Muswell Hillbillies (Koch-Velver) reedición 1998
The Kinks
Portada: diseño artístico y fotografía Bloomsbury Group

The Kinks grabaron a finales de 1971 en Londres uno de los mejores elepés del grupo, felizmente remasterizado en 1998 con dos canciones no incluidas en formato cedé que no aparecían en la versión vinilo. Sin ser un álbum conceptual, opción en la que tanto ha brillado Ray Davies, Muswell Hillbillies devuelve el fino olfato del mayor de los Davies para crear canciones sobre la clase obrera británica, como la que aparece retratada en la portada del disco, con humor, de forma directa, y a veces con amargura no sin antes criticar un sistema que considera decadente. Con un fondo musical, en el que no falta sonoridades de music hall, The Kinks también hacen un guiño al otro lado del Atlántico mediante un rock más americanizado, por ejemplo Oklahoma U.S.A. Hay van unas estrofas de la pieza que abre el disco, 20 th. Century Man: Esta es la edad de la maquyinaria,/Una pesadilla mecánica,/el mundo maravilloso de la tecnología./Napalm, bombas de hidrógeno, guerra biológica./Este es el siglo XX,/pero hay demasiada irritación,/Es la era de la locura./¿Qué se ha hecho de los prados verdes y plácidos de Jerusalén?/No tengo ambiciones, tan sólo estoy desilusionado,/Soy un hombre del siglo XX/Pero no quiero estar aquí./Mi mamá dice que no me puede comprender,/No puede ver mis motivos./ Dame tan sólo un poco de seguridad,/Soy un producto esquizo-aparanoico)del siglo XX./Que se guarden todos sus brillantes escritores modernos./Me quedo con William Shakespeare/. Que se guarden todos los pintores brillantes modernos./ Me quedo con Rembrandt, Ticiano, Da Vinci y Gainsborough…

Canciones: 20th Century Man. Acute Schizophrenia Paranoia Blues. Holiday. Skin And Bone. Alcohol. Complicated Life. Here Come The People In Grey. Have A Cuppa Tea. Holloway Jail. Oklahoma U.S.A.Uncle Son. Muswell Hillbilly. Mountain Woman. Kentucky Moon.

Músicos: Ray Davies (guitarras y voz), Dave Davies (guitarras y voz), John Dalton (bajo), Mick Avory (batería) y Hjon Gosting (teclados). Mike Cotton (trompeta), Alan Colmes (clarinete) y John Beecham (trombón y tuba), en 2 y 5.

Más portadas: Think Visual (1986), Come Dancing uIT The Kinks (1986), Live The Road (1987), Uk Jive (1989), Phobia (1993), The Ultimate Coillection (2002) y The Pye Album (2005).

Jazzanavour (EMI) 1998
Charles Aznavour
Portada: foto de Jacques Beneich


Charles Aznavour (Paris, 1924), cantante de origen armenio, desarrolla una larga carrera artística iniciada en su niñez como actor y continuada a comienzos de los cuarenta como cantante que ha superado modas, saltado siglos, y se ha convertido en representante de la canción francesa a nivel internacional. Vinculado a la ciudad de París, a la vida que se desarrolla con sus grandezas y miserias en la capital de la luz, Aznavour es el artista que como otros piensa que se ha de morir con las botas puestas, por lo que no es extraño que cuando a algunos los han jubilado o se jubilan, él sigue en la brecha y no duda en grabar discos de estilos a los que tenía ganas. En este sentido, Jazzanaour ya lo dice todo de esa inquietud de Charles, quien para el momento contó con la colaboración de conocidos jazzmen franceses y la cantante norteamericana Dianne Reeves. Francia es una nación muy receptiva al jazz desde los inicios de esa música, tendencia a la que se suma también Aznavour con sus interpretaciones de piezas de hondo calado como J’aime Paris Au Mois de Mai, Ce Sacre Piano, De T’avoir Aimee. Lu T’laisses Alles..., y así hasta 14 canciones que incluyen piezas estándar como Yesterday When I Was Young, traducida como Hier Encore, u otras más en la línea crítica y malhumorada que también practica el cantante francés, como Mes Emmerdes.

Canciones: J'aime Paris Au Mois De Mai. Ce Sacre Piano. De T’avoir Aimee. Tu T’laisses Aller. Mes Emmerdes. Yesterday When I Was Young (Hier Encore). Les Plaisirs Demodes. Me Voila Seul. A T’regarder. Lucie. She (Tous Les Visages De L’amour). Dormir Avec Vous Madame. Au Creux De Mon Epaule. For Me Formidable.

Músicos: Charles Aznavour (voz), Jack Terrason (piano), Rémi Vignolo (bajo), Pierre Drevet (trompetas y arreglos), Phil Abraham (trombón), Phil Sellam (saxo alto y saxo barítono), Hervé Mechinel (saxo tenor), André Veccarelli (batería), Michel Petrucciani (piano en 3 y 4), String Ensemnble Fred Sans (violons en 3), Eddy Louiss (piano y órgano), André Manoukian (arreglos, Rodes Fender y piano), Sylvain Luc (guitarra), Richard Galliano (acordeón), Dianne Reeves (voz en 1 y 6) y Nelson y Obam (coros).

Más portadas: Roche/Aznavour (1946), Sur ma vie (1955), Bravos du music-hall (1957), C’est ca (1958), Je M’voyais déjà (1960), Qui? (1963), La mamma (1963), Hier encore (1964), La boheme (1965), Entre deux rêves (1968), De T’avoir aimée (1976), Olimpia 78 (1978) y Plus Blue (1992).

Apunte: Charles Azanavour acaba de recorrer varios países latinoamericanos en los que ha estado actuando en abril y mayo.

Born In Georgia. House Of The BLues Vol. 11 (Barclay-Movieplay) 1975
Luther Johnson
Portada: Máximo Moreno

Luther Johnson (1934-1976), conocido también como Snake y Georgia Boy, es uno de los guitarristas prematuramente desaparecido y perteneciente a la generación que comenzó a destacar en la década 1950. También colaboró destacados instrumentistas, entre otros, Elmore James y Muddy Waters, durante su paso por la meca del blues moderno, Chicago. Este disco editado en el año 1975, perteneciente a la serie House Of The Blues, ofrece un repertorio de estándares de blues de la autoría de T-Bone Walker, Muddy Waters, Slim y John Lee Hooker, así como la tradicional Walking Blues, mientras que la otra mitad de las 10 canciones pertenece al propio Luther Johnson, quien atacaba igual el blues más acelerado como el de esencia rural, lo cual se puede comprobar en las composiciones de este elepé que tocó con Johnny Shines. Grabado en Suiza en el año 1972, durante una de las giras habituales de Johnson por el viejo continente, Born In Georgia constituye el legado de un malogrado bluesman que destacó por su sentimiento a la hora de interpretar, lo cual le coloca en un significativo lugar dentro de la generación de guitarristas de los años cincuenta.

Canciones: Rock My Baby. Born In Georgia. Woman Don’ t Lie. Take Enough Of Him. You Told Me You Love Me. Walking Blues. Mi Daddy Told Me. Crawlin’ King Snake. Everyday I Have The Blues. Some body Loan Me A Dime.

