El rastro (1)

Los Mustang
La voz de su amo-EMI
1966

• El submarino amarillo
• El gran Flamingo
• Verano en la ciudad
• El ritmo del silencio

Terra Inhabitada (White Cloud) 1993
David Anthony Clark
Portada: fotografía de Brian Enting


David Anthony Clark (Dunedin-Nueva Zelanda, 1955) es un infatigable viajero que en sus periplos por distintos continentes aprovecha para investigar sobre la música de los pobladores de los lugares en los que recala. Su primer disco, Terra Inhabitada, está dedicado a su lugar de origen pero desde un punto de vista evocador de cuando la Tierra todavía no estaba habitada por los humanos. David aprovecha la instrumentación moderna, sobre todo sintetizadores, para combinarla con flautas maorís con el objetivo de darle al sonido de sus piezas un aire autóctono, lo cual consigue además de propiciar un ambiente relajado y misterioso. Las composiciones recogen asimismo ruidos y sonidos de animales que contribuyen a que el disco adquiera también una sugerente belleza de mundos imaginados, pero que no han pasado desapercibidos para personas sensibles como David Antony Clark, quien en este caso pone banda sonora al periodo en el que la actual Nueva Zelanda era una sola isla.

Canciones: Gondwana’s Ark. Primordial Tide. Flight Of The Giant Tagle. Moa Swamp. Boling Herat. Glacial Retreat. Avalanche Of Snow. Regeneration.

Músicos: David Anthony Clark (teclados). Hirini Melbourne, Koauau, y Putatara (flauta e instrumentos maorís y del Sur del Pacífico).

Más portadas: Australia Beyond The Dream Time (1995), Befote Africa (1996), The Leaving Of Ireland (1998), The Man Who Painted Caves (1999), Sacred Sites (2004) y Shaman Dancing (2006).

Apunte: David Antony ofrece en Selección Natural (Resistencia, 2005) una antología de las mejores piezas incluidas en sus discos, en los que el músico y compositor neozelandés siempre tiene un lugar para demostrar su amor por la naturaleza, costumbres y diferentes geografías.

4x10

1968


We' re Only In It For The Money (Verve) 1968

The Mothers Of Invention

Portada: Cal Schenkel

Frank Zappa (1940-1993) era líder de The Mothers Of Invention, una de las bandas más freaks de la escena californiana, cuando se propuso parodiar el disco por excelencia de la música pop de entonces, nada más y nada menos que el Sgt. Peeper’s Hearts Club Band, de The Beatles. El guitarrista y compositor no dudó en utilizar todos los elementos representativos del citado vinilo, pero pasados de rosca, desde el título a la última composición de We’re Only In For The Money. Así en la portada, obra de Cal Schenkel, se puede comprobar la irreverencia de los miembros de la banda californiana vestidos de mujeres con ropas de rastrillo, mientras que las fotografías de los personajes acompañantes incluyen a Jimi Hendrix, Lee Oswald, el presidente Lyndon B, Jonhson, Galileo, Nosferatu, la estatua de la libertad, entre otros, que se colocan detrás de los vegetales y las frutas que dibujan el nombre del grupo. En cuanto a lo musical, Frank Zappa se adentra en un sonido no muy diferente a la del mencionado larga duración de los de Liverpool, aunque los textos van más allá de la presunta inocencia del jipismo de los sesenta. Zappa arremete contra la familia, la política, los lemas coyunturales, las modas y la juventud pasiva, mediante letras a menudo de contenido social envueltas en fondos sonoros en ocasiones inclasificables que contribuyeron a que el disco no pasara desapercibido par,a la crítica. Algunas piezas, Who Needs The Peace Coorps?, Concentration Moon, Mom & Dad, Absolutely Free, Flower Punk o Mother People, justo las más asequibles al oído, son las que mejor aguantan el inexorable paso del tiempo, además de gustar incluso, parodias incluidas, a los que disfrutaban de los restos del summer of love, quienes acogían con de buen grado la carga social y la crítica al sistema lanzadas y cantadas por Frank Zappa y sus madres del invento.


Canciones: Are You Hung Up?. Who Needs the Peace Corps?. Concentration Moon. Mom and Dad. Telephone Conversation. Bow Tie Daddy. Harry, You’re a Beast. What’s the Ugliest Part of Your Body?. Absolutely Free. Flower Punk. Hot Poop. Nasal Retentive Calliope Music. Let’s Make the Water Turn Black. The Idiot Bastard Son. Lonely Little Girl. Take Your Clothes Off When You Dance. What’s The Ugliest Part Of Your Body?. Mother People. The Chrome Plated Megaphone of Destiny.


