Primeras grabaciones (Atlantic) 1974
Aretha Franklin
Portada: dibujo de Patrick v. Spreckelsen

Aretha Franklin o Lady Soul ofrece uno de sus mejores momentos musicales en los tiempos de grabaciones en el sello discográfico Atlantic. De esa época es este doble elepé editado en España en 1974 bajo el título de Primeras grabaciones, que no es más que los primeros dos elepés de la soulwoman en la citada compañía editados en el año 1967: es decir el imprescindible I Never Loved A Man (The Way I Love You), quintaesencia del canto con alma, y Aretha Arrives, inclusión de éxitos de otros estilos pertenecientes a Rolling Stones o Willie Nelson, por poner algo de rock y country, aunque también la cantante recurre a música negra como por ejemplo el siempre agradecido Going Down Slow, arreglado por la propia Aretha, o el impresionante Baby, I Love You. Las primeras grabaciones recogidas en el doble elepé, además de la impresionante voz de Aretha, ofrecen todo un despliegue de sonidos innovadores en su tiempo gracias a la pericia de los músicos de estudio de la marca Atlantic.

 

Canciones: LP 1: Respect. Drown In My Own Tears. I Never Loved A Man (The Way I Love You). Soul Serenade. Don't Let Me Lose This Dream. Baby, Baby, Baby. Dr. Feelgood. Good Times. Do Right Woman, Do Right Man. Save Me. A Change Is Gonna Come. LP 2: Satisfation. You Are My Sunshine. Never Left Me Go. 96 Tears. Prove It. Night Life. That's Life. I Wonder. Ain't Nobody (Gonna Turn Me Around). Going Down Slow. Baby I Love You.

 

Músicos: Aretha Franklin (piano y voz), Jimmy Johnson (guitarras), Spooner Oldham (órgano, piano, teclados, vibráfono y voz), Dewey Oldham (teclados), Crhis Momen (guitarra), Joe South (guitarra), Truman Thomas (órgano y teclados), Ted Sommer (vibráfono y voz), Roger Hawkins (batería), Tommy Cogbill (bajo), Gene Chrismas (batería), Willie Bridges (saxos barítono y tenor), Charles Chalmers (saxo tenor), Melvin Lastie (trompeta), Tony Studd (trombón), King Kurtis (saxo tenor), Carolyn y Erma Franklin (voces).

 

Más portadas: Soul Sister (1966), Lady Soul (1968), Aretha Now (1968), Aretha In Paris (1968), I Say Little Prayer (1969) y Soul 69 (1969).

4x10
1968

The Notorius Byrd Brothers (Columbia) 1968

The Byrds
Portada: fotografía de Guy Webster

The Byrds entran en la segunda etapa de su vuelo musical con la puesta a punto de un quinto elepé marcado por la salida de esta formación de otro de sus miembros fundadores, David Crosby, antes se había ido Gene Clark; pero también se produjo la colaboración de Clarence White, quien con el tiempo será uno de los más sólidos instrumentistas del sonido country de la banda californiana, mas el asunto no queda ahí porque el baterista Michael Clarke también se largaría en busca de un ambiente menos tenso. The Notorius Byrd Brothers enlaza muy bien con la etapa convulsa del año en que fue grabado y el siguiente en que fue puesto a la venta. Roger McGuinn impone su presencia en la mayoría de las composiciones, excepto en las versiones de Goin’ Back y Wasn’t Born To Follow, de Carole King y Gerry Goffin, las cuales a pesar de su procedencia pop se adaptan al mejor estilo de The Byrds: el de las armonías vocales, y ambas con cierto toque country, al igual que ocurre con Old John Roberston o Change Is Now –delicioso el pedal steel de Red Rhodes-, por lo cual la lo del sonido campestre ya venía de atrás y no surgiría por algún capricho en el posterior disco grande. No obstante, en la segunda canción y varias más se nota la tendencia de Roger McGuin a adentrase en el terreno de la ciencia ficción, sobre todo en la mitología espacial, que en aquellos años sesenta ofrecía su rostro más humano en los astronautas que protagonizaban los viajes fuera de la atmósfera. De esa tendencia a volar es Space Odyssey o Dolphn’s Smile, así como algunas piezas que quedaron descartadas, pero luego recuperadas, como Moog Raga y la larga Universal Mind Decoder, que demuestran el interés de McGuin por la experimentación con el entonces novedoso moog sintetizador que le sirve asimismo para acercarse a la música india, pues la sombra de Ravi Shankar era alargada, tras su éxito en el Monterey Pop International Festival de 1967. Pero no todo se queda en el espacio sideral y el country, porque en el elepé quedó registrada también alguna composición roquera y de ácidas guitarras eléctricas, del tándem Crosby-Hillman, quienes sientan las bases del sonido que utilizarán en lo sucesivo algunas formaciones californianas (C,S,N&Young, Manassas).

Canciones: Artificial Energy. Goin’ Back. Natural Harmony. Draft Morning. Wasn’t Born to Follow . Get To You. Change Is Now. Old John Robertson. Tribal Gathering. Dolphins’ Smile. Space Odyssey.

Músicos: Roger McGuinn (guitarra, moog sintetizador y voz), David Crosby (guitarra rítmica y voz), Chris Hillman (bajo, guitarra rítmica y voz) y Michael Clarke (batería). Jim Gordon (batería), Clarence White (guitarras), Red Rhodes (pedal steel guitar), Beaver & Krause (moog sintetizador) y Firesign Theatre (efectos de sonido).

Más portadas: Live at the Fillmore - February 1969 (2000), The Preflyte Sessions (2001), The Essential Byrds (2003), There Is a Season (2006) y Live at Royal Albert Hall 1971 (2008).

Apunte: La reedición en soporte CD de Notorious Byrd Brothers, de 1997, incluye las composiciones Moog Raga, Bound to Fall, Triad, Goin’ Back, Draft Morning y Universal Mind Decoder. La 1, 2 y 6 son instrumentales.