Músicos: Luther Johnson (guitarra y voz), Johnny Shines (guitarra en 6,7 y 8), y trío del pianista Sonny Thompson.

Más portadas: Come Home (1969), Chicken Shack (1974), Lonesome In Me Bedroom (1975) y Get Down To The Sunday Nitty Grityy (1976).

Apunte: El cedé Born In Georgia, correspondiente al año 2004, incluye cuatro piezas más que el larga duración. Entre ellas hay versiones de Muddy Waters y Jimi Reed.

Beffy Rockabilly (Charly Records) 1978
Sleepy La Beef
Portada: Gayle Allen y John Singleton

Sleepy La Beef (1935) es un roquero de la primera generación que mantiene el tiepo tocando en directo como demuestra habitualmente en sus giras europeas desde finales de los 70, cuando el rock and roll primario volvió a estar de moda. La Beef, que desde sus inicios Sun Records ha tocado y cantado miles de canciones, ofrece en este Beefy Rockabilly un recorrido por diferentes estilos, además del que da título a elepé, r&blues, country, soul y cajón, mediante reinterpretaciones de clásicos como Blue Moon Of Kentucky, Match Box, Party Doll, Baby Let’s Play House, Boom Boom Boom, Roll Over Beethoven o Money Huso, entre otros. Como se puede comprobar un variado repertorio que LaBeef ataca sin artificios y con efectividad gracias a su veteranía, entrega e ilusión, al igual que hace en sus comparecencias ante el público. Toda una institución y un superviviente de una generación de músicos norteamericanos de hace medio siglo.

Canciones: Good Rockin’ Boogie. Blue Moon of Kentucky. Send Me Some Lovin’. Corine, Corina. Matchbox. Party Doll. Baby Let’s Play House. Too Much Monkey Business. Roll Over Beethoven. You Can’t Judge A Boock By It’s Cover. Boom Boom Boom. Honey Hush. I’m Gonna Be A Wheel Someday. Polk Salad Annie.

Músicos: Sleepy La Beef (guitarra y voz), Bucky Meadows (guitarras y órgano), Cliff Parker (guitarra), Ferry Duncan (piano), Clete Chapman (batería), Lonnie Salbot (bajo), Gordon Ferry (violín) y Rufus Thibodeaux (violín).

Más portadas: The Bull’s Night Out (1974), Western Gold (1976), Beefy Rockabilly (1978), Early, Rare and Rockin’ Sides (1979), Downhome Rockabilly (1980), It Ain’t What You Eat (1981), Attack (1990), Nothin’ But The Truth (1992), Strange Things Happen (1994), The Human Jukebox (1995), I’ll Never Lay My Guitar Down (1996), A Rockin’ Decade (1997), Tomorrow Never Comes (2000) y Rockabilly Blues (2001).

Apunte: A sus 72 años de edad, Sleepy La Beef continúa realizando giras, así este año estará tocando en diferentes estados de su país de nacimiento.

El rastro (11)

PVP

Belter

1982

• Miedo
• Tacón y cuero

The Dirty Boogie (Interscope Records) 1998
The Brian Setzer Orchestra
Portada: ilustración de Richard Wentworth

Brian Setzer (1957) recurre a una banda de swing para recrear a su manera piezas ajenas bajo el sonido boogie woogie, pero también lo hace mediante canciones propias de este roquero de pro y polifacético compositor norteamericano. Con acierto, y las tablas que dan treinta años en la música, Brian realiza un honorable trabajo en The Dirty Boggie mediante lo ya dicho, la adaptación, por ejemplo, del clásico instrumental Sleepwalk, de los recordados Johnny & Santo, o el estándar Jump Jive An’ Wail, de Louis Prima, sin olvidar las piezas You´re The Boss y Nosey Joe, de los populares Lieber y Stoller, o As Long As I’m Singin’, del inolvidale Bobby Darin. Con semejante material parece imposible que brillen las composiciones de Setter, pero eso no ocurre porque incluso la remozada Rock Is Town mantiene el brío inicial de cuando fue ideada para el trío Spray Cats. Asimismo no desmerecen la melódica Hollywood Nocturne, algo así como la banda sonora de una película en blanco y negro de los años 50 -faceta que no desconoce el guitarrista, cantante y compositor-, o los guiños a Sun Records: This Cat’s On A Hot Tin Roof y The Dirty Boggie.

Canciones: This Cat’s on a Hot Tin Roof.The Dirty Boogie. This Old House. Let’s Live It Up. Sleepwalk. Jump Jive’ An Wail. You’re The Boss. Rock This Town. Since I Don’t Have You. Switchblade 327. Nosey Joe. Hollywood Nocture. As Long As I’m Singin’.

Músicos: Brian Setzer (guitarra y voz), Ray Herrmann, Tim Misica, Steve Marsh, Rick Rossi y Don Roberts (saxofones), Dan Fornero, John Fumo, Kevin Norton y Dennis Farias (trompetas), George McMullen, Michael Vlatkovich, Mark Jones y Robert Hioki (trombones). Ernie Nunez (bajo), Tony Garnier (bajo) y Bernie Dresel (batería y percusión). Steve Fowler (saxofón), George Shelby (saxofón), Bob Sandman (saxofón), Stan Walñkins (trompeta), Roger Burn (piano) y Bob Parr (bajo) en la canciòn Hollywood Nocturne. Eddie Nichols (voz), Meghan Ivey (voz) y Mark W. Winchester (bajo) en Jumpin Jive An’ Wail. Gween Stefan (cantante en You’re The Boss).

Más portadas: Live Nude Guitars (1988), Rockin’ By Myselkf (1993), The Brian Setzer Ochestra (1994), Guitar Slinger (1996), Vavoom! (2000), Boogie Woogie Chritsmas (202), Nitro Burnin’ Funny Daddy (2003), Rockcabilly Riot Vol. 1 A Tribute To Sun Records (2005), 13 (2006) yWolfgang’s Big Night Out (2007).

Apunte: Brian Setzer continúa colaborando con su grupo inicial, Stray Cats, con los que actuará el 25 de agosto de este año en Amsterdam.

Los Relámpagos (Novola) 1965
Los Relámpagos
Portada: fotografía de Pérez de León

Los Relámpagos surgieron como conjunto instrumental durante un programa radiofónico a comienzos de la década de los sesenta y realizaron su primera actuación en público en el II Festival de Rock, que ganaron. A partir de entonces, el grupo madrileño se convierte en un habitual en los circuitos del naciente rock español, incluso llegó a ser el grupo acompañante de un joven cantante conocido como Mike Ríos, pero el quinteto destaca por sus composiciones recogidas en principio en epés de la casa Philips hasta que dan el salto a Novola, donde su clásico sonido de guitarras limpias y órgano sirvió para adaptar clásicos de la música española, pero siempre con un fondo de rock que los alejaba del sonido de orquesta. Este elepé ofrece esa línea española, nada que ver con la copla cantada de entonces, aunque se inspire en composiciones de autores de la misma, donde destacan Dos cruces, Luna de España, La leyenda del beso, Hay quien dice de Jaén y Limosna de amores, así como la extranjera Misirlou. Esas canciones se complementan con piezas, en una línea parecida pero de la autoría de los miembros del grupo, es decir un sonido más roquero por ponerle un nombre, casos de Seguidillas, Babieca, Nit de llampecs, Noches de Andalucía y Dulcinea.