Músicos: Frank Zappa (guitarra, piano y voz), Ian Underwood (piano, teclados y woodwind), Roy Estrada (bajo y voz), Euclid James “Motorhead” Sherwood (saxos barítono, soprano y voz), Billy Mundi (batería y voz), Don Preston (teclados), Jimmy Carl Black (trompeta, batería y voz), Dick Barber (voz), Bunk Gardner (woodwind), Suzy Creamcheese (voz por teléfono) y Pamela Zarubica (voz). Otros protagonistas y colaboradores, Gary Kellgren, Dick Kunc, Eric Clapton, Sid Sharpe y Spider.


Más portadas: Freak Out (1966), Lumpy Gravy (1967), Cruisin’ With The Ruben & The Jets (1968), Hot Rats (1969), Chunga’s Revenge (1970), 200 Motels (1971), The Grand Wazoo (1972), Overnite Sensation (1973), Apostrophe (1974), Roxy & Elsewhere (1974), One Site Fits All (1975), Bongo Fury (1975), Zappa In New York (1978), Sheik Yerboute (1979), Joe’s Garage (1979), Shut’ Up & Play Yer Guitar (1981), Francesco Zappa (1984), Jazz From Hell (1986) y The Yellow Shark (1993).


Apunte: El elepé We’re Only In It For The Money fue recogido rematerizado con Lumpy Gravi en formato CD (1985), pero Frank Zappa en 1993 volvió a incluir el original en estéreo de Sólo estamos en esto por la pasta.

The Music Never Stopped. Roots Of The Grateful Dead (Shanachie) 1995
Varios
Portada: dibujo de Robert Crumb

Grateful Dead es uno de los grupos más influyentes de la Costa Oeste de Estados Unidos durante más de 30 años, tiempo en el que los muertos agradecidos llevaron a cabo una importante labor musical si se tienen en cuenta los cientos de actuaciones en directo con las que deleitaron a seguidores de diferentes generaciones y medio centenar de discos de distintos formatos. Nacidos en torno al ambiente del San Francisco más psicodélico y reivindicativo, los componentes de Grateful Dead, con el inolvidable gallego Jerry García (1942-1995) al frente, demostraron un exquisito gusto musical cuando tenían que echar mano de repertorio ajeno. En este disco recopilatorio se recogen algunas de las canciones que los Dead interpretaron a su manera principalmente en directo, aunque unas pocas aparecen en discos de estudio, pero en versiones originales de gentes tan dispares como Merle Haggard, Cannon´s Jug Stompers, Howlin’ Wolf, Woody Guthrie, Chuck Berry, Obray Ramsey o el mismo Bob Dylan. El variado repertorio se orienta sobre todo hacia el blues y el country, sin olvidar otros estilos relacionados con ambos, pues Grateful Dead en sus comienzos, antes de entrar de lleno en la música ácida, solía recurrir a versiones de los clásicos de la música negra y a piezas campestres, con raíces en la tradición popular, estilos que dominaban los entonces jóvenes miembros de los dead. Con el tiempo, cuando la banda se creó un estilo propio, también supo sacarle partido a esos sonidos originales, pero adaptándolos a su particular idiosincrasia como demuestran los irrepetibles Workingman's Dead y American Beauty, ambos elepés de 1970.

Canciones: Rain And Snow. Mama Traed. Iko Iko. Samson & Delilah. Big Road Blues. El Paso. It’s All Over Now, Baby Blue. Spoonful. Charlie Patton. The Red Rooster. Howlin’ Wolf. The Promised Land. Don’ t Ease Me In. Big Boss Man. Turn On Your Love Light. Morning Drew. Not Fade Away. Goin’ Down This Road Feelin’ Bad. I Bid You Good Night.

Músicos: Obray Ramsey. Merle Haggard. Dixie Cups. Rev. Gary Davis. Cannon’s Jug Stompers. Marty Robbins. Bob Dylan. Charlie Patton. Howlin’ Wolf. Check Berry. Henry Thomas. Jimmy Reed. Bobby Blue Bland. Bonnie Dobson. Buddy Holly. Woody Guthrie. The Pindar Famili w/Joseph Spence.

Más portadas: Nightfall Of Diamond –live 1989- (2001) y Rare Cuts And Oddities 1966 (2005).

Apunte: El año 2007 se puso a la venta el cd titulado Live At The Cow Palace: New Years Eve 1976, grabación en la que aparecen tocadas y cantadas en directo por Grateful Dead varias piezas de The Music Never Stopped.

