El cantautor cubano Amaury Pérez (La Habana, 1953) acordó aceptar el reto de poner música y voz a 11 versos de la poetisa también habanera Dulce María Loynaz (1902-1997). Cual juglar que se siente atraído por "la eficiente levedad de su paso, a su consciente y a veces trágico peregrinar desfasado", la grabación de Eternidad, dentro de la notable colección de cedés de la revista El Europeo, sirvió para que Amaury Pérez dejará algo propio en poemas convertidos en canciones como Cuando vayamos al mar, Señor que lo quisiste, Precio, La balada del amor tardío, El cántaro azul o el que da nombre al disco. De esta manera, Amaury contribuye a universalizar aún más la poesía de su paisana, premio Cervantes de 1992, una de las voces de la lírica hispana, a quien dedica la última canción Hastío, compuesta por el propio Pérez, cuyas palabras no hacen más que insistir en el espíritu sensible, la musicalidad y la palabra brillante de la escritora habanera
Canciones: Tiempo. Cuando vayamos al mar. El amor indeciso. Si me quieres, quiéreme entero. Señor que lo quisiste. Estribillo de amor de mar. Precio. Eternidad. La balada del amor tardío. La mujer de humo. El cántaro azul. Hastío/Viajero. Música: Amaury Pérez (voz, producción, dirección general y dirección musical), María Teresa González Peti (producción), Lucía Huergo (dirección musical y arreglos y programación), Jerzy Belc (grabación y mezcla), Julio Hiram y Alan Pérez (asistentes de grabación), Fidel Antonio Orta y Niurka Sánchez (asistentes de producción). Más portadas: Acuérdate de abril (1976), No lo van a impedir (1979), Abecedario (1982), Caricias (1985), De vuelta (1987), Estaciones de vidrio (1988), Confesiones (1990), Encuentros (1993), Licencias de otoño (1996), Equilibrio (1999), Sólo en septiembre (2000), Alogo en común (2001), Trovador (2003), Juglar (2005) y Bardo (2009).
4x10
1973
Hat Trick (Warner Brothers) 1973
America
Portada: fotografía de Henry Diltz
Tercer disco del trío America que en 1973 era uno de los grupos vendedores gracias a sus suaves canciones y armonías vocales acompañadas de música sin grandes estridencias que pasaría de los estilos folk y country, de su mejor y primer elepé, combinación parecida a la utilizada por Crosby, Stills, Nash & Young, según la crítica, a la aparente sofisticación de Hat Trick, del que no saldrían los hits esperados como había ocurrido con los dos anteriores álbumes. A pesar de todo, América en su tercera entrega discográfica aportó alguna excelente canción que no hace falta mencionar, con escuchar el elepé ya se sabe cuál tiene calidad y está compuesta a partir del sentimiento y el compromiso de búsqueda de una identidad propia, aunque esto último a veces se alcanzase entrando en el terreno de lo comercial. America continuaría bien como trío y dúo, más adelante, desarrollando una importante labor musical que se mantiene hasta el siglo XXI, pero ya no como aquellos tres jóvenes de cabellos largos y estética hippy que con un sonido acústico produjeron filias entre una generación que no olvida A horse with no name, A need you, Riverside, Rainy Day, Ventura highway y Don’t cross the river, como también recuerda Muskrat Love y Rainbow Song, estas dos últimas de Hat Trick. Canciones: Muskrat Love. Wind Wave. She’s Gonna Let You Down. Rainbow Song. Submarine Ladies. It’s Life. Hat Trick. Molten Love. Green Monkey. Willow Tree Lullaby. Goodbye.
Músicos: Dan Peek (guitarras y voz), Dewey Bunnell (guitarras y voz), Gerry Beckley (guitarras y voz), Joe Walsh (guitarra), Henry Diltz (banjo), Tom Scott (saxofón), David Dickey (bajo), Hal Blaine (batería y percusión), Jim Ed Norman (piano), David Dickey (bajo) Lee Keifer (armónica) Robert Margouleff (sinterizador) , Lorene Yarnell(taps), Chester McCraken (congas), Billy Hinsche, Bruce Johnston y Carl Wilson (voces).
