (contrabajo). Irving Ashby (guitarra), Johnny Miller (bajo), Harry Bluestone (violon), Jack Constanzo (bongo y conga), Nelsson Riddle & Orchestra.

Además: “Como pianista de jazz, Nat King Cole tiene la ingrata importancia del nexo entre dos épocas, situación que comparte con un gran olvidado, pianista como él mismo, Clyde Hart. Como pianista swing, merece estar entre los grandes, como Teddy Wilson, Jess Stacy, Count Basie (Waller y Tatum quedan fuera de esta enumeración porque sus particularidades son excluyentes), como pianista moderno no llega a cubrir las expectativas del aficionado…pero sí del mismísimo Bud Powell, que lo legitima y ubica entre sus referencias ineludibles”. Carlos Sampayo.

Más portadas: From The Very Begining (1936), Meet The Master Saxes (1942), The King Cole Trio (1944), Anathomy Of Jam Session (1945), Lush Life (1949) y Penthouse Serenade (1952).

Canción de primavera (Epic) 1981
CAI
Portada: diseño e ilustración de Juan O. Gatti

Una historia: “Un disco bello y maduro en el que basta escuchar las melodías a dos guitarras o desgranadas por los teclados para comprender que el duende arábigo-andaluz habita, con libertad, en esos acordes. Invitaciones tan sabrosas como El viaje, Mercadillo del piojito, Caletera, Canción de la primavera, en las que lo costumbrista se funde con lo intangible, hablan por sí solas del espíritu CAI. Como primer single se ha escogido Fiesta en el barrio, una estructura musical que técnicamente podía definirse como canto-de vuelta o colombiana-rock, espíritu marchoso y popular a tope. Imprimen a su música un espíritu propio, muy determinado y siempre matizado de optimismo en el que también caben devaneos espiritualistas. En fin, un grupo vital, sin ninguna concesión a lo artificial-blandengue. Canción de la primavera es el título de su tercer LP”. Hoja de promoción de Canción de primavera.

Otra: “Superado ya el cliché del rock andaluz, CAI demuestran con su continuidad que lo suyo no obedece a una moda ni a una fiebre pasajera. Grupo trabajador, ilusionado en la composición de sus propios temas y perfeccionista en su afán de sonar cada día mejor. Todo comenzó cuando Sebastián Chano Domínguez (teclados), Diego Fopi Fopiani (voz, batería), Paco Delgado (guitarra) y Pepe Vélez (bajo, voz), cansados de hacer música de baile y recorrer todos los pueblos de Cádiz de verbena en verbena, decidieron unirse para llevar a la práctica unas ideas musicales que venían pensándose desde hacía tiempo y que no se podían realizar por problemas económicos debido a lo costoso del equipo.
En fin, en abril de 19789, solucionado el tema económico, empieza a cuajar la idea-CAI. Querían hacer música profunda, con contenido, y lógicamente tenía que llevar raíces andaluzas porque todos eran de Cádiz. CAI es Cádiz en la pronunciación andaluza. Su primer actuación pública fue en junio del 78 en un festival celebrado en Puerto Real”. H.P.

Canciones: El viaje. Tu mirada. Mercadillo del piojito. Donde tú estás. Fiesta en el barrio. Caletera. Camino a seguir. Canción de la primavera.

Músicos: Diego Fopiani Macías (batería, percusiones y voz), Sebastián Domínguez Lozano (piano acústico, Fender, cuerdas, sintetizadores, clanivete, coros y palmas), José Antonio Fernández Mariscal (guitarra eléctrica, guitarra acústica, coros y palmas) y José L. Vélez Gómez (bajos, coros y palmas).

Además: “El tercer y ultimo álbum Canción de la primavera es el mas comercial, el rock andaluz empezaba a dejar de interesar a las discográficas y la banda naturalmente tuvo muchas presiones para que evolucionaran hacia lo facilón, si bien supieron resistirse y a pesar de su comercialidad es un álbum bastante digno. Se edito en 1981 para el mismo sello Epic y consta de ocho temas: El viaje, Tu mirada, Mercadillo del piojito, Donde tu estas, Fiesta en el barrio, Caletera, Camino a seguir y Canción de la primavera. Para este álbum la banda vuelve a ser un cuarteto ya que se marcho de ella el guitarrista Paco Delgado González.
Más de un cuarto de siglo después, vuelve CAI. Mª allá de nuestras mentes diminutas, habrá mas noches abiertas para entonar la canción de la primavera.
Los nuevos CAI, que no podrán constar con su antigua formación, incorporarán a la banda a otros instrumentistas gaditanos para perfilar una formación que llevará a CAI mas allá de su propia leyenda”. Caimasalla.com.

