Más postales del estío urbano

Enviadas desde California durante el verano de 1967

Gracias al gallego García y sus muertos agradecidos, a la banda del aeroplano, a los hermanos de Chambers, al Dr. Leary y sus viajes, electrics prunes y la hermandad yanqui canadiense de Buffalo Springfield. ¡Hasta siempre! Nos escribimos dentro de 15 días.

Postales desde el estío urbano

Verano en la ciudad

Ciudad caliente,
Verano en la ciudad.
Se me está ensuciado el cuello.

He estado vencido.
¿No es una lástima?
Parece no haber una sola sombra
en la ciudad.

Por todos los lados.
La gente tiene aspecto
medio muerto
caminando en la acera
más caliente
que la cabeza de una cerilla.

Pero a la noche
es un mundo diferente.
Sal afuera y encuentra
una muchacha.
Ven, vamos y baila
toda la noche
a pesar del calor,
se está muy bien.

Y, chica,
¿acaso no saber que es una pena
que los días no puedan ser
como las noches
de verano
en la ciudad?

Ciudad fresca.
Atardecer en la ciudad
Tan bien vestido
y con aspecto tan bonito.

Gato elegante
buscando una gatita,
voy a buscar en todas las esquinas
de la ciudad
hasta que resollando
como una parada de autobús
suba corriendo las escaleras
para encontrarse en el tejado.

Summer in the city

Lovin' Spoonful

Red Headed Stranger (CBS) 1975
Willie Nelson
Portada: Monica White


Una opinión: “En 1975, Willie y su tercera esposa, Connie, grabaron el álbum Red Headed Stranger, elaborando una sola historia relatada a lo largo de las canciones incluidas. Una de ellas, Blues Eyes Criyng In The Rain, compuesta por Fred Rose, llegó al número uno de las listas country –curiosamente, el pretigioso compositor había triunfado como cantante con un tema ajeno-. Pero Nelson, además de complacer a la conservadora clase media, grabando discos posteriores como Stardust –con standards del tipo Blue Sky, que permaneció en el Bilboard durante más de diez años y vendió cuatro millones de copias-, nunca renunció a conectar con el público melenudo que había conocido en los festivales al aire libre de Austin”. Alfonso Trulls. Country. Celeste Ediciones 1997.

Otra: Red Headed Stranger mantiene la línea anticonvencional practicada por Willie Nelson a lo largo de su carrera discográfica en contraposición al entonces sonido Nashville, conservador y poco receptivo a incluir en los textos de las canciones la problemática social u otros asuntos cotidianos (sexo, drogas, conflictos conyugales).

Canciones: Time of the Preacher. I Couldn’t Believe It Was True.Time of the Preacher Theme. Medley: Blue Rock Montana/Red Headed Stranger. Blue Eyes Crying in the Rain. Red Headed Stranger. Time of the Preacher Theme. Just as I Am Denver. O’er the Waves. Down Yonder. Can I Sleep in Your Arms. Remember Me. Hands On The Wheel. Bandera.

Músicos: Willie Nelson (guitarra y voz), Paul English (batería), Jody Payne (guitarras y mandolina), Bee Spears (bajo), , Bobbie Nelson (piano), Mickey Raphael (armónica), Bucky Meadows (guitarra) y Billy English (batería).

Además: A pesar de ser miembro del club country de los fuera de la ley (outlaws) –entre los que figuraban los desaparecidos Waylon Jennings y Johnny Cash-, Willie Nelson ha grabado también canciones con numerosas figuras de la canción bastante alejadas de su estilo musical, desde Julio Iglesias a Ray Charles, entre otras personalidades del espectáculo que han interpretado duetos con el popular tejano.

Más portadas: Country Willie: His Own Songs (1965), Texas In My Soul (1968), Laying My Burdens Down (1970), Yesterday’s Wine (1971), Shotgum Willie (1973), Phases And Stages (1974), To Lefty From Willie (1977), Stardust (1978), Willie And Family Live (1978), One For The Road (1979), Honeysuckle Rose (1980), Taugher Than Leather (1983), City Of New Orleans (1985) y A Horse Called Music (1989).

