Sahara (GRP) 1994
Russ Freeman & The Rippingtons
Portada: Bill Mayer

Russ Freeman & The Rippingtons ya estaban consolidados como una de las más eficientes formaciones de smooth jazz cuando salió a la venta Sahara, un disco de amplio colorido, como su portada, por poner un simil con la pintura. El guitarrista tejano muestra su faceta compositora aunque tampoco desdeña piezas de otros, como I'll Be Around, perteneciente a The Sppiners, una de las pocas cantadas, junto a Principles Of Desire, ambas representativas del soul refinado de la década de 1990. El resto del material incluido en Sahara se orienta hacia el pop, reggae y r&blues aderezados con los consabidos toques de jazz, tanto en las piezas más movidas como Native Sons Of A Distant Land, True Companion, 'Til We're Togheter Again, The Best Is Yet To Come o Porscha, como en los tempos lentos, casos de Journey's End y Girl With The Indigo Eyes. En cuanto a la composición que da título al disco, se escora hacia las nuevas músicas, un género como el smooth jazz, en el que caben las interpretaciones que se quieran. En la mayoría del repertorio destaca la música contagiosa y más bien alegre donde tienen un amplio protagonismo guitarras, teclados y cuidados toques de saxofón.

Composiciones: Native Sons Of A Distant Land. True Companion. I'll Be Around. Principles Of Desire. Sahara. 'Till We're Togheter Again. The Best Is Yet To Come. Journey's End. Girl With The Indigo Eyes. Porscha.

Músicos: Russ Freeman (guitarras eléctrica, acústica de 12 cuerdas, acústica de 6 cuerdas, guitarra barítona, programación, teclados, bajo y mandolina), Jeff Kashiva (Ewi, saxo tenor, saxo alto y saxo soprano), Kim Stone (bajo), Steve Reid (percusión), Tony Morales (batería), Tom McMorran (piano acústico y teclados), Phil Perry (voz), Kirk Whalum (saxo tenor), Art Wood (loops), Lynne Fiddmont (voz), Bridgette Bryant (voz), James Gilstrap (voz) y Phil Perry (voz).

Más portadas: Nocturnal Playground (1985), Moonlight (1987), Kilimanjaro (1988), Tourist In The Paradise (1989), Brave New World (1990), Curves Ahead (1991), Black Diamond (1997), Topaz (1999), Life On Tropics (2000) y Drive (2002).

Apunte: De las colaboraciones de Russ Freeman con otros músicos, hay que destacar los discos Benoit Freeman Project 1 (1994), 2 (2004) y From Tge Reddwoods To The Rockies (1998), éste con Craig Chaquico.

Dentro de este apartado de música folk, incluyo dos elepés del sello madrileño que también apostó por la música de los Balcanes y melodías antiguas, principalmente de Suiza, mediante la promoción de grabaciones de Kolinda y Urs Steiger.

Kolinda
1514 (1980)
Portada: Mariposa, de Robert Malaval

Composiciones: Játékos I. Három Árva. 1514. Tételek. Dorombének. Játékos II.
Tercer álbum del grupo húngaro, grabado en Francia, donde los miembros del sexteto crean las canciones dentro de los esquemas tradicionales de la música de Hungría, Rumanía y Bulgaria.

Urs Stieger
Die Gedanken Find Frei (1981)
Portada: Rolan Umbühl y Beinz Walti

Canciones: Die Gendanken Sin Frei. Pfanneflicker. Es Wollt Ein Maidleln Wasser Holn. Es Sin Emol. Zwoi Gspieli Gsi. Der Winter Ist Vergangen. Was Wolln Wir Auf Den Aben Tun. Wie Schon Bluht Uns Der Maien. Wenn Alle Brunnlein Fliessen. Der tTod Zu Basel. Ein Meidlein T'at Mir Klagen. Es Hett Ein Bidermann Ein Weib. Der DKuckuck Auf Dem Zaune Sass. Es Geht Eine Dunkle Wolke Herein. Schnurre. Es Wott Es Jungfraueli Reise. Mein Vater Wird Gesucht.

El instrumentista suizo Urs Steiger se adentra en la tradición juglaresca de la Edad Media de buscar, arreglar y cantar canciones, que interpreta acompañándose de zanfona, guitarra, guitarra barroca, laúd y cítara.

Music For The Native Americans (Capitol) 1994
Robbie Robertson & The Red Road Ensemble
Portada: diseño y fotografía de John Coy y David Jordan Williams

Robbie Robertson (Toronto, 1943), ex componente de The Band, se encargo de componer la banda sonora para un documental de televisión bajo el título Music From The Native Americans, nombre del tecer disco de larga duración del guitarrista de The Band, quien no renuncia a la tradicional, pues se nota en las piezas con esencia nativa, donde predominan la voz humana y la percusión, aunque también abundan teclados, guitarras eléctricas y programación en buena parte del repertorio. Así por un lado hay canciones que trasladan a territorio indio, como Mahk Jchi y Cherokee Morning Song, desnudas de instrumentos intrusos, pero predominan las composiciones donde la fusión entre música indígena y ritmos más actuales produce una ambientación atractiva y cargada de matices. En esa línea están Coyote Dance, Ghost Dance, The Vanishing Breed o Twister Hair, pero también está presente en estilo de Robertson ya apuntado en sus dos álbumes anteriore, y que se puede concretar en Golden Feather y Skinwalker, acordes con su dominio de la guitarra eléctrica y gusto por la presencia de un fondo sonoro de teclados.

Canciones: Coyote Dance. Mahk Jchi (Heartbeat Drum Song). Ghost Dance. The Vanishing Breed. It Is a Good Day to Die.Golden Feather. Akua Tuta. Words Of Fire, Deeds of Blood . Cherokee Morning Song. Skinwalker. Ancestor Song. Twisted Hair.

Músicos: Robbie Robertson (guitarra, teclados y voz), Bill Dillon (guitarra, bajo, Chamberlin, Omnichord y guitorgan), Douglas Spotted Eagle (flauta, teclados y programación), Patrick Leonard (órgano, teclado y progrmación), Réjean Bouchard (guitarra eléctrica), Jeff Smallwood (guitarra acústica), Elodie Lauten (teclados), Jean Daniel (violín alto), Alex Acuña (percusión), John Barlit (percusión), Tony Green (bajo), Benito Concha (batería), Sebastian Robertson (batería), Denis Toupin (batería y voz), Sal Fararas (batería), Rita Coolidge (voz), Priscila Coolidge (voz), Laura Satterfield (voz), Claude Pelletter (voz), Kasthin (voz), Florent Vollant (voz), Claude McKenzie (voz), Delphine Robertson (voz), Bonnie Jo Hunt (voz), Ulali and Silvercloud Singers (coro), Jim Wilson (programación) y Dave Pickell (programación).

Más portadas: Robbie Robertson (1987), Storyville (1991) y Contact From The Underworld Of Red Boy (1998).