Canciones: Dos cruces. Seguidillas. Luna de España- La leyenda del beso. María Dolores. Babieca. Hay quien dice Jaén. Nit de llampecs. Limosna de amores. Noches de Andalucía. Dulcinea. Misirlou.

Músicos: Pablo Herrero (órgano Höhner y claviolín), José Luis Armenteros (guitarra solista), Ignacio López Campins (guitarra de ritmo), Juan López Campins (bajo) y Ricardo López Fuster (batería).

Más portadas: Seis pistas (1966), Los Relámpagos (1967) y Páginas de la historia de España (1969).

Apunte: La discográfica Rama-Lama ofrece el cedé Los mejores EP’s de Los Relámpagos 1962-1965, en el que se puede seguir el rastro de la mejor etapa del grupo madrileño.

Canto On Guitar (MPS) 1970
Baden Powell
Portada: diseño y fotografía Bernhard Wetz

Baden Powell (1937-2000) es uno de los guitarristas brasileños más universales que contribuyó durante cuatro décadas a la difusión de la música popular de su país. Prolífico colaborador desde muy joven con diversos artistas. Hizo el recorrido a la inversa, es decir, pasó de la guitarra eléctrica a la clásica. Baden Powell aunque vinculado a la samba, bossa y otros géneros de la música brasileña, también estuvo abierto a la investigación de las raíces negras de su cultura de nacimiento. Esto queda más que demostrado en este disco grabado a comienzos de la década de 1970, con motivo de la gira por Europa que incluía Alemania, donde llegó a vivir varios años. Con exquisita sensibilidad para captar los matices de diferentes músicas: africana, europea, jazz, clásica y brasileña, Powell resulta adictivo hasta en los momentos de mayor improvisación en su música, como la que desarrolla junto a su grupo en Tres themas da fe afrobasileira, todo una inmersión en la mística del arte, como lo es también el espíritu que inspira a Samba em preludio, Qua quara qua qua o Marcha escocesa. Calidad y sentimiento están ineludiblemente unidos en las piezas del guitarrista de Río de Janeiro.

Canciones: Samba em preludio. Tres temas da fe afrobasileira, a) Pai (Un canto de Préto Velho), b) Filho (Batuque para um Orixá) y c) Sprito santo (Oxalá). Marcha escocesa. Tributo a um amigo. Qua quara qua qua. Cego do Nordeste.

Músicos: Baden Powell (guitarra y voz), Alfredo Bessa (Atabaque, berimbau y guica), Helio Schiaro (batería) y Ernesto Ribero Gonsalves (bajo y caxixi).

Más portadas: Como solista hasta final de la década de 1960. Apresentando Baden Powell e o seu violao (1959), Um violao na madrugada (1961), Baden Powell a vontade (1963), Le monde musical de Baden Powell (1964), Os Afro Sambas de Baden e Vinicius (1966), Ao vivo no Teatro Santa Rosa (1966), Tristeza on guitar (1967), Poema on guitar (1968) e 27 Horas de estudio (1969).

Apunte: La web http://www.brazil-on-guitar.de ofrece una completa información sobre el legado musical de Baden Powell.

4x10

1968
Crown Of Creation (RCA) 1968
Jefferson Airplane
Portada: Van Hamersveld sobre foto del hongo nuclear de Hiroshima

Jefferson Airplane encaraba el año 1968 con el su cuarto elepé oficial de estudio, un álbum menos experimental que el anterior, motivo por el que seguramente figura entre los discos del grupo que mejores ventas ha tenido. La Jefferson se encontraba en su momento más inspirado, tanto que la mayoría de los miembros del grupo contribuyó a la composición de 10 canciones del larga duración, pues sólo una no es de autoría de la banda de San Francisco. La tercera pieza Triad de la cara A fue aportada por David Crosby. Incluso el baterista Spencer Dryden demuestra que va más allá del percusionista tradicional, porque demostró conocimientos musicales en línea vanguardista en el título Chushingura. Las composiciones de más duración tuvieron que esperar a la entrega discográfica en soporto compacto de 2003 por motivos de estrategia. El público de aquella segunda mitad de la década de 1960 estaba más por composiciones como Lather, If You Feel, Crown Of Creation, Greasy Heart y The House At Poneil Corners, es decir rock más básico y guitarrero.

Canciones: Lather. In Time. Triad. Star Trek. Share A Little Joke. Chushingura. If You Feel. Crown Of Creation. Ice Cream Phoenix. Greasy Heart. The House At Pooneil Corners.

Músicos: Grace Slick (piano, órgano y voz), Marty Balin (guitarra y voz), Paul Kantner (guitarra y voz), Jorma Kaukonen (guitarra y voz), Jack Casady (bajo y voz) y Spencer Dryden (percusión, batería, piano, órgano y voz). David Crosby (guitarra), Charles Cockey (guitarra), Tim Davis (congas), Bill Goodwin (percusión), Dan Woody (bongos), Gary Blackman (percusión) y Gene Twombly (efectos sonoros).

Más portadas: Cleared Fot Take Off (2003), At Golden Gate Park-1969 (2006), Last Flight-1972 (2007), At The Family Dog Ballroom (2007) y Plastic Fantastic (2008).

Apunte: En soporte cedé en 2003, el disco Crow Of Creation, incluye también las canciones tituladas Ribump Ba Bap Dum Dum, Would You Like a Snack?, Share A Little Joke, The Saga of Sydney Spacepig y Candy Man. En 2015, Crown Of Creation se puso a la venta en doble LP de vinilo.

Ni una sombra en el horizonte (Rock Indiana) 2005
Burgas Beat
Portada: ilustración de Cándido Fernández Mazas

Burgas Beat se presentó con Ni una sombra en el horizonte, disco que pone de manifiesto que se está ante un grupo imprescindible para entender el pop rock gallego de la periferia, es decir hecho, con muy buen gusto, desde Ourense. Con antecedentes como Cosecha Roja, emblemático combo de los ochenta y noventa, no es extraño que el quinteto acierte con sus propuestas musicales siempre interesantes y nada complacientes con modas y modos de entender el rock. Burgas Beat nace con su pan bajo el brazo, un sonido largamente perseguido que bebe en la mejor tradición del rock versátil, armónico en las voces, teclados los necesarios pero envolventes y toques limpios de guitarras eléctricas, así como acariciantes acústicas para abrir boca en determinadas piezas, por ejemplo, la primera del cedé: Gaviotas. Pero esta canción no es más que el comienzo de un viaje por la ilusión de encontrar un sonido hecho en casa, sin imposiciones, y con la generosidad de dar los mejor que cada uno de los cinco miembros del grupo lleva dentro. En esa línea están Cuando llegue el buen tiempo, Revival, Barrio, Harto, Para eso, es decir toda la grabación, pruebas de la madurez de Burgas Beat, que no fosilización, en su estreno discográfico.

