El rastro (32)

Los Tamara

Zafiro

1964

• Allá, allá

• Galicia terra nosa

• El amor

• Mashed Potato Time

Anniversay Special Volume One (CBS)
The Earl Scruggs Revue
Portada: Slick Lawson

Earl Scruggs (Shelby-Corolina del Norte, 1924) está considerado un virtuoso del banjo de cinco cuerdas, instrumento que domina desde su infancia y que le ha servido para desarrollar una prodigiosa carrera artística desde los años cuarenta. En 1975 con motivo de su 30 aniversario en el mundo del espectáculo se grabó un especial donde colaboraron cantantes y músicos de diferentes edades, estilos y lugares, incluidos dos hijos de Earl, que ocuparían mucho espacio a la hora de citarlos a todos. En un ambiente de compañerismo, jovialidad y alegría por lo que se puede apreciar visto el variopinto repertorio del álbum, el banjista deja espacio a otros músicos a los que acompaña con su toque personal, inspirado y virtuoso que se acomoda a los singulares arreglos, a veces, de conocidas canciones y algún instrumental, como The Swimming Song, Gospel Ship, Royal Majesty, Son To Woody, Passing Through o Leeker Street Rag. Bluegrass, folk, rock y mucho country constituyen los puntos de confluencia de las 10 composiciones de este disco especial, una demostración o suposición, por lo que suena, de que las estrellas cuando coinciden en el mismo espacio no buscan el choque sino que se ceden el paso.

Canciones y Músicos: Cara A. 1. Banjo Man. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs – banjo. Jim Messina guitarras eléctrica y acústica. Kenny Loggins –percusión. Rusty Young – dobro y steel guitar. Jim Keltner – batería. Voces –Jim Messina, Kenny Loggins, Gary Scruggs. 2. The Swimming Song. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico y percusión. Randy Scruggs – guitarra acústica, slide guitar, frail banjo y percusión. Reggie Young – guitarra eléctrica. David Briggs – piano. Kenny Buttrey – batería. Doug Kershaw – violín. Voz – Loudon Wainwright III. 3. Gospel Ship. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs –bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarras eléctricas y acústicas. Reggie Young – guitarra eléctrica. David Briggs – piano. Kenny Buttrey – batería. Voces– Earl Scruggs, Gary Scruggs, Randy Scruggs, Joan Baez, Johnny Cash, Loudon Wainwright III, Michael Murphey. 4. I've Got My Mojo Working. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs -guitarras eléctricas y slide. Roger McGuinn – guitarra eléctrica de 12 cuerdas. Alvin Lee – guitarra eléctrica. Billy Joel – piano. Willie Hall – batería. Voces – Gary Scruggs, Bonnie Bramlett, Waylon Jennings. 5. Bleeker Street Rag. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs –bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarra acústica. Roger McGuinn – guitarra eléctrica de 12 cuerdas. Alvin Lee – guitarra eléctrica. Charlie Daniels – guitarra eléctrica. Reggie Young – guitarra eléctrica. Leon Pendarvis –órgano. Billy Joel –piano. Willie Hall – batería. Ron Cornelius – guitarra eléctrica.

Cara B. 1. Harley. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarras acústica y eléctrica. Steve Scruggs – piano eléctrico. Pete Drake – steel. Teddy Irwin – guitarra. Shane Keister – piano. Jody Maphis – batería. Voz –Randy Scruggs. Coros –Gary Scruggs. 2. Rollin' In My Dreams. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarra eléctrica. Roger McGuinn – guitarra eléctrica de 12 cuerdas. Larry Gatlin – guitarra acústica. Reggie Young – guitarra eléctrica. Leon Pendarvis –piano. Bob Johnston – órgano. Willie Hall – batería. Voz – Gary Scruggs. Coros –Dan Fogelberg. 3. Third Rate Romance. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs –bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarras eléctrica y acústica. Reggie Young– guitarra eléctrica. Leon Pendarvis – órgano. Billy Joel – piano. Tim Wipperman – trompeta. Willie Hall – batería. Ron Cornelius – guitarra eléctrica. Voz – Gary Scruggs. Coros–Bonnie Bramlett, Pointer Sisters. 4. Instrumental In D Minor. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico y percusión. Randy Scruggs – guitarras eléctrica y acústica y percusión. Jody Maphis – percussion. 5. Step Out Of Line. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarras eléctrica y acústico. Alvin Lee –guitarra eléctrica. George McCorkle –guitarra eléctrica. Charlie Daniel –guitarra eléctrica. Reggie Young – violín. Jack Lee – órgano. Shane Keister –piano. Tim Wipperman –trompeta. Jerry Eubanks –saxofón. Willie Hall-batería. Voz –Gary Scruggs. Coros –Milon LeFevre, Alvin Lee, Charlie Daniel.

Más portadas: Live At Kansas State (1972), The Earl Scruggs Revue Voilume II (1976), Live! From Austin City Limits (1977), The Complete Mercury Recordings Flatt & Scruggs (2002), The Three Pickers (2003) y The Esential Earl Scruggs (2004).