La ruta del americana (Borderdreams) 2004
Varios
Portada: Bernardo Mur García

Americana sirve para definir el género que tiene como origen la tradición musical norteamericana basada en estilos como el folk, blues, jazz, country, rock, y que son utilizados por grupos y solistas en la década de los noventa, aunque sus origenes se pueden rastrear en las sendas abiertas por pioneros del country rock de los sesenta, outlaws, sureños y nuevo rock americano. Pero lo mejor para disipar dudar es escuchar el doble cedé La ruta americana, un excelente documento que da las claves de ese sonido propio de Estados Unidos, entre la tradición más escondida y la modernidad menos amable con el sistema. Los discos recogen 35 canciones de cantantes de ambos sexos, desde jóvenes como Cindy Bullens, Geg Tropper, Jay Farrar, Maura O' Conell, Scot Miller, Kate Campbell, Eleni Mandell, Dayna Kurtz, Vic Chesnutt, Thomas Anderson o Ainara LeGardon, a veteranos que ya hicieron sus pinitos en los sesenta, entre otros Townes Van Zant, Delbert McClinton, Billy Joe Shaver o Rodney Crowell. En el medio están otros artistas de esa amalgama musical que es la americana, gentes que han tocado todos los palos habidos y por haber, pero siempre desde un punto de vista diferente a lo comercial. De ellos se pueden citar a Jason Ringenber, Mark Eitzel, Chuck Prophet, Vic Chesnutt, Mark Olson, Victoria Williams, Johhny Dowd o Terry Lee Hale. Además hay un buen plantel de grupos que pasan del folk al punk, del rock sureño al blues, del honky tonk al swing, del country más irreverente al pop guitarrero. En esa mescolanza de estilos y ritmos están Drive By Truckers, Rick Hopkins & Luminarios, The Flatlandes, Texana Dames, The Resentments, Horsepower, Lilium, The Walkabouts, William Grant Conspiracy, Centro -Matic o Friends Of Dean Martin. Como se puede ver una lista para dar y tomar, pero que no decepcionará a los buenos degustadores de música popular de Estados Unidos, por eso antes de leer los créditos es mejor colocar el disco en el lugar que le corresponde para que suene, luego habrá tiempo de saber quién o quiénes son los intérpretes más atractivos a nivel musical.

Canciones: CD1. World For The Knowing.Crossing Guard. One Less Heartache. Marry Me. Cherry Red. Like A Hurricane. Neverland. I Don´t Want To Lose You Yet. Baby, Do You Love Me Still?. Picture Cards Can't Picture You. Hard Time With Sunday. World So Full. Inisheer. Amtrack Crescent. Old Weakness. Deja Blues. A Perfecto World. When Your Dream Lovers Die.

CD 2: Hutterite Mile. No Other Love. Another Lonely Day. Hel Me Make It Through The Night. Love Gets In The Way. I', Through. Bells Of St. Mary. Ode To N2 O. Lover. The River People. Soft Hand. Wedding Dress. Flashes & Cables. Lost Horizon. Rainer's Song. Theremin Cider. In The Mirror.

Músicos, cantantes y grupos: CD 1. Teddy Morgan Rich Hopkins. Jason Ringenberg. Drive By Trukers. Five Horse Johnson. Jay Farrar. Cindy Bullens & Steve Earle. Eddie Spaghetti. The Flatlanders. Texana Dames. Tony Joe White. The Resentments. Greg Tropper & Maura O' Connelll. Scott Miller. Delbert McClinton. Billy Joe Shaver & Tod Snider. Kate Campbell & Rodney Crowell. Townes Van Zandt.

CD2. 16 Horsepower. Chuck Prophet. Eleni Mandell. Mark Eitzel. Dayna Kurtz. Vic Chesnutt. Mark Olson & Creekdippers. Rainer. Lilium. The Walkabouts. Willard Grant Conspiracy. Johnny Dowd. Centro Matic. Friends Of Dean Martínez. Terry Lee Hale. Thomas Anderson. Ainara LeGardon.

Más portadas: Americana: The Very Best Of New American Music (2003), This Is Americana (2004), Come The Mountain. Old Time Music For Modern Times (2005) y Country & West Coast. The Birth Of Country Rock (2006).

¿Hay alguien ahí? (Polygram) 1995

Los Suaves
Portada: fotógrafos Gorospe, Núñez, Picañol y Fenollar

Los Suaves, tras el éxito de la gira 1994-1995, decidieron poner en circulación un triple CD con las grabaciones realizadas en alguno de los escenarios visitados en ese periodo y en directo en la sala 1 de los Estudios Kirios. En total más de dos horas y media de música en directo, lugar en que el grupo ourensano se mueve con habilidad y total conexión con un público siempre entregado, porque la banda gallega es sin duda uno de los referentes del rock an roll de barrio en las grande ciudades españolas. Rock contundente, directo, sin concesiones a la comercialidad y una base literaria que capta enseguida el público, Los Suaves desarrollaron en ¿Hay alguien ahí? Un completo repertorio donde se encuentran desde las primeras canciones de la banda, pasando por las más recientes de entonces, a versiones de Chuck Berry, Rosendo y Phil Lynott. Guitarras furibundas al estilo del rock duro y callejero, apoyadas en una potente sección de ritmo, y la voz inconfundible de Yosi, constituyen los poderes de Los Suaves que bordan sus canciones más conocidas. De ellas hay una buena lista en la triple entrega en directo, entre otras, No puedo dejar el rock, Maldita sea mi suerte, Dolores se llamaba Lola, Malas noticias, Pardao, Chaqueta de cuero, Peligrosa María, Siempre igual, El afilador, Nena te voy a dejar o Esta noche no se duerme, algunas auténticos himnos de los seguidores del combo ourensano, pues en algún caso el cantante dio paso al público que interpretó sin equivocarse, por ejemplo, Dolores se llama Lola. El triple cedé está dedicado a Rory Gallagher (1949-1995), una de las referencias de Los Suaves, como son los autores de las canciones que versionea el grupo, sobre todo Phil Lynott.

Canciones: CD1. No puedo dejar el rock. Maldita sea mi suerte. Dile siempre que no estoy. La noche se muere. Dolores se llamaba Lola. ¿Pobre jugador!. Si pudiera. Viajando al fin de la noche. No me mires. Parece que aún fue ayer. Malas noticias. Pardao. Por una vez en la vida.

CD2. Hendrix. Dame rock and roll. Chaqueta de cuero. Johnny B. Goode. Corazón de rock & roll. Massacre. Baby Please Don't Go. El afilador. Peligrosa María. Siempre igual. Maneras de vivir. Dolores se llamaba Lola.

CD3. Sin empleo. A Caín. Ahora que me dejas. Nena te voy a dejar. Pobre Sara. Esta noche no se duerme.

Músicos: Yosi (guitarra, armónica y voz), Alberto Cereijo (guitarra solista, guitarra de ritmo y coros), Montxo Costoya (guitarra de ritmo y coros), Charli (bajo) y Gelo (batería).

Más portadas: Malas noticias (1993), Santa Compaña (1994), San Francisco Express (1997), Víspera de todos los santos (2000), Si yo fuera Dios (2003) y El jardín de las delicias (2005).

