Hall Ot The Mountain Grill (EMI) 1974
Hawkwind
Portada: ilustración de Barney Bubbles


Hawkwind se constituyó como grupo musical a principios de la década de 1970 bajo la influencia de la psicodelia, las filosofías orientales y el cooperativismo, para ir evolucionando hacia un rock progresivo con ínfulas literarias (Mike Moorcock es uno de los escritores que colaboran con la banda britáica) expresadas en las puestas en escena de las canciones mediante juegos de luces, efectos especiales e incluso la presencia de una bailarina sobre el escenario, llamada Stacia, cuyo nombre aparece en los créditos de este álbum. Como buenos músicos de su tiempo, estoy hablando de la primera mitad de los setenta, los integrantes de Hawkwind recargan sus canciones con sonidos de los últimos adelantos de la electrónica aplicados al rock. Fundamentalmente son teclados como sintetizador y melotrón que semejan en algunos pasajes al denostado rock sinfónico, aunque inspirado en la ciencia ficción, pero también aparecen guitarras eléctricas que se aproximan al heavy, saxo tipo free, flauta, oboe y kalimba, lo cual da una idea de cómo una banda del circulo underground consigue llegar a las listas de éxitos de la música pop. En esa línea roquera, algo espacial, están The Psychedeic Warlords, Web Weaver, You’d Better Believe It, Lost Johnny y Paradox. En cuanto al sonido espacial, hay que resaltar Wind Of Change, D-Rider y la pieza que da título al elepé.


Canciones: The Pyschedelic Warlords (Disappear In Smoke). Wind Of Change. D-Rider. Web Weaver. You’d Better Relieve It. Hall Of The Mountain Grill. Lost Johnny. Goat Willow. Paradox.

Músicos: Dave Brock (guitarra, guitarra de 12 cuerdas, sintetizador, órano y voz), Lemmy (bajo, guitarra y voz), Simon House (teclados, melotrón y violín), Del Dettmar (teclados, sintetizador y kalimba) y Simon King (batería y percusión).

Más portadas: Hawkwind (1970), In Sarch Of Space (1971), The Space Ritual Alive Alive in Liverpool And London (1973), Warrior Of The Edge Time (1975), Quark, Strangeness And Charm (1977), PXR5 (1979), Levitation (1980), Sonic Attack (1981), Choose Your Masques (1982), The Chronicle Of The Black Sword (1985), Live Cronicles (1986), The Xenon Codex (1988), Space Bandits (1990), Alien 4 (1995), Love In Space (1996), Distant Horizonts (1997), Yule Ritual (2001).

Apunte: Hawkwind grabó en 2006 el disco titulado Take Me Your Future, en el que partiparon Robert Calvert (voz), Dave Brock (guitarra, teclados y voz), Alan Davey (bajo y voz), Richard Chadwick (batería), Simon House (violín) y Arthur Brown (voz).

Bombs Away Dream Babies (BSO Records) 1979
John Stewart
Portada: Herbert W. Worthington III. Logo de Jack Upston

John Stewart (1939-2008) comenzó su periplo musical en el movimiento folk de comienzos de los sesenta, época en que militó en The Kingston Trio, para continuar una fructífera carrera en solitario que además le sirvió para componer para otros artistas como Joan Baez, The Monkees, Ann Murray, Roseanne Cash y Nancy Griffith. En 1979 se ponía a la venta el álbum Bombs Away Dream Babies, en el que colaboraron Lindsay Buckingham y Steve Nicks, de los triunfantes Fleetwood Mac de la etapa de Rumours, que contagian con su estilo pop a un Stewart en proceso de cambio. Stewart conseguirá un importante éxito de público con la canción Gold, aunque en el álbum se encuentran también muestras del talento del músico, cantante y compositor californiano. No hay que olvidarse de Lost Her In The Sun, Midnight Wind, Over The Hill y Hand You Heart To The Wind para encontrarse con un compositor de limpio registro e incisiva letra, que ha ofrecido canciones propias de fuerte pegada, pero con claras influencias de la música norteamericana con raíces.

Canciones: Gold Stewart. Lost Her In the Sun. Runaway Fool Of Love. Somewhere Down The Line. Midnight Wind. Over The Hill. The Spinnin’ Of The World. Comin’ Out Of Nowhere. Heart of the Dream. Hand Your Heart To The Wind.

Músicos: John Stewart (guitarras acústicas y eléctricas, dulcimer y voz), Lindsey Buckingham (guitarras acústicas y eléctricas y voz), Joel Carhone (teclados), Wayne Hunt (guitarra acústica de 12 cuerdas y teclados), Michael Botts (batería), Russ Kunkel (batería), Gary Weisberg (batería), Richard Shlosser (batería), Steve Nicks (voz), Mary Torrey (voz), Chris Welam (voz), Buffy Font Stewart (voz), Christine DeLisle (voz), Mary Kay Place (voz), Joel Harris (voz), Croxey Adams (voz), Dave Guard (voz), Deborah Trompkins (voz) y Catherine Guard (voz).

Más portadas: Signals Through the Glass (1968) California Bloodlines (1969), Willard (1970, Lonesome Picker Rides Again (1971), Sunstorm (Warner, 1972 Cannons in the Rain (1973 Wingless Angels (1975), and Fire in the Rain (1977), Dream Babies Go Hollywood ( 1980), Blondes (1982), Trancas (1984), Centennial (1985), reissued as American Sketches (1990),:Punch the Big Guy (1987), Bullets in the Hourglass (1992), Theresa and the Lost Songs (, 1992), Savannah (1992), Rocket Roy in the Real World (1993), Last Campaign (1996) , Rough Sketches (1996), John Stewart & Darwin's Army (1999), Wires From the Bunka (2000), Havana (2003) y Revenge (2006).

Apunte: John Stewart murió el 18 de enero de 2008 en su San Diego natal a los 68 años de edad, tras sufrir un derrame cerebral.