Cuarenta años después (5)

Discos de 1967

Are You Experienced? (Polydor) 1967

The Jimi Hendrix Experience
Portada: Fotografía de Karl Ferris

Una opinion: “Las letras de Hendrix son parte importante de su Experiencia. El ruido de su música tal vez haya ahogado un tanto la expresión verbal que acompañaba aquellos shows, pero ya es hora de saber lo que Hendrix nos estaba diciendo. Fundamentalmente, se referían a su situación de negro en un mundo blanco. Su visión oscila entre la esperanza y la desesperanza. Sin la fe suficiente para afirmar que Black is beautiful y Black is soul, algunos negros lo acusan de contrarrevolucionario y vendido a los blancos. Para los blancos siguió siendo un negro y entonces su vida fue la de un hombre espantosamente solo. Porque Hendrix no fue ni un contrarrevolucionario ni un vendido. Simplemente se negó a comprometer su arte con una postura racista que él creía inoperante y negativa. Nadie lo comprendió porque a nadie le convenía su actitud sincera y crítica. Por suerte, sus letras han dejado testimonio de su honestidad y de su búsqueda”. Marcelo Covián y Robert A. Rosentone. Los cantos de la conmoción. Tusquests. 1974.


Otra: “¿Qué si no es blues? ¿Acaso no existen pistas en Red House de la influencia de B.B. King? Ahí reside la sabiduría de Hendrix. La misma que supo captar Miles Davis. Un temazo como Machina Gun es una nimiedad ante la capacidad de que dispone como intérprete de blues, como sumo hacedor de sonidos. En el fondo, Jimi Hendrix lo único que hacía con el trémolo de su guitarra, su voz, sus efectos wah wah era limpiar el camino de espinas que un buen día trazó Robert Johnson”. Miguel A. Queralt. Jimi Hendrix Memorial. Celeste Ediciones. 1995.


Canciones: Foxy Lady. Manic Depression. Red House. Can You See Me. Love or Confusion. I Don’t Live Today. May This Be Love. Fire. Third Stone From the Sun. Remember. Are You Experienced?.

Músicos Jimi Hendrix ( guitarra, piano y voz), Noel Redding (bajo y coros) y Mitch Mitchell (batería y voz).

Además: “En realidad, todo esto es una especie de estilo libre. Nosotros sabemos qué canción queremos tocar y cómo es aproximadamente. Pero todo lo demás sale de forma espontánea en el escenario”. Jimi Hendrix.

Más portadas: Axis: Bold As Love (1968), Electric Ladyland (1968), Band Of Gypsys (1970), Isle Of Wight (1971) y Jimi Hendrix Soundtrack (1973).

Bluesmen 4 (Guimbarda) 1979
Fred McDowell and Johnny Woods
Portada: Fotografías de George Mitchell


Una opinion: “Encontramos a uno de los más conocidos cantantes de blues del mundo sirviendo gasolina en una estación de servicio en Como, Mississippi. Aunque el difunto Fred McDowell había tocado para grandes muchedumbres por todo Estados Unidos y Europa, no obtenía bastante de su música para vivir decentemente, sin realizar también un trabajo doméstico, que era el único tipo de ocupación disponible para la gente negra en el Mississippi rural. El estuvo siempre contento y orgulloso de tener fans que paraban para verle en la estación de servicio o en su casa, y nos acogió calurosamente a mi esposa y a mí, y nos dijo que estaría muy orgulloso de ayudarnos a localizar músicos de blues que no habían sido grabados nunca.
Después de esa tarde, estuvimos recorriendo los viejos caminos de los bosques que hay por todas partes en la región de la colina de Mississippi en busca de un hombre que tocaba la armónica llamado Little Johnny Woods. Wood es un vagabundo y Fred no le había visto durante ocho años, pero él había oído que su viejo amigo y acompañante había vuelto a sus viejas tierras, así que preguntamos sobre su paradero hasta que finalmente nos detuvimos en una vieja cabaña en las cercanías de Senatobia, donde se suponía que estaba Woods”. George Mitchell.