Apunte: Sobre otro disco de Los Suaves, hay datos en el post Tuesday, July 11, 2006.

Dedicado a Charli y compañía, por siempre Suaves.

Fotografía de Iñaki Osorio.

10 de Paco (Nuevos Medios) 1995
Jorge Pardo y Chano Domíguez
Portada: fotografía de Ortiz Echagüe

Chano Domínguez y Jorge Pardo, pianista y saxofonista respectivamente, son dos músicos españoles que partiendo de su amor al jazz han sabido misturarlo con el flamenco hasta el punto de que ambos músicos ofrecen un producto creíble y alejado del pastiche en que se cae, aunque sea sin querer, cuando no se dominan estilos que encandilan. Pero Chano y Jorge, aficiones, nacimiento y compañías relacionadas con el flamenco aparte, tienen tras de sí un recorrido lleno de grabaciones y conciertos donde el flamenco es el arte por antonomasia que desde jóvenes han saboreado en todos los sentidos. Entre los dos llegaron a un acuerdo para realizar un homenaje al guitarrista Paco de Lucía, con quien Jorge ha tocado en numerosas ocasiones. El resultado son diez piezas del repertorio del maestro de Algeciras que se abre con los tangos Sólo quiero caminar, donde destaca la voz de Chonchi Heredia, y se cierra con la melancólica Canción de amor. En el medio están diferentes palos que se adaptan al jazz o viceversa, desde ritmos festeros como rumba (Playa Carmen y Río ancho), y bulerías (La tumbona) a jondura a tope en la taranta Se me partió la barrena, pasando por cantes de ida y vuelta como la colombiana Monasterio de sal. Domínguez y Pardo también recuperan el homenaje que de Lucía hicera a Chick Corea bajo el título Chiquito, composición donde el jazz predomina sobre flamenco, incluso se puede escuchar una música inclasificable, caso de Zyrab que nace de la versatilidad de Domínguez y Pardo, la misma que tiene el homenajeado en 10 de Paco.

Composiciones: Sólo quiero caminar. Chiquito. Río ancho. Zyriab. La tumbona. Se me partió la barrena. Almoraima. Playa del Carmen. Monasterio de sal. Canción de amor.

Músicos: Jorge Pardo (saxos y flauta), Chano Domínguez (piano), Javier Colina (contrabajo), Tino di Geraldo (percusión), Luis Dulzaides (tumbadoras, bongos y chékere), Conchi Heredia “Chonchi” (voz y palmas) y El conde (palmas).

Más portadas: De Paco de Lucía: Paco de Lucía interpreta a Manuel de Falla (Phonogram, 1978), Sólo quiero caminar (Phonogram, 1981), Live... one summer night (1984), Ziryab (Polygram, 1991), Live in América (Polygram, 1994). De Jorge Pardo: 2332 (1997), Mira (2001) y Vientos flamencos (2005). De Chano Domínguez: Sí (2001), Mira como viene (2003), Oye como viene (2003), Flamenco Jazz (2005), New Flamenco Sound (2006) y Acércate más (2006).

Apunte: Hay referencias sobre discos donde tocan Jorge Pardo y Chano Domínguez en los post Sunday, March 16, 2008. Wednesday, December 5, 2007.

El rastro (35)

Juan Pardo
Ariola
1973

• My guitar (intro)
• My guitar
• Nowhere
• Something's Bad
• Lonely Man
• My Brother
• Maria Magdalena
• Boy Of Fifteen
• Simply
• I've Got A Rose
• Nothing New
• My Guitar

Songs The Lord Taught (IRS) 1980
The Cramps
Portada: fotografía de David Arnoff

The Cramps se estrenaban con la década de 1980 mediante el lanzamiento de su primer elepé en estudio, todo un revulsivo en la manera de abordar el rockabilly, tanto a nivel estético como musical, es decir apartándose de la brillantilla y tupés, así como de las guitarras eléctricas de ejecución limpia. Nunca mejor comparación se hizo cuando se dijo que era a la música como una serie B al cine. Estéticas y éticas aparte, el grupo indudablemente despertó la atención al representar una nueva manera de abordar el rock and roll para convertirlo en psycobilly, un saco en el que igual se podían amontonar furiosos alegatos de los roquers más extravagantes, como el garaje rock pre punk de los sesenta a las instropecciones del underground setentero, por tanto ante tanto despropósito en el cambiante panorama de comienzos de los ochenta no es extraño que Alex Chilton, rara avis en aquellos años, se fijase en los cuatro émulos de la familua Munster. El resultado son vitamíncas piezas alentadas por una voz esquizofrénica y zumbidos fuzz que no pasaron despercibidos, incluso cuando miraron hacia canciones ajenas como Strychnine, Tear It Up o el canónico Fever. Mientras en el haber de la banda quedan registrados por su firmeza TV Set, Garbageman. I Was A Teenage Werewolf Sunglasses After Dark, Zombie Dance y I'M Cramped. Mejor estreno no pudieron hacer The Cramps, un ejemplo a seguir por las bandas más desquiciadas del rockabilly garajero.

Canciones: T.V. Set. Rock On The Moon. Garbageman.I Was a Teenage Werewolf. Sunglasses After Dark.The Mad Daddy. Mystery Plane. Zombie Dance.What's Behind the Mask?. Strychnine. I'm Cramped. Tear It Up. Fever.

Músicos: Lux Interior (cantante), Poison Ivy Rorschach (guitarra), Bryan Gregory (guitarra), Nick Knox (batería) y Booker C (órgano en Fever).

Más portadas: Psychedelic Jungle (1981), Smell Female (1983), Date Costh Elvis (1986)m Flamejob (1994) y Fiends Of Dope Island (2003).

Apunte: En la edición en CD de 1998 se incluyen las canciones extra: I Was a Teenage Werewolf (With False Start) -Original Mix-, Mystery Plane -Original Mix-, Twist and Shout, I'm Cramped" -Original Mix- y The Mad Daddy -Original Mix-.

Legendary Masters Series (UA) 1972
Eddie Cochran
Portada: diseño Bob Cato


Eddie Cochran (1938-1960) es una de las figuras clave del rock and roll cuya muerte prematura en accidente de tráfico dejó abierto el interrogante de cómo hubiese sido su madurez artística tras el éxito arrollador durante la segunda mitad de los cincuenta. Quizá para desvelar la incógnita ayuden los dos elepés de Legendary Masters Series que constituyen interesantes documentos sonoros para apreciar por dónde se movía Cochran, quien enseguida conquistó al público adolescente, como otros roqueros, con canciones que llevan el sello indiscutible de Eddie, entre las más conocidas, Summertime Blues, C' mon Everybody, Let's Togheter o Somheting Else. Pero la potencia en voz y en solos de guitarras eléctricas tambien aparecen cuando Cochran se dedica a revisar canciones de otros que sonaban allá por la segunda mitad de los cincuenta, leánse Jeanie, Jeanie, Jeanie, Blue Suede Shoes, Nervous Breakdown o Long Tall Sally, donde queda demostrado que Eddie era más que un rubio bien parecido, pues con veinte años ya estaba bastante curtido en los estudios de grabación. En ellos dejó también huella de baladas, como Three Stars, en recuerdo de Holly, Valens y Booper, entre otras que se pueden escuchar en el sin duda mejor recopilatorio del cantante y guitarrista, quien se movió bastante en el ambiente country, estilo al que se afiliaron más adelante muchos roqueros ya en plena madurez, del que hay una buena representación en Pretty Little Devil. Incluso hay un instrumental Eddie Blue's, un blues con raíces Milk Cow Blues, el mismo que grabó en sus primeras sesiones Elvis, y un canto tradicional: Cotton Picker, por tanto queda demostrado que Cochran no es un autor de un par de éxitos y nada más.