Atlantic Crossing (Warner Bros) 1975
Rod Stewart
Portada: John Kosh


Rod Stewart (Londres, 1945) conoció el éxito durante la década de 1970 tanto a nivel individual como con el grupo The Faces, pero a partir del disco Atlantic Crossing, grabado en Estados Unidos, el cantante británico reorientará definitivamente su carrera como solista. En compañía de reputados músicos de estudio, principalmente de Estados Unidos, Rod grabó en Los Ángeles, Nueva York, Memphis y Miami su sexto álbum con piezas propias, las más roqueras, y ajenas en la cara lenta del elepé. El disco alcanzó también el puesto número 1 en las listas de éxitos, como ocurrió con buena parte de los grabados por Stewart en los años setenta. Atlantic Crossing incluye una versión de Sailing de The Southerland Brothers, que vendería mucho más que el original. La evidente comercialidad del álbum no le quita calidad al resto de las canciones que, en el caso de las cañeras, representan el rock inglés de mediados de los setenta difundido por The Rolling Stones y Faces, al que se añade toques de reggae en algunos casos, pues este estilo comenzaba a conocerse fuera de los ámbitos especializados. Country-rock, soul y pop rock son otros ritmos en los que se apoyan excelentes versiones de I Don’t Want To Talk About It, This Old Heart Of Mine y Still Love You, esta última balada compuesta por Rod.

Canciones: Three Time Loser. Alright For An Tour. All In The Name Of Rock & Roll. Drift Away. Stone Cold Sober. I Don't Want To Talk About It. I’'s Not The Spotlight. This Old Heart of Mine. Still Love You. Sailing.

Músicos: Rod Stewart (voz), Pete Carr (guitarra), Jesse Ed Davis (guitarra), Steve Cropper (guitarra), Fred Tackett (guitarra), Jimmy Johnson, (guitarra), Barry Beckett (teclados), Albhy Galuten (teclados), Donald Duck Dun ( bajo), Lee Sklar (bajo), Bob Glaub (bajo), David Hood (bajo), David Lindley (mandolina y violín), Al Jackson (batería), Roger Hawkins (batería) Nigel Olsson (batería), Willie Correa (batería), The Memphis Horns (trompeta, trombón y saxofón) , Cindy & Bob Singers, The Pets & The Clappers(coros) y Arif Mardin y James Mitchell (arreglos de cuerda).

Más portadas: An Old Raincot Won’t Ever Let You Down (1970), Gasolina Alley (1970), Every Picture Tells A Story (1971), Never A Dull Moment (1972), Sing It Again, Rod (1973), Smiler (1974), A Night On The Town (1976), Foot Loose & Nancy Free (1977), Blondes Have More Fun (1978), Foolish Behaviour (1980) y Tonight I’m Tours (1981) y Out Of Order (1988).

Apunte: Rod Stewart es otra de las estrellas del pop que se mantiene en el candelero desde la década de los sesenta. El inglés continúa grabando discos que le convierten en favorito de un determinado público adulto, contemporáneo del artista. Su otra faceta consiste en actuaciones en directo en las que desarrolla su amplio repertorio. En marzo de este año cantará en Guadalajara y Méjico DF.

El rastro (2)

 Los Bravos

Columbia

1967

• Simpathy
• Show Me
• I'M All Ears
• I'M Wearing A Smile

Cantar y callar (Edigsa) 1974
Labordeta
Portada: José Luis Lasale

José Antonio Labordeta (Zaragoza, 1935) reúne en torno a su persona, más allá de tópicos sobre cantautores comprometidos, rasgos de universalidad que dan forma a la tradición del pueblo para devolverla a la pureza desnuda y alejarla de esquematismos y caricaturas interesados. Dentro de su faceta versátil, en la que tienen cabida docencia, literatura, comunicación y política, Labordeta es uno de los cantantes más representativos e interesantes de Aragón, que en la primera mitad de los setenta, casi con cuarenta años de vida, estrenaba larga duración con el título Cantar y callar, que en la carpeta la conjunción que separaba los verbos aparecí como i, quizá influyese que el sello discográfico encargado de la grabación era catalán. Austero, sin más acompañamiento que la guitarra, Labordeta desgrana crónicas ásperas que describen la dureza de una tierra olvidada, donde hasta los fenómenos atmosféricos tienen un componente de amenaza: nieve, lluvia, pedrisco, hielo, cierzo, sol, que caen sobre la gente que está en la siembra, la siega o la recogida de la oliva, tareas que no ahuyentan el hambre, el polvo, pero que empujan a los más jóvenes a la búsqueda de horizontes más halagüeños. En fin un mundo no tan lejano en el tiempo que aparece con su inevitable contundencia en canciones como Aragón, Los masoveros, Los leñeros, El poeta, La vieja, Por el camino de polvo o Dónde se van.

Canciones: Aragón. Todos repiten lo mismo. Los masoveros. Yo soy igual. Los leñeros. Palabras. Las arcillas. El poeta. Cuando se agosta el campo. La vieja. Por el camino del polvo. Dónde se van. Canción para una larga despedida.

Músicos: José Antonio Labordeta (guitarra y voz).

Más portadas: Tiempo de espera (1975), Cantes de la tierra adentro (1976), Labordeta en directo (1977), Que no amanece por nada (1978), Cantata para un país (1980), Las cuatro estaciones (1982), Aguantando el temporal (1983), Qué queda de ti, qué queda de mí (1984), Qué vamos a hacer (1987), Trilce (1989), Canciones de amor (1993), Recuento (1995) y Paisajes (1997).

Apunte: José Antonio Labordeta ha representado a Zaragoza durante dos legislaturas (2000-2008) dentro de la Chunta Arogenesista en el Congreso de los Diputados. También su faceta de comunicador protagonizó el programa Un país en la mochila, en TVE.

4x10

1968

 
Undead (DERAM) 1968
Ten Years After
Portada: Fotografía de John Fowley

Ten Years After se grabó en el club de jazz Klooks Keek de West Hampsrtead (Londres) su segunda disco grande, principalmente con composiciones propias de los integrantes del cuarteto y un par de versiones en clave de boggie y blues. Habitual en los circuitos de blues, la banda liderada por Alvin Lee se convirtió enseguida en una de los combos preferidos de los roqueros británicos de la segunda mitad de los sesenta. El segundo álbum incluye una de las canciones emblemáticas de la banda y titulada I’m Goin On, compuesta por Alvin Lee, que sería una de las piezas más aplaudidas en el macrofestival de Woodstock (1969), lugar que sirvió al conjunto para consagrarse a nivel internacional, sobre todo tras el estreno de la película sobre dicho evento. Ten Years After destacó desde el primer momento por un estilo compenetrado, directo y a veces duro, al que contribuyeron la destreza del guitarrista y la contundencia de la sección rítmica. En España salió en un disco doble que también recogía el primer disco homónimo del cuarteto, bajo el título Now.