Más portadas: Más allá de nuestras mentes diminutas (1979) y Noche abierta (1980).

Castillo de arena (Polygram) 1977
Camarón de la Isla
Portada: fotografía de José Lamarca




Una historia: “Lo cierto es que nunca ganó Camarón mucho dinero con sus discos. Camarón era un monstruo, un fuera de serie, lo nunca visto ni oído, pero sus discos no se vendían. Eso es lo que opinan los responsables de Polygram, la casa discográfica donde Camarón grabaría todos sus elepés desde 1969. Dos días después de su muerte, el de la Isla sólo había vendido, entre cintas, discos de vinilo y compactos, 1.851 ejemplares de Caminito de Sotana, 31.000 de Viviré, 7.544 de Como el agua, 49.197 de Autorretrato, 3.428 de Calle Real, 5.482 de La Leyenda del tiempo, 8.570 de del Disco de oro, 3.527 del bellísimo Rosa María, 34.903 del imperecedero Flamenco vivo, 35.752 del desconcertante Te lo dice Camarón, 80.619 del valiosísimo Soy gitano y 70.694 del doloroso Potro de rabia y miel. En resumidas cuentas, Camarón sólo consiguió dos discos de éxito: Autorretrato y Soy gitano”. Francisco Perejil. Camarón de la Isla. El dolor de un príncipe. El País Aguilar. 1993.

Otra: “Este disco cerró el ciclo de las primeras grabaciones de Camarón acompañado por la guitarra de Paco de Lucía, que había comenzado en 1969. En las primeras bulerías, tituladas Samara, Camarón aparece por primera vez firmando una letra flamenca, como coautor junto a Antonio Sánchez Pecino”.Ángel Álvarez Caballero.


Canciones: Samara. Donde se divisa el mar. Y mira que mira y mira. De tus ojos soy cautivo. Dos estrellas relucientes/De la alegra primavera. Como castillo de arena. Vivo para quererte. De lo que yo soy pa ti/Por culpa de tu cariño. Que he dejado de quererte. Por cositas malas.


Músicos: Camarón de la Isla (voz), Paco de Lucía (guitarra flamenca) y Ramón de Algeciras (segunda guitarra).


Además: “Ni antes ni ahora hubo un eco como el suyo. Donde ponía la voz hacía oro. Su capacidad de transmisión era asombrosa. Era un sonido nuevo en el cante. Tenía un sello que quedará para la eternidad. Camarón ha influido en todos los cantaores de este tiempo. Es posible que también en mí, de alguna manera y sin yo saberlo. De artistas como él siempre se están recibiendo cosas buenas, y aunque yo tenga mi personalidad es indudable que el cante de José me conmovía, me emocionaba. Éramos como hermanos”. Enrique Morente.

Cuarenta años después (14)

Discos de 1967

Wave (Verve) 1967
Antonio Carlos Jobim
Portada: fotografía de Meter Turner y diseño de Sam Antupil

Una historia: “Varias son las interpretaciones dadas a la expresión bossa nova. Desde atribuirle el sentido de nueva ola o nueva manera de hacer algo hasta entenderla como la vocación o aptitud de alguien en relación con una actividad determinada. Bossa nova significa nuevo talento, dice Carlos Lyra, porque cuando empezó nadie era profesional. Jobim tocaba el piano en un bar para ganar dinero, pero quería ser arquitecto. Vinicius de Moraes era diplomático; Joa Gilberto era un parado. No había profesionales. Todos teníamos talento, aptitud para hacer música. Era la clase media tratando de asumir el arte en Brasil”. Carlos Galilea Nin. Canta Brasil. Ediciones Cúbicas. 1990.

Otra: “En la terraza del antiguo bar Veloso, en el cruce de las calles Montenegro y Prudente de Moraes, entre charlas amistosas y capes gelados (cañas de cerveza muy fría), Tom y Vinicius crearon la que, posiblemente, sea su más famosa canción. Hoy, la calle Montenegro se llama Vinicius de Moraes, y el bar, Garota de Ipanema”. C.G.N.

Canciones: Wave. The Red Blouse. Look to the Sky . Batidinha. Triste. Mojave. Dialogo. Lamento. Antigua. Captain Bacardi.

