Shadowdance (Windham Hill). El grupo de Chicago Shadowfax graba en el año 1983 su cuarto elepé ya como septeto y con una orientación hacia melodías en las que tienen cabida variadas músicas, gracias a la inclusión de instrumentistas que aportan pasajes un tanto exóticos en las seis composiciones incluidas en el disco. Éste se abre con esa multiculturidad típica del sello discográfico Windham Hill, el mismo título lo dice, New Electric India, aunque con preponderancia del jazz rock tan bien ejecutado desde sus comienzos por Shadowfax y que se repite en la composición que da título al álbum. Este estilo alcanza su máxima expresión en una pieza de Don Cherry, Brown Rice/Karmaza Chenno, único tema en el que se utiliza una voz. El resto del disco recalca las tendencias melódica y acústica de la banda, Watercourse Way, Ghost Bird y Distant Voices, mientras que la faceta roquera es evidente en A Song For My Brother. La fotografía de la portada del elepé pertenece a John F. Cooper

Canciones: New Electric India. Watercourse Way. Ghost Bird. Shadowdance. Brown Rice/Karmapa Chenno. Distant Voices.A Song for My Brother.

Músicos: G.E. Stinson (guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas y voz en Brown Rice. Chuck Greenberg (lyricon, saxo tenor y flauta), Phil Maggini (bajo), Stuart Nevitt (batería, percusión y kelon vibes en Shadowdance), Jared Stewart (piano y sintetizador) y Jamii Szmadzinski (violín, violín barítono y alto psaltry en New Electric India). Emil Richards (percusiones, marimba, platillos y bamboo angklung), Michel Spiro (conga, guiro y percusión de mano), Mick Lehocky (percusión) y Adam Rudolph (tabla en New Electric India).

Otras portadas: Watercourse Way (1976), Too Fast To Whisper (1977), Shadowfax (1982), The Dreams Of Children (1984), Too Fear To Whisper (1986) y Folksong For A Nuclear Village (1987).

Dire Straits (Vertigo). Dire Straits es uno de los grupos británicos con un excelente estreno discográfico al que sobrevivió con otros notables trabajos hasta su disolución a mediados de los años noventa. En 1978 se ponía a la venta el disco que lleva el nombre del entonces cuarteto, formación representativa de lo que se ha venido llamando pub rock, un estilo posterior al punk que se produjo en Inglaterra y en el que tuvieron un especial protagonismo Brinsley Schwarz, Ian Dury & The Blockheads o Dr. Feelgood, entre otros, que a su vez sirvieron para consolidar sellos discográficos de carácter independiente. Con apoyo, en un fino guitarrista llamado Mark Knopfler, con voz parecida a la de J.J. Cale, el cuarteto recoge un sonido contagioso en el que se mezclan rock and roll, country, boggie y jazz, y del que tiene su máximo exponente en la canción Sultans Of Swing, todo un bombazo en el ambiente del rock de finales de los setenta, aunque el álbum de presentación del grupo también son agradables otras piezas como las tituladas Down To The Waterline, Water Of Love, In The Galery, Southbound Again y Wild West End. La carátula del disco incluye una pintura firmada por Chuck Loyola y Hothouse.


Canciones: Down To The Waterline. Water Of Love. Setting Me Up. Six Blade Knife. Southbound Again. Sultans Of Swing. In The Gallery. Wild West End. Lions.

Músicos: Mark Knopfler (guitarras y voz), David Knopfler (guitarra rítmica), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería).

Otras portadas: Communiqué (1979), Making Movies (1980), Love Over Gold (1982), Brothers In Arms (1985) y Money For Nothing (1988).

Bat Out Of Hell (Epic). Uno de los discos más vendidos en la historia del rock es esta grabación de Meat Loaf, hasta entonces un personaje desconocido en el cambiante universo del rock de finales de los años setenta. Con la presencia en la producción y arreglos de dos personajes de la talla de Todd Rundgren y Jim Steinman, Meat Loaf impacta con el grandilocuente Bat Out OF Hell, primera entrega de un título discográfico que tendrá continuidad en años posteriores. La primera parte de esta trilogía se caracteriza por la orquestación que domina toda la obra para dar así más énfasis a la épica juvenil escrita por Steinman y que tendrá sus mejores exponentes en You Took the Words Right out of My Mouth (Hot Summer Night), Two out of Three Ain’t Bad y Paradise by the Dashboard Light, las cuales obtienen un importante éxito entre los seguidores del rock, quienes no saben cuál definición aplicar al estilo del disco, pues en él se encuentran influencias de ópera rock, heavy, r&b y soul. Sin embargo, esta falta de marchamo sirve para que Bat Out Of Hell sea una de las tablas de salvación del agotado rock de finales de los setenta, un tanto desprestigiado por las hordas del punk y la new wave. La excelente voz de Meat Loaf y el trepidante ritmo del disco desde el comienzo hasta el final, con la inclusión de alguna balada con gancho, completan la originalidad del álbum. La portada del elepé expone una obra del ilustre dibujante de cómics Richard Corben.

Canciones: Bat Out of Hell. You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night). Heaven Can Wait. All Revved Up With No Place to Go. Two Out of Three Ain’t Bad. Paradise By the Dashboard Light. For Crying Out Loud.