Más portadas: America (1971), Homecoming (1972), Holiday (1974) Hearts (1975), History (1975), Hideway (1976), Harbor (1977), Silent Leter (1979), Alibi (1980), A Vew From the Ground (1982), Your move (1983) y Perspective (1984).
Dedicado a Henry Diltz
26 febrero 2013
Edición especial
Perto de ti (Valentin de Carvalho) 1982
Lena D' Água
Portada: fotografía de Luis Vasconcelos
Lena d’ Água con la formación Atlântida el disco grande Perto de ti cuando varios grupos de pop-rock portugueses habían conseguido ser conocidos en diferentes países de Europa. La cantante lusitana estaba acompañada por un excelente grupo de músicos que aportaban su experiencia para introducir en las canciones elementos de diferentes estilos musicales, además del citado anteriormente, como el jazz, reggae, ritmos africanos y rock progresivo. Esta variedad de estilos sirve también para que Lena demuestre su versatilidad a la hora de cantar junto a un grupo perfectamente coordinado. El teclista Luis Pedro Fonseca es autor de todas las composiciones del disco, incluida la instrumental Llamba que representa más o menos un adelanto de la denominada world music. Las restantes exponen historias de amor (No Fundo Dos Teus Olhos D’ Agua, Perto De Ti y Da Noite), reivindicaciones ecologistas Nuclear Nao, Obrigado, Terra Mágica y Carrocel Da Vida Na Cidade y críticas a la clase política Demagogia, entre otros asuntos de actualidad en aquellos años de posmodernidad musical.
Canciones: Nuclear Nao Obrigado, No Fundo Dos Teus Olhos D’Água, Terra Mágica, Demagogia, Perto de ti, Da Noite, Voo (No Azul), Carrocel Da Vida Na Cidade, Liamba y Na Conquista.
Músicos: Lena (cantante), Luis Pedro Fonseca (teclados, percusión y voz), Carlos Fonseca (guitarras y voz), Necas (batería, percusión y voz), Zeca (bajo, contrabajo y voz), Antonio Cordeiro (saxo tenor, saxo alto y flauta travesera), Nana Sousa Dias (saxo tenor, saxo soprano, flauta transversal y flautas de bisel). Luis Moreira (trompeta), Pedro Queiroz y Jaimito (voces) y Anand Komar (tabla en Voo (No Azul).
Más portadas: Quel é Coisa, Qual é ela (1979), Sem Açúcar (1980), Lusitânia (1984), Terra Prometida (1986), Aguaceiro (1987) y Tu aqui (1989).
El rastro
Marty Robbins
CBS
1963
El árbol del ahorcado
El Paso
Canción del Álamo
Ella tenía sólo 17 años
23 febrero 2013
The Last Vegas Story (Chrysalis) 1984
The Gun Club
Portada: diseño de Gillian Titus y fotos de C. Thomas y T. Campbell
Punk, nueva ola neoyorquina, rockabilly, blues y country son algunas de las influencias musicales recibidas por el californiano Jeffey Lee Pierce (1958-1996), líder indiscutible de la banda The Gun Club, cuarteto en 1984 que grabó el elepé titulado The Last Vegas Story. El citado combo de Los Ángeles se había convertido en una de las formaciones más creíbles de la escena musical californiana, junto a otras como X o The Blasters. De esta última rocanrolera banda toca en un par de canciones el guitarrista David Alvin. Más punkis que clásicos en la estética, pero con un influyente bagaje musical, principalmente Jeffrey Lee, compositor en la mayoría de los casos del repertorio propio de la banda, The Gun Club ofrece su particular viaje al territorio de los excesos, la noche y la mitología roquera, desde el punto de vista alternativo, y apoyada por un sonido duro en el que destacan las guitarras de Lee y Kid Congo, así como la sección rítmica compuesta por Terry Graham y Patricia Morrison. La canción que da título al disco, Strangers In Our Town, Dreams y Moonlight Motel son las pruebas del rock enérgico del cuarteto, que también realiza un par de versiones de piezas de Pharoah Sanders y Gershwin, respectivamente, que adquieren nuevas sonoridades de acuerdo con la idiosincrasia de los miembros del club del arma, heterodoxos y eclécticos donde los hubiese.