Otra: “Era difícil creer que los dos hombres no habían tocado juntos durante los últimos ocho años. No fue necesario practicar, no hubo segundas tomas. Se sentaron uno frente a otro mientras Fred le daba a Johnny instrucciones en voz baja. La venas se abultaban en la cara de Fred mientras cantaba y tocaba, y la saliva salía de la armónica Johnny, que casi parecía ser una extensión natural de su boca. Mi esposa y yo estábamos exhaustos después de la sesi´n de grabación –y emocionados por tener una cinta de esos dos grandes bluesmen para que la pudiera escuchar todo el mundo”. George Mitchell

Canciones: Shake ‘Em On Down. Smokestack Lightning. John Henry. My Babe. Red Cross Store. Going Down To The River. Long-Haired Doney. I Left My Baby Stting In The Back Door Crying. Going Away. Scratch My Back.

Músicos: Fred McDowell (guitarra y voz) y Johnny Woods (armónica).

Además: “Los Rolling Stones incluyeron en su álbum Sticky Fingers el tema You Gotta Move que era una de las últimas grabaciones de McDowell. Los royalties le dieron a McDowell, que en ese momento tenía unos sesenta y cinco años, más dinero del que había ganado en su vida y difundieron su nombre más allá del ámbito del blues”. Keith Sándwich. Blues Keeping The Faith. Folio Universal. 1998.

Más portadas: My Home Is In The Delta (1964), Amazing Grace (1966) y I Do Not Play No Rock’n’Roll (1969).

El país de la luz (CBS) 1978
Guzmán
Portada: Diseño de Santiago Monforte con fotografía de Juan Corcoles



Una opinión: “Una producción de lujo en la que contó con la plana mayor de los músicos de sesión del momento. Sonidos acústicos pespunteados por brillantes y cálidos arreglos que arropan canciones cotidianas, sencillas, siempre con un deje de tristeza y emotividad: la luminosa El país de la luz, la beatle Volver al empezar, las desoladoras Dejando el hogar y Celia, la confesional 26 años o Julia con su fragancia a fox-trot. Un magnífico disco sin desperdicio con el que no ocurrió gran cosa –como era de esperar- pese a que Guzmán se paseó por las matinales de El gran musical y se dejó ver en el televisivo Aplauso”. Juan Puchades. Revista efe eme. Número 2. Diciembre 1998.


Otra: “CBS, no obstante el relativo fracaso comercial del álbum de Rodrigo, decide arriesgarse y, en 1977, ficha a Guzmán, que publica en dicha compañía un single, Sentados en un café y Un hotel en la Costa del Sol y, al año siguiente, un álbum, de título genérico El país de la luz con la colaboración de un impresionante elenco de músicos, que incluye a Pepe Robles, a Serpa (años más tarde con él en los Hobbies) a Luis Cobo Manglis (Guadalquivir), a Luis Cobos (Conexión), a Gualberto, a Miguel Ángel Chastang, a Horacio Icasto y al propio Rodrigo, entre otros muchos. El álbum, pese a su brillantez, se convierte, otra vez, en objeto de culto”. Vicente Cagiao. CRAG. EMI. 2005.

Canciones: El país de la luz. Mi joven amigo. Dejando el hogar. Julia.Volver a empezar. 26 años. Celia.

Músicos: José María Guzmán (guitarra acústica y voz), J. Antonio Galicia (batería y percusión), Miguel A. Chastang (bajo eléctrico y contrabajo), Tomás S. Miguel (teclados), Luis Cobos Manglis (guitarras), Rodrigo García (guitarras acústica y eléctrica), Luis Cobos (sintetizadores y órgano), Miguel A. Bulido (percusión), Javier Monforte (guitarra), Horacio Icasto (piano), Gualberto (sitar), Pepe Robles (coros) y Sherpa (coros).

Además: “Cualquiera que escuche estos temas aquí compendiados de una u otra época, de uno u otro disco, sean discos en solitario de Rodrigo y Guzmán o los proyectos como Cadillac, cualquiera asumirá la verdad y la belleza, la trascendencia de la música de estos compañeros de la música. Son canciones cantadas de morirse, con arte, gracia y mucho corazón”. Santiago Alcanda. CRAG, Queridos Maestros. EMI. 2005.