Músicos: Meat Loaf (voz y percusión), Kasim Sulton (bajo y voz), Roy Bittan (piano y teclados), Jim Steinman (teclados, percusión y efectos especiales), Roger Powell (sintetizador), John Wilcox (batería), Max Weinberg (batería), Todd Rundgren (guitarra, percusión, teclados y voz), Edgar Winter (saxofón), Steve Margoshes (piano en For Crying Out Loud), Cheryl Hardwick (piano on For Crying Out Loud), Ellen Foley (voz), Rory Dodd (voz), Marcia McClain (voz en Hot Summer Night), Phil “Scooter” Rizzuto (voz) y Gene Orloff (director de New York Philharmonic y Philadelphia Orchestra).

Otras portadas: Dead Ringer (1981), Midnight At The Lost And Found (1983), Bad Attitude (1984) y Bat Out Of Hell II (1993).

On Throught The Night (Vertigo). Quinteto inglés correspondiente a la oleada heavy de comienzos de los ochenta que coge el relevo de bandas emblemáticas de la anterior década, pero sin caer en los excesos fantasiosos de sus antecesores a la hora de componer. Def Leppard debuta en el año 1980 con este disco en el que se impone el sonido básico de dos guitarras eléctricas, sección rítmica y cantante de voz aguda. Con este canon no hay grandes sorpresas en el álbum de estreno, donde los riffs de las guitarras combinan con bajo y batería sin tiempo para largas improvisaciones o epopeyas, exceción de tema que cierra el disco: Overture. El ritmo acelerado se impone mediante piezas como las tituladas Rock Brigada, Satellite, Rocks Offs, It Don’ t Matter o Answer To The Master, que constituyen el atractivo de una banda perfectamente coordinada para agradar a los seguidores del rock duro sin grandes complicaciones. La ilustración de la carátula del primer disco de Def Leppard lleva la firma de Melvin Smith.



Canciones: Rock Brigade. Hello America. Sorrow Is A Woman. Could Be You. Satellite. When The Walls Came Tumblin’ Down. Wasted. Rock Off. It Don’ t Matter. Answer To The Master. Overture.


Músicos: Steve Clark (guitarra), Rick Savage (bajo), Pete Willis (guitarra), Rick Allen (batería) y Joe Elliot (voz).





Otras portadas: High ‘N’ Dry (1981), Pyromania (1983), Hysteria (1987) y Adrenalize (1992).

In The Land Of Grey And Pink (Deram). El sonido Canterbury tiene en el grupo Caravan uno de los principales exponentes del rock progresivo de los años sesenta y setenta. Los discos segundo y tercero de dicha formación británica, If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You (1970) e In The Land Of Grey And Pink (1971), respectivamente se publicaron en España en un doble elepé bajo el título del segundo mencionado aquí. Composiciones de largo desarrollo en las que tienen cabida la improvisación y pasajes sinfónicos, apoyados en el jazz, la música clásica y, como no, en el rock, son los elementos que definen a esta banda que lleva a cabo una ruptura con los patrones de la música pop. Winter Wine, Nine Feet Undergroung, And I Wish Were Stond y Can’ t Be Long Now constituyen un viaje a pasajes sonoros en los que entran los teclados, con un notable protagonismo del melotrón, guitarras eléctricas y vientos (saxos y flautas), y asientan las bases de un estilo en el que entrarán con posteridad músicos de rock, principalmente británicos y de otros países de Europa. La ilustración de la carpeta pertenece a la artista Anne Marie Anderson

Canciones: Golf Girl. Winter Wine. Love to Love You (And Tonight). Pigs Will Fly. In the Land of Grey and Pink. Nine Feet Underground/Nigel Blows a Tune//Love’s a Friend/Make It 76/Dance OF The Seven Papers Hankes/Hold Grandad By The Nose/Honest I Did!/Disassociation/100% Proof. If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You. And I Wish I Were Stoned/Don’t Worry. As I Feel I Die With an Ear to the Ground You Can Make It/Martinian/Only Cox (Reprise). Hello Hello. Asforteri. Can’t Be Long Now/Francoise/For Richard/Warlock. Limits.

Músicos: Richard Sinclair (bajo, guitarra acústica y voz), Pye Hastings (guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz), David Sinclair (órgano, piano, melotrón, arpa y voz) y Richard Cughlan (batería y percusión). Jimmy Hastings (flauta y saxo tenor), Brother James (saxo y flauta) y David Drinsted (campanas e instrumentos de viento).

Otras portadas: Caravan (1968), Waterloo Lily (1972), For Girls Who Grow Plump The Night (1973), Caravan & The New Symphonia (1974), Cunnig Strunts (1975) y Blind Dog At St. Dungtans (1976).

Freeze Frame (EMI). La larga década de existencia del grupo norteamericano The J. Geils Band se nota en este disco de 1981 hasta el punto que el conocimiento por parte de sus miembros de los gustos del publico les permitió ser número 1 en USA, gracias a una acertada producción y la presencia en el elepé de canciones con gancho y acordes con las tendencias del momento. La costumbre de la banda tendente a difundir estilos de la música negroamericana, como blues, r&b y soul, queda un tanto difuminada en las canciones incluidas en Freeze Frame, pues desde esta pieza que abre el disco hasta la que lo cierra, Piss On The Wall, teclados y coros de voces adquieren un notable protagonismo, lo cual en algunos casos no constituye ningún desmérito, al contrario contribuye a darle más brillantez a la grabación en general. En esta dirección suenan en las partes rápidas: Rage The Cage, Insane , Insane Again y Flamethrower, mientras que Angel In Blue representa el ambiente reposado que Peter Wolf sabe expresar sin problemas y convicentemente gracias a su privilegiada garganta. La ilustración de la carpeta es de Georgann Deen.