Músicos: Antonio Carlos Jobim (piano, harsichord y guitarra), Ron Carter (bajo), Domum Romao, Bobby Rosegarden y Claudio Sion (batería), Joseph Singer (french horn), Ray Backenstein, Romeo Penque y Jerome Richardson (flautas y pícalo), Urbie Green y Jimmy Cleveland (trombones), Bernard Elchen, Lewis Eley , Paul Gershman, Emmanuel Green, Louis Haber, Julios Held, Leo Kruczek, Harry Lookofsky, Joseph Malignaggi, Gene Orloff, Raoul Poliakin, Irving Spice y Louis Stone (violines), y Abe Kessler, Charles McCracken, George Ricci y Hervey Shapiro (chelos).

Además: “A Jobim le gusta recalcar que no sólo ha compuesto bossa nova, sino que también ha creado obras sinfónicas músicas para películas. En 1987, tras varios años sin publicar, sorprendió a sus muchos admiradores con nuevos temas, en una grabación titulada Passarim.
Cierto que, como se pudo comprobar en su breve gira europea de julio del ochenta y cinco, el carioca pese a tener una voz reconocible, está bastante limitado en tanto que intérprete. Pero un repaso a su obra pone la piel de gallina al más escéptico: Desafinado, Eu sei que vou te amar (58), Meditaçao, Corcovado, Dindí (60), Agua de beber, Insensatez, Samba do aviao, Ela é carioca (63), Retrato em Branco e preto (68), Wave, Aguas de março…Canciones que confirman, por si quedaba alguna duda, que don Antonio Carlos es uno de los grandes compositores de este siglo (XX)”. C.G.N.

Más portadas: Sinfonia do Rio de Janeiro (1954), Orfeo da conceiçao (1956), O pequeño principe (1957) , The Componer Of Desafinado Plays (1963), Tide (1970), Elis & Tom (1974), Urubu (1976), Terra brasilis (1980) y Passarim (1987).

In concert (Guimbarda) 1981
John James

Portada: diseño de Terry Eden y fotografia de Eddie Babbage




Una historia: “A principios de los sesenta, el joven John James se encontraba formando parte de grupos beat y bandas de danza, tocando para los bailes de fines de semana de los granjeros y cosas por el estilo en los alrededores de su nativa Lampeter en Gales. Pronto se vio inmerso en la forma de tocar de Django Reinhart, continuando con americanos como el Reverendo Gary Davis, Chet Atkins y Mississippi John Hurt. Todo esto le condujo a la guitarra acústica, como solista.
Hacia 1967, él como muchos otros estaba recorriendo los clubs de folk de Londres, buscando actuaciones como solista. Incluso teniendo en cuenta el hecho de que los cantantes de piso (clubs, etc) de Londres, estaban entonces de capa caía, él siempre tenía actuaciones garantizadas. Yo no se fue cuando empecé a ser su manager, pero creo que fue una de aquellas noches blueseras de domingo, en Bunjies Cofee House, que Jo-Ann Nelly solía organizar. Era la época de apogeo del blues de la Costa Oeste, de Blind Boy Fuller, Buddy Moss y compañía. John fue recibido con los brazos abiertos por la fraternidad del blues, hizo su debut en el mundo de los discos en una oscura antología de blues, y comenzó a tocar por todos los alrededores”. Ian A. Anderson (1978).


Otra: “Cuando escuché por primera vez las cintas de este álbum, me dio la impresión de que era lo esencial de John James. Probablemente porque él era un músico trabajador, es decir vivo”. En mi opinión, sus primeros álbumes en estudio (excepto Sky in my pie, con Peter Berryman) no le hicieron justicia. Su debut Kicking Mule Descriptive guitar instrumentals fue el primero en mostrar el guitarrista vital, creativo, dinámico, fluido, que realmente es. El presente álbum, además de captar todo eso, nos ofrece las esencias de las actuaciones de John James. El disco tiene tiene una parte formada por una selección de sus canciones y melodías favoritas durante los últimos diez años, y una parte incluyendo novedades que amplían sus actuaciones”. Ian A. Anderson.


Canciones: Picture Rags. Opus 18. Silver Swan. Suitcase Shaped Like That. Black And White Rag. Rosebud March. How Can I Tell You. Pickles And Peppers. Ragtime Millonaire. Head In The Clouds. Coconut Dance. Victory Rag. One Long Happy Night. You And I Across The Water. B minor Run. Tears. Something There.


Músicos: John James (guitarra acústica) y Chris Billings (segunda guitarra)
Grabado en el Roundhouse Theatre por Ray Prickett en 1978.