Canciones: The Las Vegas Story, Walkin’ With the Beast, Eternally Is Here, Stranger In Our Town, My Dreams, Master Plan, My Man’s Gone Now, Bad America, Moonlight Motel y Give Up The Sun.
Músicos: Terry Graham (cymbals, tom-toms, floor tom, hi hat y batería), Patricia Morrison (bajo, maracas y voz), Jeffrey Lee Pierce (guitarra, piano, campanas y voz) y Kid Gongo Powers (guitarra, maracas, slide guitar, feedback, whirly tube y voz). Mustang David Alvin (guitarra en Eternally Is Here y Stranger In Our Town .
Más portadas:Fire of Love (1981), Miami (1982), Death Party (1983), Mother Juno (1987), Pastoral Hide and Seek(1990), Divinity(1991), Lucky Jim(1993), Da Blood Done Signed My Name -rarezas- (2007), The Life & Times of Jeffrey Lee Pierce &The Gun Club -4CD box seet- (2008) y Larger Than Live -en directo de 1990-(2008).
Apunte: En 2009, salió en formato doble cedé, una nueva entrega de The Last Vegas Story, con el disco original y otro que recoge 14 canciones grabadas en directo de la actuación de The Gun Club en Le Soft de Estrasburgo (Francia), durante la jornada del 20 de noviembre de 1984.
22 febrero 2013
Triptic (Guimbarga) 1979
La Coral Cósmica
Portada: Ángel González Ortiz
Hubo un tiempo a finales de la década de los 70, en Cataluña, que diferentes músicos se zambulleron en la corriente del denominado sonido mediterráneo, es decir a la mezcla de estilos de los pueblos a la orilla del mítico mar. Tras la experiencia del macrofestival de Canet de 1978, La Coral Cósmica decidió que había que grabar la experiencia grupal adquirida en las actuaciones realizadas en los principales locales de la escena musical en auge de Cataluña. En octubre de 1979, los nueve integrantes del grupo catalán registraron las 11 canciones de su único disco. En todas las piezas se aprecian influencias del folk, flamenco, salsa, jazz y rock, en parte por la necesidad de experimentar de los integrantes de la banda con ritmos en apariencia alejados geográficamente. Como decía Don Kiko Palomar en la presentación del disco: “Utilizan cósmicos acordes, siderales arpegios, galácticas notas, universales punteados y otros elementos del ritmo y la melodía compuestos para comunicar comunicación y sana alegría juvenil”. Prueba de esa comunicación son algunas de las canciones de este primero y último disco de La Coral Cósmica: Alba, Venecia dijous 19, Rumba cósmica, Nua o Dansa d’amor etern.
Canciones: Alba, El cami del cel, Venecia dijous 19, Rumba cósmica, Nua, Dins del teu cor, Dansa d’ amor etern, Triptic, “Afirmacio”, Arbre y Extasis.
Músicos: Kim Torras (voz y guitarra), Jordi Álvarez (bajo), Pere Canal (voz), Ferran Salo (violín), Joan Sanmarti (guitarra eléctrica), Toni López (piano), Liba Villavecchia (saxofón), Conxa Armengol (voz) y Joan Antón Mas (batería).
Jazz Frequency Group (free code jazzrecords) 2005
Paco Charlín
Portada: ilustración de Alicia Rodríguez
El contrabajista Paco Charlín (Vilanova de Arousa, Pontevedra, 1975) forma parte de esos jóvenes músicos del ámbito del jazz que dignamente no se limitan a reproducir clichés de un estilo clásico en el que se mueven con solvencia, incluso con madurez, lo cual les lleva a tocar con sentimiento y maestría ya sea piezas ajenas o propias. En relación con la inspiración que mueve al contrabajista a convertirse en uno de los músicos de su generación más prolífico, indica: La música que intento transmitir y componer se basa en un porcentaje muy alto en el estilo del jazz americano y las nuevas tendencias que pueden salir de ahí. No sé si es bueno o malo, pero es la música con la que más me identifico y con la que mejor me puedo expresar. En esa línea se enmarca el repertorio de Jazz Frequency Group, disco, en el que por cierto, se recogen composiciones de Sonny Rollins, John Coltrane y Charly Parker, pero también se incluyen piezas de gentes eclécticas como Mongo Santamaría o Rodgers/Hart.