Complete Recordings, orginales de 1966/1967 (2002)
Los Mockers
Portada: fotografía del primer elepé

Los Mockers fue el nombre de un quinteto originario de Montevideo (Uruguay) que muchos años después de su desaparición, a finales de la década de 1960, han sido recuperados como representante del rock original de los sesenta e influenciado por bandas británicas de aquella época: The Beatles, The Rolling Stones, The Kinsks, Animals, The Who...Quizá más orientados al primitivo rhythm and blues, tampoco descuidaron las armonías vocales de claras resonaciones poperas o la experimentación psicodélica. Sin embargo, su limitado círculo de influencia, el Mar de Plata, a pesar de contar con dos influyentes metrópolis (Buenos Aires y Montevideo), y una época de grandes grupos de la música anglosajona, no facilitaron una expansión mundial, que, por cierto llegaría, dos décadas después, sobre todo, en Europa, al ser reeditadas sus grabaciones originales. Los Mockers cantaban en inglés con sentimiento como demuestran las 20 canciones recogidas en este cd, donde además se obsequia a los seguidores del combo uruguayo con grabaciones de actuaciones en la televisión de Argentina. En un principio, ahí está tal vez el atractivo de la banda, Los Mockers sonaban más garajeros y auténticos, pero en sucesivas grabaciones demostraron que no perdieron la fuerza al ganar en calidad. En este disco recopilatorio hay abundante material para adentrarse en una de las interesentes páginas del rock and roll latinoamericano de los sesenta, de obligada reelectura para quienes gustan de esta influyente música.


Canciones: What A Life. Let Me Try Again. Don’t Go Again. Show Me The Way. Tell Me Something New. Empty Harem. My Baby. I Wanna Go. It Was Me. Girl You Won’t Succeed. Make Up Your Mind. You Got It. Can’t Be A Lie. All The Time. Sad. Every Night. Saint IT Black. Confusion. Captain Grey. Just Wanna Make Love Tou You.

Músicos: Polo Pereira (guitarra rítmica y voz solista), Jorge Fernández (guitarra solista y coros), Esteban Hirschfeld (órgano Hammond, piano y armónica), Julio Montero (bajo) y Beto Freigedo (batería y percusión).

Más portadas: Los Mockers (1966)

Apunte: Cuatro componentes de Los Mockers, el bateristra murió en 1970 en un accidente de motocicleta, tienen pensado sacar un disco con composiciones nuevas y otras viejas para comienzos de 2008. Esteban y Julio viven en España, Polo en Suiza y Jorge en Buenos Aires.

Scandal? (Satchmo Jazz Records) 2005
Joan Sanmartí
Portada: Cesc Mayor


Joan Sanmartí, guitarrista catalán, está acompañado en Scandal? por dos saxofonistas y una sección de ritmo que establecen conexiones con el jazz de siempre, el free, blues, ritmos brasileños y el estilo de Pat Metheny. De repertorio tan ecléctico hay que destacar Como la luna, Tribal Implosion, Zinc Element, Del equilibris y Margarita, composiciones meditadas en la mayoría de los casos y también abiertas a la improvisación, terreno este último en el que Sanmartí se mueve con la maestría de los instrumentistas consagrados pero siempre atentos a no estancarse. Otra de las características de este disco, grabado por el sello de Lérida Satchmo Jazz Records, es que el líder de la banda deja dialogar a los restantes músicos. Éstos interactúan junto a la guitarra para componer a veces imágenes, otras adornan ritmos alejados de la rutina que definen la personalidad rica y polivalente de los instrumentistas.

Composiciones: Como en la luna. Margarita. Tribal Implosion. De nuevo. Block (Peradedebo). Dels equilibris. De nuevo. Tibal Implosion. Zinc Element. Como en la Luna. Scandal?. Block (Peradedebo). Del equilibris. Zinc Element. Margarit. Scandal?.

Músicos:Joan Sanmarti (guitarra eléctrica, guitarras acústicas de 6 y nueve cuerdas), Jesús Reina (batería), Frederic Carlquist (saxos tenor y alto), Curro Galvez (bajo) y Víctor de Diego (saxos tenor y soprano).

Más portadas: Trío al blanco (1985), Me lo dijo Pérez (1996),Improvisacions amb la Historia d’un soldat d’ Igor Stravinsky (2002), Otras canciones (2003), 2 in-par” 2 in-par (2005) y Qatra Portes de Fes (2007).

Apunte: Joan Sanmarti Ensemble + Percusions de Barcelona ofrecerán el próximo 8 de febrero la interpretación de Quatre Portes de Fes en L'Auditori (Barcelona). Con anterioridad, el día 1 de febrero la misma formación actuarà en el Ateneu de San Felíu de Llobregat. Los músicos son Joan Sanmarti (guitarra, y laúd barroca), Marc Miralta (vibráfono y palmas), Curro Galvez (contrabajo), Jesús Reina (batería), Gonçal Alvarez (trompeta), Robert Armengol (percusiones), Ferrán Armengol (percusiones), Ramon Torramilans (percusiones), Ignasi Vila (percusiones), Líto Iglesias (violonchelo), Oriol Saña (violín) y Vicky Romero (voz y palmas).