Además: “Escrito y grabado para mi primer álbum. El tema principal está basado en un viejo 78 que yo solía escuchar todos los sábados por la tarde cuando era crío e iba con frecuencia a The Lampeter Picture House. De ahí el título. La parte del medio fue escrita en una furgoneta a la vuelta del Cambridge Folk Festival en 1969, y originalmente se llamaba Cambridge Breakdown”. John James presentando Picture Rags.




Más portadas: Morning Brings The Light (1970), John James (1971), Sky In My Pie (1972), Heads And Clouds (1975), Descriptive Guitar Instrumentals (1977), Guitar Jump (1977), Acustia Eclectica (1984) y Gutar Music (1988).

Mott (CBS) 1973
Mott The Hoople
Portada: fotografía de CBS

Una historia: “Siguiendo las directrices de David Bowie, Ian Hunter se convierte en el líder absoluto del quinteto. Con ello, surgirán las primeras disidencias. Verden Allen es el primero en marchar. Le Sigue Mick, que se une a Bad Company; pero graba todavía el siguiente LP, Mott (73), en el que la banda figura como cuarteto. Finalmente, Morgan Fisher (ex Love-Affair) reemplaza a Allen; y Luther Grosvenor, con el pseudónimo de Ariel Bender, sustituye a Ralphs, dejando a su grupo Spooky Tooth. Ésta es la formación del álbum The Hoople (74). En 1974 se publica también Live, grabado en directo en Broadway (Nueva Cork) y el Hammersmith de Londres, mientras la banda entra en una nueva crisis. Entra Blue Weaver al teclado (ex Love Affair) y pocos meses después se van él y Ariel Bender. Morgan Fisher se ocupa del teclado, y como guitarrista entra Mick Ronson, de los Spiders from Mars de David Bowie. En 1975, Hunter es hospitalizado en Estados Unidos y, con la crisis planteada, él y Ronson deciden asociarsae abandonando al grupo”. Jordi Sierra i Fabra.

Otra: “La música de Mott The Hoople es algo mejor que la de The Sweet y de Slade; no son, ni mucho menos, un conjunto de tercera categoría. Sin embargo, no aportan nada a la evolución de la música pop, y sólo toman del gay elementos accesorios, buenos para sazonar su poco imaginativo material de base, consistente en su mayor parte en homenajes al viejo rock and roll. Son un grupo nostálgico de los años 50, que no habrían salido nunca de la mediocridad a no ser por el empujón que les dio David Bowie”. Eduardo Haro Ibars.

Canciones: All The Way From Memphis. Whizz Kid. Hymn For The Dudes. Honaloochie Boogie. Violence. Drivin’ Sister. Ballad Of Mott The Hoople. I’ m Cadillac/El camino doloroso. I Wish I Was Your Mother.

Músicos: Ian Hunter (guitarra, teclados y voz), Mick Ralphs (guitarras, teclados y voz), Pette Overend Watts (bajo y voz) y Dale Buffin Griffin (batería) . Paul Buckmaster (chelo eléctrico), Graham Preskitt (violin), Andy Mackay (saxofón) y Thunderthings (coros).

Además: “Grupo típico del poshippismo británico, siempre inseguro acerca de su línea; ahora heavy, ahora acústico-vocal. David Bowie aclaró su futuro al pasarles un gran tema, All the young dudes, a finales de 1972, iniciando una nueva etapa para el grupo, que fructificó con elepés como Mott y The Hoople, en la faceta más seria del glitter. Su líder, Ian Hunter, se irigió en el Dylan glam, más que nada por el aspecto, y adquirió una sólida fama como persona interesante gracias a su reticencia a quitarse las gafas de sol. Grabó también en solitaria, pero su influencia no fue nunca tan decisiva como la de otros coetáneos más horteras”. Patricia Godes.

Más portadas: Mott The Hoople (1969), Mad Shadows (1970), Brain Capers (1971), Wildlife (1971), Rock & Roll Queen (1972), All The Young Dudes (1972) y The Hoople (1974).

