Omnis (Danú) 1995
Anúna
Portada: Alastair Keady

Anúna es un coro de jóvenes voces de Irlanda que ofrece un sonido atmósferico a sus interpretaciones que están inspiradas y recogidas de la poesía y música irlandesa, hasta el punto de que alguna composición está basada en historias de hace tres mil años mantenidas por la tradición oral. Bajo la dirección de Michael McGlyn, el coro diversifica sus apariciones con actuaciones en directo y grabaciones de discos, así como la colaboración con músicos y cantantes de otros ámbitos, como son los casos, entre otros, de Elvis Costello y Bill Frisell. Omnis es uno de los primeros discos de Anúna, donde interpreta un total de 15 canciones, la mayoría de ellas del director de la formación irlandesa, pero cuando no es así aparecen composiciones tradicionales adaptadas a la idiosincrasia del grupo como Ardaigh Cuan, The Flower Of Maherally, St Nicholas, The Lass Of Glenshee y Ave Genoerosa, algunas de ellas emparentadas con la tradición medieval de Irlanda, aunque McGlyn aporta nuevas sonoridades en el resto de las canciones compuestas por el mismo, lo cual hace de Anúna un coro abierto a diferentes corrientes musicales y con vocación internacional.

Composiciones: Raise Up Your Hunting Spear. Ardaigh Cuan. Maria Matrem Virginem. Geantral. The Flower Of Maherally. The Mermaid. Agnus Dei. St Nicholas. The Lass Of Glenshee. Tenebrae I. Ave Generosa. OI Viridissima. Dúlaman. Codhlaím Go Suan. Tenebrae II.

Cantantes y músicos: Michael McGlynn (director). Coro: Miriam Blennerhassett, Paul Byrne, Tony Davoren, John McGlynn, Roisín Dempsey, Monica Donlon, Caron Hannigan, Peter Harney, Stephen Kenny, Emer Lang, Maire Lang, Jackie Mahon, Mairead Ni Fhaolain, Tara O Beirne, Paddy Connolly, Garrath Patterson, Sara Clancy, Paula Byrne, David Clarke, Richard Boyle, Katie McMahon y Méav Ni Mhaolchatha. Músicos: Noel Eccles (percusión), Mairéad (arpa irlandesa), Aingeala de Burca (violín, Caron (violín), Andrew Synnott (órgano), John (guitarra). Shane Lilis, Rachel Talbot, Ciarán Brady y Clíona McDonough.

Más portadas: Anúna (1993), Invocation (1994), Deep Dead Blues (1996), Behind The Closed Eye (1997), Cynara (2000), Winter Songs (2002), Sensation (2006), Celtic Origins -CD y DVD- (2006) y Christmas Memories -CD and DVD- (2008).

The Songsters Tradition (sagablues) 2004
Varios
Portada: fotografía Ben Shahn

El blues es difícil de definir pero no tanto los diferentes estilos y personajes que fueron conformando dicho estilo desde el lejano tiempo de la esclavitud de los negros en Estados Unidos. Tras la sangienta guerra civil o de Secesión, la figura del songster era habitual en el Sur de la gran nación llamada a convertirse en la primera potencia mundial. Muchos eran los negros que recorrían explotaciones, obras de ferrocarril, construcciones de diques e industrias relacionadas con la madera. Su misión, guitarra en mano u otro instrumento de cuerda (banjo, violín) y una voz potente, consistía en entretener a los trabajadores en los momentos que tenían unas horas de descanso. En competencia con el qüisqui, el juego y las mujeres, los songsters era una especie de trovadores, en la mayoría de los casos negros, que cantaban historias cercanas cuando no hababan de héroes encubrados por el pueblo llano siempre presto a encontrar la figura de un líder al que idealizar y así escapar de la triste rutina. De ese estilo de vida abundan las historias en la primera parte del recopilatorio The Songster Tradition Before The Blues, resumida en una docena de canciones, algunas de ellas clásicas del blues e interpretadas por grandes figuras como Mississipi John Hurt, Gus Cannon, Furry Lewis, Henry Thomas o LeadBelly, así como otros cantantes e instrumentistas menos conocidos que, lo dicho, en su juventud igual cantaban sobre arquetipos de hombres (Casey Jones, John Henry, Stackolee o Railroad Bill) como a la cocaína. Indudablemente un disco curioso porque se puede escuchar een plena juventud a muchos bluesmen, la mayoría de las canciones son de la segunda mitad de la década de 1920, y apreciar un estilo fundamental para entender el blues eléctrico, el r&blues, el country y el folk de los años sesenta en Estados Unidos. El blues también tuvo en el vaudeville y otros espectáculos propios de los músicos ambulantes como los medicine show un apoyo sobre todo para cantantes (hombre y mujeres) e instrumentistas -en este caso el violín se imponía sobre la guitarra- que recorrieron diferentes estados con sus montajes entre publicitarios, religiosos y musicales donde no faltaban tampoco historias que entretenían a las clases trabajadores cuando aún el cine y la radio estaban por alcanzar el rango de medios de masas. De la época de declive de esos estilos híbrido son por ejemplo Jack Kelly, Peg Leg Howell, Frank Stokes, Taylor's Kentucky Boyus, Bo Carter y Tom & Jimmie Tarlton.

Canciones: 1. Traveling trobadours: Spike Driver's Blues. Cocaine. Cannon Ball. Poor Boy, A Long Way From Home. Casey Jones. Poor Poor Robin Clean. John Henry. Pick A Bale Of Cotton. Railroad Bill. The France Blues. Original Stackolee. Sinking Of The Titanic. 2. Vaudeville and medicine show influences: Doctor Medicine. The Moore Girl. Beaver Slide Rag. Travellin' Railroad Man. Two White Horses In A Line. Chicken You Can Roost Behind The Moon. Dixie Flyer Blues. Sourwood Mountain. Beans. Gonna Trip Out Tonight. Railroad Blues. Frankie And Johnnie.

Músicos y cantantes: Mississippi John Hurt. Dick Justice. Frank Hutchitson. Gus Cannons. Furry Lewis. Luke Jordan. Henry Thomas. LeadBelly. Hobart Smith. Papa Harvey Hull. Long Cleve Reed. Richard Rabbit Brown.Jack Kelly. Andrew & Jim Baxter. Peg Leg Howell. Alabama Shweiks. Joe Evans & Arthur McClain. Fran Stokes. De Ford Bailey. Taylor's Kentucky Boys. Bo Carter. Pink Anderson & Simmie Dooley. Freeman Stowers. Tom Darby & Jimmie Tarlton.