Canciones: LP 1. Skinny Jim. Let's Get Together. Eddie's Blues. Little Lou. Pink Pegged Slacks. Jeanie Jeanie Jeanie. Something Else. Pretty Little Devil. Who Can I Count On. Thinkin' About You. Opportunity. Latch On. I'm Ready. Three Stars. Cotton Picker.

LP. 2 Summertime Blues. Cut Across Shorty. Milk Cow Blues. My Way. Blue Suede Shoes. Nervous Breakdown. C'mon Everybody . Sittin' in the Balcony. Twenty Flight Rock. Teenage Cutie. Hallelujah, I Love Her So. Fourth Man Theme. Weekend. Boll Weevil. Long Tall Sally.

Músicos: Eddie Cochran (guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano bajo, batería y voz), Jerry Capehart (slapping box, pandereta y palmas), Hank Cochran (guitarra) Connie Guybo Smith (bajo), Jesse Salles (batería), Earl Palmer (bajo), Ray Johnson (piano), Irving Asby (guitarra), Ray Stanley (piano), Jewel Grant (saxo), Plas Johnson (saxo), Jackie Kelso (saxo), Larry D'Agostini (guitarra), Gene Riggio (batería), Dic D'Agostini (piano y guitarra), Paul Coffman (saxo), Jim Stiver (piano), Mike Hendersopn (saxo) y Mike Deasy (saxo). Faltan los nombres de algunos músicos y cantantes de coros que colaboraron con Cochran en varias de las canciones recogidas en el doble de United Artists Records.

Más portadas: Mighty Mean (2003) y Complety Sweet (2008).

Apunte: Otro post sobre Eddie Cochran. Friday, June 9, 2006.

4x10

1969

Mira hacia tí (Hispavox)
Miguel Ríos

Portada: fotografía de Ontañón

Miguel Ríos (Granada, 1944) lanzaba su primer elepé en 1969 cuando ya era un conocido y asentado roquero que también sabía entonar baladas. Desde la aparición de su primer disco en 1962 bajo el nombre artístico de Mike, el cantante granadino se mantuvo fiel a sus principios musicales: el rock que ha sido la guía de su larga vida artística, de la cual ha decidido retirarse con un recorrido por toda España con la Gira Memorias de la carretera. Pero antes de su medio siglo en el candelero musical, Miguel Ríos preparaba el camino hacia el éxito internacional que le llegaría poco después de la edición de Mira hacia tí. En este elepé destaca una de las facetas en que Miguel sobresale, aunque el se considere más roquero que crooner, la balada, aspecto que engrandece más su figura, y que cuenta con verdaderos hitos en el pop español como El río, Contra el cristal o Good bye quiere decir adiós, piezas que antes habían conocido el éxito en formato sencillo, pero que Miguel recuperó para su estreno en larga duración. En buena parte de las canciones destaca la presencia de Waldo de los Ríos (1934-1977) en la dirección y arreglos orquestales que aportan frescura y grandiosidad al pop de la mejor línea británica que desprenden Mira hacia tí, Vuelvo a Granada, El viaje, Yo solo soy un hombre o Mi vida fue. La mano de Waldo estaría detrás también del gran éxito Himno a la alegría, basado en el último movimiento de la Novena de Beethoven. Por su parte, Miguel Ríos aportaba tres canciones propias sobre un total de 11 que estaban firmadas por Juan Pardo, María Ostiz, Fernando Arbex y T.Luz/A. Saínz, en cuanto a compositores españoles, mientras que J. Hendricks y J. Phillips era los autores extranjeros traducidos al español por Miguel, quien a partir de entonces encarará su carrera hacia el rock con aciertos notables que le valieron el conocimiento de diferentes generaciones.

Para finalizar las palabras de despedida de Miguel que aparecen en su página web: "No es cosa común que un artista se despida de los escenarios. Lo normal es que te despidan. Yo he tenido la suerte de poder elegir el momento justo para decirle adiós a la carretera, y al público que me ha traído hasta aquí, a las puertas de mis 65 años. Llevo casi 50 en este oficio y, milagrosamente, me he mantenido con un nivel aceptable de creatividad y en una forma vocal y física para muchos envidiable".

Canciones: El río. Contra el cristal. Good-bye quiere decir adiós. El viaje. No sabés como sufrí. Mira hacia tí. Yo solo soy un hombre. Mi vida fue. Vuelvo A Granda. Soy algo que quisieras borrar. El cartel.

Músicos: Miguel Ríos (voz), David Waterston (órgano y armónica) Charlie Gutiérrez (guitarra rítmica), Ricardo Acedo (bajo), Jay Herrero Jr. (batería) y Waldo de los Ríos (arreglos y dirección orquestal).

Más portadas: Sus primeros EP's 1962-1963, Todas su grabaciones en discos Philips 1963-1965 e Historia de una búsqueda 1974-1977. Estos tres títulos están en el sello Ramalama. Otros títulos: La encrucijada (1984), El año del cometa (1986), Miguel Ríos (1988), Directo al corazón (1990), Como si fuera la primera vez (1996) y Solo o en compañía de otros (2008).

A Turtle's Dream (Verve) 1994
Abbey Lincoln
Portada: fotografía de Carol Friedman

Abbey Lincoln (Chicago, 1930) se rodeó en este disco de grupo de músicos jóvenes para ofrecer otra inspirada obra donde resalta la hermosa voz de la cantante norteamericana, quien salvo en un par de ocasiones se encargó de componer el repertorio de A Turtle's Dream, un disco donde confluyen lirismo a raudales gracias la siempre cálida foz de Abbey. La primera canción define el estilo ecléctico de Abbey, pues se puede decir que en Throw Away no hay un estilo definido aunque prime en lo instrumental el toque característico de guitarra acústica de Pat Metheny. A continuación, A Trutle's Dream, Down Here Below y Nature Boy, Abbey pone el acento bop a su modo, es decir sabiendo llevar su voz a los sentimientos que las letras recogen, algo en lo que la cantante destaca notablemente. Incluso se atreve con la canción francesa, ese el caso de Avec le temps, de Léo Ferré, donde otra vez Metheny pone el contrapunto instrumental a la melancólica historia narrada por Lincoln, quien ya sea con acompañamiento de grupo de jazz o con arreglos de cuerda no pierde credibilidad en ese sentimiento que despliega en cada interpretación, preñada de feeling y swing, cuando lo requiere la ocasión, por ejemplo en Sould've Been, My Love Is You, Storwise, Not To Worry y Being Me. De las dos canciones ajenas, a las firmadas por Ferré y Eden Ahdez, hay que añadir la pieza Hey, Lordy Mama, cuya parte musical corre a cargo de Nina Simone, un blues eléctrico en la línea más elegante del sonido de Chicago con la guitarra de Lucky Peterson en primer plano.