Texas Tango (Dro East West) 1995
Vargas Blues Band
Portada: diseño de Manuel Guio/Dro y fotografía de Javier Salas

Javier Vargas viajó a Estados Unidos para grabar en dos importantes centros de difusión del blues moderno, Austin y Memphis, aunque también alguna de las canciones de Texas Tango se registró en Madrid, pero al final todas las piezas estuvieron dedicadas al músico Stevie Ray Vaughan. El guitarrista argentino contó con la colaboración de miembros del grupo Double Trouble, entre otros, que aportan su potente pegada a la ya de por sí furiosa guitarra de Vargas Blues Band, influenciada por lo mejor del blues rock tejano (Winter, ZZ Top y el mencionado Stevie). Mas como deja claro el título del disco, las canciones no constituyen en exclusiva una fiel reproducción de blues eléctrico de calidad, porque hay un poco de todo, el mestizaje tan recurrido por Vargas, es decir mucho rock and roll, gospel, soul, boggie, jazz y melodías latinoamericanas (porteñas), así como alguna bella balada -Thinking Of You-, el cual no quita credibilidad a un trabajo hecho con la cabeza y el corazón.

Canciones: Rose On The Water. Blues Pilgrimage. Texas Tango. Love Ain’ t Got Nowhere To Go. Ride Baby Ride. Black Cat Boggie. 1969. Ridin’ High. Thinking Of You. Buenos Aires Blues. Big Boss Man. 253. Blood Shot.

Músicos: Javier Vargas (guitarras), Jeff Espinoza (voz). Austin (Tejas); Chris Layton (batería), Tommy6 Shannon (bajo), Reese Wynans (teclados). Menphis; Steve potes (batería), Dave Smith (bajo), Earnest Williamson (teclados), Larry T. Thurston (voz en Texas Tango y Ridin’ High), Preston Shannnon (voz en 253 y Bood Shot, solo de guitarra en Blood Shot), Lyn Jones (armónica), Jacquelyn Reddick (coros), Jacqueline Johnson (coros) y Sam Baco (percusión, congas y shakers). Madrid; Tino Di Gerarldo (batería), José Vera (bajo), Jorge Lema (bandoneón) y Alfonso Pérez (teclados).

Más portadas: Vargas Blues Band (1991), Madrid-Memphis (1992), Blues Latino (1994), Gipsy Boggie (1997), Madrid-Chicago (1999), Last Night (2002), Cill Latin Blues (2003), Love, Union, Peace (2005) y Lost & Found (2007).
Apunte: Vargas Blues Band actuará este mes de enero en Atarfe-Granada (18), Cotton Club de Lleida (21), El Tijuana-Cornellá (25) y Sala Mundo Caníbal de Cerdañola (26). En próximas fechas se pondrá a la venta un nuevo disco grabado en Memphis con invitados especiales.

Alén da lenda (Resistencia) 1997
Xeque Mate
Portada: diseño gráfico de Tomás Gil

Xeque Mate comienza su andadura musical durante 1994 en la ciudad de Ourense, donde al año siguiente hace su presentación oficial que sirve para confirmar a esta agrupación como una de las mejores formaciones folk de España, sobre todo a partir de la salida de su primer disco Paisaxes y presencia en el XXV Festival Intercéltico de Lorient (Bretaña-Francia). Alén da lenda sirve para que el grupo mantenga su continuidad y ocupe un lugar destacado en el ámbito de la interpretación de la música tradicional pero desde un punto de vista moderno. En este sentido, el repertorio del segundo disco recoge 14 piezas, de las cuales la mayoría pertenecen al apartado tradicional, aunque se produce también el mestizaje con otras músicas como clásica, jazz y popular de los denominados países celtas. A esta labor contribuyeron los propios miembros del grupo, de sólida formación, que crearon algunas composiciones representativas de un estilo trabajado y abierto a diversas influencias. Tanto en los tiempos lentos como en los más movidos, el quinteto resolvía con eficiencia su cometido instrumental hasta el punto de que fue aclamado fuera de Galicia, y sus actuaciones tuvieron un efecto importante a la hora de la difusión de su singular música. Sin embargo, tras Alén da lenda, Xeque Mate se disolvía para dar paso a otra importante banda gallega llamada Camerata Meiga. El paso del tiempo no hace mella a composiciones como Noites de Bretaña (Bela Bartók), Cantares do Suído, Canto de Berce, Elexía, Mateando o Alalá da Estrada.

Canciones: Redonda de Lobeira. Noites de Bretaña. Canto de Reis. Penedo dos tres Reinos. Cantares do Suido. Canto de Berce. Bailes de Maio. Cabalgata de Rivadavia. Elexía. Santa Compaña. Mateando. Polea de Andrea. Jota de Oroso. Alalá da Estrada.