Cabo do mundo (Warner) 1999
Luar Na Lubre
Portada: pintura de Urbano Lugrís




Luar Na Lubre, con su quinto disco, confirmaba hace diez años que era una de las formaciones más importantes de Galicia en lo tocante a la música con base en la tradición de su tierra, aunque sea el mar uno de los principales elementos inspiradores de las piezas que llenan Cabo do mundo, toda una declaración identitaria de una geografía que no se queda en un final de la tierra sino que se abre a otras culturas. Netamente acústico, desde las partes cantadas a las instrumentales, con la inclusión, eso sí, de efectos sonoros que crean un clima apropiado para percibir ese litoral al que dedican el larga duración, Cabo do mundo confirmó a Luar Na Lubre fuera de las fronteras gallegas como una banda con muchas posibilidades. En este sentido, hay que recordar que con el disco llegaron los tiempos de los reconocimientos: Chove en Santiago, texto en gallego de García Lorca, premio a la mejor canción en gallego, mientras que el disco en su conjunto recibe el galardón al mejor de nuevas músicas. No obstante, produce una satisfación agradable el traspaso que Luar Na Lubre hace de la vieja canción británica Scarborough Fair, popularizada en los sesenta por Simón y Garfunkel, que centra su argumento en el amor y el santuario de San Andrés de Teixido bajo el título Romeiro ao lonxe, donde la voz de Rosa Cedrón suena evocadora como ese mar que bate contra los acantilados de la Costa da Morte, que también de vida. Cantiga do berce insiste en la faceta cantarina del grupo que de esta manera recupera una de las piezas más representativas de Fuxan Os Ventos y ofrece la ternura que contiene el canto de cuna de la madre al hijo. Heicho de dar, ahonda más en el canto popular, como así pasa también con Nau y Herba de namorar. En estas dos hay que resaltar la presencia del grupo de voces Faltriqueira que contribuye al aire alegre y festivo de ambas composiciones. Y en lo tocante a los instrumentales, se puede citar Crunia Maris, Canteixeire y Sereas, piezas subrayan la vocación atlántica de Luar Na Lubre.

Composiciones: Crunia Maris. Chove en Santiago. Raqueiros. Devanceiros. Nau. Romeiro ao lonxe. Canteixieire. Cantiga de berce. O trebón. Sereas. Heicho de dar. De ruada. 

Músicos: Rosa Cedrón (violonchelo y voz), Daniel Sisto (guitarra acústica), Xulio Varela (bouzouki, teompa y percusiones), Patxi Bermúdez (bodhram y tambor gallego), Xavier Ferreiro (percusiones latinas, africanas y efectos), Xavier Cedón (violín), Xan Cerqueiro (flautas), Bieito Romero (gaitas gallegas, acordón diatónico y zanfona). Colaboradores. Erick Riggler (uillean pipe),Elias Garcia (bouzouki), Fernando Largo (arpa céltica), Marcos Represas (clarinete), Fernando Villar (teclados e timbales), Enrique Sequero (voz) y Faltriqueira (voces y coros). 

Más portadas: Ao vivo CD/DVD (2009). 

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It's The Moonglows (Chess) 1958

The Moonglows

Portada: Don Bronstein

The Moonglows están asociados al talento de Harvey Fuqua (Louisville-Kentucky, 1929), un polifacético artista que dio sus primeros pasos como guitarrista de los míticos Ink Spots, precursores del doo-woop y otros estilos comerciales de la música negramericana. Desde 1951, primero como cuarteto y luego ya como quinteto, The Moonglows se convirtieron en figuras con presencia constante en las listas de r&blues, gracias a sus cálidas voces no exentas de virtuosismo a la hora de transportar a melodías sobre el amor, canciones que llegaban hondo al corazón de los adolescentes de los cincuenta y, de paso, facilitaban el crecimiento de casas discográficas regentadas por negros. En 1958 salía el álbum It's The Moonglows, que recoge composiciones que van desde 1956 a 1958, entre las que figura su más notable éxito a nivel de ventas, Ten Commadments Of Love, donde queda demostrado lo dicho anteriormente sobre la excelente conjunción vocal del grupo. A ella hay que añadir otras piezas representativas del típico y tópico doo-woop, acaramelado a veces, meláncolico otras, pero atractivo en el fondo, como Love Is A River, Penny Arcade, Sweeter Than Words, Cold Feet o la versión del multiversioneado éxito Blue Vevet. The Moonglows suavizaron el r&blues y lograron colarse en el territorio del pop blanco, incluso a comienzos de los sesenta en el otro lado del Atlántico, un grupo de jóvenes de Liverpool, realizaba una parodia del doo-woop más rancio mediante You'll Mine, lo cual dejaba claro que dicho estilo había sido importante -basta para escuchar la banda sonoro de cualquier película ambientada en los años cincuenta para descubrir melodías de los grupos vocales más importantes de la época- y sirvió, a su vez, para encunbrar el en teoría más consistente soul.

Canciones: Love Is A River. Blue Velvet. This Is Love. When I'm With You. I'll Stop Wanting You. Don' t Say Goodbye. Ten Commandments Of Love. Kiss Me Baby. Penny Arvade. Mean Old Blues. Sweeter Than Words. Cold Fet.

Miembros del grupo: (1951-1958): Harvey Fuqua, Bobby Lester, Alexander "Pete" Graves, Prentiss Barnes y Billy Johnson.

Más portadas: The Moonglows (1964), The Return Of Moonglows (1970), On Stage (1991) y Blue Velvet: The Ultimate Collection (1993).

Dream (United Artist Records) 1975
The Nitty Gritty Dirt Band
Portada: Dean O. Torrence Kittyhawk Graphics