El rastro (21)

Los Ángeles
Mirinda
1969

• Mañana, mañana
• Creeme

I'm Soul Man (sagablues) 2005
Original Soul Brothers
Portada: fotografía de Dorothea Lange


Soul es un término difícil de describir en lo que se refiere a música y canto juntos, pero si se escucha cualquiera de los grupos, cantantes y músicos incluidos en este recopilatorio enseguida acierto a decir que, con sus matices, todos ponen mucho soul en su labor artística. La serie sagablues se adentra en los orígenes del soul con un amplio catálogo de grupos y solistas que constituyen la banda sonora de los años cincuenta en el entorno urbano de las grandes ciudades de Estados Unido. La antología de 24 canciones está dividida en dos partes: Streetcorner Groups And Gospel Quartets y Singing from the Soul. En el primer apartado están incluidos grupos de los denominados de la esquina de la calle, doo-woop, gospel e iniciales del rhythm and blues, mientras que en el segundo predominan bluesmen, r&bluseros declarados, roqueros de color y soulmen. La canción más antigua está grabada en 1950 por The Dominoes: Sixty Minute Man, toda una declaración de principios del r&blues mezclado con otros estilos negros: doo-woop y gospel. Eso en lo que se refiere a los grupos vocales, porque de lo soulmen aparece Roy Brown, con una pieza, Rainy Weather Blues, registrada en 1948 con nítido toque de blues urbano con piano barrelhouse en primer plano, sección de viento y guitarra aguda. Pero no terminan ahí los descubrimientos, porque en los grupos pioneros aparecían futuras estrellas: Sam Cooke, Harvey Fuqua, Cklyde McPhatter, Bobby Bland, Johnny Ace, Little Richard, Rufus Thomas, Johny Otis, Percy Mayfield y Ray Charles. Como curiosidad se puede subrayar a Joe Liggins& His Orchestra que en el lejano año 1954, en Los Ángeles, recogía la influencia de la música latina en el r&blues con Were Doing The Mambo. Por su parte, un joven Litttle Richard (19 años en 1952) cantaba Ain't Nothin' Happening, ya con su arrollador estilo.

Canciones: Just Another Day. Too Much Lovin'. Sincerely. Hearts Of Stone. Lovey Dovey. I'm Gonna Take To Road. Sixty Minute Man. Can't Do Sixty No More. Eyesight To The Blind. In The Wilderness. Hucklebuck With Jimmy. Earth Angel. No Blow No Show. Rainy Weather Blues. Do You Know Him?. They Were Doing The Mambo. Saving My Love For You. Ain't Nothin' Happening. No More Doggin' Around. The Candle's Burning Low. The Bible's Being Fufilled Every Day. I'm Good Rockin' Daddy. The River's Invitation. I Got A Woman.

Grupos y cantantes: The Soul Stirrers. The 5 Royales. The Moonglows. The Charms. The Clovers. The Ravens. The Dominoes. The Du-Droppers. The Larks. The Five Blind Boys Of Mississippi. The Five Keys. The Penguins. Bobby Blue Band. Roy Brown. Brother Joe May. Joe Liggins. Johnny Ace. Little Richard. Rufus Thomas. Johnny Otis. Reverend Gatemouth Moore. Ray Snead. Percy Mayfield. Ray Charles.

Más portadas: Hitsville Use The Motown Singles 1959-1971 (1992), Hi-Records Royal Memphis Soul (1996), 500 Volts Of Stax (1998), Chess Soul vol. 1 y 2 (1998), Organic Soul vol. 1 (2003), From Te Gospel To Soul (2005), Ace 30 th Birthday Celebration -Soul And Funk (2005), Original Soul Sisters (2005) y Atlantic R&B vol. 1, 2, 3, 4, 5 6, 7 y 8 -van de 1947 a 1974- (2006).

Up Where We Belong (EMI) 1996
Buffy Sainte-Marie
Portada: fotografía de Denise Grant


Buffy Sainte-Marie pertenece a la primera generación de cantautoras norteamericanas si se entiende como tal por poner un límite cronológico a la generación de mujeres que a finales de los cincuenta desarrollaban ya su actividad en los escenarios de folk, aunque su verdadera eclosión mediática y artística se produjese en la década de 1960. La canadiense Buffy Sainte-Marie volvió a grabar varias cancioness propias, incluidas algunas versiones utilizadas desde 1964 en sus discos. Bajo el título Up Where Be Belong, pieza de Buffy, Will Jennings y Jack Nitzsche y galardonada con Oscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood, Buffy hizo un selectivo repaso a su amplio repertorio, pero sin caer en el clásico grandes éxitos, ni en los típico producto remasterizado, al realizar una nueva lectura de emblemáticas composiciones, de las cuales se puede afirmar en determinados casos que ya forman parte de la cultura popular, entre otras la que da título al cedé, Universal Soldier, Soldier Blue o Starwalker.Como es habitual, la cantante india no olvida sus raíces nativas e incluye arreglos con todo tipo instrumentación, que va de los viejos artilugios -incluidos cánticos ancestrales- a nueva tecnología aplicada a la música. Ejemplos los hay en Darling Don't Cry, Cripple Creek, He's And Indian Cowboy In The Rodeo, Eagle Man/Changing Woman o Bury My Heart At Wounded Knee. En cuanto a las versiones, no hay que olvidarse de Goodnight, de Cliff Eberhardt y favorita de Buffy, y God Is Aliver/Magic Is Afoot, de su compatriota Leonard Cohen. Todas ellas, las canciones, no pierden intensidad, al revés mantienen el sentimiento y el lirismo al que nos tiene acostumbrados Buffy Sainte-Marie desde hace años.

Canciones: Darling Don't Cry. Up Where We Belong. Piney Wood Hills. Cripple Creek. Gof Is Alive/Magic Is Foot. Until It's Time For You To Go. Universal Soldier. Goodnight. Dance Me Around. He's An Indian Cowboy In The Rodeo. Now That The Buffalo's Gone. Soldier Blue. Eagle Man/Changed Woman. Bury My Heart At Wounded Knee. Starwalker.

Músicos: Buffy Sainte-Marie (guitarra acústica, teclados, cuerda, mouthbow y voz), Jak Lenz (piano, piano acústico y guitarras), Patrick Cockett (guitarra acústica), Chris Bikkett (FX), Roger Jacobs (órgano y guitarra), Chris Birkett (guitarras eléctricas), Kevin McKenzie (batería y percusión), Tom Szesniak (bajo), Stoney Park (sample), Red Bull Singers (coros y drum sample), Rick Marvin (teclados), John Robinson (batería), George Doering (guitarra),Neil Stubenhaus (bajo) y Steve Forman (percusión) y Sandra Blackbear Andt The Ironwood Singers (sample).

Más portadas: De la primera etapa, It's My Way! (1964), Many A Mile (1965), Little Wheel Spin And Spin (1966), Fire & Fleet & Candelight (1967), IM Gonna Be A Country Girl Again (1968), Illuminations (1969) y The Best Of Buffy Sainte-Marie (1970).

Apunte: Buffie Sainte-Marie ha recibido varios premios y nominaciones, entre otras, la de oficcer of the Orden Of Canada.

De fuera a dentro (Satchmo Jazz Records) 2004
Chema Sáiz
Portada: fotografía de Sergio Cabanillas


Chema Sáiz (Alcalá de Henares, 1963) forma parte de los mejores guitarristas españoles para el jazz y también milita entre los más dotadas a la hora de comparecer en directo. Tras de sí tiene un currículum envidiable y varias grabaciones entre las que figura su tercer trabajo en solitario: De fuera a dentro. La presencia de reconocidos músicos de la escena del jazz español ayuda a dar brillantez al disco, donde Chema Sáiz ha querido dar rienda suelta a su creatividad al incluir nueve piezas de su cosecha. Sobre De fuera a dentro, el guitarrista declaraba al respecto: "Sencillamente, quería dejar plasmadas unas cuantas composiciones que tenía y desarrollar otras cuyas ideas me rondaban. En cuanto a las diferencias, una es el sonido global: quería una banda cuyo sonido fuera distinto al que estaba acostumbrado, pues, por lo general, lo nuevo, si bueno, me estimula y me hace tocar diferente; al menos eso es lo que siento miesntras toco. Otra diferencia es el sonido específico de la guitarra, que en algunos temas está aderezado por el pedal wammhy o con la linda y suave distorsiòn del tube-screamer. La última es la apertura en los estilos, aunque dentro del jazz: en este disco hago temas modales, latinos, boleros, sonidos orientales e incluso temas puramente hard bop".