Músicos: Abbey Lincoln (voz), Julien Lourau (saxos tenor y soprano), Roy Hargrove (trompeta), Pat Metheny (guitarras acústica y eléctrica), Lucky Peterson (guitarra eléctrica y voz), Kenny Barron (piano), Rodney Kendrick (piano), Michael Bowie (bajo), Charlie Haden (bajo), Christian McBride (bajo), Victor Lewis (batería), Sandra Billingslea (violín), Pierre Blanchard (violín), Vincent Pagliarin (violín), Frédéric Fymard (viola), Anne-Gaelle Bisquay (chelo), Marc Gilet (chelo) y John Robinson (chelo).

Canciones: Throw It Away. A Turtle's Dream.. Down Here Below. Nature Boy. Avec Le Temps. Should've Been. My Love Is You, Storywise. Hey, Lordy Mama. Not To Worry. Being Me.

Más portadas: That's Him (1957), It's Magic (1958), Abbey Is Blue (1959), Straight Ahead (1961), People in Me (1973), Golden Lady (1980), Talking To The Sun (1983), Abbey Sings Billie, Vol. 1 & 2 (1987), The World Is Falling Down (1990), You Gotta Pay the Band (1991), Devil's Got Your Tongue (1992), When There is Love (1992 ), Painted Lady ( 1995), Who Used to Dance (1996 ), Wholly Earth (1999), Over the Years ( 2000), It's Me (2003) y Abbey Sings Abbey (2007).

Raï (Manteca) 2000
Varios
Portada: diseño de dan@mystery

Raï, a nivel general, es la palabra que sirve para definir la música popular argelina que surgió de barriadas a las afueras de la ciudad de Orán. Aunque los orígenes del raï moderno se sitúian en la década de 1920, no va a ser hasta los años setenta del siglo pasado cuando se popularice esa música, cuando en ella a la tradicional percusión beduina y otros instrumentos se unen teclados, sintetizadores y cajas de ritmos, a la vez que se producen fusiones con otros ritmos como como pop, rock, reggae, funk, música disco, hasta el punto que para el integrismo islamista es considerado hostil a las tradiciones religiosas, con el resultado de varios cantantes asesinados en la década de los noventa y el consiguiente éxodo de muchos artistas hacia lugares más seguros y alejados del Magreb. Y es que el raï, además de opinión muchas veces particular, tiene un componente reivindicativo que critica cualquier interferencia moral, política o económica sobre la vida de las personas, aunque a comienzos del siglo XX se trataba de una música que buscaba la diversión de la comunidad bereber, pero la posterior urbanización y el nacimiento de barrios marginales en las grandes ciudades del Magreb dieron origen al moderno raï que jóvenes de ambos sexos bailan en discotecas. Raï. The besto of the oiriginal North African grooves ofrece más de una hora de música distribuida en 15 canciones que interpretan entre otros Cheb Khaled, Haïm, Malik, Cheba Nouria, Cheikha Remitti y Mohamed Mahdi, quienes expresan desde la música con raíces en el espíritu bereber o los ritmos electrónicos preferidos en los barrios populares, cuando no aparecen fusiones con el hip hop o el flamenco, por citar dos estilos diferentes de los tantos que también inspiran a los cantantes y compostiores de raï.

Canciones: Chabressi. Nsalfik. Gouli Rani Nebrik. Wahlaich. Lilla. Le Cauchemard. Salam. Madanitche. Dalali. Katrat Alya Hadra. Chab Rassi. Harfet. Hanari.

Cantantes y grupos: Cheb Khaled. Chab Sahraoui & Fadela. Cheb Abdallah. Haïm. Rasto. Youcef. Cheba Houria. Houri & Le Grande Tradiotionnel Cnaqua. Cheb Youcef. Mohamed Mahdi. Djamel Beneylles. Cheikha Remitti. Cheikh Djelloul Remchaqui. Cheikh Meftah.

Más portadas: Le Monde du Raï (1987), Maroc Night Fever (1991), The Guide To Raï (2002), Hip Hop Raï (2003), La nuit Raï (2005), Algerian Raï, Best Of (2007), Oran-Oujda Raï Express (2007) y 1970's Algerian proto-raï underground (2008).

Transit (OmTown) 2000
A.J. Croce
Portada: fotografía de Alison Dyer

Adrian James Croce (Bryn Mawr, Pennsylvania, 1971) con su cuarto disco de larga duración deja claro que se ciñe al título, Transit, pue decide ir hacia adelante s en lugar de quedarse en el estilo que ha servido de inspiración a sus anteriores elepés. Ese paso estilístico se percibe desde la primera composición, Maybe, una canción de indiscutible urdidumbre power pop escorado hacia el territorio británico, lo cual no quiere decir que A.J. Pierda ni un ápice de su poder para montar pequeñas joyas musicales, las cuales abundan en Transit. El cantautor estadounidense no renuncia al piano pero permite que otros teclados, en teoría más modernos, entren para ocupar un destacado protagonismo en todas las canciones, junto a guitarras eléctricas, creándose así estructuras que más pertenecen al pop rock que a la música con raíces, aunque cabe preguntarse si el pop no es ya también roots music. Pero dejo disquiciones para centrarme en el disco, donde Croce junior resalta su indiscutible lirismo que con base en el conocimiento de la tradición musical de su país le srive para lanzarse con seguridad en brazos del pop rock que desprenden It's Only Me, Summer Can't Come Too Soon, The Bargain, Everyman, What I Wouldn't Do o Change, por no citar todo el repertorio del cedé, una prueba de la versatilidad nada impostada de quien igual bebe en fuentes británicas como Zombies, The Beatles o Elvis Costello, sin olvidarse de sus compatriotas Ray Charles o Beach Boys.

Canciones: Maybe. It's Only Me (Oh Ya-Ya). Turn Out the Light. Summer Can't Come Too Soon. The Bargain. Find Out Now. Everyman.What I Wouldn't Do. Change. Five. She Was Always Right. Don't Leave Me Now.

Músicos: A. J. Croce (piano, órgano, Wurlitzer, piano eléctrico, music box y voz), Michael James (guitarras), David Zemen (Hammond B-3, melotrón, Wurlitzer eléctrico, Vox Continental, teclados, pandereta, clavinete, acordeón, guitarra acústica y voz), Brad Cummings (bajo), Frank Reina (batería)Michael Bizar (guitarra y guitarra acústica), Sami Tormamen (batería adicional), Urban Olsson, Grayson Sumby, David Zemen, Alex Davis, Jenny Sipprelle y Jason Rankins (coros).