The Nitty Gritty Dirt Band, banda puntera de la primera generación de grupos que practicaban el country rock en los lejanos años sesenta, apuntaba hacia nuevas direcciones cuando los componentes de dicho combo grabaron Dream, sin duda un disco que no pasa inadvertido dentro de las diferentes añadas discográficas de la marca Nitty Gritty, especialista en el refinamiento y el buen gusto a la hora de elaborar sonidos armoniosos y de acuerdo con la tradición musical blanca de Norteamérica. Grabado en estudio, con cuidada producción y la presencia de algunos santones del rock de entonces, léase Leon Russell, The Nitty Gritty Dirt Band se hace esperar mediante experimentalismos sonoros en las primeras piezas, plagadas de efectos sonoros relacionados con la naturaleza, que, sin embargo, destapan esencias del campo con la entrada de los primeros banjos, mandolinas, guitarras acústicas y armónicas, que, a su vez, dan un pequeño protagonismo a las gaitas escocesas y el canto de los pájaros que despiden Battle Of New Orleans. Una vez en el meollo del disco, los miembros de The Nitty Gritty Dirt Band recalcan que también están puestos en el country rock de guitarras eléctricas, como se puede percibir en Bayou Jubille, línea que, por cierto, queda abierta para sucesivas composiciones, propias y ajenas, del elástico compendioque presenta Dream, entre ellas están Hey Good Lookin' -Sí, la de Hank Williams, electrificada y con la deliciosa e incontestable garganta privilegiada de Linda Ronstadt-, Mother Of Love, The Moon Of Love y Joshua Come Home, está última más evocadora de playas con palmeras que montes con abetos. En Dream destacan asimismo dos canciones de medio tempo, Ripplin' Waters y la clásica (All I Have To Do Is) Dream, en su día popularizada por los hermanos Everly, cuyo recuerdo queda difuminado por la excelente relectura de la Nitty, que también se atreve con el bluegrass ortodoxo en Sally Was A Goodun y con el flamenco tocando un palo muy popio de instrumento de cuerda, una malagueña, pero interpretada con banjo.

Composiciones: Winterwhite. Raleigh-Durham Reel. Battle of New Orleans. Bayou Jubilee. Sally Was A Goodun. Hey Good Lookin. Classical Banjo I. Malaguena. Classical Banjo II. Daddy Was A Sailor. Sleeping On The Beach. Santa Monica Pier. Rippling Waters. All I Have To Do Is Dream. Mother Of Love. The Moon Just Turned Blue. Gotta Travel On. Joshua Come Home. Solstice. Symphonion Montage.

Músicos: John McEuen ( guitarra, banjo, violín, mandolina steel guitar y voz), Jeff Hanna (guitarra, batería y voz), Jimmy Ibbotson (guitarra, bajo, teclados, batería y voz), Les Thompson (bajo, guitarra y voz), Leon Russell (piano, teclados, sintetizador, batería, campanas, gourd y voz), Linda Ronstadt (voz), Gary Busey (batería, timbales, campanas y cencerro), Paul Harris (teclados), Alice McEuen (coros), Kae McEuen (coros), Jim Ratts (coros), Mary McCreary (coros) y Mary Stevens (coros).

Más portadas: Acoustic (1994), Bang!Bang!Bang! (1999), Will The Circle Be Unbroken: The Triology Box Set (2003), Dirt On The Strings (2004) y Welcome To Woody Creek (2004).

Apunte: De The Nitty Gritty Dirt Band aparece en este blog el post con fecha Monday, June 11, 2007.

Que me parta un un rayo (WEA) 2002
Edición Coleccionistas
Christina y Los Subterráneos
Portada: fotografía de Alberto García Alix

Christina Rosenvige (Madrid, 1964) iniciaba por fin su carrera como roquera con el disco titulado Que me parta un rayo (1991), una vuelta de tuerca en el resorte musical de la polifacética hispano-danesa, quien contó con la colaboración de un eficiente plantel músicos, bajo el nombre de Los Subterráneos, que contribuyó al éxito del disco tanto en España como en Latinoamérica. Christina deja atrás su línea más suave y pop y se atreve con las letras que hablan del lado salvaje, de amores no correspondidos, desencanto o relaciones frágiles, un paseo por un universo muy roquero que ofrece interesantes paradas. Tú por mí, 1.000 pedazos, Pulgas en el corazón, Señorita, Tengo una pistola, Las suelas de mis botas, Alguien que cuide de mí y Al fin sola, al fin, son algunos de las referencia que llevan a la conclusión de que Christina no era una advenediza en el territorio del rock, pues en el repertorio se nota claras influencias de Lour Reed, Bob Dylan, Neil Young, el rock con raíces (americana), el tex mex e incluso la canción de autor en clave intimista. Un estreno prometedor de Christina que sirvió para consolidar su ansiada faceta de roquera.

Canciones: Tú por mí. 1.000 pedazos. Pulgas en el corazón. Señorita. Yo no soy tu ángel. Voy en un coche. Ni una maldita florecita. Tengo una pistola. Las duelas de mis botas. Alguien que cuide de mí.

Músicos: Christina Rosenvige (voz), Jaime Asúa (guitarra eléctrica, guitarra acústica y coros), Pancho Varona (guitarra, eléctrica, guitarra acústica y coros), Antonio García de Diego (guitarra eléctrica, guitarra acústica, teclados y coros), José Nodar (bajo y coros), Óscar Quesada (batería y pandereta), Juan Luis Giménez (guitarra acústica), Alejo Stivel (coros en Ni una maldita florecita), Álvaro Urquijo (guitarra eléctrica en Tú por mí y guitarra acústica en Ni una maldita florecita), Antonio Calero (batería en Alguien que cuide de mí), Begoña Larrañaga (acordeón en Señorita).

Más portadas: Cristina y Los Subterráneos: En vivo Madrid (1993) ny Mi pequeño animal (1994). En solitario: Cerrado (1997), Flores raras (1998), Frozen pool (2001), Foreign land (2002), Continental 62 (2006), Verano fatal (2007) -con Nacho Vegas- y Tu labio superior (2008).

Apunte: La edición limitada, remasterizada y para coleccionistas, a modo de disco CD-libro, usado para el comentario en este post, incluye las canciones extra: 1.000 pedazos, Tú por mí, Pulgas en el corazón, Alguien que cuide de mí y Al fin sola, al fin.La mayoría son versiones acústicas de los originales.