Composiciones: W. De fuera a dentro. Tampoco te pases. Kevin. Vals en re menor. Al día siguiente. Año 711 d.C. Cerebral dance. Final feliz.

Músicos: Chema Sáiz (guitarra), Bobby Martínez (saxo tenor y flauta), Germán Kucich (piano), Tom Warburton (contrabajo) y Guillermo McGill (batería).

Más portadas: Mi carro (1997). Solo álbum (1999). Trio álbum (2006).

Tapestry (CBS) 1971
Carole King
Portada: fotografía de Jim McCrary


Carole King (Nueva York, 1942) es una de las principales compositoras de pop que en la década de 1970 consolidó su estatus de cantautora intimista con varios discos que alcanzaron impresionante éxito a nivel mundial y ventas millonarias. De esa etapa es Tapestry (1971), elepé supergalardonado en su tiempo con cuatro grammys y con varias canciones clásicas que crearon escuela en varias generaciones de cantantes de ambos sexos. Con un soberbio acompañamiento musical y vocal, Carole King va desgranando las canciones del repertorio que se inicia con la dinámica, no exenta de guitarra eléctrica, I Feel The Earth Move, para continuar con la también clásica So Far Away. A continuación aparece la no menos tarareable It´s Too Late, una de las canciones del disco que se ha convertido en una cita atemporal en el repertorio de Carole, quien también dejó muy alto el listón con You' ve Got a Friend. Pero Tapestry no se limita a la cuatro composiciones antes citadas que, por su condición de estándares, no tapan para nada la intensidad arrolladora de Beautiful, Will You Love Me Tomorrow? O Smackwater Jack.

Canciones: I Feel The Earth Move. So Far Away. It's Too Late. Home Again. Beautiful. Way Over Yonder. You've Got A Friend. Where You Lead. Will You Love Me Tomorrow? Smackwater Jack.Tapestry. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman.

Músicos: Carole King (tecaldos, piano, sintetizador, guitarra y voz), Danny Kortchmar (guitarras, conga y voz), Charles Larkey (bajos eléctrico y acústico), Joel O' Brien (batería), Curtis Amy (flauta baja, saxo barítono, saxo soprano y saxo tenor), Terry King (chelo, saxo y saxo tenor), David Campbell (chelo y viola), Barry Socher (violín, viola y saxo tenor), Perry Steinberg (bajo, violín y saxo tenor), James Taylor (guitarras y voz), Steve Barzyk (batería), Russ Kunkel (batería), Ralph Schuckett (piano, teclado y piano elécttrico), Merry Clayton (voz), Joni Mitchell (voz) y Julia Tillman (voz).

Más portadas: Writer (1970), Music (1971), Rhymes & Reasons (1972), Fantasy (1973), Wrap Around Joy (1974), Throughbred (1975), Simple Things (1977), Wellcome Home (1978). Touch The Sky (1979).

Apunte: En la edición en soporte CD de 1999, Tapestry incluía dos canciones más Out In The Cold (inédita) y Smackwater Jack (versión en directo). En 1995 varios cantantes y grupos participaron en la grabación de Tapestry Revisited, un homenaje a las 12 canciones del mítico álbum y a la compositora neoyorquina.

Common Thread: The Song Of The Eagles(Giant)
Varios
Portada: fotografía de Doris Ulmann


The Eagles es un grupo de sobra conocido como para ponerse de él, pero no por ello voy a obviar este disco de sus mejores o más famosas canciones interpretados por otros y otras artistas del country, aunque en la mayoría de los casos pertenecientes a una generación relativamente joven cuando se grabó el álbum en 1993. Bajo la altruista defensa de los bosques y apoyo al Walden Woods Project, que lleva el nombre del pensador norteamericano, se escogió el repertorio de una de las bandas más famosas de la década de 1970.. A pesar de que buena parte de las canciones han sonado a menudo en emisoras y discotecas, sobre todo durante los setenta y ochenta, esta nueva revistación a los éxitos de The Eagles resulta confortadora porque se nota el empeño que ponen cantantes y músicos al reinterpretar Take It Easy, Peaceful East Feeling, Tequila Sunrise, Take It The Limit, Lyin' Eyes, New Kid In Town o Already Gone. Nada nuevo bajo el sol, pero excelentes melodías adaptadas a uno de los mejores repertorios del country rock estadounidense, y que sirve muy bien de música de fondo para una estancia en un espacio natural.

Canciones: Take It Easy. Peaceful Easy Feeling. Desperado. Heartache Tonight. Tequila Sunrise. Take It To The Limit. Lyin' Eyes. New Kind In Town. Saturday Night. Already Gone. Best Of My Love. The Sad Cafe.

Músicos, grupos y cantantes: Travis Tritt. Little Texas. John Anderson. Clint Black. Alan Jackson. Take It To The Limit. I Can't Tell You Why. Lyin' Eyes. Trisha Yearwood. Billy Dean. Tanya Tucker. Brooks & Dunn. Lorrie Morgan.

Más portadas: The Very Best Of The Eagles (1994). Missing Years (2007), Little&Texas. Glide (2008), Jerry Douglas. Drinkin' Song & Other Logic (2005), Clint Black. Easy Money (2007), John Anderson. Good Time (2008), Alan Jackson. Sweet Danger (2007), Suzy Bogguss. These Days (2006), Vince Gill. The Star Still Shines: A Diamond Rio Christmas (2007), Heaven, Heartache And The Power Of Love (2007), Trisha Yearwood. Let Tem Be Little (2005), Billy Dean. Live At Billy Bob's Texas (2005), Tanya Tucker. Instant Live: Atlantic Cicy, NJ 12/11/04 (2005). Lorrie Morgan. Cowboy Town (2007), Brook& Dun.