Más portadas: Guzmán (1987). Con Solera, Solera (1973). Con Canova, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Señora azul (1974), Queridos compañeros (1984) y 1985 (1985). Con Cadillac, Pensando en ti (1981), Llegas de madrugada (1982), Un día más (1983), Funkyjzz (1984) y Valentino (1986).

Cecilia (CBS) 1972
Cecilia
Portada: Diseño de Daniel Gil y fotografía de Francisco Ontañón

Una opinión: “Cecilia supuso la ternura a través de las ondas. Supo escrutar dilemas como el amor y el desamor o inquirir la España que removía los cimientos bajo sus pies. Con muy poca obra editada –su vida se truncó en un desafortunado accidente-, logró hacerse un hueco en la canción de autor española, sin demasiadas pretensiones. No tenía una magnífica voz, pero conocía a la perfección los registros de la música pop y supo combinar el pop y la canción de autor con suma facilidad”.
“El logro de Cecilia fue su poder de comunicación, con una sugerente mezcla de introversión y extroversión, de unir el mundo de adentro con el de afuera hasta lograr una unidad que su muerte no ha acallado ni acallará mientras la gente se acerque a su legado, aunque sea para comprobar que las emociones se suceden idénticas en distintos escenarios y hay quien tiene el don para ponerle las palabras justas. Palabras que supieron describir, con afilada precisión, personajes y paisajes que configuraban una España en blanco y negro que se resistía a dar el paso al color y al calor democrático. Cecilia pintó acuarelas llenas de ternura, pero cargadas de futuro”. Jordi Turtos-Magda Bonet. Cantautores en España. Celeste. 1998.



Otra: “Por otra parte, sería injusto, tremendamente injusto, decir que todas las canciones de amor que se hicieron en España durante los años sesenta y setenta, y que surgieron al margen de las que creaban los llamados cantautores, eran impresentables, de baja calidad y represivas. ¿Dónde estaba entonces el punto diferenciador entre Rosa León o Cecilia y Mari Trini?, ¿y el de Hilario y Patxi Andión?”. Fernando G. Lucini. Crónica cantada de los silencios rotos. Voces y canciones de autor 1963-1997. Alianza Editorial.1998

Canciones: Fui.Dama Dama. Señor y dueño. Mi gata Luna. Llora. Portraits and pictures. Al son del clarín. Canción de desamor. Fauna. Mama dont you cry. Nada de nada. Lost little thing.

Músicos: Cecilia (voz y guitarra), Julio Seijas (guitarra) y Juan Carlos Calderón (arreglos).

Además: “Fue durante mi adolescencia americana y católica cuando me transformé por obra y gracia de la naturaleza, de una simple kid en una full fledged teenager, y dí mis primeros pasos en la música, gracias a una monjita que como privilegio especial me escogió para cantar en el coro (que era muy divertido) y además limpiar la iglesia (que no era tan divertido). Por aquel entonces mi padre le regaló una guitarra a mi madre y albergando la esperanza de hacer un dúo, compró unas partituras de Paganini para violín y guitarra muy insinuantes, que nunca pasaron de eso: insinuantes, ya que mi madre prefería cantar Por el camino verde y Bésame mucho”. Cecilia, presentación de su primer disco de larga grande.

Más portadas: Cecilia-2 (1973), Un ramito de violetas (1974) y Grandes éxitos (1975).

Sandinista! (CBS) 1980
The Clash
Portada: Fotografía de Pennie Smith


Una historia: “Si alguien desea crucificarlos después de London calling, se lo pusieron fácil con Sandinista!, un triple LP calificado de pretencioso y disperso que se vendió en Inglaterra a precio de sencillo (para conseguirlo sacrificaron los beneficios que les correspondían en concepto de royalties) y que les valió todo tipo de reproches. La trinchera punk ya había visto con malos ojos algunas derivaciones sonoras de London calling, aquí enormemente ampliadas, hasta el punto de que al lado de ska, dub, swing, reggae y otros ritmos ya explorados, incluso el rap (The magnificent seven), la música disco (When Ivan meet G.I. Joe), el funk o el gospel a la Motown (Hitsville U.K.) tienen un hueco”. Eduardo Guillot. Número 12 de la revista Efeeme. Noviembre de 1999.