Más portadas: A. J. Croce (1993), That's Me in the Bar (1995), Fit to Serve (1998), Adrian James Croce (2004), Cantos (2006) y Cage of Muses (2009).

Apunte: A.J. Croce es hijo del cantautor Jim Croce (1943-1973). http://www.jimcroce.com/

The Kick Inside (EMI) 1978
Kate Bush
Portada: Splash Studio y Jay Myrdal

Kate Bush (1958) alcanzó un alto nivel artístico con su presentación discográfica The Kick Inside, primer elepé de la cantautora británica, donde hay un generoso repertorio de canciones que demuestran el talento de la entonces joven compositora, convertida en una de las mejores referencias de la canción femenina de los ochenta. Producida por David Gilmour, Kate enseguida se hace un hueco en la música pop gracias a la pieza Wuthering Heights, en la que descubre la extremada expresividad de su aguda voz y su bagaje literario basado en un romanticismo entre trágico y místico como el recogido de Cumbres borrascosas para dar forma al éxito antes comentado. Pero, The Kick Inside no se limita a la composición más conocida de Kate, quien en su primera entrega busca un estilo, basado, eso sí en la versatilidad a la hora de componer, con o sin ayuda de músicos como el guitarrista de Pink Floyd. Desde un acercamiento al folk rock progresivo de los setenta en el Reino Unido, Moving, al rock de James And The Cold Gun, pasando por alguna entrega a la psicodelia de la factoría británica: The Saxophone, la cantante también experimenta con la sensualidad que aplica a Fel It o L'Amour Looks Something Like You, hasta completar un álbum también alegre en algunos casos, como ocurre con Kite, de ritmo reggae, estilo en auge durante segunda mitad de los setenta, aunque no se pueden perder de vista la orquestal The Man Wild The Child In His Eyes, Oh The Be In Love, Them Heavy People o The Kick Inside, canciones que en una primera escucha pueden pasar desapercibidas, pero que dan cuenta de un elaborado trabajo vocal y una notable conjunción instrumental.

Canciones: Moving. The Saxophone Song. Strange Phenomena. Kite. The Man With The Child In His Eyes. Wuthering Heights. James And The Cold Gun. Fell It. Oh To Be In love. L'Amour Looks Something Like You. Them Heavy People. Room For The Life. The Kick Inside.

Músicos: Kate Bush (piano y voz), Iam Bairnson (guitarras, mandolina y voz), Duncan Mackay (piano eléctrico, sintetizador, órgano y clavinet), David Paton (bajo, guitarra acústica, guitarra eléctrica y voz), Stuart Elliot (batería), Barry de Souza (batería), Bruce Lynch (bajo), Paul Keogh (guitarras), Alan Parker (guitarras), Andrew Powell (teclados y celeste), Alan Skidmore (saxofón), Morris Pert (percusión y boo bams), Paddy Bush (mandolina y voz) y David Katz (orquestación).

Más portadas: Lionheart (1978), Never for Ever (1980), The Dreaming (1982), Hounds of Love (1985), The Sensual World (1989), The Red Shoes (1993) y Aerial (2005).

Grecia. De Oriente y de Occidente (Resistencia) 2000
Varios
Portada: diseño de Leona

Grecia, cuna de la civilización mediterránea, es el lugar de encuentro de diferentes músicas en que melodías y danzas de Oriente y Occidente se entremezclan ofreciendo un hermoso crisol que lejos de cegar resulta agradable ante la diversidad de voces y la presencia de instrumentos bastante desconocidos para quienes están acostumbrados a los cánones impuestos por la industria discográfica. Desde el sello Resistencia se realizó un importante esfuerzo para la promoción de la música que se desarrolla por la amplia geografía de la referida nación mediterránea, tanto peninsular como insular, bajo el título Grecia. De Oriente y de Occidente y en dos discos compactos que recogen 43 canciones de intérpretes masculinos y femeninos.Los artistas que aparecen en este recopilatorio están relacionados con diferentes estilos de la música popular griega. Así por un lado se pueden escuchar las canciones folclóricas de las montañas (dimolikó), canciones de las islas (misióliko), canciones de las ciudades (laikó) y las piezas con influencias de Asia Menor (ribétiko). El primer disco comienza con Ifandókosmos, cantada por Kristi Stasinopoulou, quien ejemplariza muy bien como lo tradicional se adapta a los tiempos modernos, es decir como el folclore griego se puede mezclar con la psicodelia sesentera y el post punk. A partir de esa primera pieza van surgiendo nombres como Sofías Tseoru, Yorgos Koros, Soitiría Bellou, Manos Hatzidakis, Nikos Papáloglou, María Frandouri, Elefthería Arvanitaki, Nikos Portokáloglou, Xanthippi Karathanasi. Mikis Theodorakis, Marika Ninou, Vasilis Tsitsani, Nena Venetsanou o Irini Konitopoulou, entre otras y otros, que unas veces ahondan en la tradición trasmitida de generación en generación, mientras que en otros casos resaltan la fusión del legado ancestral con ritmos como el pop, que dio origen a la nueva ola griega (neokima).A la riqueza musical, donde aparecen instrumentos tanto tradicionales, como modernos, orientales y occidentales, se une el lirismo de las letras. En algo tiene que influir la milenaria poesía griega, base de muchas grandes obras líricas de diferentes lugares bañados por el Mediterráneo.

Canciones: CD 1. Ifandókomos -Mundo de tejidos-. Before my eyes -Ante mis ojos-. Apó xeno topo -En un lugar extranjero-. Resti ke batírides -Tirados y sin blanca-. Girizo Ap' ir nihta -Regreso de la noche-. Tzivaeri -Joya mía-. Tsigaro egó stoma mou den évala oute ena -Cigarrillo, yo en mi boca jamás he puesto ninguno-. Palió krasi in' i skepsi mou -Mi pensamiento es vino añejo-. Xisou gero -Ráscate viejo-. Stou Digeni Ta Kastra -Cerca de las fortalezas de Digenis-. Áfgoustos -Agosto-. Annoula (Imoun xéniasto pouli) -Anita mía (Era un ave despreocupada).To gelastó pedi -El niño sonriente-. O Vasilikós. Sousta. Den mas sinhoró -No nos perdonó-. Lene -Dicen-. Thalassopoulia Nafitki (Lobos de mar). Ro-ta-ro. El sueño de la hija del rey. To delvino -Del vino-. Kanís edó tragoudá -Aquí nadie canta-. Me tosa psémata -Con tantas mentiras-.