Veinte años de la sala Galileo Galilei (18 Chulos Records) 2005
Varios
Portada:diseño gráfico Raúl Espinel


Galileo Galileo es la sala madrileña representativa de los músicos y cantautores que salvaron los muebles tras la eclosión y la posterior resaca de la sobrevalorada movida de la década de 1980. Francotiradores, supervivientes, aflamencados, cantantes sin marchamo claro y alguna musa posmoderna, así como un dúo de humoristas todoterreno, son quienes se encargaron de animar el cartel de este CD y DVD conmemorativo de los veinte años de vida del mencionado local de la calle Galileo. Del saco sin fondo de los habituales a la sala, en relación con los artistas, se encuentran en el disco a veteranos como Kiko Veneno, Joaquín Sabina, Antonio Vega, Los Secretos y Javier Ruibal. Grupos con muchas tablas, caso de Los Piratas. Indeterminados/as como Albert Pla y Carmen Paris, o el plantel cantautores/as de los noventa: Ismael Serrano, Rosana, Pedro Guerra, Tontxu, Javier Álvarez y Jorge Drexler. En la parte flamenca están Diego El Cigala y El Bicho, mientras que Fangoria representa la imagen de una reciclada musa de los ochenta. Un heterogéneo plantel hay que destacar piezas ya clásicas en el acervo cancioneril de las dos últimas décadas, casos de Papá cuéntame otra vez, El talismán, Eva tomando el sol, El lado más bestia de la vida (versión de Walk on the wild side, de Lou Reed), Contamíname, El jardín de mi recreo, La edad del porvenir o No sé que me das, con permiso de las demás composiciones,a las que hay que añadir la rabia sin contener de Faemino y Cansado, más callejeros que melódicos en la interpretación de Helana no sabe decir gñoki.

Canciones: Lobo López. Años 80. Entre vareta y canasta. Papá cuéntame otra vez. El talismán. Eva tomando el sol. El lado más bestia de la vida. Albudelake. Contamíname. Abajo el alzheimer. Ojos de gata. Qué fue de aquello. Justin y Britney. El sitio de mi recreo. Aurora. La edad del porvenir. No sé que más da. Eco. Helena no sabe decir gñoki (Turnming mix).

Grupos, cantautores y humoristas: Kiko Veneno. Los Piratas. Diego El Cigala. Ismael Serrano. Rosana. Joaquín Sabina. Albert Pla. El Bicho. Pedro Guerra. Carmen París. Javier Krahe. Los Secretos. Tontxu. Quique González. Antonio Vega. Javier Ruibal. Javier Álvarez. Fangoria. Jorge Drexler. Faemino y Cansado.

Más portadas: Dolor de garganta, de Javier Krahe (1999). Entre vareta y canasta, de Diego El Cigala (2000). Pablo Carbonell, de Pablo Carbonell (2000). Antolojía 1975-2000, de Wyoming & Reverendo. Las damas primero, de Javier Ruibal (2001), Textualmente, de Leo Maslian (2002), Cábalas y cicatrices, de Javier Krahe (2002), Makaroff, de Sergio Makaroff (2003), 18 boleros chulos, de varios cantantes (2003), Lo mejor que puede pasar a un crasúan, Banda Sonora Original de la película del mismo título (2003), Rock and roll alimaña, de Javier Carbonell (2004), Entre las 2000 y las 3000, El Pechuga (2004), ...y todo es vanidad, de Javier Krahe (2004), Fascinio, de Gladston Galliza (2005). ¡Alevanta!, de Benjamín Escoriza (2006). Cinturón negro de karahoke, de Javier Krahe (2006). Global Beats, de DJ Kaska (2007). 25 aniversario de la Sala Clamores, varios (2007). Istambull's Secrets, Sewall Sam (2007). Querencias y extravíos, de Javier Krahe (2007). Loolking back over The Reinassance, de Andreas Prittwitz (2008). Give it and "M", de The Monomes (2008).

Apunte: El DVD que acompaña al cedé de aniversario ofrece imágenes de actuaciones de Pablo Carbonell, El Gran Wyominmg & Reverendo, Javier Ruibal, Faemino y Cansado, Juan Tamariz, Cómicos y Hexacorde, así como un paso de modelos. Como se puede comprobar, Galileo Galileo es un lugar de encuentro que vás más allá de la oferta musical.

Live At The Britt Festival (Cooking Vinyl) 1999
Michel Nesmith
Portada: Cooking Vinyl


Michael Nesmith (1942) era el guitarrista del televisivo conjunto The Monkees, además del mejor músico del mediático cuarteto de los sesenta. Su carrera en solitario se inició al poco tiempo de la disolución del grupo con un elepé de resonancias country, estilo que Nesmith ya había ensayado con la composición de varias canciones para su combo inicial que se pueden escuchar, por ejemplo, en el excelente recopilatorio The Definitive Monkees. Antes dije de la atracción de Michael Nesmith hacia la música country que también se percibe en este doble en directo grabado en el prestigioso Britt Festival de Jacksonville (Oregón), veterana cita musical abierta a diferentes estilos como pop, rock, jazz, clásica. Con un escueto pero eficiente acompañamiento, entre otros Red Rodes (pedal steel), Michael Nesmith dejó un buen sabor de boca a los asistentes al evento de 1992 con la interpretación de las 19 canciones -buena parte de ella compuestas cuando lideraba The First National Band- , puestas en circulación en doble cedé en 1999, donde se puede escuchar una de sus primeras piezas en solitario, en concreto Papas Gene's Blues, que recupera la faceta de cantautor de Michael, quien además aprovecha para ofrecer al público sus canciones más conocidas: Twoo Different Roads, Joanne, Silver Moon y Different Drum, que se integran en un repertorio en el que además aparecen otras menos conocidas, pero no por ello deliciosas por su sencillez y sentimiento, caso de Propinquity, Tommorrow And Me, Yellow Butterfly, Moon Over Rio Grande, Juliana, I Am Not That y Rio.

Canciones: CD1. Two Different Roads. Papa Gene's Blues. Propinquity. Some Of Shelley's Blues. Joanne. Tomorrow And Me. The Upside Of Goodbye. Harmony Constant. Silver Moon. Second Concerts. CD2. Yellow Butterfly. Moon Over The Rio Grande. Juliana. Laugh Kills Lonesome. I Am Not That. Rising In Love. Rio. Different Drum. I Am Not That (Reprise).

Músicos: Michael Nesmith (guitarra y voz), John Jorgensen (guitarra), Red Rhodes (pedal steel), Joe Chemay (bajo), John Hobbs (teclados) y Luis Conte (percusión).

Más portadas: The Wichita Train Whistle Sings (1968), Magnetic South (1970), Loose Salute (1970), Nevada Fighter (1971), Tantamount To Treason Vol. 1 (1971), And The Hits Just Keep On Comin' (1972), Pretty Much Yopu Standard Ranck Stash (1973), The Prison (1974), From A Radio Engine To The Photon Wing (1977), Live A The Palais (1978), Tropical Campfires (1994), The Garden (1994), Timerides: The Adventure Swam (2000), Tropical Campfires (2000) y Rays (2006).

Apunte: Michael Nesmith es autor de la novela The Long Sandy Hair Of Neftoon Zamora, para la que compuso música, y que se puede encontrar en soporte audio libro en Estados Unidos.