Otra: “A la que teníamos una mezcla en bruto, poníamos cinta virgen en la grabadora y pasábamos a otra cosa”, ha explicado Strummer. “Así lo hicimos día y noche. Ésa es la razón de que tuviera que ser un triple álbum, aunque quizás hubiera sido mejor un doble, o un LP sencillo, o un EP, quién sabe. El hecho es que grabamos toda esa música para bien o para mal, durante tres semanas febriles. El álbum es el documento de aquello”. Ignacio Juliá. The Clash –Rock de combate-. Guías efe eme. Número 5.

Canciones: The Magnificent Seven. Hitsville U.K. Junco Partner. Ivan Meets G.I. Joe. The Leader. Somethig About Egland. Rebel Waltz. Look Here. He Crooked Beat. Somebody Got Murdered. One More Time. One More Dub. Lightning Strikes (Not Once But Twice). Up In Heaven (Not Only Here). Corner Soul. Lets Go Crazy. If Music Could Talk. The Sound Of The Sinners. Policie On My Back. Midnight Log. The Equaliser. The Call Up. Washington Bullets. Brodway. Lose The Skin. Charlie Don’t Surf. Mensforth Hill. Junkie Slip. Kingston Advice. The Street Parade. Version City. Living In Fme. Silicone On Sapphire. Version Pardner. Career Opportunities. Shephereds Delight.

Músicos: Paul Simonson (bajo y voz), Topper Hgdaon (batería y voz), Joe Strummer (voz y guitarra), Mick Jones (guitarra y voz). Invitados: Mickey Gallagher, Timon Dogg, Norman Natt-Roy, J.P. Nicholson, Ellen Foley, David Payne, Ray Gasconne, Band Sgt. Dave Yates, Den Hegarty, Luke ‘N’ Ben, Maria Gallagher, Gary Barnacle, Bill Barnacle, Jody Winscott, Ivan Julián, Noel Tempo Bailey, Anthony Nelson Steelie, Len Lewis, Gerald Baxter-Warman, Terry McQuade, Rudolph Adolphus Jordan y Battersea.

Además: “Y entre tanto funk, reggae, dub, rap y soul, pocas canciones con la fuerza conocida. La energía se evapora y lo más provocador es el título”. Fernando Martín. The Clash, los punks rojos. Historia del Rock. El País.

Más portadas: The Clash (1977), Give’ em Enough Rope (1978), London Calling (1979), Combat Rock (1982) y Cut The Crap (1985).

Cuarenta años después (4)

Discos de 1967



Da Capo (Elektra) 1967
Love
Portada: Diseño y fotografía de William S. Harvey

Una historia: “Tenían un líder negro, Arthur Lee, pero su música era luminosamente blanca. Hacían delicadas piezas de folk-rock, blues y pop, entre el cielo y los sentidos, mientras su vida era un infierno de drogas y líos mafiosos. Iban a llamarse Grassrots, pero se les adelantaron. Sin embargo, ellos se adelantaron al uso de guitarras acústicas en el rock y con alucinógenos pasajes de 20 minutos (Revelation, en su elepé Da capo, 1967). Con preliminares como Arthur Lee and The LA’s (réplica de Broker T.), Arthur Lee formó Love en 1965. Él y Bryan McLean se repartían el repertorio y la voz”. Los años hippies. Historia del Rock. El País.

Otra: “Su segundo LP –Da Capo- vino a correr la misma suerte que el primero, a pesar de que mantenía toda una cara de buenos cortes -¡Qúe vida!/Seven & Seven/Orange Skies- y presentaban en la otra un corte –Revelation- de dieciocho minutos con cincuenta segundos, algo insólito en aquellos días”. El rock ácido de California. Jesús Ordovás. Ediciones Júcar.

Canciones: Stephanie Knows Who. Orange Skies. ¡Qué vida!. Seven & Seven Is. The Castle. She Comes In Colors. Revelation.

