“The Legacy of the blues vol.3” (Discophon). El pianista Champion Jack Dupree (1910-1992), después de una larga carrera musical en Estados Unidos con comienzo en New Orleans y continuidad en Chicago y New York, decidió a finales de la década de los cincuenta instalarse en Europa donde se quedó hasta su muerte. Su aceptación por los aficionados al blues del Viejo Continente sirvió para que Jack Dupree reorientase su carrera musical, acorde con un estilo singular dentro del blues más genuino de instrumentista trashumante, cuyo repertorio se nutría de composiciones propias y de otras aprendidas en su largo peregrinaje por los escenarios de diferentes ciudades estadounidenses desde finales de los años 20. Ya instalado en Europa, Champion continuó actuando y grabando discos como éste de 1972. Las diez canciones incluidas se registraron en los Estudios Morgan de Londres, bajo la producción de Sam Charters y la colaboración de músicos representativos del blues rock británico. El pianista de New Orleans ofrece un repertorio que va desde el crítico “Vietnam Blues” al desenfadado “Drunk again”, pero también hay tiempo para el dramatismo en “Down and out”. La fotografía de la carpeta es de Mike Audsley y el diseño de Meter Viking.

Canciones: “Vietnam Blues”, “Drunk again”, “Found my baby gone”, “Anything you want”, “Will it be”, “You’ re the one”, “Down and out”, “ Roamin’ Special”, “The life I lead” y “Jit-A-Bug Jump”.

Músicos: Champion Jack Dupree ( piano y voz), Huey Flint (batería), Benny Gallagher (bajo), Peter Curtley (guitarra) y Paul Rowan, armónica.

Otras portadas: Champion Jack's Natural & Soulful Blues (1961), Trouble, Trouble (1962), The Women Blues of Champion Jack Dupree (1961), Cabbage Greens (1963), From New Orleans To Chicago (1966), Whe You Feel The Feeling You Was Feeling (1968), Scooby Dooby Doo (1969), The Heart Of The Blues Is Sound (1969), Incredible (1970), The Hamburg Session (1974), Blues For Everybody (1976), Boogie Woogie, Booze And Wild Wild Women (1977) e I Had That Dream (1982).

“Quico Maria del Mar” (Ariola). Representantes de la Nova Canço Catalana, aquella de la década de los sesenta, Maria del Mar Bonet y Francesc “Quico” Pi de la Serra evolucionaron con el tiempo hacia repertorios eclécticos pero siempre con el idioma natal como bandera. En 1979, el barcelonés y la mallorquina se unieron para grabar un disco de larga duración en el que se ponía de manifiesto lo dicho anteriormente. Canciones compuestas por Pi de la Serra, inconfundibles en cuanto a su lirismo sincero, otras que interpretaron artistas foráneos como Billie Holiday y Stevie Wonder, entre otros, así como la inolvidable “Es fa llarg esperar”, de Pau Riba, completan este álbum que tuvo continuidad en un espectáculo desarrollado durante los días comprendidos entre el 7 y el 17 de junio de 1979 en el Teatre Romea de Barcelona. Acertada unión que también propició la puesta en escena de una excelente banda de músicos, entre los que figuraban reputados instrumentistas del ambiente musical de Cataluña. Tras esta experiencia, Pi de la Serra y Maria del Mar Bonet continuaron en solitario sus sólidas carreras artísticas. El diseño de la carátula es obra de América Sánchez, que utilizó una fotografía de Maria del Mar y Quico realizada por Toni Catany.

Canciones: “Jim”, “Cançó de l’atzar”,“La marxa del president, “Petita festa”, “Cada dia tinc manies”, “L’amor tot s’ho val”, “Repoblació forestal”, “Oració”,“Nocturna”, “Es fa llarg esperar”.

Músicos: Pi de la Serra (voz y guitarras, Maria del Mar Bonet (voz), Manuel Camp (teclados), Gabriel Rosales (guitarras), Albert Moraleda (bajo eléctrico y contrabajo), Pipo Tuduri (percusión), Santi Arisa (batería) y Aurelio Vila (viola, violín y saxo tenor).

Otras portadas: De Maria del Mar Bonet; Maria del Mar Bonet (1974), Cançons de festa (1976), Saba de terrer (1979), Jardi Tancat (1981), Cançons de la nostra Mediterrànea (1981) y Brevari d’ amor (1982). De Pi de la Serra; Francesc Pi de la Serra (1967), Disc-conforme (1971), Triat i gabellat (1971), Palau dels Sports (1976), Pijama de saliva (1982) y Quico, rendeix-te (1987).