Composiciones: Airegin. I Could Write A Book. Afro Blue. Diverse. Coutdown. Well Be Togheter Again. Au Privave.
Músicos: Paco Charlín (bajo acústico), Jaleel Shaw (saxo alto) y Donald Edwards (batería).
Más portadas: The ultimate jazz earth-tet (2005), Jazz Frequency Group Vol.2 (2007), Jazz Frequency Group Vol. III (2008), Jazz Frequency Group Vol. IV (2008), Visions (2008), The Game (2009), Organic Motion Philosophy (2009), Traffic Developement (2010) y Kiuye (2011).
21 febrero 2013
The compact King Crimson King Crimson Portada: pintura de Fergus Hall
King Crimson volvió a renacer con éxito en la década de los ochenta gracias a la tenacidad de su guitarrista Robert Fripp quien reunió a un grupo de músicos con la suficiente experiencia musical como para lanzarse a la aventura de los conciertos. El grupo llegaría a garbar tres discos de calidad y participar en giras por diferentes lugares del mundo. De esta etapa son Discipline y Three of a perfect pair, un sonido ecléctico en el que confluyen desde referencias a la nueva ola, pasando por la world music y el rock duro, siempre adobado con las dosis justas del estilo progresivo que Robert Fripp aplica a su repertorio. Con semejante bagaje no es extraño que King Crimson en su reaparición volviese a cautivar no sólo a quienes siguieron a la banda en los setenta, sino que también supo ocupar un puesto entre los cientos de grupos de quita y pon de los cambiantes ochenta. De esa época son piezas interesantes como Discipline, Matte Kudasai, Three Of A Perfect Pair o Frame By Frame. No obstante, no hay que olvidarse de las composiciones recogidas en esta pequeña antología, como las inolvidables 21 St Century. Schizoid Man, Epitaph y The Court Of The Crimson King, del primer disco de larga duración del rey carmesí.
Canciones: Discipline. Thela Hun Ginjeet. Mate kudasai. Three Of A Perfect Pair. Frame By Frame. Sleepless. Heartbeat. Elephant Talk. 21 St Century. Schizoid Man. I Talk To The Wind. Epitaph. The Court Of The Crimson King.
Músicos:Robert Fripp (guitarra), Adrian Belew (guitarra y fretless bass), Bill Bruford (batería), Greg Lake (guitarra, bajo y voz), Ian McDonald (flauta, teclados, melotrón, reeds, woodwind y voz), Rhett Davies (voz), Michael Giles (batería y voz) y Pete Sinfield (letrista).
Más portadas: Discipline (1981), Beat (1982), Three Of A Perfect Pair (1984) y Thrak (1995).
"Quien siembra miseria, recoge la cólera" (Santo Grial) 2008
Escuela de odio
Portada: Matteriacreativa
Escuela de odio, grupo asturiano de hardcore, con una envidiable andadura musical, mantenía en su sexta entrega discográfica un potente sonido cargado de letras combativas, en ocasiones llamando a la rebelión en otras apostando por el derribo del sistema capitalista, muy en la línea del estilo iniciado por esta banda en la primera mitad de la década de 1990. Potente y agresiva voz, acompañada de guitarras lacerantes y sección de ritmo machacona, todo ello en la línea del punk más desquiciado, Quien siembra miseria, recoge la cólera, se presentó con un repertorio fundamental para entender el rock fuera de los circuitos más comerciales. Contribuyen a esa apreciación piezas como Una vida marcada, Los de siempre, Y Si no hay viento habrá que remar, Capitalismo caníbal y Alerta Felguera.
Canciones: Una vida marcada. Los de siempre. Gritos. Del perro al amo. Números en la estadística. Y si no hay viento habrá que remar. Cimientos de hormigón. Salta y escapa. Capitalismo caníbal. Alerta Felguera. Músicos: Marki (guitarra), Michel (batería), Fonso (guitarra), Guti (bajo y coros) y Pirri (voz). Mars y Chifly -Habeas Corpus- (voz y guitarra en Si no hay viento habrá que remar), Sergio Rodríguez (guitara en Salta y escapa) y Chalseto (voz en Alerta Felguera). Más portadas: La escuela de odio (1994), La razón del pensamiento (1996), El sueño de los que no duermen (1998), Cuando los mudos griten, los sordos sentirán el miedo (2000), De la esclavitud a las cenizas (2004), Que nada nos pare -en directo- (2009) y Una democracia manchada de sangre (2012).