Canciones: Freeze Frame. Rage In The Cage. Centerfold. Do You Remember When. Insane, Insane Again. Flamethrower. River Blindness. Angel In Blue. Piss On The Wall.

Músicos: Peter Wolf (voz), Seth Justman (teclados y voz), Magic Dick (armónica y saxo), J. Geils (guitarra), Daniel Klein (bajo) y Etephen Bladd (batería y voz). Metal en Frezze Frame y Angel In Blue: Randy Brecker, Ronnie Cuber, Lou Marini, Tom Melone, Alan Rubin y George Young. Voces en Angel In Blue: Luther Van Dross, Fonzi Thornton, Cissy Houston, Tawatha Age y Kenny Williams.

Otras portadas: The J. Geils Band (1970), Full House (1972), Bloodhost (1973), Ladies Invited (1973), Nightmares And Other Tales From The Vinyl (1974), Hotlive (1975), Sanctuary (1978) y Showtime! (1982).

Demons And Wizards (Bronze). La banda británica Uriah Heep al grabar su quinto elepé en 1972 contribuía a establecer rotundamente su fama de grupo de pimera fila de rock duro con toques de gótico, como el título del disco indica. Desde la primera canción, The Wizard,aunque se abra con una guitarra acústica, se nota la propensión del grupo hacia el hard rock con gran despliegue de guitarras eléctricas, unas veces distorsionadas por el wah wah, otras con toque psicodélico de fuzz y en alguna ocasión de acuerdo con los principios del rock sinfónico de los setenta. Entre tanta epopeya, personajes demoníacos y otros guiños al heavy, Uriah Heep también factura su éxito para las listas de discos más vendidos, caso de Easy Livin, una canción de impacto en la que sobresale la singular voz del cantante David Byron. Disco completo incluye asimismo composiciones más largas All My Life y The Spell, y alguna balada en plan épico Circle Of Hands, demostrativas del poderío musical de Uriah Heep en su mejor momento creativo. En la carpeta del elepé se utilizó una ilustración del inconfundible artista inglés Roger Dean.



Canciones: The Wizard. Traveller In Time. Easy Livin. Poets Justice. Circle Of Hands. Rainbow Demon. All My Life. Paradise. The Spell.


Músicos: Gary Thain (bajo), Lee Kerslake (batería y percusión), Mick Box (guitarras), Ken Hensley (teclados, guitarras y percusión) y David Byron (voz).





Otras portadas: Uriah Heep (1970), Very’ Eavy Very’ Umble (1970), Lool At Yourself (1971), The Magician’s Birthday (1972), Wonderworld (1974), Tetuán To Fantasy (1976), Fireflay (1977), Conquest (1980), Abominog (1982) y Head First (1983).

Goodbye Yellow Brick Road (DJM Records). El pianista Elton John consigue en la década de los setenta uno de los mayores éxitos de la música pop de todos los tiempos, reconocimiento que continuará en décadas siguientes tanto por sus actuaciones en directo como por sus grabaciones discográficas. Dentro de la línea ascendente del músico británico, en los años setenta graba sus mejores elepés como el doble titulado Goodbye Yellow Brick Road. En él se incluyen 17 canciones compuestas por la otra media parte que facilita la subida del pianista al estrellato, Bernie Taupin, el autor de muchas de las canciones que se colocaron el número uno de las listas de discos más vendidos de Inglaterra y Estados Unidos. El octavo título de la carrera discográfica de Elton John se mueve dentro de los cánones del pop bien facturado aunque la primera canción, Funeral For A Friend, recibe la influencia del rock sinfónico, estilo en alza a comienzos de la década de los setenta. Más matizado se nota también en otras piezas, como I’ve Seen That Movie Too y All The Girls Love Alice, de menos duración que la anterior pero larga para una composición pop. Mas la preferencia de Elton por las baladas, uno de sus fuertes, se siente en canciones que son ya clásicas: Candle In The Wind y Goodbye Yellow Brick Road, pero Elton John también contribuye a la difusión de la música caribeña con Jamaica Jerk-Off y al acercamiento al country rock con Roy Rogers y Social Disease. La faceta roquera de John, presente en todos sus discos de entonces, se expresa mediante los acelerados ritmos de Your Sister Can’ t Twist y Saturday Night’s Allright For Fighting. La portada de este laureado doble elepé fue realizada por el ilustrador británico Ian Beck.

Canciones: Funeral For A Friend / Love Lies Bleeding. Candle In The Wind. Bennie And The Jets. Goodbye Yellow Brick Road. This Song Has No Title. Grey Seal. Jamaica Jerk-Off. I’ve Seen That Movie Too. Sweet Painted Lady.The Ballad Of Danny Bailey (1909-1934). Dirty Little Girl. All The Girls Love Alice. Your Sister Can’t Twist (But She Can Rock’n Roll). Saturday Night’s Alright (For Fighting). Roy Rogers. Social Disease. Harmony.

Canciones: Elton John (órgano, piano, teclados, piano eléctrico, melotrón, órgano Farfisa y voz), Davey Johnstone (guitarras acústica y eléctica, steel guitar, slide guitar, guitarra Leslie, banjo y voz), Dee Murray (bajo y voz), Nigel Olsson (batería, conga, pandereta y voz), David Hentschel (sintetizador y teclados), David Katz (violin), Leroy Gómez (saxofón), Del Newman (arreglos de orquesta), Ray Cooper (percusión y pandereta) y Kiki Dee (voz).