Canciones: I May Be Wrong, But I Won’t Be Wrong Always. At The Woodchoppers’ Ball. Spider In My Web. Summertime. Into Shantung Cabbage. I’M Going Home.

Músicos: Alvin Lee (guitarra y voz), Chick Churchill (teclados), Leo Lyons (bajo) y Ric Lee (batería).

Más portadas: Ten Years After (1967), Stonedhenge (1969), Ssssh (1969), Cricklewood Green (1970), Watt (1970), A Space In Time (1971), Rock & Roll Music To The World (1972), Recorded Live (1973), Positive Vibrations (1974) y About Time (1989).

Apunte: Ten Years After continúa actuando en directo con tres de sus miembros originales –no está el guitarrista Alvin Lee- y el cantante y guitarrista Joe Gooch. El próximo mes de febrero el cuarteto estará tocando en ciudades de Bélgica, Alemania, Polonia, Austria y Suiza.

Dream Of You (EmArcy) 1956
Helen Merrill
Portada: Jazz Record Center NYC


Helen Merrill (New York, 1930) representa a las grandes voces femeninas del jazz que fueron conocidas a nivel discográfico a partir de la década de 1950 en plena expansión del bop, al que también aportaron su profesionalidad y una formación por encima de la generación anterior de cantantes de dicho estilo. Helen Merrill presentaba en los comienzos sus primeras grabaciones recogidas bajo el título de Dream Of You, donde aparece uno de los músicos que estuvo unido artísticamente a la cantante de origen croata, el compositor, arreglista y pianista Gil Evans, a quien acompañan otros conocidos como Hank Jones, Art Farmer o Johnny Richardson. Helen despliega en sus primeras grabaciones las características que la llevaron a ser conocida internacionalmente. Así de un variado repertorio, en el que entran diversos estilos y compositores, la vocalista saca el máximo partido a la sensibilidad y reconvierte en notas intimistas lo que antes parecía extroversión. Lo demuestra en las interpretaciones de By Myself, Any Place I Hang My Hat Is Home, A New Town Is A Blue Town, Where Flaimgos Fly o I’m Just A Lucky So And So.
Canciones: People Will Say We’ re In Love. By Myself. Anyplace I Hang My Hat Is Home. I’ ve Never Seen. He Was Too Good To Me. A New Town Is A Blue Town. You’ re Luck To Me. Where Flamingos Fly. Dream Of You. I’ m A Fol. To Want You. I’ m Just A Lucky So And So. Troubled Waters.
Músicos: Helen Merrill (voz), Hank Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Oscar Pettiford (bajo), Joe Morello (batería), Gil Evans (arreglos y dirección), Art Farmer (trompeta), Joe Bennett (trombón), Jim Cleveland (trombón), John LaPorta (saxo alto y clarinete), Jerome Richardson (flauta., saxo tenor y saxo alto), Danny Bank (saxo barítono), Louis Mucci (trompeta), Janet Putnam (arpa) y Johnny Richards (dirección y arreglos).

Más portadas: Helen Merrill (1954), With Strings (1955), Merrill At Midnight (1957), The Neamess Of You (1958), You’ve Got A Date With The Blues (1959), Helen Merrill/Dick Katz The Feeling Is Mutual (1965), Autum Love (1967), Helen Sings/Teddy Swings (1970), Sposin’ With Gaary Peacock Trio (1971), Helen Merrill*John Lewis (1976), Love In Song (1977), Imagination (1982), Cole Porter Album (1986), Gil Evans Colaboration (1987), Helen Merrill With Stan Getz Just Friends (1989), Clear Out Of This World (1991), Brownie (1999) y Lilac Wine (2004).

Apunte: La edición en CD de Dream Of You, de 1992, incluye cuatro canciones más Alone Togheter, Glad To Be Unhappy, This Is My Night To Cry y How’s The World Treating You?. En los casos de la primera y cuarta hay también sendas tomas alternativas.

Lisboa (EMI) 1992
Madredeus
Portada: diseño de Antonio de Campos Rosado

Madredeus es uno de los grupos más representativos de la música actual portuguesa que trasciende más allá de las fronteras del país ibérico, y en el que confluyen profesionalidad y lirismo, así como un gusto exquisito a la hora de elegir repertorio para sus álbumes. Desde su formación en el año 1985, esta agrupación acertó al crear un estilo que no continuaba de lleno en los esquemas de la modernidad (pop) ni de la tradición (fado), a pesar de que sus integrantes contaban con un amplio bagaje en los referidos apartados musicales. A los seis años de su constitución como grupo, el 30 de abril de 1991 Madredeus graba un doble en directo en el Coliseo dos Recreios de la capital portuguesa, álbum que llevará el escueto pero sugestivo título de Lisboa. Los músicos del grupo demuestran su pericia tanto en los instrumentales (cuatro) como en el resto de las canciones, en las que también sobresale la voz de Teresa Salgueiro, quien produce admiración en toda Europa convirtiendo al grupo en el principal referente de la música portuguesa. A esta fama contribuyen actuaciones en vivo como la recogida en esta grabación donde, entre otras, destacan A cidadde, O pomar das laranjeiras, O pastor, A manhá, Solsticio, A estrada do monte, A confissao o Fado do Mindelo.

Canciones: Disco 1: Matinal. A cidade. A península. Cuidado. O ladrao. O pomar das laranjeiras. Mudar de vida. Canto de embalar. O navio. O pastor. As ilhas dos Açores. A vontade de mudar. Disco 2.A cantiga do campo. A manhá. A sombra. Solsticio. A estrada do monte. A vaca de fogo. A confessáo. As montanhas. O menino. Fado do Mindelo. O pastor.

Músicos: Francico Ribeiro (vilonchelo), Gabriel Gomes (acordeón), Pedro Ayres Magalhaes (guitarra acústica), Rodrigo Leado (teclados), Carlos Paredes (guitarra portuguesa), Luisa Amaro (guitarra acústica) y Teresa Salgado (voz).