20 febrero 2013
Las cosas del Virgin Sound (Virgin Records) 1975 Varios Portada: Michael Joseph
Virgin Records, antes de convertirse en multinacional, se afianzó como una de las discográficas de la primera mitad de la década de 1970 gracias al elepé Tubular Bells, de Mike Oldfield, cuyo ecléctico estilo musical tenía mucho que ver con otros artistas que se movían fuera de los círculos habituales del rock. El visionario Richard Branson fijo el objetivo en dar continuidad al éxito de Tubular Bells mediante la promoción de artistas encuadrados en el underground y el rock progresivo, dos formas heterodoxas de entender la música que nada tenían que ver con los números 1 y las giras multitudinarias. Dos años después del éxito de Oldfield, amplificado por la inclusión de parte de las campanas tubulares en la banda sonora de El Exorcista, Virgin Records sacaba un doble elepé con las luminarias de dicho sello. Mucho experimentalismo, algo de sonidos étnicos, free jazz, rock sinfónico, música planeadora y varios ritmos inclasificables no llegaron a cuajar, pese a la calidad de determinadas propuestas y las giras promocionales que se realizaron por Europa. En la actualidad de aquella avalancha sobrevivieron al anonimato media docena de los grupos y solistas que aportaron canciones a Las cosas del Virgin Sound, un sonido muy de su tiempo experimental, atrevido, sin término medios, que gusta a rabiar aunque a veces produce una sensación contraria. No obstante Virgin continuó su vuelo hacia las alturas de las grandes discográficas, acaparando los artistas de moda y ampliando su vivero más allá de los circuitos minoritarios, pero, recurriendo a una frase tópica, esa es otra historia. Canciones, cantantes y músicos: Disco 1. Cara A. Yesterday Man. Robert Wyatt (batería, teclados y voz), Gary Windo (saxos alto y tenor), Mongezi Feza (trompeta) y John Greaves (bajo). Don Alfonso. Mike Oldfield (guitarra rítmica, guitarra solistas y bajo), David Bedford (piano acordeón y voz), Cris Cutler (batería) y Kevin Ayers (botellas de vino). Go And Sit Upon The Grass. Ivor Cutler (harmonium y voz). Overture. Tangerine Dream. Edgar Froese (VCS3, melotrón, órgano y gran piano), Chris Franke (moog, VCS3 y órgano) y Peter Bauman (órgano, sintetizador y celeste). Cara B. Marjory Razorblade. Kevin Coyne (voz), Gordon Smith (guitarra), Tony Cousin (bajo), Rick Dodd (saxo tenor), Tim Penn (piano eléctrico) y Terry Slade (batería). Looking For The River. Kevin Coyne (piano elèctrico). Mirror Man y Upon The My-O-My. Capptain Beefheart And The Magic Band. Captain Beefheart (voz y armónica), Dean Smith (guitarra), Ty Grimes (batería), Paul Uhrig (bajo), Michael Smotherman (teclado) y Fuggy Fuscaldo (guitarra rítmica). Disco 2. Cara A. Extract From The Messiah. Slapp Happy. Peter Blegvad (guitarra), John Greaves (bajo), Chris Cutler (batería) y Dagmar (voz). A Worm Is At Work. Henry Cow (piano), Dagmar (voz), Chris Cutler (batería), John Greaves (bajo), Fred Frith (violín) y Tim Hodgkinson (clarinete del Cáucaso). Sad Sing y Super Man. Tom Newman (double speed rhythm guitar, guitar cases, banging mikes, bajo, mandolina y voz), Mike Oldfield (guitarras acústica y eléctrica de seis cuerdas), Jon Field (penny whistle y old fashioned saxophone), Hughie Flint (batería), Mike Storey (piano), Neil Ines (slide guitar), Lol Coxhill (saxofón), Fred Firth (guitarra) y John Varnon (bajo). Semba. Chile Charles. Robert Bailey (piano y órgano Lowrey), Jean Roussel (órgano Lowrey y