CD 2. Vezinnádiko -Gasolinera-. O efialtis tis Persefonis -La pesadilla de Perséfone-. Tzakitis. Bingeol. Pia Melisa -¿Qué abeja?-. As Kratisoun i hori -Que duren los bailes-. An Thimithís T' oniro mou -Si te acuerdas de mi sueño-. Kato Sti Rodo -En la isala de Rodas-. Katha dekapende -Cada quince días. Moi trandafillie-Ay, rosa-. Genníthika ya na ponó -Nacida para sufrir-. Lilith. Kotsatos Tsabounas apiranthou -Danza de gaita de Apiranthos-. Go sta sena -Por tierra extraña-. Dimitroula-. Germaníes -Alemanias-. Ola ta pire to kalokeri -Todo se lo llevó el verano. Meri. Saranda pende mástori -Cuarenta y cinco aparejadores-. To tragoudi tou helidoniou -La canción de la golondrina-.

Cantantes: CD 1. Kristi Stasinopoulou. Sofía Tserou/Mihalis Nikoloudis. Yorgos Koros. Sotiría Kazadzidis. Elefthería Arvanitaki/Nikos Xidakis. Psarandonis. Andonis Dalgás. Fleri Dandonaki/Manos Hatzidakis. Nikos Papázoglou. Xanthippi Karathanasi. Mikis Theodorakis. Ioanna Limníou-Pismisi/Kiriakos Stergíou. Banda Flórinas. Nikos Portokáloglou. Melina Kaná/Sokratis Málamas. Elkeni Legaki. Nikos Kipourgós/Dora Masklavanou. Savina Yannatou. Tasos Halkiás. Glkikería. Alkínoos Ioannidis.

CD 2. Álkistis Protopsalti. María Farandouri/Manos Hatzidakis. Marió. Haig Yazdijan. Nikos Xidakis/Elefthería Arvanitaki. Dionisis Savvópoulos. Yovanna/Mikis Theodorakis. Niko Grapsas. Eleni Tsaligopoulou. Thanasis Moraítis. Marika Ninou/Vasilis Tsitsanis. Nena Venetsanou. Irini Konitopoulou-Legaki. Mode Plagal. Rosa Eskenazi. Himeriní Kolimvités. Elefthería Arvanitaki/Dimitri Papadrimtríou. Loudovikos Ton Anogíon. Yota Vei/Mihalis Nikoloudis. Haris Alexíou.

Más portadas: Story Of Greece (2000), From The Greece With Love (2004), Made In Greece (2005), Rambetiko & Popular Music From Greece (2007), Sites And Sound Of Greece: Miconos (2008), Sites And Sound Of Greece: Athens (2008), Sites And Sound Of Grecce The Music Of Greece: Rhodes, Kos (2008) y Never Mind The Balks (2008).

Meets Buffalo Springfield and The Squires (Moby Dick Records) 1989
Neil Young
Portada: Swingin' Pig SARL

Neil Young se ha decidido por fin a poner en circulación su magna obra discográfica desde sus comienzos con el grupo instrumental The Squires, en su Canadá natal, hasta la actualidad cuando ya es uno de los grandes del rock afincado en Estados Unidos pero conocido en los cinco continentes, por donde aún se deja caer para descargar airados solos de guitarra eléctrica o intimistas historias acompañadas por guitarra acústica. Con la puesta en venta de Archives vol. 1 (1963-1972), aprovecho la coyuntura para recuperar de las baldas de mi discoteca este cedé pirata o bootleg que recoge 13 maquetas de diferentes etapas de Neil Young. De su etapa con el grupo canadiense The Squires aparecen Sultan y Aurora, dos instrumentales muy de la época en que fueron grabados, 1963, y en los que se nota la impronta de The Shadows, por lo que no es extraño que el propio Young dedicase alguna pieza al mítico guitarrista de dicha banda británica Hank Marvin. En cuanto a las canciones en solitario de Neil Young acompañado de guitarra acústica, se incluyen siete piezas, todas ellas de 1965, entre las que están algunas inolvidables como Sugar Mountain y otras menos conocidas y no editadas como The Renmt Is Always Due, todas ellas composiciones de juventud que en determinados casos sirvieron para futuras canciones de Young. De la etapa de Buffalo Springfield figuran Down The Wire, en una onda muy garajera y con excelentes armonías vocales a pesar de la nefasta grabación, y Do I Have Come Right Out And Say It, una delicioso melodía del quinteto. En el mismo apartado se poen There Goes My Babe y One More Sign, que son dois interpretaciones en solitario de Neil Young con su acústica, realizadas en 1966.

Canciones: En solitario---Sugar Mountain. Nowadays Clancy Can't Even Sing. Run Around Babe. Don' t Pity Me Babe. I Ain't Got The Blues. The Rent Is Always Due. When It Falss, It Fall Over You. Con Buffalo Springfield---Down To The Wire. Do I Have To Come Right Out And Say It. There Goes My Babe. One More Sing. Con The Squires---Sultan. Aurora.

Músicos: Neil Young (guitarra acústica y voz). Buffalo Springfield---Neil Young (guitarra y voz), Stephen Stills (guitarra y voz), Richie Fury (guitara y voz), Bruce Palmer (batería) y Dewey Martin (batería y voz). The Squires (1963)---Neil Young (guitarra), Allan Bates (guitarra), Ken Koblun (bajo) y Ken Smyth (batería).

Más portadas: Archives vol. 1 1963-1972 (2009).

Koko Taylor 
(28 de septiembre de 1928-3 de junio de 2009)

"Tengo que hacer lo que mejor sé, y lo que mejor sé es el blues. Ser distinta a otras cantantes y quedarme en mi sitio, y mi sitio es el blues verdadero. Dimplmente sigo adelante y hago lo que haciendo: simple blues". Eran palabras de Cora Walton, conocida artísticamente como Koko Taylor, cuando hablaba del estilo musical al que dedicó la mayor parte de sus ochenta años de vida. Con la muerte de Koko desaparece aclamada Queen of The Blues, una mujer que rompió con el estereotipo de cantante femenina de dicho estilo, pues las letras explícitas de sus canciones en la dirección de las procaces vocalistas de la década de 1920 no indicaban que se estaba ante una dama de vida sentimental desaforada, bebedora, jugadora o drogadicta. Quienes la entrevistaron decían haber hablado con una persona dulce, jovial, enérgica y comedida, incluso algo tímida, felizmente casada y abuela desde joven.

"Nos criamos en una granja donde trabajábamos duramente recogiendo algodón. Fue difícil, pero sirvió para convertirme en una buena mujer. Soy fuerte poque pasé realmente malos tiempos cuando era más joven. Hay muchos hombres y mujeres jóvenes que ha crecido en Chicago y en otras ciudades, y no saben lo que es pasar verdaderamente necesidad. Yo nací deseando cosas y no teniéndolas, necesitando cosas y no consiguiéndolas. ¡Pero, por supuesto, nunca estuvo dispuesta a ir a Kansas City en los viejos tiempos".