Más portadas: Os dias da Madredeus (1987), Existir (1990), O espíritu da paz (1994), Ainda (1995), O paraíso (1997), O porto (1998), Momento (2001), Electronico (2002), Um amor infinito (2004) y Faluas do Tejo (2005).

Apunte: Después de un año de descanso (2007), la continuidad de Madredeus peligra al anunciarse la salida del grupo de la cantante Teresa Salgueiro. Los propios músicos reconocen que es difícil pensar en retornar sin la presencia de la voz emblemática del grupo portugués.

25 años de Flor de Pasión (Subterfuge) 2004
Varios
Portada: diseño e ilustración de Mario Feal

Juan de Pablos no es el nombre de un personaje de una novela de Quevedo, sino de un afortunado locutor de radio que ha resistido cual numantino ante el avance arrollador de radiofórmulas, internet y otras amenazas de la globalización insaciable. No es extraño entonces que con motivo cinco lustros de su programa Flor de pasión, se editase un recopilatorio con 26 canciones de diferentes décadas y estilos, seleccionadas por el conductor del citado programa radiofónico. Norteamericanos, ingleses, franceses, italianos y españoles son los protagonistas del disco en el que aparecen algunas de las mejores canciones pop de la década de 1960, pero también piezas de nuevos grupos que cantan en castellano, muy al estilo de los programas de Luis de Pablos, a quien siempre se le suele agradecer que encuentre una canción que llegue al corazón de los oyentes. Esa es la magia de su programa, al cual le deseo por lo menos otros 25 años más en las ondas. De paso reproduzco su saludo: Forza salutti a tutti. Bacioni auguri a boca di lupo. Arrivederci a presto pino!

Canciones: Attends ou va-t’en. Bus stop.No milk today. Of strengh. It will stand. Cherised memories. Where have you been. Amor amargo. Y…Y …Parole parole. Come sinfonía. Il malato del cuore. Atlantix. Ça me fair rire. The taste of a girl. Esa chispa. Et si je m’en vait avant toi. El futuro. Coplas del iconoclasta enamorado. Sólo pienso en ti. Walk away Renée. Radio star. Saison des pluies. El hospital. Espera o vete.

Músicos y cantantes: Paul Mauriat. The Hollies. Herman’s Hermits. Beach Boys. Gene McDaniels. The Showman. Eddie Crochran. Gene Vincent. Bruno Lomas. Gelu. Mina y Alberto Lupo. Pino Donaggio. Fabricio de André. The Shadows. France Gall. White Town. Los Fresones Rebeldes. Françoise Ardí. Kiki D’Aki. Vainica Doble. Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán. Left Banke. Niza. Gainsbourg. Alaska y los Pegamoides. La monja enana.

Más portadas: B.S.O. de American Graffiti (1973) y : B.S.O. de FM (1978).

Apunte: Flor de Pasión es un programa dirigido y presentado por Juan de Pablos, de lunes a viernes y de 01.00 a 02.00 horas CET en RNE - Radio 3.

October (Island ) 1972
Claire Hamill
Portada: diseño de Chris Churchill Associates

Claire Hamill graba en 1972 su segundo disco, October, 11 canciones que en el año de su difusión no entran en los diferentes estilos que triunfaban entonces, pues la cantante y compositora parece más relacionada con el folk rock progresivo que con el coyuntural pop de comienzos de los setenta. Bajo la producción del yarbird Paul Samwell-Smith, y la compañía de conocidos músicos, principalmente ingleses, aunque también aparece el reputado guitarrista norteamericano Wayne Perkins, Claire desarrolla un álbum intimista, en especial cuando toca el piano, pero también alegre (Speedbreaker), con claro aprovechamiento de su voz polifónica. I Don’ t Get Any Older, Please Stay Tonight, Warrior Of The Water o Peaceful son algunas de las piezas representativas de ese sonido cargado de lirismo y sentimiento que convierte a Claire Hamill, una década antes, en adelantada de la new age menos pretenciosa.

Canciones: Island. Speedbreaker. Sidney Gorgeous. To The Stars. I Don’t Get Any Older. Crying Under The Bedclothes. Please Stay Tonight. Warrior Of The Water. Peaceful. Wall To Wall Carpeting . The Artist.

Músicos: Claire Hamill (guitarra, piano y voz), Wayne Perkins (guitarras y voz), Jean Roussel (pian), Tim Smith (guitarra y voz), Steve Smith (teclados y voz), Chris Lawrence (bajo) Alan White (batería y percusión), Gerry Conway (batería), Henry Spinetti (congas) y Pat Donaldson (bajo).

Más portadas: One House Left Standing (1971), Stage Door Johnnies (1974), Abracadabra (1975), Touch Paper (1984), Voices (1986) y Love in the Afternoon (1988).

Apunte: La edición en CD de October (Blueprint), en 2003, incluye una canción extra, la roquera Baby What’s Wrong, en una onda musical diferente a las restantes piezas del disco.

Teenage Head (Buddha Records) 1971The Flamin GrooviesPortada: fotografía de Meter Hujar

The Flamin Groovies representan, principalmente en sus comienzos, a los grupos que supieron salvaguardar el rock primario en momentos de cambios hacia estilos más sofisticados en teoría, psicodelia y derivados por ejemplo, lo cual contribuyó a que la banda originaria de San Francisco figurase en el listado de formaciones de culto, incluso en décadas posteriores (décadas 80 y 90 del siglo pasado). En Teenage Head se nota influencias de The Rolling Stones, entonces en uno de sus mejores momentos discográficos (Sticky Fingers), pero también del rock and roll de los años cincuenta y el blues clásico, por ejemplo Evil Hearted Ada y 32-20, respectivamente. Los groovies también se atreven con una versión de Randy Newman, del que extraen su mejor veta roquera aderezada, como todas las demás, con el estilo garajero que tantos beneficios dio al grupo tanto a nivel de público como de crítica.

Canciones: High Flyn’ Baby. City Lights. Have You Seen My Baby’. Yesterday’s Numbers. Teenage Head. 32-20. Evil Hearted Ada. Doctor Boggie. Whisky Woman.

Músicos: Cyril Jordan (guitarra y voz), Roy Loney (guitarras y voz), Tim Lynch (guitarra, armónica y voz), George Alexander (bajo y percusión) y Danny Mihm (batería y percusión)


Más portadas: Supernazz (1968), Flamingo (1970), Sake Some Action (1976), The Flamin’ Groovies Now (1978), Jumpin’ In The Night (1979), Buckteful Of Briñas (1983) y Groovies’ Greatest Grooves (1989).