“Forever Changes” (Elektra). Este disco de la mítica banda Love constituye una de las apreciadas grabaciones de la cosecha de 1967, en especial del ámbito del rock. Desde Los Ángeles, Arthur Lee (1945-2006) y su grupo se consolidaron para la posteridad con uno de los álbumes más apreciados de todos los tiempos, aunque en él se resumen los diferentes estilos que Love practicó durante su corta pero interesante vida artística. Psicodelia, guitarras hendrixianas, folk-rock, rock de garaje, baladas sublimes, acertada combinación de orquesta con guitarras acústicas y pasajes con trompetas mexicanas omnipresentes, contribuyeron a realzar la música que en la segunda mitad de los sesenta se practicaba en California. Love, sin la transcendencia de, por ejemplo, Beachs Boys, The Byrds, The Doors, Moby Grape, Frank Zappa and The Mothers of Invention, Jefferson Airplane o Greateful Dead, dejaron un legado inolvidable en canciones como “Alone Again”, “A House Is Not Motel”, “Andmoreagain” y en las siete posteriores. Todas contienen atractivos suficientes como para encandilar a diferentes generaciones que ven en este disco la prueba de inspiración de un grupo de jóvenes que utilizaban la música para dar salida a sus esperanzas y frustraciones. En 2003, Arthur Lee realizó un gira por Europa que sirvió para la grabación de “Forever Chages: Live”. La portada del disco es obra de Bob Pepper.

Canciones: “Alone Again Or”, “A House Is Not a Motel”, “Andmoreagain”, “The Daily Planet”, “Old Man”, “The Red Telephone”, “Maybe the People Would Be the Times or...”, “Live and Let Live”, “The Good Humor Man He Sees Everything Like”, “Bummer in the Summer” y “You Set the Scene”.

Músicos: Arthur Lee (guitarras y voz), John Echls (guitarra), Bryan MaClean (guitarra y voz), Ken Forssi (bajo) y Michael Stuart (batería y percusión).

Otras portadas: Love (1966), Da Capo (1967), Tour Sail (1969), Out Here (1969), False Start (1970), Reel to Real (1974) y Love Live (1982).

“Chocolate Kings” (Manticore). Fogueados en los movidos ambientes del pop y rock de Italia de los años sesenta, los miembros del grupo Premiata Forneria Marconi se encontraban bajo el manto protector de la superbanda Emerson, Lake and Palmer, en el momento de grabar en Milán este disco durante los meses de junio y julio de 1975. Representantes del rock progresivo de aquella década, PFM mostraba un estilo próximo a sus mecenas y también a otras formaciones de rock sinfónico: King Crimson, Yes y Genesis, incluso en Chocolate Kings todas las composiciones fueron cantadas en inglés. Tanta influencia no impidió que el grupo italiano reorientara el influyente rock progresivo hacia sus cualidades innatas a la hora de tocar, componer y cantar. Teclados, guitarras, sección rítmica y violín alcanzan en piezas largas, Paper Charms, una singular expresividad a la que no fueron ajenos públicos de distintos continentes, en los que PFM realizaba actuaciones en directo. La carpeta del disco fue diseñada por Bob Nisbert, Anthony Telson & Associates. El dibujo lo realizó el artista David Draper.

Canciones: “From Under”, “Arlequín”, “Chocolate Kinas”, Out Of The Roundbabout” y “Paper Charms”.

Músicos: Franz Di Cioccio (batería, percusión y voz), Patrick Djivas (ripper bas), Franco Mussida (guitarra y voz), Mauro Pagani (woodwinds y violín), Flavio Premoli (teclados y voz) y Bernando Lanzetti (cantante).

Otras portadas: Storia di un minuto (1972), Per un amico (1972), Photos and ghosts (1973), L’ Isola di niente (1974), Cook (1974), Jef Lag (1977), Passpartù (1978), Suonare suonare (1980), Come ti va in riva alla città (1982), PFM? PFM! (1984) y Miss Baker (1987).

“La canción de Juan Perro” (Ariola). Radio Futura decidió a finales de de 1986 dirigirse a New York para grabar el que sería uno de sus mejores discos de estudio, y en el que sobresale la efectiva sección de viento presente en la mayoría de las canciones. La banda, con sede en Madrid y liderada por los hermanos Auserón, destacaba sobre la generalidad de grupos surgidos en torno a la denominada movida de comienzos de los años ochenta. Un disco anterior, que rompía con su imagen de diseño, y actuaciones en directo en las que demostraban cada vez más profesionalidad, dio paso a una grabación con excelentes piezas que entraban en diferentes ámbitos musicales: rock, soul, funk, reggae y rock latino, estilo esta último del que fueron pioneros en España. Todas las canciones fueron compuestas por Santiago Auserón, menos “Annabel Lee”, poema del escritor norteamericano Edgar Alan Poe. “La canción de Juan Perro” constituyó un importante avance en la línea musical de Radio Futura, que contó en este álbum con algunas canciones de éxito, “37 grados”, “A cara o cruz”, “La negra flor”, “Luna de agosto”, “El canto del gallo” o la referida “Annabel Lee”, que salió en formato sencillo (single). La portada del disco, titulada “El canto del gallo”, es de Juan Navarro Baldeweg.