bajo), Del Richardson (guitarra acústica), Chili Charles (percusión), George Larnyoh (saxo tenor), Eddie Quansah (trompeta) y Peter Van Der Puije (baritono). Baile. Jabula. Vicky Busisiwe Mhlongo (voz), Ken Eley (tsolo de saxo tenor), Madumetja Ranku (guitarra y percusión), Mogotsi Mothle (bajo y voz), Graham Morgan (batería y percusión), Sebothane Bahula (batería african y percusión), Willy Cheetham (congas y voz), Dudu Pukwana (alto), Eddie Quansah (trompeta), George Larnyoh (tenor y flauta) y Peter Van Der Puije (barítono). Cara B. Extract From Part 1. Clearlight Symphony. Cyrille Verdeaux (gran piano, órgano, melotrón y gong), Christian Boule (guitarra eléctrica), Gilbert Artman (batería, vibráfono y percusión) y Martin Isaacs (bajo). Your Majestic Is Like A Gream Donut y Oh What A Lonely Lifetime. Halfield And The North. Dave Stewart (teclados), Phil Miller (guitarra), Richard Sinclair (bajo y voz), Pip Pyle (batería) y The Northettes: Amando Parsons, Ann Rosenthal (voces) y Barbara Gaskin). White Noise II. Whitte Noise II. Pentagramaspinn. Steve Hillage (guitarra y voz), Bambaloni Yoni (voz), Mike Howlet (bajo), Dave Stewart (órgano), Tim Blake (sintetizador), Didier Malherbe (saxofón) y Pierre Moerlin (percusión).
Más portadas: Virgin Sound (1975), The Front Line (1976), The Best Of Virgin (1977), Machines (1980), Stick It In (1988), Virgin’s 20 St Anniversary Sampler (1993) y Progressive Rock (1997).
Dedicado a Kevin Ayers (1944-2013)
19 febrero 2013
Short Sharp Shocked (Dro) 1988
Michelle Shocked
Portada: fotografía de Chris Hardy
Tejana de la cosecha de 1962, Michelle Shocked era una joven muy viajada que había sorprendido en 1986 con su colección de canciones folkie-punk grabadas a modo de maqueta en su primer disco grande. Dos años después, la contraportada de su segunda entrega discográfica recogía la dedicatoria a Guy, Clark se entiende, el trovador country de Old number 9, entre otros del cantante también tejano. El homenaje no se limita a la frase de rigor “for Guy” pues las diez canciones, la mayoría compuestas por Michelle, van en dirección del auténtico country rock, desde las letras de las piezas a la música. Para la grabación, la cantante se rodeó de un grupo de conocidos músicos, entre los que figuran Al Perkins y Byron Berlin, perejiles en todos los mejunjes de aromas campestres. El resultado es sin duda el disco más redondo de Michelle, quien en la próxima entrada en los estudios de grabación se orientaría hacia el swing. Pero, en el repertorio de su segundo álbum está ante todo la hermosa Anchorage, todo un despliegue de buen gusto y sentimiento, características que se aplican a las restantes piezas del elepé, como Memories Of East Texas o If Love Was A Train.
Canciones: When i Grow Up, Hello Hopeville, Memories Of East Texas, (Making the Run to) Gladewater, Grafiti Limbo, If Love Was A Train, Anchorage, The L&N Don’ t Stop Here Anymore, Black Widow y Fogtown.
Músicos: Michelle Shocked (guitarra acústica y voz), Pete Anderson (guitarra eléctrica y bajo de seis cuerdas), Jeff Donavan (batería), Domenic Genova (guitarras acústica y eléctrica), Skip Edwards (piano y órgano Hammond), Mike Tempo (percussion), Al Pekins (dobro), Byron Berline (violin), Don Reed (violins), Rod Piazza (armònica), Kristine Olson (dulcimer), Banjo Jim Croce (banjo) y Sophia Ramos (voz).
Más portadas: The Texas Campfire Tapes (1986), Captain Swing (1989) y Arkansas Traveler (1991), Kind Hearted Woman (1994) y Good News (1998).