Más portadas: Harmonica Blues (2004), Chicago Slide Guitar (2004), Cherokee Boogie: Indians & The Blues (2004), Blueswomen. Girls Play And Sing The Blues (2008), Saint Louis The First Urban Blues (2008), From Stagger Lee To Joe Louis (2008) y Slavery, Prsion, Women, God And Whiskey (2008).

La fuerza del destino (RCA) 2001
Bambino
Portada: archivo de RCA

Miguel Vargas Jiménez (Utrera, Sevilla, 12 de febrero de 1940-Utrera, 5 de mayo de 1999), más conocido como Bambino, tenía el don natural de llevar a su terreno artístico que nacía de lo más hondo del alma gitana cualquier tipo de melodía para devolverla aflamencada, alegre a veces, otras dramática, porque su voz era rumba, bolero, copla o canción de amargo amor, pero nunca indiferencia hacia lo cantaba, pues de su garganta fluía natural el rajo mágico que la caracterizaba, nada ortodoxo pero propicio para la adicción de quienes veían y escuchaban por primera vez al cantante. Su recuerdo perdura en grabaciones como las recogidas en este recopilatorio de 15 piezas de diferentes etapas del ilustre utrerano con quien colaboraron los mejores compositores de la canción de los sesenta y setenta. Desde la declaración de principios titulada Soy lo prohibido a Mi amigo, el disco recoge composiciones de dispares estilos: Voy a perder la cabeza por tu amor, Tengo miedo, Podría volver, Canción de Orfeo, Adoro y Dos gardenias, entre otras, que como ya había dicho antes Bambino supo llevar a su terreno no exento del desgarro que imponía su interpretación, donde lo físico y espiritual iban juntos y tocados por el duende propio de los artistas de talento.

Canciones: Soy lo prohibido. Procuro olvidarte. Algo de mí. Voy a perder la cabeza por tu amor. Quiero. Tengo miedo. Cuando el destino/Pobre del pobre. Se me va. Payaso. Podría volver. Te estoy queriendo tanto. Canción de Orfeo. Adoro. Dos gardenias. Mi amigo.

Compositores de las canciones: Roberto Cantoral. Manuel Alejandro/Ana Magdalena. Camio Blanes. Quintero/León/Quiroga. León/Solano. José Alfredo Jiménez/Adolfo Salas. M. De Fernando/Z. Maldonado. Juan Gabriel. A. María/L. Bonga. Armando Manzanero. Isolina Carrillo.

Más portadas: ¡Los Canasteros! (1964), Quiero (1967), La última noche (1967), Recordándote (1970), Bambino y su combo flamenco (1971), La noche y tú (1973), Ódiame (1973), Algo de mí (1973), Mi gitana, gitana (1975), Y no te enteras (1976), Te tengo que quiéreme (1977), Nos vemos mañana (1978), Tan cerca de ti (1980), Yo soy yo, Bambino (1982), Soy lo prohibido (1985) y Resucité (1996).

Apunte: Para más información; http://www.rincondebambino.com

En concierto (Resistencia) 1997
La Musgaña
Portada: diseño de Coro Acarreta

La Musgaña, grupo folk de música castellana, celebraba su décimo aniversario en abril de 1997 con actuaciones en el Centro Cultural de la Villa de Madrid y teatro Barakaldo (Barakaldo) que determinaron la salida del cedé titulado En concierto, un repaso en vivo a la música de la ejemplar formación convertida en trío en las grabaciones del referido directo pero con un acompañamiento de lujo en cuanto a instrumentación.. El gran Joaquín Díaz señalaba en la presentación del mencionado disco de aniversario que: “Hacer una semblaza, siquiera sea breve, de La Musgaña, es algo que me agrada”. Lo mismo me ocurre cuando escucho las grabaciones del grupo, en parte porque constituye un viaje en el tiempo para recoger lo mejor de la música tradicional y darle ese sonido moderno que, como lo añejo, deja una satisfación difícil de olvidar. Esa percepción es notoria en el repertorio de las 11 canciones de En directo, en la mayoría de los casos instrumentales que por sí solos dicen la ejemplaridad de una música atemporal, universal y enraizada en el pueblo con firmeza de permanencia. Desde Picao a Entradilla, pasando, entre otras, por Bailes a lo pesao, Pica de Saelices, Verdeguea y Grana, Jotas o Arribes, La Musgaña cumple con creces su trabajo de renovación con base en un pasado fundamental para entender la cultura castellana.

Canciones: Picado. Siete por ocho Bailes a lo pesao. Pica de Saelices. Estemera. Danzas de Burgos. Verdeguea y Grana. Pasito a paso. Jotas. Arribes. Entradilla.

Músicos: Enrique Almendros (gaita charra, tamboril, 3-holed flute, tabor, gaita de fole (bagpipes), txirula y flauta de 3 agujeros), Carlos Beceiro (bajo sin trastes, cistro -cittern- y zanfona) y Jaime Muñoz (clarinete soprano, clarinete alto, flautas, acordeón diatónico y kaval – flauta búlgara-).Artistas Invitados. Johny Cunningham (violín), Manuel Luna (pandereta y voz), Javier Paxariño (saxo soprano, clarinete bajo y flauta bajo), Luis Delgado (pandera, bendhir, cántaras y krabebs), Cuco Pérez (acordeón de piano y conchas), Rafael Martín (zanfona), Amancio Prada (voz, percusión sobre el pecho y guitarra), Kepa Junquera (trikitixa), Rafael Dueñas Faín (darbuka y tar), Sebastián Rubio (cajón y tar) y Wafir Shaik El Din (laúd árabe y darbuka).

Más portadas: El diablo cojuelo (1988), El paso de la Estantigua (1989), Lubicán (1993), Las seis tentaciones (1995) y Temas profanos (2003).

El rastro (23)

Raphael
Hispavox
1968

• Mi vida
• Casi, casi
• ¿Por qué me dejas? (Et maintenant)
• Perdóname, mi vida
• Un largo camino
• La hora
• Los hombres lloran también
• ¡Brillaba!
• Todas las chicas me gustan
• Te quiero mucho
• La mama
• La canción del tamborilero

Apunte: Raphael (Linares, provincia de Jaén -España-, 1943). Medio siglo sobre los escenarios 1958-2008. Fotografías de Pérez de León.