Músicos: Arthur Lee (voz, armónica y guitarra), John Echols (voz y guitarra), Bryan Maclean (voz y guitarra), Ken Forsi (bajo), Alban Snoopy Pfisterer (teclados), Tjay Cantrelly (flauta y saxofón) y Michael Stuart (batería).

Además: Lanzado en el mes de enero de 1967, Da Capo constituye la obra previa al tercer disco grande de Love, Forever Changes, puesto a la venta en noviembre del mismo año. Este último con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los discos mejor valorados del rock de todos los tiempos.

Más portadas: Love (1966), Forever Changes (1967) y Four Sail (1969).

The Best Of The Blues (Discophon - Storyville) 1973
Varios
Portada: Storyville Records



Una opinion: “Desde su orígenes –entre 1890 y 1910-, el blues ha sido la más completa, intensa y sincera autobiografía de la otra América. En su primera acepción, el blues es una expresión poético-musical creada por campesinos y obreros negoamericanos durante sus ratos de ocio. La mayoría de los bluesmen compaginaron su dedicación a la música con su trabajo en una plantación sureña o en una fábrica de la industria pesada en el Norte, y a menudo trabajaron y cantaron en condiciones de vida tan hostiles como las que habían sufrido sus antepasados durante los tristes días de la esclavitud”. Editorial del número 1 de la revista Solo Blues. Verano de 1985.

Otra: “Nadie puede decir con precisión dónde nació el blues, pero los datos sugieren firmemente que fue en algún lugar del vasto territorio que se extiende desde el interior de Georgia y el norte de Florida hasta Texas. Esta zona comprende el sur y después el este de los montes Apalaches, incluye el valle del Mississippi hasta el norte y el sur de Illinois y el Missouri Boothel, y avanza hacia el oeste, pasando por alto los montes Ozark que abarcan el sudeste de Oklahoma y el este y el centro de Texas. Es una zona de granjas y plantaciones de algodón, cruzadas por terrenos de bosques de madera dura, bosques de pinos y pantanos de cipreses que han sido progresivamente despejados a lo largo del siglo XX…
La mayoría de los innovadores del blues que llevaron a cabo el desarrollo estilístico de esa música vivían en esta zona o comenzaron sus carreras musicales en ella”. David Evans. Recorriendo el país –El blues de Texas y el profundo Sur-, en el libro titulado Solamente Blues, de Lawrence Cohn. Odín Ediciones. 1996.

Canciones: Diggin’ My Potatoes. Uncle Sam’s Blues. Bertha May. Christina, Christina Blues. Vitamin A Blues. Don’ t Cry Baby. The Way I Feel. City Hall Blues. Early In The Morning. One Room Country Shack. Copenhagen Woman. Boots And Shoes.

Músicos: Big Bill Bronzy (guitarra y voz), Speckled Red (piano y voz), Champion Jack Dupree (piano y voz), Big Joe Williams (guitarra y voz), Lonnie Johnson (guitarra y voz), Rosevelt Sykes (piano y voz), Sleppy John Estes (voz y guitarra), John Henry Barbee (voz y guitarra slide), Sunnyland Slim (piano y voz), Sonny Boy & Memphis Slim (armónica y piano, respectivamente, además de cantantes) y Otis Spann (voz y piano).

Además: “Uno de los aspectos interesantes de la historia del blues es la popularidad de que ha gozado, y goza, en Europa y la importancia que han tenido los fans europeos en su promoción. No sería cierto decir que el blues en Europa ha significado algo muy grande en el desarrollo del blue, pero sin duda ha tenido influencia. Hay varios cantantes de blues que han visto sus carreras alteradas y hasta, en algunos casos, totalmente cambiadas a causa de sus experiencias europeas. Es probable que ningún cantante de blues, que ha hecho giras por países europeos, haya vuelto a América sin haber sido influenciado y, deseamos, artísticamente enriquecido”. Paul Oliver. Comentario en la contraportada de The Best Of The Blues. Storyville Records.

Más portadas: Folksay (1973), The Story Of The Blues (1974), Bluesmenn 1 (1978), El genuino sabor americano Nº 2. Blues (1979), The Introduction To Living Country Blues Usa (1980), San Francisco Blues Festival (1981), Chicago años 80 (1982) y Swamp Blues (1983).