 
El rastro (20)

l

Miguel Ríos

Hispavox

1968

• El río
• Vuelvo a Granada

Esencial Grandes Éxitos (RCA) 1990
Lucio Battisti
Portada: RCA-BMG


Lucio Battisti (1943-1998) forma parte de esa figura de la estrella italiana que, sin estar incluido dentro de la legión de cantautores comprometidos o de los artistas melódicos más comerciales, ha trascendido más allá de sus fronteras naturales y ha conseguido un lugar de referencia en diferentes lugares de Europa y América, entre ellos España, cuando se habla de la canción del país trasalpino. Especialmente dotado para la composición, solo o en compañía de Mogol, Battisti cuenta a diez años de su prematura muerte, cuando aún se encontraba en condiciones de sorprender con sus canciones, con un importante legado discográfico en el que se hallan álbumes brillantes, algunos de cuales aportanm piezas al recopilatorio editado en España con el título Esencial. Las 15 composiciones del álbum, editadas entre 1971 y 1980, recogen el momento álgido en la carrera de Battisti con canciones trascienden más allá del término éxito del momento. En esa dirección apuntan la primera que abre el disco, La canzione del sole, o las tituladas I gardini di marzo o Il mio canto libero, de comienzos acústicos con lla inconfundible voz de Lucio en primer plano, para crear un climax en el que entran otros instrumentos y orquestación prominente, que convirtieron a Battisti en un cantante singular que iba más lejos de la melodía fácil. Respirando, Si viaggiare y Una dona per amico, por su parte, forman parte del repertorio más internacional de Battisti, uno de los grandes de la canción italiana.

Canciones: La canzione del sole. I giardini di marzo. Comunque bella. E penso a te. Il mio canto libero. La collina dei ciliegi. I nostro caro angelo. Ancora tu. Respirando. Si viaggiare. A marsi un po'. Perche no. Una donna per amico. Una giornata uggiosa. Con il nastro rosa.

Músicos de sus primeros elepés: Lucio Battisti (guitarra acústica, guitarra eléctrica, piano, pianoforte, guitarra hawaiana, mandolina, guiro y voz), Massimo Luca (guitarra acústica y guitarra eléctrica), Eugenio Guarraia (guitarra eléctrica), Alberto Radius (guitarra eléctrica), Mario Lavezzi (guitarra acústica y voz), Angelo+ Salvador (bajo), Guido Guglieminetti (bajo), Bob Callero (bajo), Bruno Longhi (bajo), Toni Circo (batería), Gianni Dall' Aglio (batería), Tony Cicco (batería y voz), Dario Baldan Bembo (órgano y piano), Gian Piero Reverberi (órgano, piano, minmoog, sintetizador y percusión), Vince Tempera (pianoforte), Gigi Muciolo (trompa y trombón), Mario Lavezzi (tímpano y voz), Regginaldo Ettore (campana sarda), Oscar Prudente (voz), Babelle Douglas (voz), Barbara Michelin (voz), Sara (voz), Mara Cuddedu (voz) y Wanda Radicchi (voz).

Más portadas: Lucio Battisti (1969), Emozioni (1970), Amore e non amore (1971), Il mio canto libero (1972), Il nostro caro angelo (1973), Anima latina (1974), Lucio Battisti. La bateria, il contrabbasso, eccetera (1976), Lo tu noi tutti (1977), Una donna per amico (1978), Una giornata uggiosa (1982), E già (1982), Don Giovanni (1986), L' apparenze (1988), La sposa occidentale (1990) y Hegel (1994).

The Big O (Charly Records)1978
Roy Orbison
Portada: Dibujo Philippe Morillon


Roy Orbison (1936-1988) es un caso atípico nacido al calor del rock and roll de la factoría Sun Records, de hecho este disco está relacionado con esa etapa artística del compositor, cantante y guitarrista tejano, pues sin alcanzar en su juventud la cima de otros roqueros famosos: Presley, Lee, Berry o Richard, Orbinson se mantuvo fiel a una línea pop mestiza entre country y rock que combinaba inolvidables baladas y ritmos furibundos. Pero esta es otra épocca, porque en The Big O aparece el primer Roy, el de 1956 a 1958, que ya componía canciones creíbles, basta con escuchar Domino, One More Time, A True Love Goodbye o Problem Child, que apuntaban maneras del Roy Orbison clásico y del triunfador incluso después de su muerte a pesar de que en el momento de desaparecer no era ni guapo ni un joven rebelde. A lo que iba, en este álbum de la primera etapa del cantautor tejano hay también sonadas interpretaciones de piezas ajenas, leánse Rock House, Ooby Dooby o You´re My Babe, que levantan el ánimo al más deprimido. No es raro que hasta un escritor de la cultura pop tan poco complaciente con la mitología dijera en los sesenta: "Orbison era, como mucho, el más impresionante de los tres -en relación con Del Shannon y Gene Pitney-. Su aspecto no tenía nada que ver con el de un cantante pop, pero esto no le impedía grabar del mismo modo. Su cara era redonda y pastosa, muy pálida y enfermiza. Era corto de vista y los cristales de sus gafas tan gordos como los de las botellas de gaseosa. No era Mister Universo, pero tenía una voz clásica, perfectamente controlada desde el susurro al grito , y cantaba sus canciones como si fueran arias de ópera". Nik Cohn.

Canciones: Rock House. It's Too Late. You're Gonna City. Ooby Dooby. You're My Babe. Mean Little Mamma. Fool's Hall Of Fame. The Cause Of It All. True Love Goodbye. Love Struck. The Clown. One More Time. Problem Child. Chicken Hearted. I Like Love. Domino.

Músicos: Roy Orbison (voz y guitarra), John Wilson (guitarra), Jack Kennelly (bajo), Billy Ellis (batería), James Morrow (piano y saxofón), Roland Janes (guitarra), Dick Ketner (bajo), Otis Jett (batería), James Wilson (piano) y Jack Kennelly (bajo).

Más portadas: Roy Orbison At The Rock House (1961), Lonely On Blue (1961), Cryng (1962), In Dreams (1963), There Is Only One Toy Orbison (1965), The Orbison Way (1966), Cry Softley Lonely (1967), The Big (1970), Memphis (1972), Milestones (1973), In Dreams (1977), Laminar Flow (1979), Mystery Girl (1989), The Sun Years (1989), Rare Orbison (1989) y Rare Orbison II (1990).

Apunte: En DVD recomiendo de Roy Orbison: Black&WhiteNight, lo mejor del compositor, cantante y guitarrista tejano en compañía de K.D. Lang, Bonnie Raitt, Jennifer Warnes, Jackson Browne, T-Bone Burnett, Tom Waits, Bruce Springteen y Elvis Costello.