El ángel vive (Alía Discos) 2003
Camerata Porteña
Portada: fotografía Uri Gordon

Camerata Porteña se constituyó en el año 1986 bajo la dirección Marcelo Rodríguez Scilla con el objetivo de divulgar el legado del bandeonista y compositor argentino Astor Piazzola (1921-1992), labor que dicha agrupación cumple con creces y gran expectación, sobre todo en Europa, ante el público que no olvida el estilo musical más representativo de Argentina. Distribuido en 2003, el tercer disco de Camerata Porteña, bajo el título El ángel vive, recoge 15 composiciones de Piazzola, de las cuales 10 son instrumentales y cinco cantadas por José Ángel Trelles, voz del grupo del bandeonista durante algunos años de las décadas de los setenta y ochenta.Con una notable perfección instrumental, en la que confluyen lo popular y lo culto, traidición y clasicismo, la agrupación porteña realizada sentidas interpretaciones de Fuga y misterio, El gordo triste, Otoño porteño, Verano porteño, Los pájaros perdidos, Vuelvo al sur, Milonga del ángel, Adiós Nonino, Oda para un hippie y Balada para un loco, entre otras, que son el resultado de años de entrega a la música del genial compositor, quien, según el director de Camerata Porteña, “nos ha dejado esa herencia fundamental: nutrirnos de su creación para mirar hacia adelante, para anticiparnos a al futuro, para seguir renovándonos. Y en eso debemos trabajar. Hoy, más que nunca, es preciso alejarse de los dogmáticos del fundamentalismo piazzolleano, tan parecido a aquel que rezaba que el tango no podía renovarse, aserto que el propio Piazzolla se encargó de convertir en cenizas”. El ángel vive fue declarado de Interés para la Nación por la Secretaría de Cultura de Argentina.

Composiciones: Fuga y misterio, Invierno porteño, El gordo triste, Otoño porteño, Oblivion, Los pájaros perdidos, La muerte del ángel, Verano porteño, Vuelvo al sur, Milonga del ángel, Adiós Nonino, La bicicleta blanca, Oda para un hippie, Escualo y Balada para un loco.

Músicos: Marcelo Rodríguez Scilla (piano, arreglos y dirección), Alejandro Borgo (guitarra),Fernando Herman ( violín), Claudio Becker ( violín), Claudio Melone (viola), Mario Kyrkiris (chelo), Ángel Bonura (contrabajo), Jorge Rutman (bandoneón) y Alejandro Arata (saxofón).Voz en las piezas cantadas: José Ángel Trelles y Andrés Lima (guitarra en 2,5,7,8 y 12).

Más portadas: Últimas noticias de Buenos Aires (1994) e Inflación cero (2000).

Apunte: Camerata Porteña está preparando este año una nueva grabación que va a ser presentada en mayo de 2009 en la ciudad de Buenos Aires. Esta nueva producción discográfica irá en CD y DVD.

Saudade. Cores do Brasil 0.05 (Nascente) 1991
Varios
Portada: fotografía de Peter Moss

Saudade, como bien decía el gallego Ramón Piñeiro: la palabra saudade tiene una riqueza de connotaciones semánticas que le imponen una función más sugeridora que definidora, lo que explica esa aureola de misterio que la envuelve. La saudade, como el blues, el soul, el fado, el flamenco u otros sentimientos personalizados en la canción y la música por diferentes pueblos, es difícil de describir, incluso para los filósofos tan acostumbrados a recorrer laberintos metafísicos. A lo que iba, saudade es el repertorio de 21 piezas cantadas por las mejores voces y compositores de la música popular brasileña que tuvo a partir de la década de los sesenta del siglo pasado su máximo esplendor en cuanto a difusión y conocimiento fuera de las fronteras del gran país sudamericano, mediante la proyección hacia fuera de estilos como la samba y la bossa nova, entre otros. Así queda demostrado en este recopilatorio de la imprescindible colección Cores do Brasil que comienza en este quinto cedé con la inolvidable Elis Regina, sigue con Toquinho y continúa hasta el final con hombres y mujeres que han sabido trasmitir la saudade en canciones como No dia em que eu vin embora, Boca da noite, Cavaleiro, Primavera, Vivo sonhando, Ultimo desejo, Umas e outras, Eu sei que te vou te amar, Irmado de fe o Da cor do pecado, piezas algunas en la memoria de muchas personas como el alma de las melodías brasileñas con vocación universal.

Canciones: No dia em que eu vin embora. Boca da noite. Cavaleiro. Primavera. Uma vez um caso. Corsario. Dindi. Vivo sonhando. Sem fantasia. Ultimo desejo. Umas e outras. Eu sei que vou te amar. Irmao de fe. Insensatez. Sabia. Da cor do pecado. Acabou chorare. Rosa flor.

Cantantes: Elis Regina. Toquinho. Caetano Veloso. Joyce. Edu Lobo & Joyce. Oliva Hime & Edu Lobo. Maria Creuza. Wanda. Chico Buarque. Maria Bethania. Maria Creuza & Vinicus. Fafa De Belem. Milton Nascimento. Novos Baianos. Geraldo Vandre. Toquinho, Vinicius de Moraes & Maria Bethania.

Más portadas: De la colección Cores do Brasil, Vozes 0.01, Samba 0.02, Bossa nova 0.03, Samba con jazz 0.04 y Dança 0.06.

Recuerdo

Mitch Mitchell, 9 de julio de 1947, en Enealing (Inglaterra)-12 de noviembre de 2008, en Oregón (Estados Unidos)

• Axis: Bold And Love (1967)
  

Guy Peellaert, 6 de abril de 1934, en Bruselas, Bélgica-17 de noviembre de 2008, en París (Francia)

• It´s Only Rock And Roll (1974)
  

Odessa (Polydor) 1969
The Bee Gees
Portada: diseño desconocido

The Bee Gees editan en 1969 el álbum doble Odessa, en un principio programado como obra conceptual en la línea de otros discos de la década que estaba terminando, mas al final serían 16 canciones varias tras disputas que dejarían al trío de los hermanos Gees en dúo. Se puede decir que la grabación constituye un cambio en la línea de grupo de éxito dentro de la línea de epop suave de los sesenta en el Reino Unido. Con una orquestación en primer plano, solamente a veces compartida por guitarras acústicas y sección de ritmo propia de grupo pop, The Bee Gees dispuso de un excelente vehículo para dejar claro su dominio de los juegos de voces, como se aprecia desde la primera y larga pieza Odesa (City in The Black Sea) hasta la última y coral The British Opera. Al final, el disco doble resultó uno de los trabajos más complejos de los hermanos Gibb durante la década de 1960. En él se pueden seguir ritmos de rock progresivo, sinfonismo, baladas pop, psicodelia que se encuentran repartidas por las canciones más interesentantes del disco: Odessa, You'll Never See My Fave Again, Marley Purt Drive, Edison, Suddenly, Whisper Whisper, Lamplight y First Of May.