Koko Taylor se crió en la mejor tradición del blues, es decir cantando en la iglesia desde niña y escuchando por la radio los ritmos de Sony Boy Williamson, B.B. King, Elmore James y Howlin' Wolf, pues prefería ese tipo de interpretaciones que las de carácter religioso. Y a pesar de que en un principio tenía como favoritos a intérpretes masculinos, "la primera mujer a quien realmente admiré fue Memphis Minnie. En aquellos días los discos giraban a 78 revoluciones, poseíamos un gramófono en el hogar al que había que dar vueltas con una manivela, para que funcionase, como los viejos automóviles. Un día conseguí una copia de Me and My Chaufeur Blues, de Memphis Minnie. Ella fue la primera que me emocionó, que me inspiró. Luego escuché tambièn a algunas otras, claro: Bessie Stmith, Big Mama Thornton". No obstante la voz de la joven cantante se orientaba más al tono de Muddy Waters, por ejemplo, que al de las referidas blueswomen.

Koko Taylor, tras emigrar a Chicago con su marido Robert Pops Taylor, a los 18 años comenzó a compaginar el trabajo doméstico en hogares blancos con actuaciones nocturnas en los locales del South y el West Side de la ciudad del viento. En sus comienzos contó con la ayuda del gran J.B. Lenoir, del que siempre recordó que fue una persona muy implicada en la ayuda a los debutantes en el ambiente del blues. 

Las actuaciones en ruidosos escenarios dieron ese predominio aguado a la voz de Koko, quien, por fin grabó un sencillo, su primer disco, en 1963, y luego algunos más para el sello de la veterana Victoria Spivey, pero será bajo el patrocinio de Willie Dixon, que la había conocido cantando con Magic Sam, con el que consiga por fin consolidarse como cantante. En la mítica factoria Chess Records registrará su primer éxito Wang Dang Doodle, que subió hasta el cuarto puesto de la listas de r&blues en abril de 1966. A partir de entonces la carrera de Koko continuó con los altibajos habituales en el cambio de década, eso sí con continuas actuaciones a uno y otro lado del Atlántico. Más será la entrada en la discográfica Alligator la que estabilice su carrera y la convierta en la auténtica reina del blues.

Optimista y vital, Koko Taylor afirmaba con contudencia que el blues nunca morirá. "Nosotros vamos a mantenerlo vivo". El testigo de la cantante representativa del blues de Chicago queda para un puñado de mujeres que apuestan también con credibilidad por el género de los 12 compases.

En este blog tengo en cuenta desde el principio la música folk y por ende determinados sellos discográficos que contribuyen a su difusión desde un punto de vista no solamente crematístico como pasa con los que se mantienen contra viento y marea en tiempos de recesión del soporte discográfico, principalmente el cedé, u otros cuya estela todavía brilla años después de su paso por el espacio de la oferta musical. Dentro de los segundos incluyo a Guimbarda, una colección que en mi caso ha servido para descubrir nuevos sonidos y también para afianzar la confianza depositada en determinados grupos y solistas de folk, canción de autor, country, blues y jazz.

Gracias al trabajo del animoso grupo dirigido por Manuel Domínguez se pudieron seleccionar más de 300 títulos en formato elepé de música folk de diferentes continentes, donde tenían cabida los más clásicos y los renovadoroas, aunque el catálogo ofrecía además una generosa lista de blues y algo de jazz Ahora, después de años sacando en este blog todas las referencias discográficas que tengo de la serie Guimbarda, dedico un espacio donde van dos discos de los que encuentre por esos rastros, tiendas de segunda mano o disqueras de vinilo. Así que cuando se cansen de ver mediante el uso de la palabra Guimbarda en el buscador, no se preocupen pues procuro seguir rescatando joyas discográficas que están descatalogadas en la mayoría de los casos.

Para empezar dos elepés de música de Occitania, esa zona geográfica de 190.0000 kilómetros cuadrados y 15 millones de habitantes distribuidos entre 32 departamentos de Francia, 12 valles alpinos de Italia y el valle de Arán de España.

Cardabèla
Cantos y danzas del Languedoc (1979)
Portada: diseño de Isabel García Escudero

Canciones. La cancon novela. Las farandolas -Lo polin de Pesenas, L' ase de Ginhac y Lo camel de Besiers-. Quelque jorn lo temps vendra. Los ribans. Los presioniers. La piusa. La lauseta. Los gorraus. La calha.


Grupo que estudió la música tradicional y el canto de los trovadores del siglo XII con el espíritu renovador, y al mismo tiempo respetuoso hacia el pasado.

Lambrusc
La, Bash, La, Bash (1979)
Portada: anónima

Canciones: Bonsoar, meste de la maison. Naut agenes. La bash, la bash. Lo meu pair, la mia mair. Seguida deu Manhoac. La cancon deu lin. Las filhas de Marmanda. Arribada qu'ei la sason. Escotica a Elena. Mozas de Vilanova. Rondeus diatonics.

Trío que gue gusta del canto tradicional a capella, pero que en este álbum se ha rodeado de dos de los grupos instrumentales más populares de la región, Mont-Jola y Perlinpinpin Folc, para ofrecernos cantos y músicas de Gascuña.

The Man Who Painted Caves (Resistencia) 1999
David Antony Clark
Portada: diseño de David Hone

David Antony Clark vuelve a este blog con otra de sus grabaciones relacionadas con tiempos remotos. The Man Who Painted Caves, como dice su título, constituye una recreación musical de diferentes momentos durante la época en que hombres y mujeres habitaban las cavernas dentro de devenir encarado a la supervivencia, donde también había tiempo para el arte. Para ello, el teclista y compositor de Nueva Zelanda se pone en la piel de un artista que pinta en las cuevas y al que sigue desde cuando sale sol y prepara sus utensilios para iniciar la faena, Forest Gods -con ruidos de ambiente y cantos de pájaros incluidos- hasta el final de una celebración ritual. Los restos de una hoguera marcan la despedida a una jornada donde no han faltado desde el grito del gato-espíritu, los cazadores de bisontes, los chamanes, la noche, un eclipse, el descubrimiento de una nueva caverna y la danza, entre otras, que constituyen los elementos musicales del disco bajo títulos como Forest Gods, The Shaman's Wings, Black Moon o Sacred Chambers, a las que Clark aporta sus ritmos apacibles en los que se mezclan percusiones de siglos atrás con nuevas tecnologías, uno de los principales distintivos del músico neozelandés, quien además demuestra un ejemplar respeto hacia la naturaleza ya sean selvas o desiertos.

Composiciones: Forest Gods. Cry of the Spirit Cat. The Bison Hunters. The Shaman's Wings. The Man Who Painted Caves. A Night in the Garden with Eve. Black Moon. Limestone Cathedrals. Sacred Chambers. The Hall of Dancing Horses. Silent Fire.

Músicos: David Antony Clark (arreglos, teclados y percusiones), Andreas Lepper (percusión adicional), Owen Map (flautas) y Doc Ferris, Gordon Hazlewood, Maggie Hazlewood, Rob Joas, Mick McKenna, Jon Mark y Jo Moir (voces tribales).

Más portadas: Paradise New Zealand (2003), Natural Selection (2005), Shaman Dancing (2006) y Song Of Magic Sex And War (2008).

Apunte: En este blog aparece un post sobre el disco Terra Inhabitata, de David Antony Clark, con fecha Tuesday, January 17, 2008.