Fotografía de Dudley Reed

Coleccionables

Portadas retro de grupos pop de España (1984-1992)

• Modelos------------------------Éxitos (Twins) 1984
• Danza Invisble------------------Música de contrabando (Twins) 1986
• La Brigada Lincoln--------------La Brigada Lincoln (Bris Records) 1986
• Os Resentidos-------------------Fracaso tropical (Gasa) 1988
• Un pingüino en mi ascensor-----El balneario (Dro) 1988
• Aerolíneas Federales------------Échame sifón (Dro) 1988
• Hombres G----------------------Historia del bikini (Twins) 1992

Running Wild Blues (Charly) 2006
Little Milton
Portada: archivo Sun Records

Litlle Milton (1934-2005) es uno de esos músicos de largo recorrido que no hizo otra cosas desde su adolescencia que buscar un lugar dentro del blues, el r&blues y el soul, lo cual le sirvió no para alcanzar el estatuto de estrella de primera fila, pero sí para desarrollar un amplio repertorio que ha quedado recogido en diferentes sellos discográficos y actuaciones en directo hasta poco antes de su muerte. Running Wild Blues es el título de un recopilatorio que contiene un total de 27 piezas, algunas tomas alternativas y rarezas, grabadas en el carimástico y sureño estudio Sun, cuando Sam Phillips aún no se había decidido del todo por otros estilos populares de la música blanca. Un jovencísimo Little Milton demuestra que en aquel tiempo, entre 1953 y 1954, estaba labrándose un futuro y trabajando un currículo para competir en un cada vez más dificultoso mercado discográfico. Con tino, buena ejecución a la hora de tocar la guitarra y acertada elección de las canciones que él mismo compone, Little Milton, con la inestimable colaboración de Ike Turner, se adentra por el camino de un blues urbano que se mueve entre las influencias de figuras entonces en alza como Elmore James y B.B.King, en cuanto al blues, pero igualmente tiene maneras del r&blues mestizo de Fats Domino y el blues soul de Bobby Blue Bland. Basta con escuchar, entre el amplio catálogo de Running Wild Blues, canciones como Feed Body To The Fishes, Playing The Boogie Woogie, Cryng In The Courthouse, Homesick For My Baby, Sh'es My Queen o Standing At The Station.

Canciones: Feed My Body To The Fishes (with Willie Love). Nelson Street Blues (with Willie Love). V-8 Ford (with Willie Love). Beggin’ My Baby. Somebody Told Me. If You Love Me, Baby. Alone And Blue. Looking For My Baby. Homesick For My Baby. I Love My Baby. If Crying Would Help Me. Untitled. Running Wild Blues. She's My Queen. Re-Beat. Oo-Wee, Bab. I'll See You Some Sweet Day. I Want You Baby. Playing The Boogie. Come On, Baby. Carry My Business On (with Houston Boines). Standing In the Courthouse Crying (with Houston Boines). Standing At the Station (with Houston Boines). I Love My Baby Lookin' For My Baby (Rode That Train All Night Long) (Alternate Take). If You Love Me (Alternate Take). Homesick For My Baby (Alternate Take).

Músicos: Little Milton (guitarra y voz), Ike Turner (piano), Lonnie Hayes (batería), Jesse Knight (bajo), Cleophas Johnson (bajo), Willie Sims (batería), Houston Boynes (armónica), C.W. Tate (saxo tenor) y Lawrence Taylor (saxo alto).

Más portadas: We're Gonna Make It (1965), Sings Big Blues (1968), Grits Ain't Groceries [live] (1970), If Walls Could Talk (1970), What It Is (1973), Montreux Festival (1974), Tin Pan Alley (1975), Friend Of Mine (1976), Walkin' The Back Streets (1981), The Blues Is Alright (1982), Age Ain't Nothin' But A Number (1983), Playing For Keeps (1984), Movin' To The Country (1987), Annie Mae's Cafe (1987), I Will Survive (1988), Too Much Pain (1990), Reality (1991), Who's Cheating Who (1992), I'm a Gambler (1994), Live at Westville Prison (1995), Cheatin' Habit (1996), For Real (1998),Welcome to Little Milton (1999), Blues in the Night (2000), Guitar Man (2002), Think of Me (2005) y Live at the North Atlantic Blues Festival (2006).

Apunte: Little Milton también grabó para los prestigiosos sellos discográficos Chess y Stax.

Navegando la noche (Ariola 1988)
Amancio Prada
Portada: Javier Utray

Amancio Prada (Dehesas-León, 1949) tuvo a bien colaborar con el periodista y escritor Manuel Vicent (Villavieja-Castellón 1936) sobre una serie de colaboraciones que éste había escrito a modo de columnas en la prensa diaria. De esta manera el cantautor daba un salto cualitativo en su labor discográfica al no recurrir a escritura poética de autores en castellano o en gallego. El resultado del trabajo creativo a dúo entre Prada y Vicente fue la grabación del disco titulado Navegando la noche, donde, como dije anteriormente, el cantautor deja de lado sus habituales melodías de un corte un tanto tradicional para adentrarse en canción urbana que retrata el devenir cotidiano de personas y objetos en la ciudad, ya sea de noche o día, que están envueltos en historias protagonizadas también por la soledad, la muerte, la droga dura, la juventud perdida o el desamor, todo bajo un fondo musical que no tiene nada que ver con el habitual sonido acústico tan propio de los cantautores de los setenta. Guitarras, eléctricas, teclados, saxo y hasta sintetizadores contribuyen a que Amancio Prada adquiera un tono más cercano a las historias que cuenta que a la voz un tanto mística a que tiene acostumbrado a su público. Caballo blanco, Rey de tu viente, Vieja dama, Semáforo o Almohada son algunas de las piezas de referencia de Navegando la noche, cuyo inicial éxito contribuyó a que Prada y Vicent realizasen una gira por diferentes escenarios con el material literario del disco, donde se demuestra que periodismo y canción no se llevan mal cuando hay sensibilidad y compenetración por medio.

Canciones: Caballo blanco. Novia de leche. Rey de tu vientre. Mariposa. Tengo en el pecho una jaula. Otoño. Vieja dama. Semáforo. Almohada.