Apunte: Teenage Head salió en formato compacto en 1999 con siete canciones más (bonus traces) que el original en vinilo. Las composiciones recuperadas son clásicos del rock and roll, r&b y soul: Shakin’ Ill Over, That’ ll Be The Day, Louis Louis, Walkin The Dog, Scratch My Back y Carol, así como Goint Out Theme, de los groovies Money-Jordan-Alexander-Lynch-Mihn).

Matto Congrio (Lyricon) 1993
Matto Congrio
Portada: Fino Lorenzo

Matto Congrio constituyó en su momento, durante la primera mitad de la década de 1990, una de las formaciones emparentada con el folk con más posibilidades de aportar nuevos aires a un estilo en retroceso frente a otros movimientos musicales. Una plantel de músicos jóvenes, con calidad en la interpretación y gusto en la composición, enseguida caló hondo en los aficionados de Galicia que vieron a dicha banda como el relevo de las que surgieron a finales de los setenta. Sin embargo, Mattio Congrio no llegó a grabar un segundo y esperado disco. Sin embargo, la mayoría de las piezas de su estreno discográfico permanecen frescas con el paso del tiempo, en parte porque están marcadas por otros estilos como el rock, reggae, ritmos latinos y brasileños, aunque también se agradece la presencia de instrumentistas irlandeses –Paddy Molonney-, en algo se tenía que notar el hecho de que parte del disco se grabase en Dublín, principal centro productor de la denominada música celta.

Canciones: Muiñeira de Inzenga. Camiño de Santiago. Gaseadas formas globulares. Reel “en su salsa”. Marr Molloy’s. Canto de seitura. Polea de Vilagarcía. Crisol de insectos imposibles. Musica for a found harmonium. Ladies & Jamesons. Café Dublín.

Músicos: Santiago Cribeiro (acordeón, piano y teclados), Anxo Lois Pintos (violín, gaita y saxo soprano), Diego Bouzón (guitarras española y eléctrica),Isaac Palacín (batería y percusiones), Pancho Álvarez (bajo, mandolina, guitarra acústica, guitarra eléctrica, violín y coros) y Carlos Núñez (gaita y flauta de pico). Paddy Molonney (uilleann pipes), Maire Ni Cbaoimb (violín) y Marlos Legazpi (bajo).

Más portadas: Berrogüetto-Navicularia (1996), Viaxe por Urticaria (1999), Hepta (2001) y 10.0 (2006). Pancho Álvarez- Florencio, o cego de Vilares (1998) y Nas cordas (2001). Carlos Núñez-A irmandade das estelas (1996), Os amores libres (1999), Mayo longo (2000), Todos os mundos (2002), Almas de Fisterra (2003) y Cinema do mar (2007).

Apunte: Tras la disolución de Matto Congrio, varios de sus miembros formaron la banda Berrogüeto y otros se dedicaron a desarrollar sus carreras como solistas.

El rastro (1)

Los Mustang
La voz de su amo-EMI
1966

• El submarino amarillo
• El gran Flamingo
• Verano en la ciudad
• El ritmo del silencio

Terra Inhabitada (White Cloud) 1993
David Anthony Clark
Portada: fotografía de Brian Enting


David Anthony Clark (Dunedin-Nueva Zelanda, 1955) es un infatigable viajero que en sus periplos por distintos continentes aprovecha para investigar sobre la música de los pobladores de los lugares en los que recala. Su primer disco, Terra Inhabitada, está dedicado a su lugar de origen pero desde un punto de vista evocador de cuando la Tierra todavía no estaba habitada por los humanos. David aprovecha la instrumentación moderna, sobre todo sintetizadores, para combinarla con flautas maorís con el objetivo de darle al sonido de sus piezas un aire autóctono, lo cual consigue además de propiciar un ambiente relajado y misterioso. Las composiciones recogen asimismo ruidos y sonidos de animales que contribuyen a que el disco adquiera también una sugerente belleza de mundos imaginados, pero que no han pasado desapercibidos para personas sensibles como David Antony Clark, quien en este caso pone banda sonora al periodo en el que la actual Nueva Zelanda era una sola isla.

Canciones: Gondwana’s Ark. Primordial Tide. Flight Of The Giant Tagle. Moa Swamp. Boling Herat. Glacial Retreat. Avalanche Of Snow. Regeneration.

Músicos: David Anthony Clark (teclados). Hirini Melbourne, Koauau, y Putatara (flauta e instrumentos maorís y del Sur del Pacífico).

Más portadas: Australia Beyond The Dream Time (1995), Befote Africa (1996), The Leaving Of Ireland (1998), The Man Who Painted Caves (1999), Sacred Sites (2004) y Shaman Dancing (2006).

Apunte: David Antony ofrece en Selección Natural (Resistencia, 2005) una antología de las mejores piezas incluidas en sus discos, en los que el músico y compositor neozelandés siempre tiene un lugar para demostrar su amor por la naturaleza, costumbres y diferentes geografías.

4x10

1968


We' re Only In It For The Money (Verve) 1968

The Mothers Of Invention

Portada: Cal Schenkel

Frank Zappa (1940-1993) era líder de The Mothers Of Invention, una de las bandas más freaks de la escena californiana, cuando se propuso parodiar el disco por excelencia de la música pop de entonces, nada más y nada menos que el Sgt. Peeper’s Hearts Club Band, de The Beatles. El guitarrista y compositor no dudó en utilizar todos los elementos representativos del citado vinilo, pero pasados de rosca, desde el título a la última composición de We’re Only In For The Money. Así en la portada, obra de Cal Schenkel, se puede comprobar la irreverencia de los miembros de la banda californiana vestidos de mujeres con ropas de rastrillo, mientras que las fotografías de los personajes acompañantes incluyen a Jimi Hendrix, Lee Oswald, el presidente Lyndon B, Jonhson, Galileo, Nosferatu, la estatua de la libertad, entre otros, que se colocan detrás de los vegetales y las frutas que dibujan el nombre del grupo. En cuanto a lo musical, Frank Zappa se adentra en un sonido no muy diferente a la del mencionado larga duración de los de Liverpool, aunque los textos van más allá de la presunta inocencia del jipismo de los sesenta. Zappa arremete contra la familia, la política, los lemas coyunturales, las modas y la juventud pasiva, mediante letras a menudo de contenido social envueltas en fondos sonoros en ocasiones inclasificables que contribuyeron a que el disco no pasara desapercibido par,a la crítica. Algunas piezas, Who Needs The Peace Coorps?, Concentration Moon, Mom & Dad, Absolutely Free, Flower Punk o Mother People, justo las más asequibles al oído, son las que mejor aguantan el inexorable paso del tiempo, además de gustar incluso, parodias incluidas, a los que disfrutaban de los restos del summer of love, quienes acogían con de buen grado la carga social y la crítica al sistema lanzadas y cantadas por Frank Zappa y sus madres del invento.