Musique d’Auvergne (Guimbarda) 1979
Gentiane
Portada: diseño de Steen



Una historia: “Gentiane fue un grupo ocasional. Los músicos que convergen en esta grabación procedían de horizontes diferentes. Se reunieron para realizar un proyecto con el que se habían encariñado: un disco de música tradicional de Auvernia, diferenciándose del resto de las grabaciones en tipo de arreglos y el respeto a los estilos y los instrumentos. Ante el éxito obtenido por la grabación actuaron alguna que otra vez, pero sus compromisos particulares dieron al traste con la posible continuidad del grupo.
Para entender la evolución de los miembros de Gentiane hay que tener en cuenta algunos aspectos. En primer lugar, se citan las dos matrices del folk francés son Paris y Lyon con sus respectivos clubs de folk. A éstas hay que añadir los músicos bretones que llegan de la mano e Alan Stivell y el núcleo de bluegrass francés. Luego las ramificaciones se entrelazan. Los miembros de Gentiane han participado en diferentes grupos folk como La Chantarelle, La Bamboche, La Chifonnie, Le Bourdon, La Confrerie des fous, Melusine, Forlane, New Ragged Company, Plume et goudron, Lyonnesse, Connection y Equinoxe, entre otros”. Manuel Domínguez.


Otra: “Dentro del repertorio de Gentiane están las revillees (alboradas), que son canciones que acompaña la costumbre de pedir. Niños y jóvenes del lugar recorren las granjas, en día señalados (Martes de Carnaval, Viernes Santo, Navidad), según la región, pidiendo huevos, aves de corral, a cambio de su alegría y canciones. La colecta permite organizar una gran fiesta a la que están invitados. Esta costumbre es anterior al cristianismo y se sigue practicando en muchos sitios”. M.D.

Canciones: Bourre a deux violons. Mazurca, brezon valse. Le Taitou. Pendant la messe, scottisch valse. La vicoisse. Reveilles. Obal Din la Ribieyro. La caille et le couquignotte. Suite de marches. Suite de bourrees Ai vist lou loup. Le Tsabro, bourre des nuages. Plant un cao.

Músicos: Jean Blanchard (voz, violin, mandolina, acordeón diatónico y sonajas), Emmanuelle Parrenin (zanfona, espineta y canto), Philippe Fromont (violines), Bernard Blanc (cabreta-gaita-, zanfona, sonajas y muletillas) y Gerard Lavigne (bajo Fender).

Además: “Plant un cao es una extraordinaria melodía cuyo arreglo ha sido trabajado desde el punto de vista de las orquestas auverñesas de los bailes parisienses de principios de siglo (XX), que, además, de los instrumentos tradicionales, utilizaban piano, violines y algunas veces banjo, metales y batería. En esta versión se emplean violín, piano, guitarra, bajo, acordeón, zanfona en re, zanfona en sol y sonajas”. M. D.

Más portadas: Melusine. La prision d'amour (1976), Melusine leve toi et danse! (1977), Voulez vous que je vous dis (1980, Melusine (1981) y Ut consommatores (1981). Parrenin/Fromont/Lefebvre. Chateau dans les nuages (1976). Connection. Correspondance (1979). La Confrerie des fous (1978).

Marismas (Guimbarda) 1980
Suburbano
Portada: Juan Alberto Arteche



Una historia: “El 3 de mayo de 1979 nace, en un escenario, Suburbano. El alumbramiento tuvo lugar en la sala Gayo Vallecano, una cooperativa de teatro independiente, fundada y dirigida por Juan Maragallo, en el corazón del barrio de Vallecas. Por aquel entonces compartíamos local de ensayo con el grupo de teatro Tábano, a pocos metros de distancia del Gayo Vallecano y a menos distancia, si cabe la línea cultural que había marcado dicha sala. Tábano fue nuestro primer punto de encuentro. Ambos habíamos trabajo en él, uno como músico y el otro como actor.
Afirmar que Suburbano ha sido un grupo esencialmente ecléctico no el algo gratuito: empezamos siendo un grupo que trabajaba buceando en el folclore, cuando en España surgían las grandes bandas de rock. Así, mientras los escenarios se llenaban de guitarras eléctricas, nosotros aparecíamos con violines, mandolinas, percusiones y cantos étnicos. Era la música que entonces nos apetecía hacer.
Más tarde, fuimos derivando hacia el jazz-rock, complicando armonías, mezclando compases y fusionando el folclore con otros instrumentos más urbanos. Nuestra etapa barroca coincidió con la época de la llamada movida madrileña, el tiempo de las canciones simples y sin problemas. Y allí estábamos nosotros, haciéndolo todo más complicado. El caos seguía moviendo nuestros pasos. Durante el bache y defenestración que sufrió la canción de autor, decidimos hacer canciones. Cuando los cantautores crecieron de nuevo y las guitarras distorsionadas estaban a la baja, nos decidimos por un rock más duros y sin contemplaciones”. Luis Mendo y Bernardo Fuster. 20 años y un día. Colección LcD El Europeo.
Otra: “Si hubiésemos tenido un mínimo de vanidad y sentido comercial, habríamos intentado vender la imagen de los autores de las canciones que cantan los cantautores, pero preferimos encerrarnos en nuestro trabajo y seguir riéndonos hasta de nosotros mismos. Más tarde, curiosamente, la industria descubre el folk y el mestizaje étnico que nosotros habíamos tocado quince años antes. Lo que al principio era una actitud no meditada de ir a la contra, acabó por convertirse en una bandera que nos permitiese conservar aquel juramento que nos unió al imponernos la condena de veinte años.
Así nos ha ido: todos saben que existió y existe un grupo llamado Suburbano, pero nadie sabe explicar qué música hacen o hacían. Desde el punto de vista comercial ésta ha sido nuestra gran lacra”. Luis Mendo y Bernardo Fuster.