Músicos: Amancio Prada (voz), Javier de Juan (batería y percusion), Manuel Aguilar (bajo eléctrico), Rodrigo (guitarras acústicas y eléctricas), Juan Giralt (piano y teclados), Ritchie Rauet (programación de sintetizadores), Tito Duarte (saxo soprano), Juan Cerro (guitarra española en Caballo blanco y Almohada) y H. Kriales, E. Sánchez, E, Szcij y E. Correa (Cuarteto de cuerda).

Más portadas: Trovadores, místicos y románticos (1991), Cántico espiritual (1991), Emboscados (1994), Rosas a Rosalía (1997), Tres poetas en el Círculo (1998), De mar e terra (1999), Escrito está (201), Canciones del alma (2002), Sonetos y canciones de Federico García Lorca (2004), Hasta otro día, Chicho (2005), Rosalía siempre (2005), Zamora (2006) y Concierto de amor vivo (2007).

Apunte: De Amancio Prada hay un comentario en este blog con fecha. Tuesday, October 3, 2006.

BBC Sessions (RCA) 1999
Rory Gallagher
Portada: fotografía de Gary Heery

Rory Gallagher (1948-1995) forma parte desde hace mucho tiempo del rico legado musical de la emisora radiofónica BBC, hasta el punto que, como ha pasado con otros artistas, se ha editado un doble cedé -en este caso póstumo- de las sesiones auspiciadas por la British Broadcasting Corporation y supervisadas por Donal Gallagher, hermano de Rory. Del cantante, compositor y guitarrista irlandés hay poco que añadir en este blog, pero no puedo resistirme al encanto de este disco doble que recoge canciones de un periodo de tiempo que va de 1971 a 1986. Como no, Rory está en su mejor salsa en directo, que es el sonido que recopila el primer CD: un total de 10 piezas que responde al típico repertorio de Gallagher, es decir blues de la tradición y de reconocidos bluesmen, así como canciones propias de Rory, caso de Calling Card, que abre el amplio recopilatorio y representativa canción, mira por donde, de uno de sus mejores álbumes en estudio. En el disco de estudio están presentes grabaciones de 1971, 1972 y 1973, excepto la versión de When My Babe She Left Me, de 1986, única pieza de la década de los ochenta registrada en el doble cedé. Al igual que en el directo, Rory Gallagher no deja de lado su entrega e insiste en lo que mejor sabe hacer blues rock potente, eléctrico y con solos nada apabullantes, ni pretenciosos, más bien naturales, pero con mucho sentimiento que hacen del guitarrista uno de los ejemplos del rock atemporal que, sin ser vendedor de millones de discos, mantiene una legión de seguidores por todo el mundo.

Canciones: CD1 (In Concert). Calling Card. What In The World. Jacknife Beat. Country Mile. Got My Mojo Working. Garbage Man. Roberta. Used To Be. I Take What I Want. Cruise On Out. CD 2 (Studio). Race The Breeze. Hands Off. Crest Of A Wave. Feel So Bad. For The Last Time. It Takes Time. Seventh Son Of A Seventh Son. Daughter Of The Everglades. They Don't Make Them Like You. Tore Down. When My Baby She Left Me. Hoodoo Man.

Músicos: Rory Gallagher (guitarra, armónica y voz), Gerry McAvoy (bajo), Lou Martin (teclados). In concert. Rod deAth (batería 1-9), Ted McKenna (batería 10). Studio. Wilgar Campbell -(batería, 5,6,10 y 12), Rod deAth (batería, 1-4 y 7-9) y Brendan O'Neil (batería 11).

Más portadas: Meeting The G-Man (2003), Live At Montreux (2003) y The Esential (2008).

Apunte: En este blog se encuenta más información sobre Rory Gallagher en los post. Thursday, June 1, 2006. Sunday, June 18, 2006. Tuesday, October 23, 2007. Thursday, April 17, 2008. Thursday, November 13, 2008. Thursday, Febraury 26, 2009.

Good (Geffen Records) 1990
Sonic Youth
Portada: ilustración de Raymond Pettibon

Sonic Youth se internaba en la década de los noventa con cambio de discográfica y, por consiguiente, con entrada por la puerta grande en el universo del rock desde su postulado alternativo al que no renuncia en uno de los discos más intensos de la banda neoyorquina, con permiso del emblemático Draydem Nation. Ruido, guitarras distorsionadas y voces desquiciadas constituyen los elementos que definen a Goo como una de las grabaciones más difundidas de Sonic Youth, que se hizo ejemplar gracias a piezas entre las que se pueden citar Dirty Boots, Tunic, Disappearer o Kool Thing, las cuales, sin menosprecio de las restantes, representan la quintaesencia del sonido más asequible de Sonic Youth, aunque en algunas canciones el noise apabulla, pero hay que pensar que así era el sonido de algunos grupos indies que marcaban pautas entonces.

Canciones: Dirty Boots. Tunic. Mary-Christ. Kool Thing.Mote. My Friend Goo. Disappearer. Mildred Pierce. Cinderella's Big Score. Scooter + Jinx. Titanium Exposé.

Músicos: Thurston Moore (guitarra y voz), Lee Ranaldo (guitarra y voz), Kim Gordon (bajo y voz) y Steve Shelley (batería). J Mascis (voz 2,5 y 6), Don Fleming (voz adicional en 1 y 7) y Chuck D. (voz en Kool Thing).

Más portadas: Sonic Youth (1981), Confusion Is Sex (1983), Sonic Death (1984), Bad Moon Rising (1985), EVOL (1986), Sister (1987), Daydream Nation (1988), Dirty (1992), Experimental Jet Set, Trash and No Star (1994), Washing Machine (1995), A Thousand Leaves (1998), SYR4: Goodbye 20th Century (1999), NYC Ghosts & Flowers (2000), Murray Street ( 2002), Sonic Nurse (2004), Rather Ripped (2006) y The Eternal (2009).