Canciones: Are You Hung Up?. Who Needs the Peace Corps?. Concentration Moon. Mom and Dad. Telephone Conversation. Bow Tie Daddy. Harry, You’re a Beast. What’s the Ugliest Part of Your Body?. Absolutely Free. Flower Punk. Hot Poop. Nasal Retentive Calliope Music. Let’s Make the Water Turn Black. The Idiot Bastard Son. Lonely Little Girl. Take Your Clothes Off When You Dance. What’s The Ugliest Part Of Your Body?. Mother People. The Chrome Plated Megaphone of Destiny.


Músicos: Frank Zappa (guitarra, piano y voz), Ian Underwood (piano, teclados y woodwind), Roy Estrada (bajo y voz), Euclid James “Motorhead” Sherwood (saxos barítono, soprano y voz), Billy Mundi (batería y voz), Don Preston (teclados), Jimmy Carl Black (trompeta, batería y voz), Dick Barber (voz), Bunk Gardner (woodwind), Suzy Creamcheese (voz por teléfono) y Pamela Zarubica (voz). Otros protagonistas y colaboradores, Gary Kellgren, Dick Kunc, Eric Clapton, Sid Sharpe y Spider.


Más portadas: Freak Out (1966), Lumpy Gravy (1967), Cruisin’ With The Ruben & The Jets (1968), Hot Rats (1969), Chunga’s Revenge (1970), 200 Motels (1971), The Grand Wazoo (1972), Overnite Sensation (1973), Apostrophe (1974), Roxy & Elsewhere (1974), One Site Fits All (1975), Bongo Fury (1975), Zappa In New York (1978), Sheik Yerboute (1979), Joe’s Garage (1979), Shut’ Up & Play Yer Guitar (1981), Francesco Zappa (1984), Jazz From Hell (1986) y The Yellow Shark (1993).


Apunte: El elepé We’re Only In It For The Money fue recogido rematerizado con Lumpy Gravi en formato CD (1985), pero Frank Zappa en 1993 volvió a incluir el original en estéreo de Sólo estamos en esto por la pasta.

It's A Beautiful Day (Columbia) 1969
It's A Beautiful Day
Portada: Globe Propaganda

It’s A Beautiful Day forma parte de la segunda oleada de conjuntos del área de San Francisco que surgieron alrededor del enrollado 1967. Sin embargo, esta banda, que contaba con el virtuoso violinista David LaFlamme, no se adscribió totalmente al rock ácido imperante durante aquel tiempo en la Costa Oeste norteamericana, como puso de manifiesto su primer disco. Sin duda el mejor de esta singular formación cuyo atractivo estaba en la utilización de instrumentos como el violín, el cual tiene un protagonismo destacado en las composiciones del disco de presentación de It’s A Beautiful Day, pero que alcanza su momento culminante en White Bird, todo un himno de despedida de los sesenta, donde confluyen psicodelia, rock progresivo y apuntes de música clásica. Aunque hay que tener en cuenta también, en una línea parecida a la anterior, las canciones Hot Summer Day, Girl With No Eyes y Bulgaria, altamente recomendadas para los degustadores de sonidos acústicos. Pero también hay tiempo para las guitarras eléctricas en Wasted Union Blues, Bombay Calling y Time Is.

Canciones: White Bird .Hot Summer Day. Wasted Union Blues. Girl With No Eyes Bombay Calling. Bulgaria. Time Is.

Músicos: David LaFlamme (violín y voz), Linda LaFlamme (órgano, piano, celeste, harpsichord y piano eléctrico), Pattie Santos (percusión, pandereta, campanas y voz), Hal Wagenet (guitarra), Val Fuentes (batería), Mitchell Holman (bajo) y Bruce Steinberg (armónica).

Más portadas: Marrying Maiden (1970), Choice Quality, Staff (1972) y It’s A Beautiful Day…Today (1973).

Apunte: David LaFlamme fue violinista de la Utah Symphony Orchestra y miembro del grupo Dan Hicks & His Hot Licks, en sus comienzos, antes de fundar It's A Beautiful Day.

The Music Never Stopped. Roots Of The Grateful Dead (Shanachie) 1995
Varios
Portada: dibujo de Robert Crumb

Grateful Dead es uno de los grupos más influyentes de la Costa Oeste de Estados Unidos durante más de 30 años, tiempo en el que los muertos agradecidos llevaron a cabo una importante labor musical si se tienen en cuenta los cientos de actuaciones en directo con las que deleitaron a seguidores de diferentes generaciones y medio centenar de discos de distintos formatos. Nacidos en torno al ambiente del San Francisco más psicodélico y reivindicativo, los componentes de Grateful Dead, con el inolvidable gallego Jerry García (1942-1995) al frente, demostraron un exquisito gusto musical cuando tenían que echar mano de repertorio ajeno. En este disco recopilatorio se recogen algunas de las canciones que los Dead interpretaron a su manera principalmente en directo, aunque unas pocas aparecen en discos de estudio, pero en versiones originales de gentes tan dispares como Merle Haggard, Cannon´s Jug Stompers, Howlin’ Wolf, Woody Guthrie, Chuck Berry, Obray Ramsey o el mismo Bob Dylan. El variado repertorio se orienta sobre todo hacia el blues y el country, sin olvidar otros estilos relacionados con ambos, pues Grateful Dead en sus comienzos, antes de entrar de lleno en la música ácida, solía recurrir a versiones de los clásicos de la música negra y a piezas campestres, con raíces en la tradición popular, estilos que dominaban los entonces jóvenes miembros de los dead. Con el tiempo, cuando la banda se creó un estilo propio, también supo sacarle partido a esos sonidos originales, pero adaptándolos a su particular idiosincrasia como demuestran los irrepetibles Workingman's Dead y American Beauty, ambos elepés de 1970.