Músicos: Miguel Ángel Forneiro (marimba, teclados y acordeón), Orentino Mojón (batería, percusión y guitarra española), Manuel Garrido (flauta travesera, flauta de pico, whistle y gaita), Carlos Iglesias (piano, teclados, acordeón, bajo y guitarra española y Víctor Ángel Gil (violonchelo, bajo y guitarra española). Pedro Miguel Garbajosa (clarinete), Montse López, Marián Salgado, Marta Fierro Esther Bailón, Ana Bailón y Susana Rei (pandereteiras de la Agrupación de Danzas Populares Castro Floxo).

Más portadas: Paisaxes (1995).

Apunte: El grupo Xeque Mate no tuvo continuidad, pero varios de sus miembros formaron Camerata Meiga, en cuyo currículum aparece hasta ahora una sola grabación, el disco titulado Habelas, haílas (Resistencia. 1999).

Hasta final de 2007 este blog ha recogido portadas de discos de vinilo, principalmente elepés; sólo fueron media docena de carátulas de formato compacto, pero a partir de 2008 voy a ofrecer todo tipo de formatos, con lo cual se amplía el catálogo y las posibilidades de búsqueda de música de distintos estilos.

War (Island) 1983U2Portada: fotografía de Ian Finlay


Una historia: “U2 saltó a la palesta con Boy, su primer elepé, en 1980. Paul Hewson, alias Bono (voz, 1960) David Evans, alias The Edge (guitarra, 1961) Larry Mulen (bajo, 1961), y Adam Clayton (batería, 1960) formaban el grupo: cuatro muchachos dublineses, fervientes caltólicos de clase media-baja, que ofrecían una mùsica apasionada, contundente y melódica a un tiempo… October (1981), con su canción gloria, y definitivamnte War (1983), su tercer álbum, los encumbran y son muchos más que un grupo de éxito. Ahondando en la línea de músicas intensas que arropan sus característicos textos con mensajes, los tres discos (con el destacable factor de apoyo de a rotunda producción de Steve Lillywhite) van dando pie a unos directos cada vez más apabullantes y renombrados, verdaderas ceremonias casi religiosas donde Bono se erige en sumo sacerdote, oficiante de un ritual de rock a la vieja usanza –de ahí comienzan a surgir las acusaciones de mesianismo y grandilocuencia gratuita- que provoca auténticos éxtasis colectivos en los anonadados y enardecidos feligreses”. José Luis F. Abel. U2. El cántico espiritual.


Otra: “El tercer elepé sube a U2 a lo alto del pedestal de los grupos más venderos de discos. War fue disco de platino en cuatro países, en Estado Unidos llegó a vender más de cuatro millones de ejemplares, y de oro en otros cuatro más. Del repertorio de este larga duración, New Year’s Day se situó en el número dos de la lista de éxitos Bilboard en 1983”.

Canciones: Sunday Bloody Sunday. Seconds. New Year’s Day. Like A Song. Drowning Man. The Refugee. Two Hearts Beat As One. Red Light. Surrender. “40”.


Músicos: Bono (guitarra y voz), The Edge (guitarra, piano, lap steel y voz), Adam Clayton (bajo) y Larry Mulen Jr. (batería y percusión). Steve Wickhan (violín eléctrico), Kenny Fradley (trompeta). Cheryl Poirier, Adriana Kaegi, Taryn Hagey y Jessica Felton (coros).

Además: "No sé vivir sin la música. No creo que físicamente pueda vivir sin música, es lo único que me permite ser normal. Es como si le preguntaras a un psicótico si puede vivir sin su litio. Sin embargo, hay gente ahí fuera cuyas vidas dependen de gentes como yo que tengo acceso a los agentes que pueden cambiar el panorama, y tendría que pensármelo mucho antes de abandonar esa función. Lo que espero es que el movimiento social que está creciendo al amparo de todos estos temas sea tan fuerte que, llegado el caso de que alguien como yo no participe, nadie lo note. Al fin y al cabo, los movimientos sociales los hacen el día a día, no las estrellas de rock”. Bono en entrevista a Anthony Decurtis. Rolling Stone. Diciembre 2007.

Más portadas: Boy (1980), October (1981), The Unforgettable Fire (1984), The Joshua Tree (1987), Rattle and Hum (1988).

Sex machine (Polydor) 1970

James Brown
Portada: Polydor





Una historia: “James Brown es la figura más importante de la música negra del último medio siglo. Si considerásemos también el otro medio, tendría que disputarse el puesto con Duke Ellington. Y no me refiero sólo al valor intrínseco de su producción discográfica, que es inmenso, sino también en la magnitud de su influencia en varias generaciones de músicos, a su papel fundamental en la afirmación de la conciencia colectiva de la comunidad negroamericana, a su orgullosa autosuficiencia, a su radical inconformismo (compatible con una ideología política tirando a conservadora) y a su enorme habilidad como inmejorable parapeto ante los constantes ataques y desprecios que ha sufrido desde la trinchera blanca”. Luis Lapuente. Historia Guía del Soul.