Latin-funk, jazz & boogaloo (Manzana) 2000
Varios
Portada: Manzana Producciones Discográficas


Boogalo es uno de los estilos mestizos en el que entran jazz, soul y viejos ritmos latinos que tuvieron su punto de origen en Nueva York a finales de los años cincuenta, aunque su mejor momento estuvo en la década siguiente. Para hablar de esa música se puede echar mano a una parte de la introducción que José Manuel Gómez realiza para Latin-funk, jazz&boogaloo: "Los músicos latinos de Nueva York se quedaron sin la conexión cubana tras la revolución de 1959, los mejores se refugian en el mundo del jazz, también alterado por las consecuencias del rock. En 1964 llegan los Beatles a Nueva York y casi nadie se acuerda del mambo y del chachachá que tanto hicieron bailar en los año cincuenta. La gente comienza a bailar suelto y desmelenado. La lucha por los derechos civiles de los negros se va radicalizando y el soul explota comercialmente. La psicodelia y las drogas lo invaden todo, el FBI vigila a los líderes del Black Power, las bandas latinas que interpretan jazz y boogaloo aparecen cantando en inglés en el teatro Apolo de Harlem o en Chetah de la calle 52 (donde se descargan los latinos y otros héroes del soul como James Brown). Los músicos anglosajones de jazz, que desarrollan ritmos funkys y caliente, fichan percusionistas latinos. En 1971 se celebra en el Chetah la primera reunión de la Fania All Stars que será inmortalizada en la película Our Latin Thing, comienza el periodo de la salsa. Un regreso a la clave sonera, al español como idioma fundamental"... En el disco se puede disfrutar desde las canciones popularizadas por la Fannia All Star a la voz frenética de La Lupe, pasando por artistas como Ray Barreto, Mongo Santamaría, Louie Ramirez y Bobby Valentin, entre otros, cuyos ritmos no dejan indiferente a quienes escuchan o bailan.

Composiciones:Juan Pachanga/Day Light. Monmkey See Monkey Do. The Soul Drummers. Sarayco. Jive Samba. Funky Felix. Barrio Nuevo.Night Life/Vida Nocturna. Song For My Father. Black & Blues. Dynamite. King Of Latin Soul. Sunny. Southern Boulevard.

Músicos: Fania All Stars. The New Swing Sextette. Ray Barreto. La Lupe. Jack Constanzo and Gerrie Woo. Mongo Santamaría. Seguida. Louie Ramírez. Benítez and Nebula. Bobby Valentin. Chollo Rivera. The Harvey Averne. Joey Pastrana and his Orchestra. Tony Pabón and his All Stars. Ricardo Marrero.

Más portadas: Latin Fever (1958), Jack Constanzo, Fiebre: Con el diablo en el cuerpo (1961), La Lupe. On Fire Again (1963), Ray Barreto. Louie's Grooves: Latin, Soul, Jazz, Boogaloo (1965), Louie Ramirez. Boogaloo Blues (1967), Johny Colon. My Latin Soul (1968), Bobby Matos. Live At The Cheetah vol. 1 y 2 (1972) y Latin-soul-rock (1974).

Sketches (Temple Records) 1990Bert JanschPortada: Heather Jansh y Andreas Witting



Bert Jansch (Glasgow, 1943) es, aparte de virtuoso de la guitarra, un músico creativo que se mantiene en forma desde comienzos de la década de 1960. En el año 1990 editaba el elepé Sketches en un sello discográfico de su tierra natal. Otra vez, Jansch demuestra que no está reñido con el eclecticismo alimentado por diferentes estilos básicos como folk, blues, jazz o country, entre otros. Apoyado en textos sin desperdicio, el guitarrista escocés realiza un recorrido por sentimientos y espacios que no pasan inadvertidos desde la primera a la última pieza del disco, que ha servido para recuperar dos canciones. Ring-A-Ding Bird y As The Day Grows Longer Now, justo las que abren y cierran el elepé y fechadas en 1965 dentro del segundo disco grande del cantautor británico. Ambas adquieren nuevas sonoridades en Sketches al incluir un acompañamiento instrumental más amplio, pues en la primera Jansch aprovecha para tocar el banjo, instrumento que domina, y en la otra domina la guitarra eléctrica. El resto del material se caracteriza por la sensibilidad de Bert a la hora de tocar y cantar. En esa línea hay que destacar Posion, Needle Of Death, Running, Running From Home, Can´t Hide Love y Windy Day, así como A Woman Like You, ésta perteneciente a la época dorada de Pentangle, pero en su revisión también más eléctrica que la canción grabada en los años 60.

Canciones: Rin-A-Ding Bird. One For Jo. Poison. The Old Routine. Needle Of Death. On My Father. Running, Running From Home. Aftewards. Can't Hide Love. Moonshine. A Woman Like You. A Windy Day. As The Day Grows Longer Now.

Músicos: Bert Jansh (guitarra, banjo, percusión y voz), Peter Kirtley (guitarras, percusión y voz), Danny Thompson (contrabajo, percusión y campanas), Steve Baker (armónica de blues), Stefan Wulff (percusión) y Frank Wulff (percusión, flauta alta y rainstick).

Más portadas: The Ornament Tree (1990), When The Circus Come To Town (1995), Live At The 12 Bar. An Autorised Bootleg (1996), Toy Balloom (1998), Crimson Moon (2000) y Downunder: Live In Australia (2001), Edge Of Dream (2002) y he Black Swan (2006).

Apunte: Bert Jansh actuó en España los días 13 y 14 de septiembre en el Balcón de las músicas dentro del programa de la Expo Zaragoza 2008.

Wind On The Water (MCA) 1975
David Crosby & Graham Nash
Portada: fotografía de Joel Bernstein


David Crosby (1941) y Graham Nash (1942) representan la esencia de un dúo musical de largo recorrido que como tal formación iniciaron su andadura discográfica en 1972, travesía en la que se incluyen actuaciones en directo y presencia en diferentes grabaciones de otros artistas. El segundo elepé de Crosby y Nash recoge la esencia de sonidos de los sesenta y setenta tras el parón creativo del supergrupo C,S,N&Y, gracias también a la presencia de un notable plantel de músicos y compositores, entre otros, David Lindley, Danny Kotch, Carole King, James Taylor o Jackson Browne, quienes pasan de melodías de acentuado lirismo a derroches guitarreros de recorrido ácido. Wind On The Water ofrece preciadas piezas que se suman a lo mejor de Crosby y Nash: Carry Me, Mama Lion, Take The Money And Run. Naked In The Rain y Low Down Payment demostraban el buen momento creativo de dos colegas con la ideas claras a la hora de componer y tocar.

Canciones: Carry Me. Mama Lion. Bittersweet. Take The Money And Run. Naked In The Rain. Love Work Out. Low Down Payment. Cowbaoy Of Dreams. Homeward Throught The Haze. Fielworker. To The Last Whale a) Critical Mass b) Wind On The Water.

Músicos: David Crosby (guitarras eléctricas y acústicas, piano acústico y voz), Graham Nash (órgano, piano acústico, guitarras y voz), James Taylor (guitarra acústica), Craig Doerge (piano y órgano), Leland Sklar (bajo), Russ Kunkel (batería), Tim Drummond (bajo), David Lindley (slide guitar y violín), Danny Kootch (guitarra eléctrica y voz), Joel Bernstein (guitarra y voz), Jackson Browne (voz), Carole King (piano acústico y voz), Levon Helm (batería), Stan Szeleot (piano eléctrico) y Ben Keith (slide guitar).