Canciones: Gaviotas. Cuando llegue el buen tiempo. Revival. Barrio. Harto. Para eso. Eléctrica puesta de sol. Ritmo secreto. Buenos propósitos. Dejar de soñar.

Músicos: Carlos Rego (guitarras acústicas, guitarras eléctricas y voz), Javier Doforno (guitarras acústicas, guitarras eléctricas, solos y coros), Antonio Rodríguez (bajo y coros), Francisco Vázquez (teclados y coros) y Aser Álvarez (batería).

Más portadas: Magín Blanco & Burgas Beat, Clic (2008).

Apunte: Burgas Beat estará el 30 de mayo en el café Auriense con una actuación acústica y el 31 en el Rock Club en una onda eléctrica. Ambos locales se encuentran en el casco histórico de Ourense.

Morrison Hotel (Electra) 1970The DoorsPortada: fotografía de Henry Diltz


The Doors como cuarteto original realizó en su última etapa excelentes discos que enlazan en calidad con los primeros. En esta línea está Morrison Hotel, el penúltimo LP oficial de la banda en estudio, que devuelve al cuarteto a sus orígenes: rock y blues principalmente, como se puede apreciar al oír los primeros compases de la canción que abre el elepé, Roadhouse Blues, donde el potente sonido de la banda, con el toque de armónica de John Sebastián incluido, adquiere resonancias del estilo básico que da nombre a la pieza. Otras canciones que quedan para siempre entre el mejor legado de The Doors son las tituladas You Make Me Real, Ship Of Fools, The Spy, Queen Of The Highway y Maggie McGill, aunque no hay que olvidar la balada Blue Sunday o las recuperadas Waiting For The Sun e Indian Summer. Todas ellas contribuyen a que Morrison Hotel no canse por muchas audiciones del mismo que se realicen, lo cual suele ocurrir con otros discos del cuarteto representativo del mejor rock de Los Ángeles.

Canciones: Roadhouse Blues. Waiting For The Sun.You Make Me Real. Peace Frog. Blue Sunday. Ship Of Fools. Land Ho. The Spy. Queen Of The Highway. Indian Summer. Maggie M’Gill.

Músicos: Jim Morrison (voz), Robbie Krieger (guitarra), Ray Manzarek (piano y órgano), John Desmore (batería), Ray Neopolitan (bajo en Peace Frog y Ship Of Fools), Lonnie Mack (bajo en Roadhouse Blues y Maggie M’Gill) y G. Puglese (John Sebastian) (armónica en Roadhouse Blues).

Más portadas: Bright Midnight Records (2000), Live In Detroit (2001), Live At The Aquarius Theatre: The First Performance (2001), Live At The Aquarius Theatre: The Second Performance (2001), Live In Hollywoosd Highlights From Aquarius Theater Performances (2002) y Live In Boston ’70 (2007).

 

i

El rastro (10)

 

Los Secretos

Polydor

1982

• Todo sigue igual
• Trae en tu cara

Canto de pueblos andinos 1 (Emi Odeon Chilena) 1973
Inti-Illimani
Portada: dirección artística Ruben Nouzeilles

Inti-Illimani forma parte de la historia musical chilena del siglo XX y continúa en el candelero 40 años después de su fundación. Los miembros del mismo opinaban al hablar de la música de las zonas andinas de América del Sur: “Pretendemos mostrar una pequeña parte de la extraordinaria riqueza musical que encontramos enraizada en las alturas mediterráneas de nuestra América del Sur; esta música siendo un legado de siglos no pierde vigencia sino que, por el contrario, plantea un desafío a la generación de músicos americanos de hoy…En los arreglos e instrumentación de las canciones, así el tiple y el charango se unen al rondador en un albazo, las quenas y el charango dan una sonoridad especial a una vidala, la voz pasa a ser un motivo más junto a las zampoñas, la quena y el charango en un huaino del noroeste argentino, y el rondador combina su canto con la quena en un sanjuanito ecuatoriano. Al entregar este trabajo artesanal, realizado con cariño, con amor por lo nuestro, esperamos seguir ayudando, aún cuando sea en pequeña medida, a mirarnos por dentro, acompañando el despertar libertario de América latina con una búsqueda en sus entrañas bullentes de mágicos sonidos”. Prueba de la riqueza musical de los pueblos latinoamericanos son las 15 canciones incluidas en este disco, que pertenecen a la tradición de Argentina, Bolivia, Ecuador, México y Perú.

Canciones: Los Arados. Huajra. Nuestro Mexico. Dolencias. La Petenera. La Mariposa. Flor de Sancayo. Fiesta Puneña. Amores hallaras. A Vos te hay de pesar. Sirviñaco. Tema de la Quebrada de Humahuaca. Tinku. Papel de plata. Subida.

Músicos: En 1973 eran Horacio Salinas, Max Berrú, José Miguel Camus, Jorge Coulón, Horacio Durán y José Seves.

Más portadas: Desde los comienzos a 1979. Por la CUT (1968), Voz para el camino (1969), Si somos americanos (1969), Canto al programa (1970), Autores chilenos (1971), Canto para una semilla (1973), Viva Chile (1973), Canto de los pueblos andinos (1975), La nueva canción chilena (1974), Hacia la libertad (1976), Canto de pueblos andinos 2 (1976), Chile resistencia (1977), Canto para una semilla (1978), Canción para matar una culebra (1979) y Gracias a la vida (1979).

Apunte: El nombre del grupo chileno es motivo de polémica al existir dos formaciones. Por una parte está Inti-Illimani (nuevo) y por otro, Inti-Illimani (histórico).

Swarbrick (guimbarda) 1978
Dave Swarbrick
Portada: fotografía de Roman Salicki

Dave Swarbrick (Londres, 1941) es la figura fundamental del violinista folk del Reino Unido con un largo historial artístico desde los años cincuenta que le ha permitido convertirse en representante de la fusión de la música tradicional con la eléctrica. Swarb, como es conocido entre sus amistades, lanzó su primer disco en 1976 tras formar parte de grupos básicos del folk, con los que grabaría decenas de discos, así como con solistas. En su estreno discográfico contó con la colaboración de miembros de Fairport Convention, grupo en el que militó durante años, y Ceilidh Band, para recrear sus piezas favoritas de la música tradicional inglesa, previamente arregladas por Swarbrick. Dave destaca como violinista imaginativo a la hora de revivir viejas piezas como The Heilenman, My Singing Bird, Byker Hill o Ben Dorian, aunque tampoco hay que olvidar su faceta de mandolinista en Once I Loved A Maiden Fair y Arthur McBride/Snug In The Blanket.