Canciones: Odessa (City on the Black Sea). You'll Never See My Face Again. Black Diamond. Marley Purt Drive. Edison. Melody Fair. Suddenly. Whisper Whisper. Lamplight. Sound of Love. Give Your Best. Seven Seas Symphony.With All Nations (International Anthem). I Laugh in Your Face. Never Say Never Again. First of May. The British Opera.

Músicos: Barry Gibb (guitarra y voz), Maurice Gibb (voz), Robin Gibb (voz), Vince Melouney (guitarra), Colin Petersen (batería), Paul Buckmaster (chelo), Eric Weissenberg (banjo), David Katz (violin y orquesta) y Bill Shephed (dirección musical).

Más portadas: Bee Gees' 1st (1967), Horizontal (1968), Idea (1968), Best Of Bee Gees (1969), Cucumber Castle (1970), 2 Years On (1970), Trafalgar (1971), To Whom It May Concern (1972) y Life in a Tin Can (1973).

Le bestiaire (Guimbarda) 1979
Malicorne
Portada: autor desconocido

 

 

 

Malicorne recuperó la tradición de las canciones dedicadas a los animales como símbolos del maligno pero con un fondo sonoro en el que no faltan influencias del rock progresivo tan en alza hasta finales de los años setenta. Guitarras elécticas, bajo, teclados y batería se mezclan con otros típicos de la música tradicional. Le bestiaire se resume pues en lo antes escrito, así no es difícil distiguir en el repertorio las piezas más roqueras, casos de Les 7 jours de mai, el instrumental Le branle de chevaus y Jean des loups, esta última que cierra el disco escrita y compuesta por Gabriel Yacoub, una de las personas esenciales que contribuyó al mejor sonido de Malicorne. El resto de las composiciones recogidas en Le bestiare se aproximan más a la música francesa, con instrumentos y juegos de voces muy en la onda antigua, incluso Malicorne se atreve con ritmos balcánicos como Alexandre-Danse bulgare, con lo cual la oferta del disco se hace más heterogénea en cuanto a componente musical y demuestra la evolución e inicio de cambio de rumbo del grupo francés.

 

Canciones: Cara A 1. Les 7 jours de mai—Los siete días de mayo (Tradicional arreglada y adaptada por Malicorne). 2. La mule—La mula (Letra tradicional adaptada por Malicorne. Música de Gabriel Yacoub. Arreglos: Malicorne). Le branle des chevaux (Trad. Arr. y Adap. Malicorne).4. Les transformations—Las transformaciones (Trad. Arr. y Adap. Malicorne). Cara B 1. La chasse-gallery—(Letra Tradicional adaptada por Malicorne. Música de Gabriel Yacoub. Arreglos de Malicorne).2. Le ballet des coqs—“El ballet de los gallos” (Tradicional arreglada y adaptada por Malicorne).3. Alexandre-Danse bulgare—Alejandro-Danza búlgara (Trad. Arr. y Adap. por Malicorne).4. Jean des loups—“Juan de los lobos” (Letra y música de Gabriel Yacoub).

 

Músicos: Marie Yacoub ( vielle à roue, épinette des Vosges, dulcimer y canto), Gabriel Yacoub (guitarras accústica y eléctrica,banjo de cinco cuerdas, mandochelo y voz), Olivier Zdrzalik (bajo, clavinete, elka, sanza y voz), Patrick Le Mercier (violon, guitarra eléctrica, gaita y voz),Brian Gulland (basson, cromorne, hautbois, flûte à bec, saxofón, clavecin, órgano, harmonium, sintetizador), Dominique Regef (vielle à roue, violonchelo y rebec) y Jean Pierre Arnoux (batería, percusión, cymbale à archet y gong).

 

Más portadas: Malicorne 2 (1975), Almanach (1976), Malicorne IV (1977), L’extraordinaire tour de France d’Adelard Roussseau (1978), En public (1979), Balaçoire en feu (1981) y Marie de Malicorne (2005).

Reserva especial. Todos los grandes éxitos
(Sony&BMG) 2005
Los Brincos
Juan & Junior
Portada: Pedro Delgado

Los Brincos fueron la respuesta española a la invasión británica de conjuntos pop que con acierto, sobre todo en los comienzos, mediante canciones en castellano supieron captar la atención de los jóvenes y convertirse en fenómeno mediático, así como grupo seminal de otras formaciones del pop español, entre otras el dúo Juan & Juunior que también aparece recopilado en relación con sus mejores canciones en este Reserva especial, que cubre las añadas de 1964 a 1971, y se acompaña de un DVD con sabrosas imágenes de actuaciones de ambos grupos registradas por Televisión Española.. Nada nuevo bajo el sol, en cuanto a piezas del grupo de nombre saltarín, del que, aparte de las piezas más festivas que amenizaban los veranos de los sesenta en España (Flamenco, Borracho o Baila la pulga), se agradece la escucha de otras como Tú me dijiste adiós, Mejor, A mí con esas, Lola, Nadie te quiere ya, El pasaporte, Amiga mía y ¡Oh mamá!, entre otras, sobre todo para quienes llevan en su memoria las melodías de contenido literario intrascendente y alegre que se escuchaban a través de las ondas radiofónicas, es decir aquellas ritmos más modernos y en dura competencia por hacerse un hueco frente a la muy consolidada canción española. En cuanto a Juan & Junior, se puede decir que su legado musical se resume en un elepé, pues era un dúo especializado en sencillos (singles) cuando el elepé comenzaba a despuntar como formato idóneo para la música popular. Sin embargo, Juan & Junior, lo mismo que Los Brincos, resultaba un excelente medio de difusión del pop hispano, gracias sus buenos juegos de voces y acierto para componer canciones fáciles de asimilar. Escúchense, La caza, En San Juan, A dos niñas y Anduriña, ésta una historia de amor en clave regional en sencillo cuya contraportada ofrecía un dibujo dedicado por Pablo Picasso a los dos jóvenes compositores, futuros productores de éxito.

Canciones: Flamenco. Baila la pulga. Borracho. Sola. Tu me dijiste adiós. Mejor. A mí con ésas. Renacerá. Un sorbito de champagne. Giuletta. Tú en mí. El pasaporte. Lola. The train. Nadie te quiere ya. Amiga mía. Érase una vez. Gracias por tu amor. ¡Oh mamá!. Vive la realidad. Pareces Gitana -Los Brincos-. La caza. Nada. Bajo el sol. Nos falta fe. A dos niñas. Anduriña. Para verte reír. Tiempo de Amor. En San Juan -Juan & Junior.