Otra: “En 1965, después de haberlo dicho todo como soulman, inventó el funk con el tema “Papa’s Got A Brand New Bag” y enfiló su época dorada con una larga serie de pelotazos de puro funk descarnado, desde Say It Loud-I’m Black An I ‘m Proud” hasta Sex Machina, interpretados al límite de la extenuación por una banda absolutamente torrencial. Anticipó el p-funk de George Clinton, sentó las bases definitivas del black rock, precipitó el advenimiento del hip hop, y fue siempre el mayor currante del negocio de la música”. Luis Lapuente. El mapa del soul. Guías efe eme.


Canciones: Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machina. Brother Rapp, Pts. 1-2. Bewildered. I Got the Feelin’. Give It Up or Turnit a Loose. I Don’t Want Nobody To Give Me Nothing (Open Up the Door, I’ll Get ...). Licking Stick -- Licking Stick. Lowdown Popcorn. Spinning Wheel. If I Ruled The World. There Was a Time. It's a Man’s Man’s Man’s World. Please, Please, Please. I Can’t Stand Myself (When You Touch Me). Mother Popcorn Brown.

Músicos: James Brown (piano, órgano y voz), Catfish Collins (guitarra), Jimmy Nolen (guitarra), Alphonso Kellum (guitarra y bajo), Kenny Poole (wah wah guitar), Alfred Ellis (saxofón alto), Robert McCollough (saxo tenor), Eldee Williams (saxo tenor), St. Clair Pinckney (saxos tenor y barítono), Maceo Parker (saxo tenor y órgano), Clayton Gunnells (trompeta), Richard Griffith (trompeta), Darryl Jamison (trompeta), Joseph Davis (trompeta), Fred Wesley (trombón), Bobby Byrd (órgano y voz), William “Bootsy” Collins (bajo), Charles Sherrell (bajo), John Starks (batería), Clyde Stubblefield (batería), Melvin Parker (batería), Johnny Griggs (congas), Art Lopez (percusión), Marva Whitney (coros), Robert Graham (coros) y Jerry Shearin (coros).
Además: “El esquema repetitivo es inherente a su obra, la insistencia sinóptica del sonido de James Brown es la que hace de él lo que es. Infravalorarlo o negarle substancialidad equivaldría a negársela al minimalismo culto o a la polifonía y polirritmia tradicionales africanas”. Mingus B. Formentor. James Brown. El superlativo. Historia del rock.
Más portadas: Please Please Please (1959), Try Me! (1959), Night Train (1961), Live At The Apollo (1963), Pure Dynamite (1964), It’s A Man’s Man’s Man’s World (1966), Live At The Apollo (1968), It’s A Mother (1969), Soul On Top (1970=, Revolution Of The Mind (1971), There It Is (1972), Black Caesar (1973), The Payback (1974), Hell (1974) The Original Disco Man (1979), Hot On The One (1980) y Nonstop! (1981).

En recuerdo de Dan Fogelberg

(13 de agosto, 1951-16 de diciembre de 2007)

Hickory Grove

Hickory Grove, espérame

Soy tan pobre como un hombre pueda ser.

Hickory Grove, espérame

Soy tan ciego como los otros hombres que ven.

Hickory Grove, haz el sol

Crece más despacio, no tengo mucho tiempo.

Hickory Grove, mírame correr

Por entre los años de mi infancia.

Lady Luck, juega tu mano

Tengo una vida para que juegues con ella

Hickory Grove, seguirás ahí...

Tengo un sueño para poder estar contigo.

Hickory Grove

Hickory Grove, wait for me

I'm just as poor as a man can be.

Hickory Grove, wait for me

I'm just as blind as the other men that see.

Hickory Grove, make the sun

Rise slower I don't have much time.

Hickory Grove, watch me run

Down through the years of my prime.

Lady Luck, play your hand

I've got a life for you to play with

Hickory Grove, you will stand...

I've got a dream that I can stay with.

Hickory Grove, del primer LP: Home Free (Columbia) 1972

Noticia de la muerte de Dan Fogelberg en su página web: www.danfogelberg.com

Sunday, December 16
Dear friends,Dan left us this morning at 6:00am. He fought a brave battle with cancer and died peacefully at home in Maine with his wife Jean at his side. His strength, dignity, and grace in the face of the daunting challenges of this disease were an inspiration to all who knew him.