La Chifonnie (Guimbarda) 1979
La Chifonnie
Portada: Guy Rousseau sobre un bordado de Enmanuelle Parrenin
El grupo francés de la región de Drome que adoptó su nombre de un instrumento tradicional, equivalente a la zanfona, había grabado su primer disco grande en la segunda mitad de la década de los setenta con un repertorio de canciones tradicionales de regiones francesas, Québec y Suiza, aunque también se incluyeron composiciones de los cuatro miembros de esta formación de música folk. La Chifonnie se caracterizaba porque su principal escenario eran las calles de ciudades y villas en las que vivían la música como los viejos instrumentistas y cantantes ambulantes. En este primer elepé, editado en España en 1979, los integrantes del cuarteto utilizaron diferentes instrumentos populares, algunos de origen exótico como el banjo, concertina y darbuka, por los que se habían interesado en sus constantes desplazamientos, los cuales les sirvieron también para ampliar su oferta musical y conectar con los problemas de la sociedad. Asimismo tampoco rechazaron instrumentos en teoría más modernos como bajo eléctrico y batería. Danzas, baladas y romances aparecen en esta grabación donde no falta la técnica a la hora de interpretarlos. La Chifonnie fue durante su corto periplo artístico una de las bases del nuevo folk francés de los setenta que tuvo una importante difusión y posterior reconocimiento a nivel europeo gracias a canciones populares reinterpretadas desde una concepción dinámica y para nada etnográfica de museo.
Canciones: Valse des bailançoires, La tempête, Le vent qui vente la nuit, Gironfla, La vigne jolie, L’escapade des vaches, Mathieu/Car chez nous, Mon cher amant, Josefine/Caravanserail y Trois hommes noirs.
Músicos: Dianne Holmes Brown (viela, darbuka, percusión y canto), Patrick Deasaunay (violín, guitarra, banjo, espineta y canto), May Collomb (dulcimer, espidolina y canto) y Serge Desaunay (acordeón, violín, mandolina y canto). Con la participación en Gironfla, Hugues de Courson, bajo eléctrico. Dino Latorre, batería. Efectos especiales y sonido: Bruno Menny. Ayudante: Michel Etchegarray.
Más portadas: Au dessus du pont (1979).
Casamance au Clair de Lune (Celluloid) 1984
Toure Kunda
Portada: diseño de Patrick Di Meglio y foto de Jacqs Loic
Originarios de la región de Casamance, en Senegal, los hermanos Toure representan la música africana en su mejor periodo de difusión, durante la década de los ochenta, época en la que desde diferentes puntos del continente negro se grabaron discos que contribuirían a la fama de los hasta entonces desconocidos músicos de varios países. Otros, como el caso de los Toure aprovecharon los estudios de grabación y los circuitos de actuaciones de Europa para promocionarse. Esto sirvió a muchos instrumentistas y compositores africanos para ponerse al día en otros estilos que combinaron con los de sus lugares de origen. Con el nombre de la región de donde procedían sus miembros, el grupo Toure Kunda grabó en 1984 su tercer elepé en Francia, cuando los hermanos que lideraban esta banda ya eran conocidos en el ambiente musical de la naciente “world music”. Apoyándose en la tradición musical senegalesa y con la inclusión de otros estilos ajenos a la geografía africana, los Kunda utilizan instrumentos populares, sobre todo percusión, y eléctricos para cantar en diferentes lenguas de su nación: mandinga, ouolof, poular y soninké. Sus composiciones, unas veces alegres y otras más melancólicas, están orientadas a descripciones relacionadas con la familia, las leyendas y la belleza femenina, entre otros asuntos propios de una comunidad que gracias a la labor de los hermanos Kunda pudo ser conocida fuera de sus reducidos límites. Canciones: Ne Nam , Manoir, Amadou Tilo, Casamance, Ninki Nanka, Sol Mal, Fass Bougnoul, Saf Sap y Ne Nam 2.
Músicos: Ismaïlia, Sixu Tidiane y Ousmane Toure (canto, percusión y guitarra), Loy (flauta y guimbre) y Jean-Claude Bonaventure (cítara).
Más portadas: Toure Kunda (1981), Amadou-Tilo (1984), E’mma Africa (1985), Natalia (1985), Toubab Bi (1986), Karandini (1988), Salam (1990), Sounké (1991), Sili Beto (1992), Mouslai (1996), Terra Saabi (2000) y Santhiaba (2008).