Canciones: “37 grados”, “En un baile de perros”, “El hombre de papel”, “A cara o cruz”, “Lluvia del porvenir”, “La negra flor”, “Annabel Lee”, “Luna de agosto”, “La mala hora”, “El canto del gallo” y “Paseo con la negra flor”.

Músicos: Santiago Auserón (voz y guitarra española), Luis Auserón (bajo), Enrique Sierra (guitarra eléctrica), Pedro Navarrete (teclados) y Carlos Torrero (batería y perscusión electrónica). Colaboradores: Metales, The Uptopw Horns: Crispin Cloe (saxo alto y barítono), Arno Hecht (saxo tenor), Hollywood Paul Literal (trompeta) y Bob Funk (trombón). Daniel Ponce (percusión), Jo Dworniak (segunda guitarra) y Javier Monforte (guitarra).

Otras portadas: Música moderna (1980), La ley del desierto (1984), De un país en llamas (1985), Escuela de calor (1989), Veneno en la piel (1990) y Tierra para bailar (1991).

“Uh Huh” (Riva). Noveno disco de John Cougar Mellencamp que en 1983, año de grabación de este elepé, estaba en la lista de los roqueros más famosos de Estados Unidos. Tras unos comienzos titubeantes, a la sombra de Bruce Springteen, Bob Seeger y otras voces privilegiadas, por fin se convirtió en referencia representativa de lo que con el tiempo se ha llamado rock con raíces. Duro a veces, otras campestre y de vez en cuando lírico, John Cougar ofrecía canciones brillantes en cuanto a lo músical, básico en la instrumentación (guitarras y sección de ritmo), aunque a veces sonara a The Rolling Stones “Crumblin’ Down Green” o al boss “Pink Houses”, pero sin caer en la imitación, más bien estas aproximaciones están basadas en el admiración a sus maestros. Pero John se muestra seguro y autónomo en otras piezas “Authority Song”, “Play Guitar”, “Lovin’ Mother For Ya” o la más melancólica “Jackie O”. “Un Huh” no pasó desapercibido en su tiempo, incluso contó con un importante apoyo mediático con clip audiovisual de promoción, cuando este soporte era el gran aliado de la música grabada. El diseño de la carpeta del disco correspondió Mo Strom for Bob Heimall, Inc. Y la ilustración fue obra de Michael Sell, mientras que la dirección artística corrió a cargo de Bill Levy.

Canciones: “Crumblin’ Down Green”, “Pink Houses”, “Authority Song”, “Warmer Place to Sleep Green”, “Jackie O”, “Play Guitar”, “Serious Business”, “Lovin’ Mother Fo Ya” y “Golden Gates”.

Músicos: John Cougar Mellencamp (voz), Kenny Aronoff (batería y percusión), Larry Crane (guitarra), Toby Myers (bajo), Mike Wanchic (guitarra), John Cougar, Jay Ferguson (voz), Carroll Sue Hill (voz), Louis Johnson (bajo) y Willie Weeks (bajo).

Otras portadas: Nothin’ Matters And Whit If It Did (1980), American Fool (1982), Scarecrow (1985), The Lonesome Jubille (1987) y Big Daddy (1989).

“Another Passenger” (Elektra). Sexto álbum de la neoyorquina Carly Simon, quien en el año de su grabación (1976) formaba parte de la elite del rock afincada en California, como su marido James Taylor. “Another Passenger” cuenta con una larga lista de músicos de sesión asentados en la Costa Oeste de Estados Unidos y miembros de grupos en alza en aquella época: The Doobie Brothers, Little Feat y Eagles. El resultado fue un disco correcto en todos los sentidos, pero alejado ya de la línea más intimista de las primeras grabaciones de Carly que ya se encaminaba hacia una línea más suave y comercial, pop por darle un nombre definitorio, pero sin perder la esencia de talento para componer excelentes canciones como “Half A Chance”, “In Times When My Head” y “Libby”, que se alternan con alguna más orientadas hacia el rock practicado por los ilustres colaboradores y el ritmo latino de “He Likes To Roll”. La carpeta del larga duración sigue la misma línea que el trabajo musical, pues tres personas aparecen como protagonista de su puesta a punto Anne Garner (diseño), Glen Christensen (dirección artística) y Mary Ellen Mark (fotografía).