Músicos: Los Brincos (1964-1966). Fernando Arbex (batería y voz), Juan Pardo (guitarra y voz), Antonio Morales Junior (guitarra y voz) y Manolo González (bajo y voz). Los Brincos (1967-1971). Fernando Arbez (batería voces), Manolo González (bajo y voces), Ricky Morales (guitarra y voces) y Miguel Morales (guitarra y voces). Colaboraciones; Vicente Martínez (guitarra y voces) y Óscar Lazprilla (teclados). Juan & Junior (1967-1969). Juan Pardo (guitarra y voces) y Antonio Morales Junior (guitarra y voces).

Más portadas: Contrabando (1968), World, Devil & Body (1970), Álbum de oro (1981), en el caso de Los Brincos. De Juan & Junior. Juan & Junior (1980).

Apunte: El DVD incluye actuaciones de los Brincos en Televisión Española: 1. Flamenco. 2. Meddley (Borracho/Lola/Flamenco/Un sorbito de champagne/Mejor). 3. Amiga mía. 4. ¡Oh mamá! 5. Meddley (El pasaporte/Lola/The train/Nadie te quiere ya/Érase una vez). 6. Gracias por tu amor. Pequeño pájaro. 7. La fuente. 8. La fuente. 9. Contrabando. 10.Soy como quiero. Juan & Junior en TVE. 11. Anduriña. 12. Meddley (Anduriña/Nos falta fe/A dos niñas/La caza). 13. Tiempo de amor. 14. En San Juan.

4x10
1968

Astral Weeks (Warner Bros) 1968
Van Morrison

Portada: fotografía de Joel Brodski

Van Morrison (Belfast, 1945) grabó en Estados Unidos su segundo disco en solitario Astral Weeks, para muchos y muchas el mejor elepé del irlandés, una joya discográfica que se mantiene cuarenta años después de su salida al mercado entre los básicos de los sesenta, etapa, por cierto, de discos fundamentales del rock. Con un escueto acompañamiento musical, bastante alejado del barroquismo psicodélico aún en boga, Van Morrison contó con un plantel de aplicados instrumentistas que contribuyeron con su experiencia y dominio a crear la atmósfera entre melancólica e intensa que sirve de fondo a historias urbanas de desarraigo y tristeza, de recuerdos de la niñez ya perdida para siempre, de la Irlanda natal de brumas y calles batidas por las inclemencias invernales. Astral Wecks se convierte por tanto en el punto de inflexión en la carrera de Morrison quien en su exilio norteamericano se lanza a buscar un sonido propio sobre la base de r&blues, jazz, soul y folk, que pululaban por el ambiente musical de la época. El resultado fue el encuentro con canciones redondas que han marcado la larga estela del irlandés, en ella brillan con intensidad algunas de las mejores piezas de Morrison: Beside You, Cyprus Avenue, Madame George o Ballerina.

Canciones: Cara A; In the Beggining: Astral Weecks. Beside You. Sweet Thing. Cyprus Avenue. Cara B; Afterwards: The Way Young Lovers Do. Madame George. Ballerina. Slim Slow Slider.
Músicos: Van Morrison (guitarra y voz), Jay Berliner (guitarra), Richard Davis (bajo), Larry Fallon (clave), Connie Kay (batería), Barry Kornfield (guitarra), John Payne (flauta y saxo soprano) y Warren Smith Jr. (percusión y vibráfono).

Más portadas: You Win Again (2000), Down The Road (2002), What's Wrong With This Picture? (2003), Magic Time (2005), Pay The Devil (2006) y Keep It Simple (2008).

Apunte: El disco Astral Weeks es uno de los elepés que sitúan en lo más alto de las listas de mejores discos del rock. En el año 1999 recibió el Premio Grammy Salón de la Fama.

Farewell song (Columbia) 1982
Janis Joplin
Portada: fotografía de Bruce Steinberg

Janis Joplin (1943-1970) fue recuperada en la década de 1980 con un par de recopilatorios entre los que está Farewell song con los tres grupos oficiales de su corta carrera discográfica, aunque en una de las mejores canciones de elepé está acompañada por Paul Butterfield Blues Band, en concreto se trata de One night stand, donde se escucha con agrado al armonicista que da nombre al mencionado conjunto. Para dar más al tirón al disco se incluyó un jugoso texto en la contraportada del que fuera compañero de Janis Joplin y también cantante y compositor representativo del rock ácido de San Francisco: Country Joe McDonald, que realizó un elogioso homenaje a la cantante. El espíritu de aquella generación planea sobre todas las canciones en especial las grabadas por la artista tejana junto a Big Brother And The Holding Company, es decir Magic of love, Misery'n, Harry, Farewell song o Catch me daddy, aunque tampoco desentona la versión de Tell mama, grabada en directo en Toronto (1970).

Canciones: Tell mama. Magic of love. Misery'n. One night stand. Harry. Raise your hand. Farewell song. Meddley: Amazing Grace/Hi Heels Snakers. Catch my daddy.

Músicos: Big Brother And The Holding Company. Full Tilt Boogie Band. Kozmic Blues Band. Paul Butterfield Blues Band. Músicos adicionales: Denny Seiwll, Chrissy Stewart, Mick Weaver, Elliot Mazer, Roy Markowitz, Peter Stroud y Vinny de la Roca.

Más portadas: Box of pearls (1998)

El rastro (22)

Zoquillos
Spansuls Records
1983

• Atrapado en la telaraña
• Kun-fu cowboy
• Ella sabe (lo que tiene que hacer)

Rory Gallagher (Polydor) 1971
Rory Gallagher
Portada: fotografía de Mick Rock e Hipgnosis

Rory Gallagher (1948-1995) es un guitarrista, compositor y cantante por el que no pasa el tiempo para quienes se interesan por el blues rock, estilo que aparece en todas las etapas del músico irlandés. En su estreno discográfico en solitario, tras la salida del fundamental trio Taste, Rory se rodeó de un pequeño grupo de músicos, entre los que figuraban el baterista Wilgar Campbell, el bajista Gerry McAvoy -acompañante en la mayor parte de la carrera de Gallagher- y el teclista de Atomic Rooster, Vincent Crane. A pesar de la sencilla estructura musical, el guitarrista ofrece un álbum de indiscutible calidad que apunta en varias direcciones, desde el sonido duro de guitarra eléctrica de reconocidas frases musicales salidas de la Fender de Rory a los viejos blues de factura campestre e instrumentación acústica. El elepé homónimo de Rory Gallagher constituyó la carta de presentación de un músico que alcanzaría amplio reconocimiento de público y crítica hasta su prematura muerte. El guitarrista se muestra duro en su estreno como solista mediante piezas como Laundromat, Hands up, Sinner boy o I'm not surpresed, pero también folki en Just the smile, melódico en I fall apart y For the last timne, blusero en Wave myself goodbye -con el eficiente acompañamiento del pianista Vincent Crane-, country con mandolina incluida en It's you y jazzístico en Can't believe it's true, donde toca el saxo alto, otro de los instrumentos favoritos de Rory y de cuyo dominio ya dejó muestras en On the Boards, de Taste.