Otras portadas: Elton John (1970), Tumbleweed Connection (1970), Madman Across The Water (1971), Honky Château (1972), Don’ t Shoot Me I’m Only The Piano Player (1973), Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy (1975), Blue Moves (1976), Too Low For Zero (1983) y Reg Strikes Back (1988).

Chicago V (CBS). Quinta grabación de la banda Chicago, uno de los grupos norteamericanos con mayor reconocimiento a nivel internacional, que consigue desde sus primeros discos ventas multimillonarias y números uno en las listas de éxitos musicales. En 1972 sale a la venta este elepé que rompe el hábito de la banda de editar discos dobles (los cuatro primeros). Los componentes del grupo mantienen sin embargo su estilo inicial de mezclar jazz con rock, principalmente, soul y música clásica. De esta última, en la vertiente más vanguardista, se incluye la pieza que abre el disco: A Hit By Varese, muy en la línea del llamado rock progresivo de la décadas de los setenta. Tras esta carta de presentación, Chicago de la mano de Robert Lam, autor de la mayoría de las composiciones, se adentra en su verdadero estilo de fusión, donde la profesionalidad de los músicos no impide que se adentren en estilos en teoría livianos pero efectistas como el pop de All Is Well, o Saturday In The Park, a pesar de que el rock guitarrero acompañado de sección de viento también está presente en otras canciones representativas del álbum: Dialogue, Pts 1 y 2, While The City Smile y State Of Union, que tienen como despedida la balada Alma Mater. El diseño de la carpeta del disco es de John Berg y el logo tallado en madera corresponde a Nick Fasciano.



Canciones: A Hit By Varese. All Is Well. Now That You’ve Gone. Dialogue, Pt. 1. Dialogue, Pt. 2. While the City Sleeps. Saturday In The Park. State Of The Union. Goodbye. Alma Mater.

Músicos: Terry Kath (guitarra y voz), Peter Cetera (bajo y voz), Robert Lamm (teclados y voz), Lee Loughnane (trompeta, percusión y voz), James Pankow (trombón y percusión), Walter Parazaider (woodvinds y percusión) y Daniel Seraphine (batería, campanas y conga).






Otras portadas: Chicago Transit Authority (1969), Chicago II (1970), Chicago III (1971), Chicago IV (1971), Chicago VI (1973), Chicago VII (1974), Chicago VIII (1975), Chicago Greatest Hits (1975), Chicago X (1976), Chicago XI (1977), Hot Steets (1978), Chicago XIII (1980), Chicago XVI (1982), Chicago XVII (1984), Chicago XVIII (1986) y Chicago XIX (1988).

Southern Accents (MCA Records). Sexto elepé de Tom Petty and The Hearbreakers, lanzado en el año 1985, que sigue una línea más experimental que anteriores discos de esta banda roquera. Con la colaboración de un numeroso grupo de músicos y cantantes, Tom Petty se adentra en un sonido barroco, recargado a menudo, con aportes de psicodelia, rock y soul, una combinación explosiva como se puede escuchar en la mayoría de las canciones de este elepé, donde el mejor estilo de Tom Petty apenas se percibe, excepto en las piezas Rebels, Spike y Dogs On The Run. El resto incluye buenos arreglos en relación con los metales (saxos, trompeta) y las cuerdas, además de mucho teclado que facilitan una música bailable que nada tiene que ver con la de los comienzos de Tom y sus rompecorazones, un roquero introspectivo y en busca de nuevas formas de expresión durante esta etapa de mediados de los ochenta. La portada del disco presenta una pintura del artista norteamericano Winslow Homer (1836-1910).

Canciones: Rebels. It Ain’t Nothin’ To Me. Don’t Come Around Here No More. Southern Accents. Make It Better (Forget About Me). Spike. Dogs On The Run. Mary’s New Car. The Best Of Everything.

Músicos: Tom Petty (guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra de 12 cuerdas, piano, teclados, pandereta y voz), Mike Campbell (guitarra, bajo, slide guitar, dobro, piano, teclados, armónica y voz), Benmont Tench (piano, teclados, piano eléctrico, vibrafono y voz), Stan Lynch (percusión y batería), Dave Stewart (bajo, guitarra, sitar, teclados y voz), Howie Epstein (bajo y voz), William Bergman (saxo tenor, efectos de sonido y voz), John Berry, Jr. (trompeta y efectos de sonido), Dick Braun (trompeta, efectos de sonido y voz), Jim Coile Horn (saxo tenor, efectos de sonido y voz), Molly Duncan (saxofón), Dean García (bajo), Bobbye Hall (percusión y pandereta), Jerry Hey (arreglos viento), Garth Hudson (teclados), Phil Jones (percusión y pandereta), Martin Jourard (saxofón), Jim Keltner (percusión), Kurt McGettrick (viento, efectos de sonido y voz), Jack Nitzsche (arreglos de cuerda), Dave Plews (trompeta), Greg Smith (saxofón, saxo baritone y voz), Daniel Rothmuller (clarinete y chelo), Clydene Jackson (voz), Sharon Celani (voz), Richard Manuel (voz), Marilyn Martin (voz), Stephanie Spruill (voz), Julia Tillman Waters (voz) y Maxine Waters (voz).