En directo desde J&J (Polydor) 1970
Tara Portada: Fotografía de Ramón Rodríguez


Una opinión: “Su carrera duró un LP y tres singles: un año. Visto y no visto, apenas oído, en un argumento revelador del show-biz: María Teresa Vega se fue de La Coruña a Barcelona a los 18 años con su primo para ponerse al frente de Los Boom, a quienes ve la productora-arreglista-etc. Maryní Callejo en Zaragoza y no tarda un año en lanzarla en solitario con la grabación de su puesta de largo, en Madrid a comienzos de junio en 1970. La crítica en pie avisada porque antes había publicado un single, Happy, que la promociona como la Janis Joplin española”.
El LP sale en julio y desde la entrada se le agobia: Van asistir ustedes al nacimiento de una estrella, anuncia Joaquín Prat en su largo y engolado comentario introductorio y entrometido, rematado. Maryní Callejo lanza una voz. Cierto, Maryní sufría el mal de ojo de lince, apartó de ella a su primo organista y a novio bajista, la refuerza con el grupo Spain y Johnny Galvao a la guitarra…hasta el trío La la la se presta para un LP que se resiente de orquesta ligera (¿ligera? ¿Con 30 componentes) desde el primer número River deep mountain high, a lo elegante; también repasa otros clásicos soul (el tremendo Think de Aretha era la canción que llevaba más tiempo haciendo”. Luis Clemente. Revista efe eme. Número 9 julio/agosto 1999.

Otra: “Fenomenal. Y en España única. Una cantante que España puede perfectamente hacer triunfar en el extranjero. Tara está incluso por encima de la canción. Tara, en escena, es fabulosa. Tara puede triunfar perfectamente en USA con un repertorio adecuado. Porque su voz, efectivamente está, entre Barbra Streisand, Aretha Franklin y Janis Joplin”. Joaquín Luque. Disco Expres.

Canciones: River Deep Mountain High. Son Of A Preacher Man. Never, Never Leave Me. El era mi amigo. Happy. Palabras. El amor de una mujer. My Man. Es mi vida. Oh Happy Day.

Músicos: Tara (voz), Johny Galvao (guitarra solista), Juan Moreno Domínguez (guitarra rítmica), Maryní Callejo (piano eléctrico), José María Panizo (bajo), José Martínez Manuera (batería), Pepe Ebano (percusión), Cristina F. Villaverde, Mercedes Valimaña y María Jesús Aguirre (coros femeninos), José Fernández López, Manuel Serrano Serrano, Ángel Ortega Piña y Carlos García-Soto (coros masculinos). Orquesta de 19 componentes con 9 violines, 2 violas, 2 chelos, 3 trompetas y 3 trombones. Colaboración especial de Joaquín Prat.

Además: “Una gallega a lo Janis Joplin. Lo primero que nos sorprende de Tara son sus increíbles facultades para alcanzar unos niveles vocales elevadísimos con una potencia y una seguridad que jamás habíamos visto en una intérprete nacional”. J.M. Iñigo. Mundo Joven.

El ritmo del garaje (Tres Cipreses) 1983
Loquillo y los TrogloditasPortada: creación gráfica de David Grau y fotografía de Albert


Una opinión: “Que el temario de El ritmo del garaje no sonara manoseado responde a tres razones. (1) Sabino Méndez, responsable de todas las músicas y todas las letras (menos dos de los textos harto pesimistas de Roker city y Barcelona ciudad, obra del propio Loquillo), encontró un lenguaje elemental y sincero, de melodías reconocibles a la primera y léxico sencillo, que hacía creíbles historias que ya parecían escuchadas. (2) Loquillo era casi el único actor, por planta y carácter, para interpretar de forma convincente los guiones en torno a la nostalgia del rock’ n’ roll salidos de la imaginación de Sabino. (3) Como London Calling, como The River, el rock de El ritmo del garaje era expansivo, abiero: al pop, al seing, al garage, al punk, al psycobilly, al surf, al rock siniestro, al country, a la new wave…” Joan Pons. Los 100 mejores discos españoles del siglo XX. Rockdelux. Noviembre de 2004.