Canciones: The Heilanman/Drowsty Maggie. Carthy´s March. The White Cockade/Doc Boyds Jig/Durham Rangers. My Singing Bird. The Nightingale. Once I Loved A Maiden Fair. The Killarney Boys Of Pleasure. Lady In The Boat/Rosin The Bow/Timor The Tartar. Byker Hill. The Ace An Deuce Of Pipering. Hole In The Wall. Ben Dorian. Hullichans/Chorous Jig. The 79 th’ s Farewelll To Gibraltar. Arthur McBride/Snug in The Blanket.

Músicos: Dave Swarbrick (violín, viola y mandolina), Bary Marriot (guitarra y piano), Martín McCarthy (guitarra), Simon Nicol (guitarra), Dave Pegg (bajo), Bruce Rowland (pandereta y tambor), Savourna Stevenson (arpa), Kate Graham (violín), Roger Marriot (melodeón) y Alan Robertson (acordeón).

Más portadas: Live At Jackson’s Lane (1998), English Fiddler. Swarbrick Plays Swarbrick (2003) y Straws In The Wind (206), con Martin Carthy.

Apunte: De entre los proyectos en los que participa Dave Swarbrick, hay que destacar el trío Swarb’s Lazarus y su disco Live & Kicking (2006).

Cactology. The Cactus Collection (Rhino) 1996
Cactus
Portada: Michael Ochs Archive

Cactus es uno de los grandes grupos estadounidenses de la década de 1970 por incluir en sus filas a destacados músicos que anteriormente habían militado en formaciones de éxito. En tres años de andadura, el cuarteto dejó cuatro álbumes en los que predominan rock duro, r&blues, blues y boggie, lo cual ha servido para que en su tiempo el combo fuese considerada la alternativa norteamericana a Led Zeppelin. Años después de su disolución, tres miembros originales del conjunto se reunieron con el cantante Jimmy Kunnes (ex Savoy Brown) para continuar con el nombre del grupo en discos y giras. Rusty Day había muerto en 1982. De los primeros, hay que señalar la grabación Cactus V (2006). No obstante, sin quitar mérito a ninguna de las etapas del grupo, yo me quedo con la primera por su frescura y novedad, siempre con la visión de una persona que vivió aquella época. De ella son todas las canciones del recopilatorio aquí comentado, 16 canciones de rock potente que no dejan indiferente a los amantes de sonidos básicos con voz aguda, guitarra desbocada y machacona sección de ritmo. Evil, Parchman Farm, You Can’t Judge A Book By The Cover, Alaska, Let Me Swim Rock N’ Children o Feel So God son algunos de los ejemplos del inolvidable sonido Cactus recogidos en la colección básica puesta a la venta por Rhino Records.

Canciones: Evil. Parchman Farm. You Can’t Judge A Book By The Cover. One Way...Or Another. Alaska. Long Tall Sally. Le Me Swim. Bro. Hill. Rock N’ Roll Children., Song Fror Aries. Restrictions. Oleo. Feel So Good. Rumblin’ Man. Bad Staff. Parchman Farm (live).


Músicos: Rusty Day (armónica, percusión y voz), Tim Bogert (bajo y coros), Jim McCarty (guitarra y slide guitarra) y Carmine Appice (percusión, batería y voz). Werner Fritzschings (guitarra), Duane Hitchings (órgano, piano y piano eléctrico), Peter French (voz) y Albhy Galuten (piano en Alaska).


Más portadas: Cactus (1970), One Way…Or Another (1971), Restrictions (1971) y Ot’ N’ Swenty (1972).

Apunte: Cactus en su nueva etapa mantiene su presencia en los escenarios. En este sentido, el cuarteto estará tocando en varias ciudades estadounidenses durante el próximo mes de junio.

For Trane (Blue Note) 1972
Johnny Hartman
Portada: Chuck Stewart y Patrick Roques

Johnny Hartman (1923-1983) es recordado por su calida voz de barítono y por acompañar en algunas piezas a John Coltrane, esto último con gran precisión y sentimiento. No es extraño pues que en momento de su vida recordase al gran saxofonista de jazz, al que dedica todo un disco grabado en Tokyo junto a convincentes músicos japoneses que saben atacar canciones con evidente swing, por ejemplo, My Favorite Things, Nature Boy, On Green Dolphin Street, Sometimes I’M Happy o S posin, pero también se adentran en complejas baladas como Violets For Your Furs, Summertime, Why Did I Cose You o My Funny Valentine, estándares de la música de jazz de todos los tiempos que convierten a Hartman a un clásico de las voces masculinas del siglo pasado.

Canciones: My Favorite Things. Violets For Your Furs. Nature Boy. Summertime. Why Did I Choose You, The Nearness Of You. I’m Glad There Is You. On Green Dolphin Steet. My Funny Valentine. Somemtimes I’ m Happy. S’posin’.

Músicos: Johnny Hartman (voz), Masako Kikuchi (piano), Yoshio Suzuki (bajo), Hiroshi Murakami (batería), Terumasa Hino (trompeta), Mikio Masuda (piano), Yoshio Ikeda (bajo) y Motohiko Hino (batería).

Más portadas: Johnny Hartman Sings (1948), Songs From The Heart (1955), And I Thought About You (1958), Sittin’ In With (1961), By To Say Hello (1963), The Voice Thatr Is! (1964), The Unforgettable (1966), I Love Everybody (1967), Live At Sometime (1977), Thank You For Everything (1978), Once In Every Life (1980) y This One’s For Tedi (1980).

Apunte: Clint Eastwood en su faceta de director cinematográfico incluyó varias canciones de Johnny Hartman en la banda sonora de la película Los puentes de Masison (1995).

Veneno (CBS) 1977
Veneno
Portada: Veneno

Veneno es el nombre de un grupo que nació, creció y murió en torno a su único elepé grabado en 1977 en un tiempo en que la música popular española se dispersaba por influencias foráneas y el cambio de tercio de los cantautores de diferentes regiones, el rock progresivo, el nuevo folk y el punk, aunque también dentro del flamenco se apuntaban nuevas experimentaciones. A estas últimas se apuntaba Kiko Veneno, quien con los hermanos Amador, dio salida a sus surrealistas composiciones sobre un fondo de guitarras flamencas tocadas a la vez y el barullo del bajo, batería, percusiones y palmas. Se notaba que había otra forma de entender el flamenco e influencias varias venidas del otro lado del Atlántico, pues Kiko siempre se ha declarado un admirador de Frank Zappa. Jipos y gitanos hacen buenas migas a la hora de poner a punto algo más de media hora larga de música que en su momento pasó desapercibida pero que marcaría un hito en la historia discográfica del rock hispano. El elepé es en la actualidad el número uno en las listas elaboradas por las revistas especializadas. A ello han contribuido piezas como Los animales, La muchachita, Los delincuentes o San José de Arimatea, todas ellas fuera de cualquier canon y escuela artística.

Canciones: Los animales. La muchachita. Indiopole. Los delincuentes. Aparta el corazón de las mangueras. San José de Arimatea. No pido mucho.

Músicos: Kilo Veneno (guitarra flamenca y voz), Raimundo Amador (guitarra flamenca), Rafael Amador (guitarra flamenca), Luis Cobos Manglis (guitarra flamenca), Pepe Lagares (bajo), Antonio Moreno el Tacita (batería), Noel Mújica (percusiones), El Bizco eléctrico (palmero) y Juan el Camas (palmero).