Apunte: La edición de lujo de Goo, de 2005, ofrece un total de 31 canciones recogidas en dos discos en formato CD.

El rastro 


Los Relámpagos
Zafiro-Novola 6 Pistas
1966

• Alborada gallega
• Bailarina de España
• Vacaciones en España
• Nocturno

Contrabando (Zafiro) 1968
Los Brincos
Portada: Iván Zulueta


Los Brincos, tras la salida de Juan y Junior hacia la exitosa aventura como dúo, optaron por incorporar nuevos miembros y salirse de los esquemas beat y adentrarse en las nuevas corrientes del pop anglosajón, hasta el punto que el grupo insignia del pop español viajó al Reino Unido para grabar las canciones de Contrabando, algunas de las cuales ya habían obtenido importantes puestos entre los sencillos más vendidos en España. Lola, por ejemplo, estuvo bastante tiempo sonando como primera de la lista durante el verano de 1967. Los Brincos eran asiduos de los estudios de grabación londinenses desde 196 bajo la produción de Larry Page. Pero lo dicho anteriormente, Fernando Arbex, el cerebro del grupo, apostó por el cambió, y eso se nota en canciones cantadas tanto en inglés como en español. El pasaporte, Rápidamente, The train -denunciada por Pete Townshend, es decir The Who, por supuesto plagio de Subtitute-, Nadie te quiere ya, Contrabando, Big Temptation o You Know, que se engloban en el sonido de la época: pop almibarado, psicodelia, rock de garaje o tímido sinfonismo con orquestación incluida. Si a todo se le une la portada del jipi hispano Ivan Zulueta, se puede decir que Los Brincos eran modernos en aquel emblemático año de salida a la venta de su disco grande Contrabando.

Canciones: Lola. Pequeño pájaro. El pasaporte. Rápidamente. The train. Un mundo diferente. Nadie te quiere ya. Contrabando. Big Temptation. Soy como quiero. So Good To Dance. Nunca cambiarás.

Músicos: Fernando Arbex (batería y voz), Ricky Morales (guitarra solista), Vicente Martínez (guitarra de ritmo) y Manolo González (bajo). Miguel Morales (guitarra de ritmo) y Óscar Laprilla (órgano).

Más portadas: Eterna juventud (2000).

Apunte: En el año 2001 salió a la venta en formato cedé Contrabando con las 12 canciones originales del vinilo y las canciones extra: You Know, Amiga mía, Érase una vez, Sol en julio, Ananai, Gracias por tu amor, El domingo, Las alegres chicas de San Diego, Apolo, ¡Oh mama!, La fuente, Pareces gitana, Más alegre y Story Of Glory. Miguel Morales mantiene en la actualidad el nombre de Los Brincos, junto a tres músicos más, que el 18/8/2009, inician su gira española en la localidad valencia de Xátiva. Más sobre el grupo en los posts: Wednesday, November 19, 2008. Saturday, Febraury 9, 208. Thursday, June 7, 2007.

Edición especial

4x10

1969

Second Winter (Columbia) 1969
Johnny Winter
Portada: fotografía de Richard Avedon

John Dawson Winter III (Beaumont, Texas, 1944) mantiene viva la imagen del guitarrista superviviente de la década de 1960 que, tras los escarceos propios del artista inquieto, ha regresado cual hijo pródigo al sonido inicial que inspira su ya larga carrera musical en la que se sitúa su segunda entrega discográfica. Second Winter ofrece al guitarrista tejano en plena evolución estilística que no sólo se inspira en versiones de otros músicos, sino que se atreve a componer sus propias canciones, algunas, a pesar del peso del blues, precursoras de estilos como el denominado rock sureño. Basta con escuchar Hustled Down In Texas -muy parecido en forma y fondo a Crossroads- o Fast Life Rider, éste sobre todo por el prolongado solo de guitarra y la reiterante sección de ritmo. Pero en el elepé se encuentran, por mayoría apabullante, tres en total, canciones representativas del rock negro como Slippin' And Slidin', Miss Ann y Johnny B. Goode, de figuras como Little Richard, Albert Collins y Chuck Berry, a las que imprime ese marchamo característico de guitarreo tejano tan presente en el legado del mayor de los hermanos Winter. En eso de las versiones no termina ahí el asunto, porque Johnny se despacha con un pesado blues rock de esencia sesentera, en concreto Memory Pain, que se aleja del original y sinuoso r&blues del gran Percy Mayfield. Luego están la enérgica pero convincente versión de una de las canciones fetiche de Bob Dylan, Highway 61 Revisited, y The Good Love, otra incursión en el acelerado blues rock de tendencia sureña. También tienen su gracia I'm Not Sure, donde resalta el trabajo a los teclados del también albino Edgar Winter, y I Hate Everybody con sus apuntes de swing bien ejecutados por todos los músicos, así como la winteriana I Love Everybody, pero con el sarampión Cream presente aún el cuerpo y mente del veinteañero Johnny.

Canciones: Memory Pain (Percy Mayfield). I'm Not Sure (Johnny Winter). The Good Love (Dennis Collins). Slippin' and Slidin' (Eddie Bocage, Albert Collins, Little Richard, James Smith. Miss Ann (Enotris Johnson, Little Richard). Johnny B. Goode (Chuck Berry). Highway 61 Revisited (Bob Dylan). I Love Everybody" (Johnny Winter). Hustled Down in Texas (Johnny Winter). I Hate Everybody (Johnny Winter). Fast Life Rider (Johnny Winter).

Músicos: Johnny Winter (guitarra, mandolina y voz), Edgar Winter (teclados, saxo alto y voz), Uncle John Turner (percusión), Tommy Shannon (bajo) y Dennis Collins (bajo).

Más portadas: Live In NYC' 97 (1997), I'm Bluesman (2004), Rockin Bluesman (2006) y Raised Of Blues (2008).