Otra: “Para colmo de bienes, la canción que da título al álbum cuenta con la colaboración de Alaska, lo que les presenta en sociedad ante el público madrileño y, en general, de todo el resto del país.
El álbum se vende espectacularmente, siendo uno de los primeros discos independientes en gozar del apoyo del público masivo, y superando las 25.000 copias”. Fito Feijóo, Pablo Carrero y Pepe Palau. Guía Esencial de la Nueva Ola Española. 1994.


Canciones: El ritmo del garaje. Rocker city. Me convertí en un hombre-lobo por culpa de los rebeldes. Cadillac solitario. Pégate a mí. Un accidente de circulación. María. Tejanos rellenos. Quiero un camión. No surf. Barcelona ciudad.

Músicos: Loquillo (voz), Javier Juliá (guitarras), Ulises Montero Malone (saxo), Olvido Alaska (voz), Poch (coros), Ana Curra (teclados), Iñaki (coros), Julián Siniestro (guitarra), Luis Malone (coros) y Fernando Malone (coros). Ulises (armónica en Quiero un camión).

Además: En El ritmo del garaje colaboran cantantes y músicos ubicados entonces en Madrid y representantes de la denominada movida musical. Entre ellos y ellas están Ulises Montero –saxofonista habitual en grupos como Gabinete Caligari, Sindicato Malone o Desperados-, Alaska –en alza con sus Pegamoides-, Ana Curra –ex pegamoide, ex parálisis permanente y Seres Vacíos-, Poch –Derribos Arias-, Luis y Fernando –Sindicato Malone- y Julián Hernández –Siniestro Total-.

Más portadas: Los tiempos están cambiando (1981), ¿Dónde estabas tú en el 77? (1984), La mafia del baile (1985), Mis problemas con las mujeres (1987), Morir en primavera (1988) y A por ellos…que son pocos y cobardes (1989).

Bound For Glory (Folkway) 1958Woody Guthrie
Portada: Edición de Millard Lampell


Una opinión: “Más de 1.000 son las canciones que se han podido recoger de la obra de Woody Guthrie. Otras muchas, al ser improvisadas, se han perdido en las calles, en los campos: en los escenarios que Guthrie utilizaba a menudo para cantar. Musicalmente recibió influencias decisivas del blues, del country y de la música popular blanca y supo crear con ellas un lenguaje simple y directo sobre el que se basó la generación folk de los años 60. La temática que encierran las letras de sus canciones es amplia: canciones políticas sobre la siutación en los Estados Unidos y en el mundo, canciones de amor, baladas y canciones tradicionales, temas para niños…Pero en todas ellas se encuentra la huella que refleja los sentimientos del pueblo que conoció”. Xavier Ibáñez. Woody Guthrie. Testigo de los USA. Número 25 de la revista Ozono. Octubre de 1977.

Otra: La autobiografía de Woody Guthrie, publicada en 1943 bajo el título Bound For Glory, como el elepé recopilatorio, contribuyó al conocimiento de la figura de este trovador izquierdista, hasta el punto de que inspiró al director Hal Ashby para rodar la película homónima, estrenada en el año 1976 y con David Carradine como protagonista.

Canciones: Stagolee. Children’s Songs: Little Sack Of Sugar/Ship In The Sky/Swim, Swim, Swimmy I Swim. Vigilate Man. Do Re Me. Pastures Of Plenty. Grand Coulee Dam. This Land Is Your Land. Talking Fish Blues. The Sinking Of The Reben James. There’ s A Better World A-Comin’.

Músicos: Woody Guthrie (guitarra y voz) y Will Geer (voz).

Además: Entre los compañeros de recorrido por tierras norteamericanas, Woody Guthrie cantó y tocó la guitarra junto a Leadbelly, Pete Seeger, Cisco Houston, Burt Ives, Lee Hays o Millard Lampell, entre otros,

Más portadas: Dust Ballads Bowl (1950), Songs Grown On For Mother And Child (1956), Nursery Days (1958), Woody Guthrie Sings Folk Songs (1962) y Struggle (1976).