Más portadas: Seré mecánico por ti (1981), Si tu, si yo (1984), Pequeño salvaje (1987), El pueblo guapeao (1989), Está muy bien eso del cariño (1995), Punta paloma (1997), Puro veneno (1998), La familia pollo (2000), Un ratito de gloria (2001), Gira mundial (2002) y El hombre invisible (2005).

Apunte: Kiko Veneno da una especial importancia a las actuaciones en directo, para las cuales tiene dos modos de operar: acústico (en pequeños locales y teatros) y directo (grandes espacios). En el primer de los casos el toca la guitarra española y se acompaña de un bajo y percusionista. Cuando toca en lugares más amplios utiliza también la guitarra flamenca, y se acompaña de un guitarrista (eléctrica), bajista, baterista, teclista, percusión y coros).

Maldita la hora (Nena Records) 2000Maldita la horaPortada: diseño gráfico Render Proyectos/Begoña Franco

Maldita la hora es el nombre de un grupo valenciano que presentó su primer disco de larga duración durante el año 2000 en el sello discográfico creado por Carlos Goñi, quien colaboraba con su guitarra en la primera canción del cedé. El sexteto ofrecía en su estreno discográfico un prometedor repertorio de base pop roquera que se apoyaba en letras nada desdeñables y muy por encima de otros combos más conocidos. El grupo asimismo mostraba una versatilidad fuera de dudas con incursiones en ritmos latinos como la rumba y ritmos latinos asentados composiciones propias entre las que hay que destacar Como te quiero, Nada vale, Sé que miente, La mejor de las maneras, Soledad o Hay que ver. En fin, una grabación con personalidad propia que no tuvo la acogida que se merecía, pues detrás estaba un grupo de músicos jóvenes pero curtidos en los escenarios más variopintos.

Canciones: Como te quiero yo. Nada vale. Sé que miente. El espejo del alma. La mejor de las maneras. Soledad. Hay que ver. Serafín. Aquello que esperabas. Perdido.

Músicos: Vicente Silvestre (voz solista y coros), Jorge Ramos (guitarras y coros), Vicente Marco (guitarras), Vicente Espinosa (batería), Luis Luján (bajo y coros), Rafa Carrión (piano y teclados). Carlos Goñi (guitarra solista en Como te quiero yo), Ricardo Esteva (guitarra española en Se que miente y El espejo del alma), Pau Chafer (piano en Nada vale y Como te quiero), Kyke Serrano (piano en Hay que ver), Paco Bernal Salpicao (cajón en Sé que miente), Pepe Cantó (percusión en 1,2,3,4,5,6 y 8) y Anna Baeza (voz en Hay que ver).

Más portadas: La discográfica Nena Records puso a la venta también el disco de pop rock valenciano de los años 80 titulado Pyjamarama.

Bicos de sol (Zouma Records) 2000
Beladona
Portada: eMotive

Beladona realizaba su estreno discográfico en el año 2000 con el cedé titulado Bicos de sol, en el que dentro del apartado instrumental hay que destacar la presencia del arpa, teclados, acordeón, gaitas, percusiones, guitarras y flautas, que facilitan un estilo más ecléctico y abierto a influencias de otras músicas, como, por ejemplo, Centolos, de toque entre marinero e irlandés, o la tradicional francesa Mineta, que orienta hacia el folk progresivo de batería y bajo eléctrico, aunque también hay guiños a la música popular, Vinde axiña. Asimismo, otra de las características de Beladona es el protagonismo de la voz de Elena Paz, quien ofrece distintos registros, desde la dulzura a los ritmos bailables, respectivamente Añas de Gargamala y Mineta. En cuanto a la producción propia, Beladona cumplió el cometido en su disco de estreno, y hasta ahora única grabación, del que se pueden escuchar con agrado Cadaloba y la pieza que da título al cedé. No hay que olvidar que Beladona militaron músicos de reconocida trayectoria en la música gallega, al participar en grabaciones de Mutenrohi, Berrogüetto, Uxía, Susana Seivane y Cristina Pato, entre otros y otras, es decir la generación de jóvenes instrumentistas, en la mayoría de los nombres citados, que comenzaron su andadura en la década de 1990.

Canciones: Mineta. Añas de Gargamala. Caldaloba. Vinde Axiña. Ruada de Doade. Centolos. Ruiseñor. Trullada de Melón. Mar de chumbo. Bicos de sol.

Músicos: Elena Paz (arpa, teclado y voz), Daniel Vilar (guitarra acústica), Javier Abad (low wistle, flauta de pico y gaita), Jorge Juncal (teclado y acordeón), José Liz (bouzuki, requinto, ocarina y gaita), y Fran Gómez (congas, djembé y percusiones). Pablo Pérez (bajo eléctrico), Luis Carballo (batería) y Paco Juncal (violín acústico).

Apunte: Daniel Vilar y José Liz formaron el grupo Entre trastes, con el que grabaron en Zouma Records, a finales de 2006, el disco que lleva el título de la referida formación.

Buena Vista Social Club presenta (World Circuit) 2000
Omara Portuondo
Portada: fotografía de Francis Giacobetti

Omara Portuondo (La Habana, 1930) es conocida como la reina del filin, un apelativo nada gratuito en la larga carera artística de esta veterana cantante de amplio registro, recuperada por el Buena Vista Social Club al igual que otros ilustres cantantes y músicos de Cuba. El secreto de Omara está, según sus palabras, en las enseñanzas de sus padres, quienes inculcaron a las hijas el amor por la canciones, hecho determinante para que en primer lugar se dirigiese hacia la danza en el Tropicana, donde realizó el salto a la música, donde en los primeros tiempos recaló en el jazz que se hacía en los clubes de La Habana. No obstante, en su evolución Omara volvería a reencontrarse con las canciones aprendidas de niña en el hogar, es decir todos los estilos populares de la isla caribeña. Así en este larga duración se encuentran guajira, boleros, mambos, habaneras y son, todos ellos perfectamente ejecutadas por unos instrumentistas realmente eficientes en su labor, a lo cual ayuda dar esplendor la voz cargada de matices de Omara Portuondo, quien abre el disco con la pieza tradicional La sitiera y lo cierra con la composición de Ernesto Lecuona, Siempre en mi corazón. En medio de las dos se encuentran alegría y melancolía casi a partes iguales con otras composiciones, entre las que figura la versión de The Man I Love (El hombre que yo amé), de George & Ira Gershwin, a ritmo de bolero.

Canciones: La sitiera. He perdido contigo. ¿Dónde estabas tú?. Mariposita de primavera. Canta lo sentimental. Ella y yo. No me vayas a engañar. No me llores más. Veinte años. El hombre que yo amé. Siempre en mi corazón.