Otras portadas: Tom Petty & the Heartbreakers (1976), You’re Gonna Get It! (1977), Damn the Torpedoes (1979), Hard Promises (1981), Long After Dark (1982), Pack up the Plantation: Live! (1986), Let Me Up (I've Had Enough) (1987), Full Moon Fever (1989) e Into the Great Wide Open (1991).

How Will The Wolf Survive? (Slash Records). Chicanos de Los Ángeles, Los Lobos lanzaban en 1984 su segundo elepé con canciones elaboradas por sus miembros sobre diferentes estilos por los que sentían pasión, es decir rock and roll, r&b, blues, jazz y música tradicional mexicana. Con este bagaje artístico no es extraño que el quinteto despertara el interés del público habitual del rock y de la crítica, principalmente por su fresca originalidad, en la primera mitad de los ochenta, a lo que hay que añadir el dominio de los instrumentos por parte de los músicos, en especial el guitarrista David Hidalgo. Los Lobos abren el disco con una contundente declaración sobre cuál es su estilo preferido, el rock potente, que no duro, de Don’ t Word Baby, mantenido en la pieza que da título y cierra el álbum. Ese rock se fusiona con el country en A Matter Of Time y Lil’ King Of Everything; con el tex mex en Our Last Night y Breakdown; con el rock and roll en I Got Loaded, I Got To Let You Know y Evangeline. Mas, ahí no termina la oferta musical de este disco, donde resaltan Corrido #1 y Serenata Norteña, composiciones que sirven al quinteto para recordar sus orígenes. La portada del disco está adornada con una ilustración de de Elisabeth Brady




Canciones: Don’t Worry Baby. A Matter of Time. Corrido #1. Our Last Night. The Breakdown. I Got Loaded. Serenata Norteña. Evangeline. I Got to Let You Know. Lil’ King of Everything.Will the Wolf Survive?.




Músicos: David Hidalgo (bajo, guitarra, percusión, acordeón, steel guitar, lap steel guitar y voz), Conrad Lozano (bajo, guitarra, guitarrón y voz), Louie Pérez (guitarra, batería y quinto), Óscar Rosas (banjo, guitarra, mandolina y voz), César Rosas (guitarra, mandolina, bajo sexton y voz), Alex Acuña (percusión), Steve Berlin (armónica, percusión, saxo baritone, saxo soprano y saxo tenor) y T-Bone Burnett (órgano y guitarra).





Otras portadas: And a Time to Dance (1983), By the Light of the Moon (1987), La Pistola y el Corazón (1988) y The Neighborhood (1990).

Goodbye And Hello (Elektra). Tim Buckley (1947-1975) entra en la escena musical californiana a mediados de los sesenta con la grabación de sus primeros discos. El segundo elepé, Goodbye And Hello, realizado en 1967, cuenta con la presencia de músicos que exploran nuevas tendencias para aplicarlas al rock de experimentación de la época. En esta línea, Buckley parte del folk para adentrarse en la música influenciada por la psicodelia y sonidos que adornan la potente y evocadora voz del cantante afincado en California y desaparecido prematuramente. No Man Can Find The War, Carnaval Song, Hallucinations y Goodbye And Hello son algunos de los ejemplos de esa introspección musical y los ruidos que van en compañía de la profunda voz que canta los versos de Buckley o los escritos por el poeta Larry Beckett. Sin embargo, la faceta más accesible de este álbum también resulta brillante y llena de matices. Once I Was y Morning Glory recogen la esencia folk que Tim Buckley aún no ha olvidado en su primera etapa discográfica, ya orientada a la búsqueda de nuevas sonoridades. La carátula del elepé fue realizada por el fotógrafo Guy Webster.

Canciones: No Man Can Find the War. Carnival Song. Pleasant Street. Hallucinations. I Never Asked to Be Your Mountain. Once I Was. Phantasmagoria in Two. Knight-Errant. Goodbye and Hello. Morning Glory.

Músicos: Tim Buckley (guitarra y voz), Lee Underwood (guitarra y teclados), Jim Fielder (bajo), Don Randi (teclados), Jerry Yester (tecaldos), John Farsha (guitarra), Brian Hartzler (guitarra), Jimmy Bond (bajo), Dave Guard (percusión) y Eddie Hoh (percusión).

Otras portadas: Tim Buckley (1966), Blue Afternoon (1969), Happy Sad (1969), Lorca (1970), Starsailor (1970), Greetings from L.A.(1972) y Look at the Fool (1974).

Pablo Guerrero en el Olympia (Movieplay). El cantautor extremeño Pablo Guerrero grabó el 2 de marzo de 1975 este elepé en directo en uno de los principales auditorios europeos de música popular, situado en París, y lugar de proyección universal para mucha gente de la música y la canción popular. Con un sobrio acompañamiento, Pablo Guerrero ofrece en este disco un repertorio con sus mejores canciones, a las que se añade una composición popular, Cantares de trilla. De las más conocidas del cantautor hay que mencionar A Cantaros, Hoy que te amo, Ecos de sociedad, Pepe Rodríguez, el de la barba en flor, Emigrante y Extremadura, que no pierden la fuerza inicial después de cuatro décadas de su creación porque son poemas cantados por un hombre alejado de modas e imposiciones comerciales, aunque que ha sabido evolucionar adaptándose al mestizaje con otros ritmos populares, pero sin que la palabra pierda su esencia para comunicar. Como dice Fernando G.Lucini: “Él, como el mar, nos sigue regalando , y su canto -, aprendemos a amarnos mientras el amor, ….Poeta necesario siempre añorado y siempre buscado como quien busca el latido de una vena”. La portada de este disco se cubre con una fotografía sin firma de Pablo Guerrero.