Apunte: La edición en formato doble cedé de 2004 en la serie Legacy incluye, además del material incial del elepé, Early In The Morning, Tell The Truth (Instrumental), Help Me (Live), Johnny B. Goode(Live), Mama Talk To Your Daughter (Live), It's My Own Fault (Live), Black Cat Bone (Live), Mean Town Blues (Live), Tobacco Road (Live), Frankenstein (Live) y Tell The Truth (Live). Más información sobre Johnny Winter en este blog. Thursday, June 1, 2006.

Ten Years After (Deram) 1967
Ten Years After
Portada: Phil Smee at Waldo's Dessing & Deram Emporium

Ten Years After se estrenaba discográficamente en 1967 con el elepé de estudio que lleva el nombre del grupo de Notthingam/Mansfield, trabajo que constituyó el primer paso hacia la fama de la banda de blues rock perteneciente ya a la segunda tanda dentro del panorama musical británico. Fiel a los principios de esa generación, el combo liderado por Alvin Lee echa mano a un surtido repertorio de versiones con base en la música negroamericana, aunque también hay una revisión de I Can't Keep From Crying, Sometimes, de Al Kooper en la etapa de los neoyorquinos Blues Project, en la que se pone de manifiesto la capacitación del teclista Chick Churchill para sustentar una de las bases del sonido de TYA, que está representada, por ejemplo, en Adventures Of A Young Organ, muy acorde con un sonido jazzístico y libre aún del peso del cercano progresivismo roquero. I Want To Know, Spoonful y Help Me son las más o menos acertadas versiones que realiza Ten Years After en su álbum de presentación. Blues, rock and roll e influencias psicodélicas son algunos de los estilos en los que mejor se mueve el cuarteto, cuyos miembros tampoco descuidan su labor creativa al aportar varias composiciones, entre ellas Love Until I Die, en la que Lee toca también la armónica, y Don´t Want You Woman, de clara referencia al folk blues con acústica incluida en las manos de Alvin, quien estaba a un paso de entrar en olimpo de los guitarristas míticos de los sesenta. La edición en soporte cedé de 2002 del primer disco de TYA incluye media docena de canciones extra grabadas en 1968, algunas nunca editadas antes, otras caras recogidas en sencillos de 45. r.p.m., casos de Portable People, The Sounds, Rock Your Mama, Spider In My Web, Hold Me Tight y Woodchoppers Ball. Hay que recordar que el primer larga duración de Ten Years After se editó en España en la década de los setenta en el disco doble titulado Now, nada que ver con puesto a la venta en 2004, donde se incluía también el elepé en directo Undead (1968), segundo del grupo, que incluía la mítica I'm Going Home.

Canciones: I Want To Know. I Can't Keep from Crying, Sometimes. Adventures of a Young Organ. Spoonful. Losing the Dogs. Feel It for Me. Love Until I Die. Don't Want You, Woman. Help Me.

Músicos: Alvin Lee (guitarras, armónica y voz), Leo Lyons (bajo), Ric Lee (batería) y Chick Churchill (órgano).

Más portadas: Now (2004), Roadworks (2005) y Evolution (2008).

Apunte: Ten Years After continúa como grupo, pero sin Alvin Lee, a quien sustituye el guitarrista Joe Gooch. El cuarteto tiene previstas actuaciones en Chile, Brasil, Alemania, Francia, Suiza, Austria, Holanda y Dinamarca.

Brownie-Homage To Clifford Brown (Verve) 1994
Helen Merrill
Portada: fotografía de Beth Kelly

Helen Merrill (Nueva York, 1930) es una de las cantantes vivas de la generación surgida al calor del bop que ha matenido una intachable carrera musical desde sus comienzos en los años cincuenta. Como corresponde a toda una dama, Helen ha llevado a la práctica aquella frase que dice: es de bien nacido ser agradecido, agradecida mejor dicho en el caso de la artista norteamericana, quien no dudó en realizar un homenaje al trompetista Clifford Brown (1930-1956), cuatro décadas después de la grabación del primer disco de Merril en el que tocó el instrumentista prematuramente desaparecido. Con la colaboración de jóvenes y aventajados músicos de jazz que en los noventa dieron soltura y expansión al viejo género musical, Helen demuestra una vez más sus dotes para el jazz cantado. Así no duda en recurrir a la calidez que Brown puso a sus interpretaciones, y a la vez que expresiva se muestra también intima, dulce y sensual, pero sin perder la elegancia que caracteriza a la veterana cantante. Basta con escuchar cualquier pieza de las 13, excepto los instrumentales, para confirmar porque está considerada una de las mejores voces del jazz de todos los tiempos. Your Eyes, Born To Be Blue, I'll Remember April, Don't Explain, I'll Be Seeing You o Gone With The Wind. Por otra parte resulta altamente atractivos y de agradecer los trabajos realizados por los trompetistas sobre los solos de Brownie, por ejemplo en Born To Be Blues o You'd Be So Nice To Come Home To.

Canciones: Your eyes. Daahoud. Born To Be Blue. I remember Clifford. Joy Spring. I'll Remember April. Don't Explain. Brownie. You'd Be So Nice To Come Home To. I'll Be Seeing You. Memories Of You. Gone With The Wind. Largo.

Músicos: Helen Merrill (voz), Kenny Barron (piano), Roy Hargrove (trompeta y flugelhorn), Tom Harrell (trompeta y flugelhorn), Victor Lewis (batería), Rufus Reid (bajo), Wallace Roney (trompeta), Lew Soloff (trompeta) y Torrie Zito (director musical, arreglos y teclados).

Más portadas: De Helen Merril se han puesto a la venta reediciones de discos grabados en los años cincuenta y sesenta, entre otros, In Tokyo/Sings Folk (2001), The Helen Merrill-Dick Katz Sessions (2006) y The Nearness Of You/You've Gota a Date With The Blues (2009).