Músicos: Omara Portuondo (voz), Ibrahim Ferrer (voz, 8), Pio Leyva (voz, 6), Rubén González (piano), Orlando Cacaito López (bajo), Amadito Valdés (timbales), Ángel Ferry Domech (cogas), Filiberto Sánchez (bongos), Carlos González (bongos, 11), Alberto Virgilio Valdés (maracas y clave, 4), Roberto García (guiro), Lázaro Villa (clave), Manuel Galbán (guitarra, 5), Elíades Ochoa (guitarra, 1 y 2), Compay Segundo (guitarra, 6), Gilberto Papi Oviedo (tres, 8), Manuel Guajiro Mirabal (trompeta, todos solos), Yaure Muñiz (trompeta y flugehorn), Alejandro Pichardo (trompeta), Daniel Ramos (trompeta), Jesús Aguaje Ramos (trombón, todos solos), Demetrio Muñiz (trombón), Pantaleón Sánchez (saxo alto, todos solos), Javier Zalba (saxo alto y soprano), Antonio Jiménez (saxo tenor), Rafael Jimmy Jenks (saxo tenor), Carlos Fenández (saxo trenor), Ventura Gutiérrez (saxo barítono), Rafael Lázaro Inciarte (clarinete, 6), Haskel Armenteros (clarinete, 6), Dania Valdés (coros), Teresita García Catarla (coros), Xiomara Valdés (coros), Lázaro Villa (coros), Jesús Aguaje Ramos (coros), Pedro Dapestre González (violín), Humberto Legat (violín), Aeyoth Marichal (violín), Gerardo García (violín), Rogelio Martínez (violín), Ariel Sarduy (violín), Hugo Cruz (violín), Julián Corrales (violín), Angel Zaldivar (viola), José Marón (viola), Rafael Cutiño (viola), Roberto Herrera (viola), Arelia Zaldivar (chelo), Roy Ávila Serrano (chelo. Cuareto de cuerda en 4. Augusto Diego (violín), Ariel Sarduy (violín), José Marón (violín) y Arelis Zaldivar (violín). Roger Beaujolais (vibes).

Más portadas: Cuarteto Las D’Aida (1957), Magia negra (1959), Como un milagro (1966), Omara (1967), Omara Portuondo y Martín Rojas (1974), Tal vez Omara Portuondo (1981), Pensamientos (1995), Palabras (1996), La novia del feeling (1997) y Flor de amor (2003).

Coleccionables

El camino del blues ABC Records/Mediterráneo 1976
Portadas: grabados en cobre de Miguel Aranda

L.A. Midnight
B.B. King

Cara A
1. I Got Some Help I Don't Need (B.B. King-Dave Clark). 5'42''
B.B. King (guitarra y voz); Bob Bryant (trompeta); Red Callendar (tuba); Red Holloway (saxo tenor); Plas Johnson (saxo barítono); Jesse Davis (guitarra); Joe Walsh (guitarra); Paul Harris (piano); Victor Feldman (piano eléctrico); Brian Garofalo (bajo Fender); Bob Morin (batería). Arreglos de vientos por Jimmy Bond.
2. Help The Poor (Charlie Singleton) 3' 30''
B.B. King (guitarra), John Browning (trompeta); Joe Burton (trombón); Earl Turbinton Jr. (saxo alto); Louis Hubert (saxo tenor); Ron Levy (piano); Mel Brow (guitarra); Wilbert Freeman (bajo Fender); Sonny Freeman (batería); Victor Feldman (congas); Clif Coulter (pandereta).
3. Can't You Hear Me Talking To You? (B.B. King-Dave Clark) 3'19''
B.B. King (guitarra y voz), Taj Mahal (armónica); Cliff Coulter (piano); John Turk (órgano); Randy Wolf (guitarra); Ron Brown (bajo Fender); Earl Palmer (batería); Victor Feldman (ongas).
4. Midnight (B.B. King) 8'14''
B.B. King (guitarra); Jesse Davis (guitarra); Joe Walsh (guitarra); Victor Feldman (piano); Ron Brown (bajo Fender); Earl Palmer (batería); Jeff Davis (guitarra, lado izquierdo); B.B. King (guitarra, centro); Joe Walsh (guitarra, derecha).
Cara B
1. Sweet Sixteen (B.B.King-Joe Josea) 7'01''
B.B.King (guitarra y voz); John Browning (trompeta); Joe Burton (trombón); Earl Turbinton Jr. (saxo alto); Louis Hubert (saxo tenor); Ron Levy (piano); Mel Brown (guitarra); Wilbert Freeman (bajo Fender); Sonny Freeman (batería).
2. (I Believe) I've Been Blue To Long (B.B. King-Dave Clark9 4'50''
B.B. King(guitarra y voz); Red Callendar (tuba); Taj Mahal (guitarra); Randy Wolfe (guitarra); Jesse Davis (guitarra); Paul Haris (piano); Brian Garofalo (bajo Fender); Bob Morin (batería).
3. Lucille's Granny (B.B. King) 7'53''
B.B. King (guitarra); Jesse Davis (guitarra); Joe Walsh (guitarra); Bobby Bryant (trompeta); Red Callendar (tuba); Red Holloway (saxo tenor); Plas Johnson (saxo barítono); Victor Feldman (piano); Ron Brown (bajo Fender); Earl Palmer (batería); Sandy Konikoff (pandereta); Jimmy Bond (arreglos de viento).

The Blues Singer
Jimmy Witherspoon

Cara A
1. Evening (R. Swain) 3'09''
2. I Don't Know (W. Mabon) 2'58''
3. No Rolling Blues (J. Whiterspoon) 4'03''
4. Going Down Slowly (J. St. Louis) 4'59''
Cara B
1. Pay The Consecuence (B. Facyson) 3'07''
2. Just A Dream (Broonzy) 3'52''
3. Blow Wind Blow (J. Witherspoon) 4'00''
4. Look Granny Run, Run (Schuman-Ragavoy) 3'00''
5. Nobody Wants To Hear Nobody's Trouble (Stewart-Elgin-Ragavoy) 3'35''

Jimmy Witherspoon (voz); Charlie Musselwhite (armónica); Barry Goldberg (órgano); Brother Jack McDuff (órgano); Danny Kalb (guitarra); Harvey Mandel (guitarra); Johnny Pate (arreglos y dirección de orquesta).

Funky Town
T-Bone Walker

Cara A
1. Goin't To Funky Town (T. Bone Walker) 5'00''
2. Party Girl (E.J. White-T. Bone Walker) 3'05''
3. Why My Baby (Keep On Brotherin Me) (T. Bone Walker) 2'50''
4. Jealous Woman (T. Bone Walker) 3'00''
5. Goin To Build Me A Playhouse (E.J. White-T.Bone Walker) 3'40''
Cara B
1. Long Skirt Baby Blues (T. Bone Walker) 2'26''
2. Struggling Blues (G.C. McDaniel-T. Bone Walker)
3. I'm In An Awful Mood (C.C. McDaniel-T. Bone Walker) 4'20''
4. I Wish My Baby (Would Come Home At Night) (T.Bone Walker) 2'55''

T. Bone Walker (guitarra y voz). Resto de la banda (desconocido).

Ain't Sick No More
Homesick James

Cara A
1. 13 Highway (J.A.Williamson) 3'06''
2. 12 Year Old Boy (J.A. Williamson) 3'24''
3. Buddy Brown (J.A. Williamson) 3'54''
4. Fayette County Blues (J.A.Williamson) 3'54''
5. In Love (J.A.Williamson) 2'49''
Cara B
1. My Baby's Gone (J.A.Williamson) 2'55''
2. Little And Low (J.A.Williamson) 3'01''
3. I Need Love (J.A.Williamson) 3'14''
4. Ain't Doin' No Good (J.A.Williamson) 3'22''
5. Sugar Mama (J.A.Williamson) 4'02''
6. Woman I Love (J.A.Williamson) 3'29''

Homesick James (guitarra y voz), Dave Myers (bajo), Eddie Taylor (guitarra), Snooky Prior (armónica) y Willie Smith (batería).