Canciones: Melocotón. Rompeolas. Baile del acantilado. Marejada. Moros y cristianos. Aguamarga. Dos muchachas. Arlequín. Marismas. El zumbido que no cesa.

Músicos: Bernardo Fuster (voz, congas, tablas, derbuka, adufe y percusiones), Luis Mendo (guitarra acústica, guitarra eléctrica y percusión), Rafael Puerta (violín, mandolina, percusión y grito), Lorenzo Solano (saxo soprano, tenor, flauta y percusión), Pedro Peralta (batería y percusiones) y José Luis Villegas (bajos eléctricos y percusión). Han colaborado Luis Pastor segundas voces en Melocotón y Teresa Cano, en Marejada.

Además: “A través de las canciones consigues entrar en mundos irreales en los que hacer tangibles lo que la realidad te niega. A veces son un lamento puro y duro, y otras el paño de lágrimas que te ayuda a sobreponerte”. Luis Mendo y Bernardo Fuster.

Breakfast In America (A&M) 1979
Supertramp
Portada: diseño de Mike Doud



Una historia: “Es cierto que muchas estructuras que habían empleado en sus discos anteriores habían quedado desfasadas por la entrega pura y sincera al formato pop, pero lo cierto es que las canciones seguían dotadas de una complejidad en su estructura clásica que ningún otro grupo de la época pudo lograr. Quizás cabe argumentar que la huella de Supertramp en el pop posterior a su era dorada es prácticamente inexistente por un hecho que parece ser obviado, y es que realmente no ha vuelto a existir una banda que compaginara talento creativo tan notable con una técnica tan depurada. Simplemente, nunca, nadie, fue capaz de repetir lo que ellos, durante un tiempo, fue algo completamente natural.
Y es que Breakfast In America cerraba una época”. Darío Vico. Supertramp y los grandes magos del sonido de los 70. Guías efe eme.

Otra: “El gran año de Supertramp fue 1979. Su álbum Breakfast In America y su gira estadounidense les llevaron al número 1 de las listas de éxitos, mientas que tres temas del LP serían paulatinamente hits en singles, The Logical Song, Breakfast In America y Googbye Stranger. El impacto de Supertramp siguió con su gira mundial, de la cual, en 1980, se extrajo el nuevo álbum, doble y grabado en vivo, Paris, resultado de su concierto del 29 de noviembre de 1979 en el Pavillon de la capital francesa”. Jordi Sierra i Fabra.

Canciones: Gone Hollywood. The Logical Song. Goodbye Stranger. Breakfast in America. Oh Darling. Take the Long Way Home. Lord Is It Mine. Just Another Nervous Wreck. Casual Conversations. Child of Vision.

Músicos: Rick Davies (teclados y voz) John Helliwell (saxo y voz), Roger Hodgson (guitarra, teclados y voz), Bob Benberg (batería), Bob Siedenberg (batería), Dougi Thompson (bajo), Richard Hyde (trombón) y Slyde Hyde (trombón y tuba).

Además: “Porque, en verdad, lo único que ofrece Supertramp son un manojo de buenas melodías y una enormidad de trabajo. Desde este punto de vista resulta que son honrados, aunque también sean aburridos. Con Supertramp se plantea la cuestión de la música con alma o la música mecánica y estandarizada”. J.M. Costa.

Más portadas: Supertramp (1970), Indelibly Stamped (1971), Crime Of Century (1974), Crisis? What Crisis? (1975), Even In The Quietest Moments (1977), Paris (1980) y Famous Last Words (1982).