Canciones: Busca la gente de mañana. Hoy que te amo. Buscándonos. Ecos de sociedad. Planeo. Extremadura. Para huir de la muerte. Pepe Rodríguez, el de la barba en flor. Cantares de trilla. Emigrante. A cántaros.

Músicos: Pablo Guerrero (guitarra y voz), Ignacio Sáenz de Tejada (guitarra) y Miguel Ángel Chastang (bajo).

Otras portadas: A cántaros (1972), Porque amamos el fuego (1976), A tapar la calle (1978), En los momentos del agua (1985) y El hombre que vendió el desierto (1988).

Azúcar negra (Bat Discos). Celia Cruz (1925-2003) graba en Madrid y Miami las diez canciones de este elepé que se convierte en disco de oro en España, lugar en el que la cantante cubana tiene un público fiel. Guaracha, son, guagancó y bolero están presentes en esta grabación en los que colaboran conocidos músicos, cantantes y compositores de la denominada música latina, en la que la propia Celia figura como reina de la salsa, aunque ella ha demostrado abrirse a otros ritmos. Del disco destaca el cuidado acompañamiento musical que impone calidad a las canciones bailables, principalmente las de origen afroacubano Azúcar negra, Amores de un día y Ochun con Chango. La salsa también tiene una importante presencia, Pasaporte Latinoamericano, aunque en algunas composiciones se nota la autoría de gente del mundo del pop, caso de Sazón, en concreto del dúo formado entre Gloria y Emilio Esteban. También hay mezcla con el flamenco, Que suenen las palmas, y tiempos lentos en Bolero, bolero y Te busco. Incluso Celia Cruz se atreve con el éxito del trío madrileño Mecano: Cruce de navajas. La fotografía de cantante en la portada pertenece a Rally Hershberger.

Canciones: Azúcar negra. Amores de un día. Sazón. Pasaporte latinoaméricano. De La Habana hasta aquí. Ochun con Chango. Bolero, bolero. Que suenen las palmas. Te busco. Cruz de navajas.

Músicos: Javier Losada (piano, teclados, programación y arreglos), Henry Díaz (percusión), Óscar Gómez (bajo y percusión), José Medrano (trompeta), Tito Duarte (Saxo y flauta), Alfredo Marquez (trombón), María Lar (voz), Maisa Hens (voz), Juan Cánovas (voz), José Morato (voz), Óscar Gómez (voz), Steve Roitstein (piano, teclados, programación y voz), Randy Barlow (piano, teclados, trompeta y programación), Rene Toledo (guitarra), Juanito Marquez (guitarra), Sammy “Timbalón” Pagan (percusión), Eddie “bongo” Torres (percusión), Tony Concepción (trompeta), Luis Aquino (trompeta), Randy Barlow (trompeta), Dana Teboe (trombón), Teddy Mollet (trombón), Ed Calle (saxofón), Cookie López (percusión), Cheo Quiñones “Cheíto” (voz), Miguel Martín (voz), Gloria Stefan (voz), Jon Secada (voz), Papo Pepín (percusión), Rubén Rodríguez (bajo), Sergio George (piano, teclados y voz), Bomberito Zarzuela (trompeta y trombón), Tito Nieves (voz) y Jose King (voz).

Otras portadas: La incomparable Celia (1958), Canciones premiadas (1965), Son con guagancó (1966), Bravo Celia Cruz (1967), Quimbo quimbumbia (1969), Only They Could Have Made This Album (1977), Eternos (1978), Celia/Jonhy/Pete (1980), Celia y Willie (1981), The Winners (1987) y Ritmo en el corazón (1988).

SANTO & JOHNNY

Santo y Johnny Vol. 1 (Hixpavox-Canadian American Records). Los hermanos Santo y Johnny Farina, nacidos en Nueva York, respectivamente 1937 y 1941, formaron uno de los dúos representativos del rock instrumental de comienzos de los sesenta, caracterizado por el sonido de la guitarra de acero (steel guitar o guitarra hawaina), tocada con virtuosismo por Santo, quien, por cierto, enseñó el dominio de la guitarra eléctrica a su hermano. El gran éxito de esta fraternal pareja lleva el título de Sleepwalk, popularizada por bandas instrumentales como The Ventures y The Shadows, así como por otros virtuosos guitarristas de diferentes generaciones: Jeff Beck, Larry Carlton o Joe Satriani. En este elepé recopilatorio de 1966, Santo y Johnny, junto a la Orquesta de Bob Davis, reinterpretan un repertorio de estándares de la música popular seleccionados la mayoría de sus dos primeros discos, de 1959 y 1961, entre los que no faltan los de inspiración country, muy adecuados para el steel guitar, como Blue Moon, aunque también se adentran por la senda del jazz con su particular revisión del clásico Caravan, e incluso se atreven con Andalucía, de Lecuona, o la melodía Deep Purple. Los hermanos Farina aportan algunas composiciones propias como la ya mencionada Sleepwalk, Teardrop, Lazy Day y Long Walk Home, que recuerdan el espíritu poético del dúo. La portada ofrece una fotografía sin firma de un steel guitar.