Canciones: “Half A Chance”, “It Keeps You Runnin”, “Fairweather Father”, “Cow Town”, “He Likes To Roll”, “In Times When My Head”, “One Love Stand”, “Riverboat Gambler”, “Darkness Til Dawn”, Dishonest Modesty”, “Libby” y “Be With Me”.

Músicos: Carly Simon (guitarra acústica, teclados y voz), James Taylor (guitarra, arreglos y voz), Dr. John (guitarra y teclados), Laurindo Almeida (guitarra), Paul Barrére (guitarra), Jeff Baxter (guitarra eléctrica, steel guitar y slide guitar), Steve Bruten (guitarra eléctrica) Turner Stephen Bruton (guitarra eléctrica), Frank Carillo (guitarra), Glenn Frey (guitarra), Lowell George (guitarra), Andrew Gold Guitar (batería y guitarra eléctrica), Patrick Simmons (bajo y guitarra), Klaus Voormann (guitarra, bajo acústico y bajo eléctrico), David Campbell (viola), Nick DeCaro (acordeón), Jackson Browne (voz), The Doobie Brothers (voces y coros), Victor Feldman (percusión y marimba), Bob Glaub (bajo), Kenny Gradney (bajo y guitarra), Robert Greenidge (batería), John Hartman (batería y percusión), Richard Hayward (batería y voz), Milt Holland (percusión y conga), Dr. Rick Jaeger (batería y voz), Kirby Johnson (voz y arreglos), Tom Johnston (guitarra), Mark T. Jordan (piano), Jim Keltner (batería), Keith Knudsen (batería), Leah Kunkel (voz), Ellen Kearny (voz), Andrew Love (saxofón), Novi Novag (viola), Bill Paine (teclados), Van Dyke Parks (piano, acordeón, marimba y arreglos), Michael McDonald (piano y voz), Tiran Porter (bajo), Linda Ronstadt (voz), Bud Shank (violín y flauta), Lucy Simon (voz), Fred Tackett (mandolina, cello y mandocello), Alex Taylor (voz) y Libby Titus (voz)

Otras portadas: Carly Simon (1971), Anticipation (1971), No Secrets (1972), Hot Cakes (1974), Playin Possum (1975), Boys In The Trees (1978), Come Upstair (1980), Torch (1981) y Geatest Hits Live (1988).

“Jo, la donya i el gripau” (Edigsa). Descendiente de uno de los mejores poetas de lengua catalana del siglo XX, Pau Riba utiliza la música como forma de expresión, aunque no desdeñe otros medios de comunicación. Tras la inevitable etapa de gregarismo estético y ético en el denominado Grup de Folk, el joven Pau en seguida se convirtió en uno de los cantantes más innovadores de Cataluña por sus propuestas transgresoras, heterodoxas, contraculturales y rebeldes. Sin renunciar al idioma catalán como vehículo de transmisión de sus composiciones, Pau en el fondo iba más allá del nacionalismo de otros artistas de su generación. Sus canciones emparentaban más con el folk y el rock anglosajones. En octubre de 1971 grababa al aire libre en su casa de la isla de Formentera, entonces refugio de bohemios y jipis, “Jo, la donya i el gripau, un disco dedicado al nacimiento del primer hijo del cantante, quien demuestra su receptividad hacia ritmos propios (canción popular catalana) y el folk anglosajón (Incredible String Band, el primer Dylan…). También se aprecia el interés en ampliar la búsqueda de nuevas sonoridades mediante la utilización de instrumentos en aquellos tiempos exóticos (kalimba, guitarra afgana, guimbarda y ocarina). Las 13 piezas del elepé también están aderezadas con los sonidos naturales captados por la grabadora en el entorno donde se llevó a cabo la actuación. En la portada del disco intervino también Pau como diseñador y dibujante.

Canciones: “La lluna, la pruna”, “Mesquinet”, “La maramua”, “Mel”, “Mama nen”, “L’avioloncel”, “Donya mixeres”, “Jo, la donya i el gripau”, “La vella del fons del pou”, “Ora Catalina”, “La dansa de la terra”, “llagrimes i petons” y “La lluna, la pruna”.

Músicos: Pau Riba (guitarra, ocarina, guimbarda y ukelele), Jordi Soler (guitarra, violoncello y kalimba), Marti Soler (guitarra, guitarra afgana y kalimba), Mario Pacheco (bongos y maracas) y Xavier Riba (violin).

Otras portadas: Dioptria I (1970), Dioptria II (1971), Electroàcid alquimístic xoc (1975), Licors (1977), Amarga crisis (1981) Trangnarcís (1986).