Tracy Chapman (Elektra) 1988
Tracy Chapman
Portada: fotografía de Matt Mahurin




Una historia: “A Tracy Chapman méritos no le faltan. Desde el diseño sobrio de la funda, hasta la última nota de For You, todo parece encajar. Como cualquier artista novel que triunfa a la primera entrega desde una multinacional, los ases enseñan pronto. Talkin Bout A Revolution describe la frustración de los parados, perdiendo el tiempo en las filas del subsidio; ¿no lo sabes?, hablan de una revolución, suena como un suspiro. Y ella, como el suspiro de un volcán adormilado, entona esta última frase. Con un respaldo eléctrico abierto, compacto, aunque sin aglomeraciones sonoras; limpio. Fast Car sigue en la misma línea instrumental –en realidad, todo el disco-, ahora con una interpretación angustiada. El grito juvenil ante un futuro cuyas máximas no pasan de la mediocridad (y eso con suerte); la tentación de huir como último recurso para enmendar una vida gris; el romanticismo de dejarlo todo y compartir un coche con alguien, ya divulgado en el rock por Springteen. Has de decidirte, te vas esta noche o vives y mueres así. Frases escuetas conforman una Across The Lines –denunciando el racismo que echa por tierra el cacareado sueño americano. Como guinda, Behind The Wall, la cuarta canción describe, en tono reportaje, la vida en los suburbios pobres norteamericanos: los gritos tras la pared en la noche, la policía que siempre llega tarde, la ambulancia y las lágrimas. Para mayor lucimiento de su estilo vocal, Tracy la canta sin instrumento alguno de acompañamiento, en un clima escalofriante. Esta aridez se compensa con la belleza desbordante de Baby I Can Hola You, cuya moraleja trabaja la incomunicación de parejas. Las seis canciones de la otra cara carecen de tan excelso tono”. David S. Mordoch y Alberto Manzano. Folk Pop Femenino. Espiral/Fundamentos. 1990.


Otra: “El disco, desde su aparición en la primavera de 1988, fue ganando adeptos día a día, hasta convertirse en uno d elos más vendidos de aquel verano. El examen final llega con la incorporación de Tracy a la celebérrima gira mundial Human Rights Now, compartiendo cartel y escenario con superestrellas como Swing, Meter Gabriel y Bruce Springsteen, en cuyo marco no le cuesta convertirse en la revelación. Amparada en la filosofía de su estilo, este tipo de actos le viene a la medida, como lo demuestra también el éxito obtenido en un acto de solidaridad con Nelson Mandela”. D.S.M y A.M.

Canciones: Talkin’ Bout a Revolution. Fast Car. Across The Lines. Behind The Wall. Baby Can I Hold You. Mountains o' Things. She’s Got Her Ticket. Why?. For My Lover. If Not Now. For You.

Músicos: Tracy Chapman (guitarra acústica, guitarra, percusión y guitarra rítmica), Jack Holder (órgano, dulcimer, dobro, piano, guitarra eléctrica, órgano Hammond y sitar), Denny Fongheiser (batería y percusión), David LaFlame (violín eléctrico), Ed Black (steel guitar), Paulinho Da Costa (percusión), Steve Kaplan (armónica y teclados),
Larry Klein (bajo) y Bob Marlette (teclados).

Además: “Chapman, como otras cantautoras de su estilo, conoció las anónimas actuaciones en cafés y con posteridad el éxito. A los millones de discos vendidos, hay que añadir tres premios Grammy en el año 1988 por su primer elepé (cantante revelación, mejor interpretación vocal femenina, en concreto por la pieza Fast Car, y mejor disco de folk contemporáneo. En 1997 recibe otro Grammy, esta vez en el apartado de la mejor canción de rock, por Give Me One Reason, del disco titulado New Beginning”.
Más portadas: Crossroads (1989) y Matters Of The Heart (1992).

Strong Persuader (Mercury-Hightone Records)
Robert Cray
Portada: fotografía de Aaron Rapoport

Una historia: “Más que ningún otro artista, Robert Cray se encontró dentro de la corriente de renovado interés por el blues que tuvo lugar durante los años 80. Podía mantener el blues cerca de la corriente dominante del pop mejor que ningún otro artista anterior, y obtuvo su recompensa durante su carrera…La carrera de Cray siguió una curva ascendente. En 1985, Showdown (Alligator), con Albert Collins y Johnny Copeland, tuvo un gran impacto y ganó un Grammy, mientras que el siguiente álbum de Cray, Strong Persuader (1986), el primero grabado con Mercury, llegò a los primeros puestos de las listas de éxitos. En esa época, Cray estaba en la cresta de la ola del nuevo blues, una posición a la que ha tenido que renunciar, si bien ha aparecido en películas como Hail!Hail! Rock’ n’ Roll! Junto a estrellas del rock como Keith Richards y Eric Clapton, y sus álbumes más recientes reflejan su original y amplia base de intereses mnusicales. Cray ha actuado de forma regular como telonero de Clapton en los últimos conciertos celebrados en Europa y Estados Unidos”. Keith ShadwickBlues Keepint The Faith.Ediciones Folio. 2000.