Más portadas: Graham Nash/David Crosby (1972), Whistling Down The Wire (1976), Crosby/Nash (2004) y Highlights (2006).

Apunte: David Crosby y Graham Nash inician el próximo jueves una nueva gira por diferentes ciudades de Estados Unidos y hasta el 9 de noviembre.

Plenilunio (WEA) 1997
Luar Na Lubre
Portada: fotografía de Sol Sagarminaga


Luar Na Lubre, formado en A Coruña, es uno de los grupos gallegos que comenzó su andadura en la segunda mitad de los ochenta pero que consiguió el reconocimiento a nivel internacional en la década siguiente, sobre todo a partir de su cuarta entrega discográfica titulada Plenilunio.En esta grabación el septeto reafirma su línea artística orientada, por un lado, a difundir la esencia de tradición musical gallega y, por otro, recoger influencias de otros ritmos, sobre todo la denominada celta (irlandesa, bretona, escocesa), que se escucha a partir de la primera pieza: la revitalizada O son do ar, del homónimo primer elepé del grupo. La inspirada y eficiente labor de los músicos, así como de los colaboradores, con la acertada voz de Rosa Cedrón al conjunto de composiciones, representa el principal valor de Plenilunio, que devuelve aires renovados piezas tales como Tu gitana, Cantiga de Falvan, Pola ponte de San Xoán, Pandeirada das fiandeiras o Romance de Bernaldo e Sabeliña que sustentaron la fama del grupo fuera de su tierra.

Canciones: O son do ar. Tu gitana. Ao-Tea-Roa. Roi Xordo. Os teus ollos. Ronsel. Pola ponte de San Xoán. Pandeirada das fiandeiras-Muiñeira de Ramelle. Sol de outono. Cantiga de Falvan. Romance de Bernaldino e Sabeliña. Galaecia.

Músicos: Rosa Cedrón (violonchelo y voz), Xan Cerqueiro (flautas), Daniel Sisto (guitarra acústica), Xulio Varela (bouzouki, trompa, tarrañolas y pandereta), Xavier Cedrón (violín), Patxi Bermúdez (bodhram, tambor y djimbek) y Bieto Romero (gaitas, acordeón diatónico y zanfona). Colaboran como también Xavier Ferreiro (percusión latina y efectos en 4,6,7,10,11 y 12), Xosé Álvarez (mandolina en 4 y 12), Paula Oanes (arpa celta en 2 y 9), Daniel Cerqueiro (guitarra acústica 1), Michel Canada (guitarra acústica en 5 y triángulo en 12) y Fernando Villar (teclados en 1 y 3).

Más portadas: O son do ar (1988), Beira Atlántica (1990), Ara Solis (1993), Cabo do Mundo (1999), XV Aniversario (2001), Espiral (2002), Hai un paraíso (2004), Saudade (2005) y Camiños da terra (2007).

Apunte: En el cuadernillo del cedé de Plenilunio, el director del Museo Arqueológico de A Coruña, Xosé María Bello Diéguez, escribía un sustancioso artículo bajo el título Luar na lubre (Luna llena) que, en otras asuntos se refería que. "La luz de la luna hiende la tierra, y se escucha un ritmo sordo de percusión profunda que es el pandero del amigo que ya no está. Es el sonido del dolmen, el antiguo ritmo de la semilla transformada en la espiga del eterno campesino neolítico que todos llevamos dentro".

Collector's Item (Columbia) 1990
Grace Slick & The Great Society
Portada: foto collage de Michael Rachoff



The Great Society era uno de los cientos de grupos surgidos en San Francisco tras la primera invasión de los conjuntos de rock británicos, léase The Beatles, y que tenían como centro neurálgico el mítico Matrix Club, local de origen del ácid rock de la Costa Oeste norteamericana. Con la cantante Grace Slick al frente, The Great Society practicaba al comienzo un folk rock, escúchese la versión de Sally Go' Roun The Roses, cargado de esencias psicodélicas con algo de garaje rock, dado su elemental sonido que también se nutría de la mística hindú, raga rock y jazz de Coltrane, lo cual se puede apreciar en varias composiciones, entre otras Father y, sobre todo, en la introducción del famoso White Rabbit, antes de que Grace lo hiciese famoso como voz principal de The Jefferson Airplane, otro de los habituales, al principio, de The Matrix. El cedé Collector's Item recoge los elepés titulados Conspicuos Only In It Abseence y How It Was, de The Great Society, casi todo en directo en el referido escenario, más alguna canción rescatada para la versión digital, repertorio que representa muy bien la escena psicodélica de San Francisco antes de la explosión musical de 1967. Puedo decir que el álbum constituye el preparatorio para lo que vendría después con otros combos que tuvieron un recorrido más largo que la primera formación de Grace Slick.

Canciones: Sally Go Round The Roses. Didn't Think So. Grimly Forming. Somebody To Love. Father Bruce. Outlaw Blues. Often As I May. Arbitration. White Rabbit. That's How It is. Darkly Smiling. Nature Boy. You Can't Cry. Daydream Nightmare. Everybody Knows. Born To Be Burned. Father.

Músicos: Grace Slick (teclados y voz), Darby Slick (guitarra), David Minor (guitarra), Peter Vandergeler (bajo) y Jerry Slick (batería).

Más portadas: Born The Burned -1965- (1995)

Bueno pa gozar (Satchmo Records) 2000
La Big Latin Band
Portada: ilustración de Juanjo Malgar


La Big Latin Band, como su nombre indica, es una amplia formación en cuanto a músicos y repertorio aunque también como su nombre las preferencias se orientan a la música latina del área caribeña y la costa Este de Estados Unidos. Para ser más certero, el combo catalán devuelve al público el mestizaje de jazz y música caribeña de los años cuarenta, cuando las big bands no dudaban de incluir en sus repertorios composiciones de autores hispanos, además de músicos, en la mayoría de los casos los encargados de las percusiones. Así en esa línea camina Big Latin Band, un conjunto de músicos, bajo la dirección del pianista Ramón Escalé, que se caracteriza por su profesionalidad y veteranía en las lides artísticas de su ramo. Desde las composiciones llenas de ritmo afrocaribeño, Bueno pa gozar -cantada por la cubana Lucrecia, Y a mí qué y Bamba' e cuchara, a los sentimentales boleros, caso de Cómo fue, interpretado por Lupita, el disco sirve para realizar un sabroso repaso de ritmos latinos trufados de jazz, En tu ausencia o Sister Sadie, de salsa neoyorquina al estilo Fania en Pura novela y Sal S.A. Ante tal despliegue de buen hacer musical, reconozco que el título del disco se cumple con creces en las 11 composiciones del segundo cedé La Big Latin Band.

Canciones: Bueno pa gozar. Oye lo que te conviene. Retazos. Cómo fue. En tu ausencia. El panameño. Pura novela. Sister sadie. Sal S.A. ¿Ya mí qué? Bemba' e cuchara.