Canciones: Venus. Caravan. Blue Moon. Raunchy. Harbor Lights. Lazy Day. Sleepwalk. Andalucía. You Belong To Me. Teardrop. Long Walk Home.

Músicos: Santo Farina (steel guitar), Johnny Farina (guitarra eléctrica). Orquesta de Bob Davis.

Otras portadas: Santo & Johnny (1959), Encore (1960), Hawaii (1961), The Beatles Greatest Hits (1964) y Mucho (1965).

Rising (Polydor). El ambiente en el grupo británico Deep Purple era opresivo para su Ritchie Blackmore, mediados de los setenta, cuando la banda de rock duro se encontraba entre las más famosas del mundo, motivo por el cual su mejor guitarrista decide abandonar a sus compañeros de éxitos para dar una nueva orientación a su carrera artística. Sin embargo, en Rising, segundo elepé, de Rainbow, en el que aparecen nuevos músicos en relación con el debut discográfico, se nota la influencia de Deep Purple, pero Ritchie Blackmore, que compone las seis canciones del elepé junto al cantante Ronnie James Dio, se nota más suelto a la hora de tocar y brillante al conseguir un sonido caracterizado por una música que va a contribuir a la aparición de nuevas bandas de heavy metal en los ochenta, cuando este estilo parecía haber entrado en la fase de desaparición. Starstruck constituye sin duda la canción que más destaca a nivel comercial, pero también hay que tener en cuenta la grandilocuente Stargazer, con orquesta sinfónica incluida, y la purpleriana A Light In The Black. En esta última, Richie Blackmore vuelve a demostrar por qué es el guitarrista preferido de los seguidores del hard rock y estilos similares. Grabado en 1976, Rising se convierte en el disco de consolidación de una nueva marca dentro del rock británico, a lo que contribuye el genio de Blackmore y la pericia de sus acompañantes, en especial el cantante Dio. La portada del disco recoge una ilustración de Ken Nelly, que se utilizaría como icono distintivo de la banda para sus actuaciones en directo.

Canciones: Tarot Woman. Run With The Wolf. Starstruck. Do You Close Your Eyes. Stargazer. A Light In The Black.

Músicos: Ritchie Blackmore (guitarra), Tony Carey (teclados), Jimmy Bain (bajo), Cozy Powell (batería) y Ronnie James Dio (voz). Munich Philharmonic Orchestra.

 

Otras portadas: Ritchie Blackmore’s Rainbow (1975), Long Live Rock’ N’ Roll Music (1978), Down To Earth (1979), Difficult To Cure (1981) y Straight Between The Eyes (1982).

Expect No Mercy (Vertigo). El cuarteto escocés Nazareth lleva tras de sí una brillante estela a mediados de los años setenta como banda de rock duro al conseguir que algunas de sus canciones lleguen a las listas de discos más vendidos en las Islas Británicas. A pesar del éxito, el grupo no abandona el rock duro con que se dio a conocer, por lo que en el elepé Expect No Mercy, grabado en 1977, no resulta extraño el protagonismo de ritmos potentes y los afilados riffs de guitarras eléctricas, así como la reconocible voz de Dan McCafferty, muy en la línea de otros afamados cantantes de hard-rock. Las composiciones se apoyan en la versatilidad de los miembros del combo a la hora de componer, porque la mayoría de la piezas están firmadas por ellos, excepto Gone Dead Train y Busted, que también adquieren el tono frenético que Nazareth adopta en casi todo el repertorio de este disco. En él también se notan influencias americanas, del rock sureño, en Gimme What’ s Mine; del blues, en Busted; del country, en Place In Your Heart, o del soul más intenso en New York Broken Toys. Como se puede apreciar, Nazareth muestra tendencia a los estilos musicales de Norteamérica, como buena parte de los roqueros de su generación que se estrenaron como bandas de blues-rock. La carátula del disco recoge una ilustración del dibujante neoyorquino y autor de cómics Frank Frazetta, que también ha desarrollado una importante labor en el ámbito de las portadas de elepés.

Canciones: Expect No Mercy. Gone Dead Train. Shot Me Down.Revenge Is Sweet. Gimmie What’s Mine. Kentucky Fried Blues. New York Broken Toys. Busted. Place In Your Heart. All The King’s Horses

Músicos: Dan McCafferty (voz), Manny Charlton (guitarras), Peter Agnew (bajo) y Darrell Sweet (batería).

Otras portadas: Razamanaz (1973), Loud ‘N’ Proud (1973), Rampant (1974), Hair Of The Dog (1975), Close Enough For Rock ‘N’ Roll (1976), No Mean City (1979), Malice In Wonderland (1980), The Fool Circel (1985) y Snakes ‘N’ Ladres (1989).

Elegant Gypsy (CBS). El guitarrista Al Di Meola durante su primera etapa de solista, tras el brillante periodo en el aclamado grupo Return To Forever, opta sin ningún complejo por la fusión del jazz con estilos de diversas procedencias, como la denominada música latina. Más eléctrico que acústico, sin embargo en este álbum ya apunta su tendencia a recrearse en lo segundo, por lo cual no es extraño que el virtuosismo del músico norteamericano se exprese mediante las inolvidables composiciones Mediterraneam Sundance, con Paco de Lucía a la guitarra española, y Lady Of Rome, Sister Of Brasil, en ésta Di Meola solitario con su guitarra acústica. No obstante, la faceta roquera de Al se manifiesta arrolladoramente en las composiciones Race With Devil On A Spanish Highway y Elegant Gipsy, pero sin perder las influencias del jazz. Esta mezcla está presente en piezas más apasionadas, más latinas, con más protagonismo de la percusión afrocaribeña, como son Fligth Over Rio y Midnight Tango. La predisposición a lo cálido se nota asimismo en la portada del disco con un elegante Di Meola inmortalizado por el fotógrafo Bill King.