 

Canciones: Laundromat. Just the smile. I fall apart. Wave myself cgoodbye. Hands up. Sinner boy. For the last time. It's you. I'm not surprised. Can't believe it's true.

 

Músicos: Rory Gallagher (guitarras, saxo alto, mandolina, armónica y voz), Gerry McAvoy (bajo), Wilgar Campbell (batería y percusión) y Vicent Crane (piano).

 

Más portadas: Meeting with the G-man (2003), Live at Montreux (2006) y The essential Rory Gallagher (2008).

 

Apunte: La reedición en disco compacto del primer disco en solitario de Rory Gallagher (1999) incluye dos canciones más, Gypsy woman y Takes time, respectivamente de los bluesmen Muddy Waters y Otis Rush.

The seven wonders (Guimbarda) 1980
Swansea Jack
Portada: diseño de Yann N'Gueyen

Swansea Jack empezó su andadura musical en 1975 en la ciudad de Gales de la que adoptó el nombre. La formación durante su trayectoria artística estuvo inmersa en cambios de formación, quizá, según los especialistas, debido a la inestabilidad que atravesaba el movimiento folk en la segunda mitad de la década de 1970, lo cual no impidió que en 1978, como quinteto, grabase The seven wonders -Los siete prodigios-, una colección de piezas, en su mayoría danzas -escúchad por ejemplo Ceiliog yr rhedyn-, que conectan con el pueblo llano y su transcurrir cotidiano. No faltan, pues, desde los trabajos en el mar a las labores agrícolas, pasando, como no, por los momentos de expansión, caso de la caza. En esa dirección apunta la literatura puesta al servicio de la música que Swansea Jack hizo renacer con esplendor en una sociedad como la galesa muy dada a mantener con celo su cultura popular, en la que se encuentra un idioma propio, en continúa confrontación con la influencia de la potente escena del folk inglés, aunque Swansea Jack también puesta por el acercamiento a otros lugares, porque en este disco hay ritmos de ingleses, bretones, suizos. The seven wonders se escucha con agrado tanto en las piezas cantadas como los instrumentales, entre otros, el delicioso Machynleth.

Canciones: The seven Wonders (Canción recogida por Mick Tems en Blaneau Festiniog (Gales del Norte). Machynllet (Aire de danza galés en cuatro partes aprendido por Tommy Jenkis). All among the Barley (Un texto tradicional sobre una música de Mike Price en Cheltentham. Una canción de otoño o, si se prefiere, un himno a la cerveza). Brian Boru’ s March (Las dos primeras partes de una marcha irlandesa arreglada libremente). Gallopoede/Walter Bulwer´s polka/Hell and toe polka (Tres polkas inglesas de las cuales la segunda es casi idéntica a una danza suiza y la tercera una canción bretona para niños). Pigau’ r dur (Aire galés bailable. El arreglo nació en un café de Quimper después de una comida en la que bebimos abundantemente). Rolling down to old Maui (Maui, en las islas Hawai, era la única escala de los balleneros del Pacífico durante las prolongadas campañas que duraban hasta tres años). Ty coch caerdy/Pant corland yr wyn (Una danza extraída del manuscrito de Llangadfan y una melodía para arpa muy conocida). llydaw (Melodía galesa tradicional, aprendida de Tommy Jenkins, similar a una vieja tonada bretona). Palatine Man (la cancióntrata de la decadencia de las hilaturas y los tejidos en el Lancashire). Arches (Tres jigas galesas: Pont Caerodor”, “Mopsi Don” y “Hunting the hare”). Ceiliog yr rhedyn (“The grasshopper”. Es una danza que consiste en imitar al saltamontes).

Músicos: Peter Davies (flauta de pico, oboe y canto). Lesley James (acordeón, guitarra y canto). Pat Smith (canto y cucharas). Mick Tems (anglo concertina y canto). Mike James (acordeón, guitarra y canto). Grabado en Castle Sound Studios. Edimburgo, abril de 1978. Ingenieros de sonido: Callum Malcom y Paul Sumerling.

Más portadas: Gowerton fair (1977), de Mick Tems. Dyddian Gwynioni Ionawr (1984), de Sain. A Goower Garlad (2000), de Wildgoose. Song and tunes from Wale (2006), de Calenning. Celtic lullabies: songs & harp tunes from Ireland, Scotland & Wales (2008), recopilatorio.

1985 (Polydor) 1985
CRAG
Portada: Guillermo Duarte

Canovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán pusieron a la venta el disco 1985, durante su segunda etapa como grupo que intentaba conseguir una estabilidad artística que no lograría a pesar de las buenas intenciones y varias piezas de calidad que pasaron bastante desapercibidas. Otra vez el cuarteto, tras 1985, tomaría el camino de la ruptura como había pasado con su primer disco grande Señora Azul, según la crítica uno de los mejores del rock español. A pesar de ser músicos de probada calidad, incluir composiciones por encima de la media en cuanto a lo literario y poseer unas voces con gancho, los componentes de CRAG no obtuvieron el reconocimiento del público. Necesito tenerte, Igual que una noria, Culpable y 1985: Los blues son las canciones más interesentantes del elepé, donde Canovas, Rodrigo, Adolfo y Gúzman insistían con sus bien moduladas voces y su heterodoxia roquera que no acertó otra vez en los cambiantes años ochenta. CRAG habían dejado de ser los C,S,Y & Young españoles, como demuestra la puesta al día en instrumentación musical de 1985, para lanzarse a la búsqueda de un estilo acorde con los tiempos, pero el peso de su primer álbum y las comparaciones resultaron nefastas para unas canciones como las antes citadas que ofrecían lo mejor del grupo.

Canciones: Necesito tenerte. Le recomiendo. Elizabeth. Nada que ocultar. Igual que una noria. Rafa. Espejito Mágico. ¿Dónde estas?. Culpable. 1985: Los blues.