Músicos: Ramón Escalé (piano y dirección), Alfons Carrascosa, Gorka Benítez, Aljosa Mutic y Carlos Vecino (saxos), Javier Mezquita, Víctor Verges, Roger Font (trompetas), Juanjo Arrom, Pere Enguix (trombón), Ignasi Zamnora (bajo), Jordi Satorra (conga), Alex Ventura (paila) y Alberto Cabello (bongo). Invitados especiales, Paco Martínez (voz), Lucrecia (voz), Lupita (voz) y Vicenç (coros).

Más portadas: La Big Latin Band (1998) y Suite Llatina 0.7 (2003).

Tutankamon (Serdisco) 1975Iceberg
Portada: desconocida


Iceberg aparece como grupo en 1975 con un elepé en plan conceptual titulado Tutankhamon que representa una de las ofertas del rock catalán de los setenta, también denominado layetano. El quinteto orienta el repertorio del disco de estreno hacia un estilo personal tendente al jazz rock pero en esta ocasión más escorado hacia sonidos como el sinfonismo imperante en la década de 1970. El disco va a servir a Iceberg para redirigir su carrera hacia un sonido menos influenciado por imposiciones de discográficas y modas coyunturales. De lo último se puede apreciar en algunas de las composiciones, sobre todo en aquellas que están cantadas en inglés, por ejemplo, Too young to be pharaon -muy en la onda del hard setentero-, lo cual no impide que otras piezas apunten ya maneras del gran grupo que fue la banda de Max Sunyer y Kitflus. Guitarras y teclados son las guías señalan el camino del sonido global del grupo que se convertirá en la segunda mitad de los setenta en uno de los mejores tanto en directo como a nivel discográfico. Así Sunyer domina con rigor sus solos de guitarras y, por su parte, Kitflus aporta pasajes inspirados, algo habitual en todos las grabaciones y directos del combo catalán. Por tanto, Tutankhamon queda como el punto de despegue un tanto lastrado por el halo de rock sinfónico que desprendía el primer elepé de Iceberg, lo cual no fue óbice para que en el siguiente disco y nueva etapa brillase con todo su esplendor el estilo del grupo, netamente instrumental (ya sin cantante) y apoyado en el eficiente virtuosismo de sus líderes y compositores.

Canciones: Tebas. Prólogo. Sacerdotes de Amon. Amarna. Lying on the sand. Amenofis IV (El hereje), Himno al sol. La muerte. Close to god. Too ypung to be pharaon. Tebas.

Músicos: Max Sunyer (guitarra), Josep Mas Kitflus (teclados), Primitivo Sancho (bajo), Jordi Colomer (batería) y Ángel Riba (voz y saxo).

Más portadas: Coses Nostres (1976), Sentiments (1977), En directe (1978) y Arc en cel (1979).

Double-Barreled Boogie (Maison De Blues) 2004
Memphis Slim & Rooselvet Sykes
Portada: dibujo de Alain Frappier




Memphis Slim (1915-1988) y Roosevelt Sykes (1906-1984), dos pesos pesados del blues intemporal, ocupan este espacio con la reseña de un disco grabado en el último mes de 1970 en un estudio de París, ciudad que siempre ha acogido con gratitud a los músicos negroamericanos, hasta el punto de que algunos de ellos fijasen su residencia en la capital francesa, como fue el caso del primer pianista mencionado. Los dos instrumentos conocieron el éxito temprano allá por la década de 1930, hasta mediados de los cincuenta, pero volvieron a reaparecer en las dos décadas siguientes en las cíclicas modas a favor del blues. Slim y Sykes contaban en su haber el dominio del teclado, facilidad para la composición y voces bastante aceptables, mejor modulación si canta Slim. Lo dicho se siente con intensidad al escuchar las 13 canciones incluidas en este cedé correspondiente a la reedición del LP puesto a la venta en 1975. Excepto, Going Down Slow y M&O Blues, las restantes piezas corresponden al legado de Slim y Sykes, quienes en su madurez constituían un espectáculo para disfrutar con sonidos básicos pero de hondo calado: blues, boogie, jazz, folk o rock, que brillaban con especial intensidad en canciones como Eagle Roc, 44 Blues, 47 TH Street Boogie o The Churning Man. El disco se intercala con comentarios de los músicos, lo que confiere al cedé, además de su indudable contenido artístico, un notable valor testimonial.

Canciones: Mr. Sykes Blues. Eagle Rock. Mis Ida B. Going Down Slow. M&S Boogie. 44 Blues. Soft And Mellow. The Churning Man. 47Th Street Boogie. M&O Blues. Roosevelt Daddy's Blues. Lost My Boogie.

Músicos: Memphis Slim (piano y voz) y Roosevelt Sykes (piano, guitarra acústica y voz).

Más portadas: De las misma colección, Memphis Heat, Southside Reunion, Born In Georgia, Chicago Blues Festival 1972, Mississippi Delta Blues y Rock And Roll Gumbo. La mayoría de ellos están comentados en este blog.

Apunte: La reedición en cedé de Double-Barreled Boogie incluye una canción extra, en concreto la titulada Lost My Boogie.

Women In Blues

New York Chicago Memphis Dallas

1920-1943

Frémeaux & Associés S.A. (1994)

Portada: fotografía de Ma Rainey & Her Georgia Band

Las blueswomen contribuyeron al afianzamiento del blues en la naciente industria discográfica durante las primeras décadas del siglo XX y a la popularización de dicho estilo, bajo la influencia del jazz y otros estilos propios de la música popular negroamericana, como se puede comprobar en este recopilatorio de dos discos, donde se recoge el primer blues grabado en disco, Crazy Blues, de Mamie Smith, y 35 canciones más de artistas conocidas como Alberta Hunter, Ma Rainey, Bessie Smith, Ethel Waters, Victoria Spivey, Mildred Bailey, Ida Cox, Billie Holiday, Rosetta Tarpe, Helem Humes o Dinah Washington. A éstas hay que añadir otros nombres como Lucille Hegamin, Lottie Beaman, Edith Wilson, Alice Moore o Tiny Mayberry, entre otras. Mayoritariamente urbanas, las mujeres que cantaban el blues tuvieron el mérito de luchar por su arte en una época poco propicia al protagonismo de las mujeres, y menos si eran negras. Desde los espectáculos finiseculares a los tugurios de mala reputación, pasando por los refinadas bandas de jazz en los elegantes clubs de las grandes ciudades, la huella de las blueswomen es evidente, como lo es también su indudable protagonismo en la evolución del citado estilo.

Más portadas: La casa discográfica Document Records ofrece en CD grabaciones de algunas de las cantantes que aparecen en el doble recopilatorio aquí comentado. Asimismo en el referido sello están las colecciones Female Blues Singes, Blue Girls y Classic Blues & Vaudeville Singers. La primera está compuesta de 14 discos.