Canciones: Flight Over Rio. Midnight Tango. Mediterranean Sundance. Race With Devil on Spanish Highway. Lady of Rome, Sister of Brazil. Elegant Gypsy Suite.

Músicos: Al Di Meola (guitarras, sintetizadores, piano, arp strong ensemble, percusión, castañuelas, maracas y timbales), Jan Hammer (sintetizador y piano), Barry Miles (pianos acústico y eléctrico), Anthony Jackson (bajo), Mingo Lewis (órgano, sintetizador, percusión, conga, timbales y maracas), Steve Gadd (batería), Lenny White (batería y timbales) y Paco de Lucía (guitarra española).

Otras portadas: Land Of The Midnight Sun (1976), Casino (1978), Friday Night In San Francisco (1981), Electric Rendevous (1981), Cielo e Terra (1985) y Tirami Su (1987).

Forgesound (Ariola). Antonio Fraguas de Pablo es uno de los más valorados dibujantes españoles de tiras cómicas pero también artista al que no se le escapan otros ámbitos de la cultura. En el año 1976 participa en la grabación de este disco ilustrado tanto en la carpeta como en el interior. En el interior,  las canciones van acompañados de sus inconfundibles y populares personajes que acompañan a los españoles en diferentes medios desde la década de 1960. Según recoge la información del elepé en el se incluyen “Forgendros músico-literarios originales de los polifacéticos maestros Jesús Munárriz y Luis Eduardo Aute bajo la fastuosa inspiración de Antonio Fraguas de Pablos Forges y sus universalmente famosos monigotes”. Musicalmente hay géneros populares de añeja edad pero adaptados a los todavía difíciles días de la transición española a la democracia. Cha-Cha-Chá, tango, chotis, rock, romance, cuplé, jota y pasodoble, entre otros, aportan sus ritmos para describir asuntos cotidianos que alegran o entristecen la vida de los mortales de aquellos convulsos y sangrientos tiempos de cambios. En la portada y en la contraportada aparecen el popular Blasillo, de Forges, y los inconfundibles bocadillos que dan voz a los personajes del ilustrador.

Canciones: Los cabras locas. Mariano. Carselero, carselero. Sillón de mi entretelas. Romance del Blasillo. Tía mollar. ¡Ay Suiza, patria querida!. La ventanilla. Yo no me voy. Antonio Fraguas “El Forges”.

Cantantes y músicos: Luis Eduardo Aute, Jesús Munárriz, Julia León, Rosa León, Teddy Bautista y Antonio Morales.

So Many Rivers (MCA Records). Cantante, compositor y guitarrista, Bobby Womack es una de las figuras del soul aunque tenga un discreto reconocimiento en el ámbito discográfico a pesar de componer un gran número de canciones, a veces para conocidos solistas y grupos. Tras su declive a finales de los años setenta, en la siguiente década, con la colaboración de músicos amigos como Wilton Fielder, de la banda The Crusaders, graba en 1985 este So Many Rivers. En el elepé se aprecian algunas de las virtudes del soulman de Cleveland (Ohio), entre otras, cálida voz, acertados arreglos y música con mucho sentimiento. Todo esto se puede comprobar escuchando Me So Much, So Baby, Home Without It, Let Me Kiss It Where It Hurts o That’s Where It’s At, esta última de su mentor el gran Sam Cooke. Son canciones intensas, a veces lamentos, con una atractiva instrumentación. Por otra parte, no hay que olvidar el ritmo bailable de So Many Rivers, Whatever Happened To The Thimes? o Check It Out, que confirman al compositor intemporal que es Womack. La fotografía de Bobby Womack en la carátula del disco fue realizada por Jim Shea.

Canciones: I Wish He Didn’ t Trust. Me So Much. So Baby, Don’t Leave. Home Without It. So Many Rivers. Got To Be With You Tonight. Gypsy Woman. Whatever Happened To The Times?.Let Me Kiss It Where It Hurts. Only Survivor. Thast Where It’s At. Check It Out.

Músicos: Bobby Womack (guitarra y voz), David T. Walter (guitarra), Robert Palmer (guitarra), Jeff Baxter (guitarra), David Sheilds (bajo), Nathan Watts (bajo), Rusty Frank Hamilton (teclados), Michael Wycoff (teclados), Dan Lee Butts (teclados), Rusty Frank Hamilton (sintetizador), James Gadson (percusión y voz), Paulinho Da Costa (percusión), Dorothy Ashby (armónica), The Waters (voces), Alltrina Grayson (voz), Katy Wesly (voz), Mary Clayton (voz), Vesta Williams (voz), Stephanie Spruill (voz), Kathy Bloxson (voz), Valentinos Friendly Womack (voces), Curtis Womack (voz) y Wilton Fielder (voz y saxofón).

Otras portadas: Fly Me To The Moon (1969), Understanding (1972), Facts Of Life (1973), Looking For A Love Again (1974), Roads Of Life (1978), Save The Children (1979), The Poet I (1981), The Poet II (1984) y Womagic (1986).