Buddy Guy, Junior Mance & Junior Wells
Buddy Guy, Junior Mance & Junios Wells

Cara A
1. Taldin' Bout Women Obviosuly (Buddy Guy-J. Wells) 9'50''
2. A Motif Is Just A Riff (Buddy Guy) 7'27''
3. Buddy's Blues (buddy Guy) 3'25''
Cara B
1. Hoochie Coochie Man (Willie Dixon) 5'17''
2. Five Long Years (Eddie Boyd) 5' 50''
3. Rock Me Mama (A. Crudup) 5'35''
4. Ain't No Need (Junior Wells) 4'28''

Buddy Guy (guitarra acústica y voz), Junior Wells (armónica y voz) y Junior Mance (piano).

Chicago Blues Festival 1972. House Of The Blues Vol. 12 (Movieplay) 1975
Johnny Shines
Portada: dibujo de Máximo Moreno

Johnny Shines (1915-1992) comenzó a tocar en los años 30 cuando triunfaban Blind Lemmon Jefferson, Lonnie Jonson, Charley Patton y Robert Johnson, grandes guitarristas de blues, incluso con el último mencionado recorrió el profundo para actuar en donde merecía la pena y así cobrar unos cuantos dólares. Como todos los bluesmen que supieron evolucionar de lo rural a lo urbano, se afincó en Chicago, donde se hizo un nombre en la escena musical. Sin embargo Johnny Shines no grabó discos de larga duración hasta la década de los sesenta cuando el revival del blues, época en que el guitarrista tuvo la oportunidad de demostrar que se estaba ante un auténtico representante del blues rural, del Delta, que tocaba su instrumento con el característico bottleneck, a la vez que entonaba con voz fuerte blues propios y en algunos casos adaptados de los clásicos de dicho estilo, como por ejemplo Freight Train o The Devil’s Daughter, entre otros que se pueden escuchar en este disco.

Canciones: I Bilieve I Make A Change. Nobody’s Fault But Mine. Back To The Steemill. The Devil’s Daughter. A Bide My Wish. Mean Black Gobblerg. Los Letter Blues. Freight Train. My Bestfriend. The Blue Horizon.

Músicos: Johnny Shines (guitarra y voz) y Luther Jonson (guitarra en Mean Black Gobblerg, Freight Train y The Blue Horizon

Más portadas: Masters Of Moderns Blues Vol. 1 (1966), Last Nights’ Dream (1968), Johnny Shines With Big Walter Horton (1969), Hey-Ba-Ba-Re-Bop! (1971), Standing A The Crossroads(1971), Sitting On Top Of The World (1972), Country Blues (1974), Too Wet To Plow (1975), Robert Jr. Lockwood & Johnny Shines: Hanging’ On (1980), Mister Blues Is Black To Story (1981), Blind Will Dukes (1984) y Back To The Country (1991).

Apunte: Johnny Shines grabó en 1950 un sencillo para la Chess Records, junto a Little Walter y Jimmy Rodgers.

A la vida, al dolor (Movieplay) 1975
GualbertoPortada: diseño y fotografías Rafael Díaz Moreno

Gualberto García (1945) es uno de los claros referentes del rock progresivo sevillano de finales de los sesenta y comienzos de los setenta que, tras el paso por el grupo Smash, realizó una interesante carrera musical en solitario que descubrió su talento tanto al tocar como al componer. A la vida, al dolor, grabado en plena explosión de la canción de autor, constituye un elepé refrescante que va más allá de un estilo concreto, pues al sitar hindú se añaden otros instrumentos más usuales como guitarras de palo y eléctricas, violín, flauta, bajo, batería, percusiones, a los que acompañan la voz jonda de Enrique Morente. La primera cara del disco titulada A la vida incluye cuatro canciones relacionadas con la primavera y la naturaleza, en las que aparecen melodías interesantes en las que los instrumentos dan paso a las voces y viceversa, creando así un una amalgama en la que se mezclan desde sonidos orientales a flamenco, pasando por rock introspectivo. Toda la cara, es decir Canción de la primavera, Canción del agua, Canción de las nieves y Canción del arco iris, no tiene desperdicio por la calidad y el sentimiento demostrados por los intérpretes en conjunto. La otra parte de la grabación destaca por los diálogos instrumentales como los de Terraplén, Prisioneros, Tarantos y Diálogo interior, sin olvidar la voz de Morente, que adelantan en muchos años un sonido, convenientemente domesticado, de éxito.
          
Canciones: A la vida: Canción de la primavera. Canción del agua. Canción de la nieve. Canción del arco iris. Al dolor: Terraplén. Prisioneros. Tarantos (para Jimi Hendrix). Diálogo interior.

Músicos: Gualberto (guitarra española de arpegios, guitarra flamenca, guitarras eléctricas, sitar, palmas y voz), Antonio Díaz (guitarra acústica de 6 cuerdas, bajo y palmas), Art (violín y viola), Todd (guitarra de 12 cuerdas, guitarra acústica, trompeta y voz), Willie Rodríguez Trujillo (batería, maracas, palmas y percusiones), Carlos Carcamo (flauta) y Enrique Morente (cantaor).

Más portadas: Vericuetos (1976), Sin comentario (1977), Otros días (1979), Puente mágico (1993) –con el guitarrista Ricardo Miño- y Con trastes (1998) –con R. Miño-.

Apunte: “Soy flamenco porque he nacido aquí y uso sus estructuras para expresarme. Ni lo intento, vamos. Al contrario, cuando escribo cosas para músicos clásicos, saben que esa cosita flamenca que le doy al toque se tiene o no se tiene. Pero a mí también me faltan cosas de los clásicos. Un clásico que toca flamenco tiene complejo porque no llega a meterse totalmente.
Yo, como siempre estoy en medio, puedo coger el flamenco y basarme en él. Si eres fiel a ti mismo, sólo tienes que ser coherente con tu cultura. Yo me he criado aquí en Sevilla, pero mis referencias eran los Beatles, Jimi Hendrix y los Rolling Stones. Los flamencos también, pero eso lo tenía tan a la mano que con dieciséis años le di la vuelta al mundo. Y con veinte me fui a América a conocer a Frank Zappa y a Hendrix y a todo el mundo. Y eso, quieras que no, lo mezclo con el flamenco”. Gualberto, en entrevista de Silvia Calado Olivo.