Músicos: Rodrigo García (guitarras, piano, sintetizador y voz), Juan R. Cánovas (percusión electrónica, platos y voz), José María Guzmán (voz), Adolfo Rodríguez (voz), Mariano Díaz (piano, sintetizadores y programación de sintetizadores), Antonio Pérez (guitarras), Juan Cerro (guitarras), Josemi Estévanez (programación de sintetizadores), Eduardo Leiva (sintetizador), Manolo Aguilar (bajo), Javier de Juan (bajo), Daniel Jacques Louis (percusión electrónica, platos y secciones rítmicas sintetizadas), Javier de Juan (secciones rítmicas sintetizadas), Tito Duarte (percusión), David Waterstone (armónica), José Luis Medrano (fiscornio), Jorge Pardo (saxo), Alfredo Mahíques (trombón) y Stephen Frankevich (trompeta).

Más portadas: Señora azul (1974), Queridos compañeros (1984), Rodrigo, Adolfo y Guzmán (1994) y Gran Reserva 30 años (2005).

Eyes on tomorrow (Polydor) 1991
Miriam Makeba
Portada: Antonio Cappelli

Miriam Makeba (1932-2008). La veterana cantante sudafricana moría tras una actuación el pasado domingo en Italia donde había acudido para solidarizarse con el escritor Roberto Saviano, amenzado por la mafia. Makeba hasta el final demostró su implicación en la lucha a favor de los derechos humanos, lo cual le había costado en vida un largo exilio y con posteridad el ostracismo por parte de algunas discográficas de Estados Unidos y Sudáfrica. En el plano artístico, Miriam colocó por primera vez en las listas de éxito una canción africana, lo cual no fue un hecho puntual pues durante años desarrolló una incansable labor artística que le sirvió para difundir la cultura de las tribus indígenas de Sudáfrica cuando el apartheid caí como una sangriente losa sobre la población negra. En Eyes tomorrow, la cantante contó con la colaboración del también sudafricano y ex marido Hugh Masekela, Dizzy Gillespie y Nina Simone entre otros que aportaron su sabiduría en canciones que iban desde los cánticos nativos como Thina sizonqoba a una versión del I shal vbe realeased, de Bob Dylan. Representante de los xhosa, como Nelson Mandela, Miriam Makeba utilizó el idioma de ese pueblo para trasmitir sus mensajes de denuncia, protesta, amor o lamento, cantos en los que no faltaron sentimiento, coraje y ternura.

Canciones: I still long for you. Eyes of tomorrow. Don't break my heart. Thina Sizonqoba. We speak peace. Thulasizwe/I shall be realesed. Vukani. Birds. Live the future.

Músicos: Miriam Makeba (voz), Dizzy Gillespie (trompetaI, Hugh Masekela (voz), Nina Simone (voz), Damon Duewhite (batería), Paul Hamner (teclados y arreglos de cuerda), Lulu Gontsana (batería), Bheki Khoza (guitarra), Ntozoko Zungu (guitarra), Bakithi Khumalo (bajo), Vusi Khumalo (batería), Stella Khumalo (voz), Faith Kekana (voz), Nelson Lee (voz), Joey Mabe (órgano), Victor Masondo (bajo, arreglos y voz), Lawrence Matshiza (guitarra), Themba Mkhize (teclados) y Wings Segale (voz).

Más portadas: Homeland (2000), Keep me in mind (2002), Reflections (2004) y Makeba forever (2006).

And the stars go with you (Miramar) 1987
Jonn Serrie
Portada: Ted Mader

Jonn Serrie (Connecticut) destaca por su faceta de instrumentista y compositor de música espacial que desde Estados Unidos ha impuesto su estilo de sonoridades minimalistas con teclados y sintetizadores. And the stars go with you constituye la presentación discográfica de Serrie, quien aprovecha el título para realizar un homenaje a los astronautas muertos en el Challenger. En total son cinco composiciones que se caracterizan por pasajes de música ambiental que bien pueden situar a uno en el espacio exterior, como si se navegase a bordo de un cohete u otro ingenio.Son melodías que se incluyen también en el amplio fondo de la denominada new age, aunque Serrie demuestra estar por encima de modas y seguir centrado en su particular universo, donde se escuchan sonidos como Gentle: The night, la pieza que da título al álbum o The fat river, partes de un álbum que resulta atractivo desde la portada al repertorio.

Composiciones: Gentle: The night. Fantasy passages. And the star go with you. The far river. Stratos.

Músicos: Jonn Serrie (composición, programación, teclados e ingeniero de sonido).

Más portadas: Flightpath (1989), Tingri (1990), Planetary chronicles Volume 1 (1992), Planetary chrnonicles Volume 2 (1994), Ixlandia (1995), Upon a midnight clear (1997), Spirit keepers (1998), Limia nights (2001) y Sunday morning (2006).

Apunte: Para más información, visitad http://www.vipinfo.com/jonn/

Motels (Capitol) 1979
The Motels
Portada: fotografía Elliot Gilbert

The Motels se estrenaba a nivel discográfico a finales de la década de 1970 con un elepé que recogía la esencia del movimiento underground de Los Ángeles, es decir punk rock, new wave y pop, que el grupo liderado por Martha Davis supo resumir en las diez canciones incluidas en la presentación del grupo californiano. De esa amalgama de modernidad salieron las piezas estandartes del larga duración: Anticipating, Total control o Closets & bullets, que se ajustaban al formato de sencillo presto a conseguir un lugar influyente en las listas de éxito, como así ocurrió con alguna de las canciones antes citadas. Sin menosprecio de las anteriores, están otras composiciones de indudable calidad como Kix, Porn reggae y Dressig up, que advierten que detrás de la imagen de Martha Davies se encontraba un eficiente plantel de instrumentistas con ideas las claras a la hora de componer y tocar.

 

Canciones: Anticipating. Kix. Total control. Love Don't help. Closets&bullets. Atomic café. Celia. Porn reggae. Dressing up. Counting.

 

Músicos: Martha Davis (guitarra y voz), Jeff Jourard (guitarras), Martin Life Jourard (tecaldos y saxo), Michael Goodroe (bajo) y Brian Glascock (batería).

 

Más portadas: So the story goes (2004), Lovely alone (2005), Clean modern and reasonable (2007), Standing room only (2007) y This (2008).

 

Apunte: The Motels continúa en activo con Martha Davis al frente y con visos de continuidad como demuestran sus periódicas giras y grabaciones de discos. Su cedé más reciente es el titulado Beautiful life.