Canciones: Rain And Snow. Mama Traed. Iko Iko. Samson & Delilah. Big Road Blues. El Paso. It’s All Over Now, Baby Blue. Spoonful. Charlie Patton. The Red Rooster. Howlin’ Wolf. The Promised Land. Don’ t Ease Me In. Big Boss Man. Turn On Your Love Light. Morning Drew. Not Fade Away. Goin’ Down This Road Feelin’ Bad. I Bid You Good Night.

Músicos: Obray Ramsey. Merle Haggard. Dixie Cups. Rev. Gary Davis. Cannon’s Jug Stompers. Marty Robbins. Bob Dylan. Charlie Patton. Howlin’ Wolf. Check Berry. Henry Thomas. Jimmy Reed. Bobby Blue Bland. Bonnie Dobson. Buddy Holly. Woody Guthrie. The Pindar Famili w/Joseph Spence.

Más portadas: Nightfall Of Diamond –live 1989- (2001) y Rare Cuts And Oddities 1966 (2005).

Apunte: El año 2007 se puso a la venta el cd titulado Live At The Cow Palace: New Years Eve 1976, grabación en la que aparecen tocadas y cantadas en directo por Grateful Dead varias piezas de The Music Never Stopped.

Complete Recordings, orginales de 1966/1967 (2002)
Los Mockers
Portada: fotografía del primer elepé

Los Mockers fue el nombre de un quinteto originario de Montevideo (Uruguay) que muchos años después de su desaparición, a finales de la década de 1960, han sido recuperados como representante del rock original de los sesenta e influenciado por bandas británicas de aquella época: The Beatles, The Rolling Stones, The Kinsks, Animals, The Who...Quizá más orientados al primitivo rhythm and blues, tampoco descuidaron las armonías vocales de claras resonaciones poperas o la experimentación psicodélica. Sin embargo, su limitado círculo de influencia, el Mar de Plata, a pesar de contar con dos influyentes metrópolis (Buenos Aires y Montevideo), y una época de grandes grupos de la música anglosajona, no facilitaron una expansión mundial, que, por cierto llegaría, dos décadas después, sobre todo, en Europa, al ser reeditadas sus grabaciones originales. Los Mockers cantaban en inglés con sentimiento como demuestran las 20 canciones recogidas en este cd, donde además se obsequia a los seguidores del combo uruguayo con grabaciones de actuaciones en la televisión de Argentina. En un principio, ahí está tal vez el atractivo de la banda, Los Mockers sonaban más garajeros y auténticos, pero en sucesivas grabaciones demostraron que no perdieron la fuerza al ganar en calidad. En este disco recopilatorio hay abundante material para adentrarse en una de las interesentes páginas del rock and roll latinoamericano de los sesenta, de obligada reelectura para quienes gustan de esta influyente música.


Canciones: What A Life. Let Me Try Again. Don’t Go Again. Show Me The Way. Tell Me Something New. Empty Harem. My Baby. I Wanna Go. It Was Me. Girl You Won’t Succeed. Make Up Your Mind. You Got It. Can’t Be A Lie. All The Time. Sad. Every Night. Saint IT Black. Confusion. Captain Grey. Just Wanna Make Love Tou You.

Músicos: Polo Pereira (guitarra rítmica y voz solista), Jorge Fernández (guitarra solista y coros), Esteban Hirschfeld (órgano Hammond, piano y armónica), Julio Montero (bajo) y Beto Freigedo (batería y percusión).

Más portadas: Los Mockers (1966)

Apunte: Cuatro componentes de Los Mockers, el bateristra murió en 1970 en un accidente de motocicleta, tienen pensado sacar un disco con composiciones nuevas y otras viejas para comienzos de 2008. Esteban y Julio viven en España, Polo en Suiza y Jorge en Buenos Aires.

Scandal? (Satchmo Jazz Records) 2005
Joan Sanmartí
Portada: Cesc Mayor


Joan Sanmartí, guitarrista catalán, está acompañado en Scandal? por dos saxofonistas y una sección de ritmo que establecen conexiones con el jazz de siempre, el free, blues, ritmos brasileños y el estilo de Pat Metheny. De repertorio tan ecléctico hay que destacar Como la luna, Tribal Implosion, Zinc Element, Del equilibris y Margarita, composiciones meditadas en la mayoría de los casos y también abiertas a la improvisación, terreno este último en el que Sanmartí se mueve con la maestría de los instrumentistas consagrados pero siempre atentos a no estancarse. Otra de las características de este disco, grabado por el sello de Lérida Satchmo Jazz Records, es que el líder de la banda deja dialogar a los restantes músicos. Éstos interactúan junto a la guitarra para componer a veces imágenes, otras adornan ritmos alejados de la rutina que definen la personalidad rica y polivalente de los instrumentistas.

Composiciones: Como en la luna. Margarita. Tribal Implosion. De nuevo. Block (Peradedebo). Dels equilibris. De nuevo. Tibal Implosion. Zinc Element. Como en la Luna. Scandal?. Block (Peradedebo). Del equilibris. Zinc Element. Margarit. Scandal?.

Músicos:Joan Sanmarti (guitarra eléctrica, guitarras acústicas de 6 y nueve cuerdas), Jesús Reina (batería), Frederic Carlquist (saxos tenor y alto), Curro Galvez (bajo) y Víctor de Diego (saxos tenor y soprano).

Más portadas: Trío al blanco (1985), Me lo dijo Pérez (1996),Improvisacions amb la Historia d’un soldat d’ Igor Stravinsky (2002), Otras canciones (2003), 2 in-par” 2 in-par (2005) y Qatra Portes de Fes (2007).

Apunte: Joan Sanmarti Ensemble + Percusions de Barcelona ofrecerán el próximo 8 de febrero la interpretación de Quatre Portes de Fes en L'Auditori (Barcelona). Con anterioridad, el día 1 de febrero la misma formación actuarà en el Ateneu de San Felíu de Llobregat. Los músicos son Joan Sanmarti (guitarra, y laúd barroca), Marc Miralta (vibráfono y palmas), Curro Galvez (contrabajo), Jesús Reina (batería), Gonçal Alvarez (trompeta), Robert Armengol (percusiones), Ferrán Armengol (percusiones), Ramon Torramilans (percusiones), Ignasi Vila (percusiones), Líto Iglesias (violonchelo), Oriol Saña (violín) y Vicky Romero (voz y palmas).