Apunte: Más información en este blog sobre Helen Merrill, mirad en la fecha Wednesday, January 23, 2008.

Grace (CBS/Sony) 1994
Jeff Buckley
Portada: fotografía de Merri Cyr y David Gahr

Jeff Buckley (1966-1997) fue una de las grandes esperanzas blancas de la canción durante la primera mitad de la década 1990, etapa de la que queda como un hito el disco Grace, que, por desgracia, resume el inicio sin continuidad de lo que semejaba una carrera brillante dentro del rock finisecular. Buckley contaba con todas las bazas para una subida rápida pero segura en el escalafón de los cantautores, lugar en que sin duda se ha colocado su único disco completo, a pesar del discreto reconocimiento durante su lanzamiento. Voz privilegiada, inspiración literaria de contenido intimista y una apuesta por una música abierta a diferentes géneros pero sin una declaración concreta, aunque el rock planea sin duda por la mayoría del repertorio de Grace, basta con escuchar la rabiosa Eternal Life o la evocadora So Real, son los principales poderes de Buckley junior. El malogrado compositor y cantante demostró un acertado talento a la hora de exponer su arte natural. Mojo Pin, Grace, Last Goodbye, Lilac Wine -ésta compuesta por J. Shelton-, Hallelujah o Corpus Christie Carol representan la esencia del sonido buckleyniano en el que prima una voz de múltiples matices apoyada en sonidos envolventes que fluctúan entre el rock y la vanguardia jazzística.

Canciones: Mojo Pin. Grace. Last Goodbye. Lilac Wine. So Real.Hallelujah. Lover, You Should've Come Over. Corpus Christi Carol.Eternal Life. Dream Brother.

Músicos: Jeff Buckley (guitarra, órgano, dulcimer de los Apalaches, harmoniun, tabla y voz), Mick Grondahl (bajo), Michael Tighe (guitarra), Matt Johnson (percusión, vibráfono y batería), Gary Lucas (Magical Guitarness), Karl Berger (arreglos de cuerda), Loris Holland (órgano) y Misha Masud (tabla).

Más portadas: Sketches for My Sweetheart the Drunk (1998).

Apunte: La edición de 2004 de la serie Legacy contiene las canciones extra Forget Her, Dream Brother, Lost Highway, Alligator Wine, Mama, You Been On My Mind, Parchman Farm Blues/Preachin' Blues, The Other Woman, Kanga-Roo, I Want Someone Badly, Eternal Life, Kick Out The Jams (Live), Dream Brother y Strawberry Street, canciones ajenas de la más variada procedencia reinterpretadas por Jeff Buckley.

Public Domian (Hightone Records) 2000
Dave Alvin
Portada: diseño de Lou Beach

Dave Alvin (Downey-California, 1955) comenzó a ser conocido a raíz de su militancia, junto a su hermano Phil (1953), en el grupo Blasters, una refrescante alternativa al revivalismo del rock and rool de comienzos de la década de 1980, que iba más allá de una estética e interpretaciones de clásicos del género que arrasó en la segunda mitad de los cincuenta. Dave no era un advenedizo en la movida musical con raíces porque contaba desde muy joven con unas referencias bastante sólidas que se asentaban en folk, country, blues, rhythm and blues, rockabilly y otros sonidos de la música popular, lo cual contribuyó al éxito del citado combo. No obstante, los dos hermanos también se involucraron bastante en la potente escena underground de Los Angeles al coloborar con conocidas bandas de raigambre punk, algunas ya citadas en este blog. Dejo la historia para centrarme en el pequeño de los Alvin, pues Dave mantiene desde hace dos largas décadas una interesante carrera en solitario, eso sí acompañado de excelentes músicos, que para Public Domain echaron el resto para dar lustre a canciones del acervo popular dentro de lo que se viene denominando roots music, americana o cómo quiera llamarle la gente, es decir un cajón de sastre más viejo que los paisanos y paisanas de las fotografías de la carpeta del CD. Es decir country, hillbilly, folk, canciones vaqueras y un sinfin de sonidos bajo títulos mil y una veces interpretados, por ejemplo Shenandoah, A Short Life Of Trouble, Delia, Texas Rangers, Railroard Bill O East Virginia Blues, entre otras. Todo el repertorio del elepé resulta agradable, evocador y con mucho sentimiento, que ya es bastante.

Canciones: Shenandoah. Maggie Campbell. A Short Life Of Trouble. What Did The Deep Sea Say. Engine 143. Delia. Dark Eyes. Walk Right In. Murder Of The Lawson Family. Don't Let Your Deal Go Down. Railroad Bill. Texas Rangers. Mama, Ain't Long for Day. East Virginia Day. Sign Of Judgement.

Músicos: Dave Alvin (guitarras acústica, eléctrica y botleneck slide y voz), Rick Shea (guitarras acústica, eléctrica, pedal steel guitar, mandolina y armonías vocales), Bobby Lloyd Hicks (batería, percusión y armonía vocales), Joe Terry (piano, órgano, acordeón, harmonium y armonías vocales), Gregory Boaz (bajos acústico y eléctrico), Brantley Kearns (violín y armonías vocales), David Jackson (bajos eléctrico y acústico), John Juke Logan (armónica) y Greg Leisz (dobro y slide guitar).

Más portadas: Romeo's Escape (1987), Blue Boulevard (1991), Museum of Heart (1993), King Of California (1994), Interstate City (1996), Blackjack David (1998), Out in California (2002), Outtakes in California ( 2002), Ashgrove ( 2004), The Great American Music Galaxy (2005), West of the West (2006) y Live at Austin City Limits (2007).

Apunte: Más información sobre Dave Alvin, en concreto de su etapa con The Blasters, en este blog mirad la fecha. Friday, May 12, 2006.