Changing horses (Elektra) 1969
The Incredible String Band
Portada: fotografía de Janet Shankman

The Incredible String Band ha escrito algunas de las mejores páginas del folk rock británico de los sesenta entre otros motivos por su apertura de miras que llevó a sus miembros a no estancarse en la tradición musical sino en fijarse en todo lo que se producía a su alrededor, además de no perder de vistas los ritmos más exóticos de países lejanos. En esa línea, se registró su quinto larga duración Changing horses, en el que aún se nota la influencia de la psicodelia para bien y para mal de algunas piezas demasiado largas. De todas las maneras, el disco sirve para apreciar por dónde iban los tiros en el folk más evolucionado de los sesenta. Así en la quinta entrega de The Incredible String Band hay referencias a la música norteamericana, asiática y europea, con onminpresencia de coros femeninos, a veces envolventes, otras agobiantes, aunque en general destacan White bird y Mr. & Mrs.

Canciones: Big ted. White bird. Dust be diamonds. Sleepers, awake!. Mr.&Mrs. Creation.

Músicos: Robin Williamson (piano, wahboard, flauta, sarang, banjo chino, percusión, guitarra eléctrica, órgano, gimbri, violín y voz), Mike Heron (guitarra eléctrica, piano, vibráfono, percusión, sitar, mandolina y voz), Rose Simpson (bajo, percusión y voz) y Licorice McKecnie (guitarra, órgano, kazoo, percusión y voz). Walter Gundy (armónica) e Ivan Pawle (órgano y piano).

Más portadas: The Incredible String Band (1966), The 500 spirits or the layers of the onion (1967), The hagman's daughter (1968), Wee tam and the big huge (1968), I looked up (1970), U (1971), Be glad for the song has no ending (1971), Liquid acrobat as regards the air (1971), No ruinous fed (1973), Hard rope & sillken twine (1974).

Apunte: En el año 2000, se reunirían los miembros originales de la primera formación de The Incredible String Band, es decir Heron, Williamson y Clive Palmer, que registraron el disco en directo Bloomsbury 2000.

Barrabás vive (CNR Music) 1999
Barrabás
Portada: diseño de Nicolás Carrera Nico

Barrabás fue el grupo español más internacional de la segunda mitad de los setenta en parte por ofrecer un sonido que entraba dentro de lo que se viene denominando música latina, pero mezclada con estilos negros (soul, funk) y discotequeros. Trece años después de su último elepé titulado Prohibido, el combo fundado por Fernando Arbex, con algún miembro original como el guitarrista y cantante Iñaki Egaña, bajo la dirección de José María y Jesús Moll, recuperaron y pusieron al día 22 piezas de la amplia discografía de Barrabás. Barrabás vive, cosecha de 1999, revitaliza canciones imprescindibles para entender el sonido del grupo español: Mr. Money, On the road again, Hi-Jack, Woman, Wild Safari, Try& Try, Children, Caribe, Abraxame o Manikoa, incluso se puede esccuchar sendas versiones del clásico A whiter shade of pale, en ingles y en español, mantienen su espíritu esencial de música bailable. Así pues se puede afirmar que Barrabás vive se ha convertido en una alternativa a la búsqueda de las canciones del grupo, difíciles de encontrar en formatos antiguos como sencillos y elepés.

Canciones: CD1. Mr. Money. On the road again. The lion (Don't kill the lion). Hi-Jack. Woman. Caribe (versión inglesa). Wild Safari. Hard line for a dreamer. (Be my) rebel. It's better late than never. Saint Valentine. CD 2. Try &Try. Children. A Whiter shade of pale. Never in this world. Wrong way. Only for men. Abraxame. Caribe (versión española). You are the woman. Con su blanca palidez. Manikoa.

Músicos: José María Moll, Jesús Moll, Iñaki Egaña, Miguel Morales, Pepe Robles, Tito Duarte, Kornell Kovac, Javier Blas, Judit Clericucio, Blancanieves Izquierdo, Arancha, Raúl Huelves, Oiana, Arturo Saez, Pablo Tono Voodoo, José Villar, Miguel, Dany y Nicolás Carrera.

Más portadas: Barrabás (1972), Barrabás Power (1973), Realese Barrabás (1974), Heart Of The City (1975), Watch Out (1976), Piel de Barrabás (1981), Bestial (1982), Piel de Barrabás (1982) y Prohibido (1984).

Daughter Of Time (Sequel Records) 1993
Colosseum
Portada: Robin Nichol y Jon Storey

Colosseum contribuyó desde finales de los sesenta a la consolidación del rock progresivo en las Islas Británicas con un singular sonido arraigado en el jazz gracias a la pericia instrumental de los miembros del citado combo británico. Su cuarto elepé, Daughter Of Time, sirve para demostrar la nueva orientación de la banda, ya de lleno en una especie de sinfonismo en el que, además de los teclados, tienen cabida las guitarras duras, como se pone de manifiesto en, por ejemplo, Bring Out Your Dead, que puede resumir muy bien por dónde iba el repertorio de Colosseum a comienzos de la década de 1970, fecha de grabación de este disco que se cierra con The Time Machine con interminable solo de batería y grabación en directo en uno de los templos del rock inglés de los sesenta y setenta: Royal Albert Hall. No obstante, el cuarto disco del grupo incluye otras piezas de incuestionable valor musical, Time Lament o Take Me Back To Doomeday o Bring Your Dead, compuestas por brillantes músicos como Clempson, Greenslade, Hiseman y Hakxtall-Smith, que invitan a recuperar los primeros discos grandes de Colosseum.

Canciones: Three Score And Ten, Amen. Time Lament. Taje Me Back To Doomesday.The Daughter Of Time. Theme For An Imaginary Western. Bring Out Your Dead. Downhill And Shadows. The Time Machine.

Músicos: John Hiseman (batería y percusión), Dick Heckstall-Smith (saxos soprano y tenor y voz), Dave Greenslade (organo, piano y vibes), Dave Clempson (guitarras y voz), Mark Clarke (bajo) y Chris Farlowe (voz). Barbara Thompson (flauta, saxos tenor, soprano, barítono y voz), Louis Cennamo (bajo), Neil Ardley (arreglos), Derek Wadsworth (trombón), Harold Beckett (flugelhotn y trompeta), Jack Rothstein (violín), Trevor Williams (violín), Nicholas Kraemer (viola), Charles Tunnell (chelo) y Fred Alexander (segundo chelo).

Más portadas: Those Who Were About To Die We Salute You (1969), The Valentyne Suite (1969), Colosseum Live (1971) y The Collectors Colosseum (1971).

Apunte: Colosseum reapareció en 1994 con actuaciones en directo y el disco The Reunion Concerts, que también se puede encontrar en DVD.