Texas Tango (Dro East West) 1995
Vargas Blues Band
Portada: diseño de Manuel Guio/Dro y fotografía de Javier Salas

Javier Vargas viajó a Estados Unidos para grabar en dos importantes centros de difusión del blues moderno, Austin y Memphis, aunque también alguna de las canciones de Texas Tango se registró en Madrid, pero al final todas las piezas estuvieron dedicadas al músico Stevie Ray Vaughan. El guitarrista argentino contó con la colaboración de miembros del grupo Double Trouble, entre otros, que aportan su potente pegada a la ya de por sí furiosa guitarra de Vargas Blues Band, influenciada por lo mejor del blues rock tejano (Winter, ZZ Top y el mencionado Stevie). Mas como deja claro el título del disco, las canciones no constituyen en exclusiva una fiel reproducción de blues eléctrico de calidad, porque hay un poco de todo, el mestizaje tan recurrido por Vargas, es decir mucho rock and roll, gospel, soul, boggie, jazz y melodías latinoamericanas (porteñas), así como alguna bella balada -Thinking Of You-, el cual no quita credibilidad a un trabajo hecho con la cabeza y el corazón.

Canciones: Rose On The Water. Blues Pilgrimage. Texas Tango. Love Ain’ t Got Nowhere To Go. Ride Baby Ride. Black Cat Boggie. 1969. Ridin’ High. Thinking Of You. Buenos Aires Blues. Big Boss Man. 253. Blood Shot.

Músicos: Javier Vargas (guitarras), Jeff Espinoza (voz). Austin (Tejas); Chris Layton (batería), Tommy6 Shannon (bajo), Reese Wynans (teclados). Menphis; Steve potes (batería), Dave Smith (bajo), Earnest Williamson (teclados), Larry T. Thurston (voz en Texas Tango y Ridin’ High), Preston Shannnon (voz en 253 y Bood Shot, solo de guitarra en Blood Shot), Lyn Jones (armónica), Jacquelyn Reddick (coros), Jacqueline Johnson (coros) y Sam Baco (percusión, congas y shakers). Madrid; Tino Di Gerarldo (batería), José Vera (bajo), Jorge Lema (bandoneón) y Alfonso Pérez (teclados).

Más portadas: Vargas Blues Band (1991), Madrid-Memphis (1992), Blues Latino (1994), Gipsy Boggie (1997), Madrid-Chicago (1999), Last Night (2002), Cill Latin Blues (2003), Love, Union, Peace (2005) y Lost & Found (2007).
Apunte: Vargas Blues Band actuará este mes de enero en Atarfe-Granada (18), Cotton Club de Lleida (21), El Tijuana-Cornellá (25) y Sala Mundo Caníbal de Cerdañola (26). En próximas fechas se pondrá a la venta un nuevo disco grabado en Memphis con invitados especiales.

Alén da lenda (Resistencia) 1997
Xeque Mate
Portada: diseño gráfico de Tomás Gil

Xeque Mate comienza su andadura musical durante 1994 en la ciudad de Ourense, donde al año siguiente hace su presentación oficial que sirve para confirmar a esta agrupación como una de las mejores formaciones folk de España, sobre todo a partir de la salida de su primer disco Paisaxes y presencia en el XXV Festival Intercéltico de Lorient (Bretaña-Francia). Alén da lenda sirve para que el grupo mantenga su continuidad y ocupe un lugar destacado en el ámbito de la interpretación de la música tradicional pero desde un punto de vista moderno. En este sentido, el repertorio del segundo disco recoge 14 piezas, de las cuales la mayoría pertenecen al apartado tradicional, aunque se produce también el mestizaje con otras músicas como clásica, jazz y popular de los denominados países celtas. A esta labor contribuyeron los propios miembros del grupo, de sólida formación, que crearon algunas composiciones representativas de un estilo trabajado y abierto a diversas influencias. Tanto en los tiempos lentos como en los más movidos, el quinteto resolvía con eficiencia su cometido instrumental hasta el punto de que fue aclamado fuera de Galicia, y sus actuaciones tuvieron un efecto importante a la hora de la difusión de su singular música. Sin embargo, tras Alén da lenda, Xeque Mate se disolvía para dar paso a otra importante banda gallega llamada Camerata Meiga. El paso del tiempo no hace mella a composiciones como Noites de Bretaña (Bela Bartók), Cantares do Suído, Canto de Berce, Elexía, Mateando o Alalá da Estrada.

Canciones: Redonda de Lobeira. Noites de Bretaña. Canto de Reis. Penedo dos tres Reinos. Cantares do Suido. Canto de Berce. Bailes de Maio. Cabalgata de Rivadavia. Elexía. Santa Compaña. Mateando. Polea de Andrea. Jota de Oroso. Alalá da Estrada.

Músicos: Miguel Ángel Forneiro (marimba, teclados y acordeón), Orentino Mojón (batería, percusión y guitarra española), Manuel Garrido (flauta travesera, flauta de pico, whistle y gaita), Carlos Iglesias (piano, teclados, acordeón, bajo y guitarra española y Víctor Ángel Gil (violonchelo, bajo y guitarra española). Pedro Miguel Garbajosa (clarinete), Montse López, Marián Salgado, Marta Fierro Esther Bailón, Ana Bailón y Susana Rei (pandereteiras de la Agrupación de Danzas Populares Castro Floxo).

Más portadas: Paisaxes (1995).

Apunte: El grupo Xeque Mate no tuvo continuidad, pero varios de sus miembros formaron Camerata Meiga, en cuyo currículum aparece hasta ahora una sola grabación, el disco titulado Habelas, haílas (Resistencia. 1999).

Hasta final de 2007 este blog ha recogido portadas de discos de vinilo, principalmente elepés; sólo fueron media docena de carátulas de formato compacto, pero a partir de 2008 voy a ofrecer todo tipo de formatos, con lo cual se amplía el catálogo y las posibilidades de búsqueda de música de distintos estilos.