Otra: “Grabó su prime álbum, con Cousin al bajo, en 1978 paa Tomato Records (Who’s Been Talking, producido por Bruce Bromberg y editado en 1980). Su primer álbum en Higtone Records, Bad Influence (1983) le acarreó el recocmiento a escala nacional y un para de premios W.C. Handy y lanzó su carrera. Hoy en día sigue siendo una de las más reconocibles y populares jóvenes estrellas del blues, y es uno de los pocos bluesmen cuyos vídeos se miten regularmente en la MTV y la VHH-1”. Lawrence Cohn. Solamente Blues. Odín Ediciones. 1996.
Robert Cray obtuvo, dentro de los premios W.C. Handy de 1987, los galardones al mejor álbum de blues contemporáneo (USA), por Strong Persuader, y a la canción del año: Right Next Door.
Canciones: Smoking Gun. I Guess I Showed Her. Right Next Door (Beaucuse Of Me). Nothin’ But A Woman. Still Around. More Than I Can Stand. Foul Play. I Gonder. Fantasized. New Blood.

Músicos: The Robert Cray Band. Robert Cray (guitarra y voz), Richard Cousin (bajo=, Meter Boe (teclados) y David Olson (batería). Wayne Jackson (trompeta y trombón), Andrew Love (saxo tenor) y Lee Spath (percusión).

Además: “Creo que ningún guitarrista me ha influido tanto como Albert Collins, ninguno. Después de todos estos años profundizando en su música, fue emocionante paa mí reunirme con él para grabar. Nos divertimos de lo lindo durante las grabaciones. Johnny (Copeland) y yo nos colocamos juntos enfrente suyo, y cada vez que Albert iba a tocar un solo se volvía de espaldas, asomándose por encima del hombro para asegurarse de que nadie copiaba sus punteos. Fue divertido y emocionante”. Robert Cray.

Más portadas: Who’s Been Talkin’ (1978), Bad Influence (1983), False Acusssation (1985) y Don’t Be Afraid Of The Dark (1988).

Ramones (Sire) 1976
Ramones
Portada: fotografía de Roberta Bayley


Una historia: “Aunque Ramones debutaron en el club CbGB en 1974, el contrato discográfico, con Sire, tardó dos años en llegar. Ramones se grabó en diecisiete días en un estudio del Radio City Music Hall de Broadway por 6.400 dólares. El bajo y la batería se grabaron en un canal, la guitarra en otro, y la voz, repartida, a la manera antigua. El disco sólo llegó al puesto 111 de la lista norteamericana de ventas, pero hizo que otras discográficas se animaran a fichas a grupos de esta órbita.
Salvo el toque más político que le dieron los ingleses, en Ramones está todo lo que sería el punk: velocidad, simplicidad, crudeza, inmediatez y sentido del humor. No bullshit, como dicen en inglés. Rock’n’ roll y punto”. Llorenç Roviras. Los 200 mejores discos del siglo XX. Rockdelux.

Otra: “El álbum apareció en abril, y lo menos que puede decirse es que prendió a casi todo el mundo. Allí se encontraba, en esencia, el pasado, presente y futuro de Ramones. Había himnos que han permanecido hasta hoy como Blitzkrieg Bop, donde aparecía el celebérrimo Hey ho, let’s go adoptado como grito de guerra desde entonces; candorosas viñetas de inspiración sixtie como I Wanna Be You Boyfriend; descabellados consejos imposibles, al estilo de golpear con un bate de béisbol a ese hermanito pequeño que no hace más que molestar en Beat On The Brat; homenajes a sus terrores favoritos como Chainsaw, un tributo a La matanza de Texas (Tobbe Hooper, 1974); declaraciones de la desidia juvenil, cuyo máximo exponente sería Now I Wanna Sniff Some Glue, canción que inspiró el nombre del fanzine publicado en Londres por Johnny Rotten (Sniffin’ blue) y que provocó una interpelación del partido conservador en el Parlamento que tendría consecuencias en el segundo LP; una versión de Let’s Dance de Jim Lee, que ponía en práctica sus teorías al respecto: nos interesan canciones desconocidas que podamos hacer sonar como nuestras, no versionear clásicos, que no pueden mejorarse”. Eduardo Guillot. Ramones. Retrato de familia punk. Guías efe eme.

Canciones: Blitzkrieg Bop. Beat On The Brat. Judy Is A Punk. I Wanna Be Your Boyfriend. Chain Saw. Now I Wanna Sniff Some Clue. I Don’t Wanna Go Down To The Basement. Loudmouth. Havana Affair. Listen To My Herat. 53&3. Let’s Dance. I Don’t Wanna Walk Around With You. Today Your Love, Tomorrow The World.

Músicos: Joey Ramones (voz), Johnny Ramone (guitarra), Dee Dee Ramones (bajo) y Tommy Ramone (batería).

Además: “Una imagen vale más que mil discursos. Eso ha escrito Jesús Ordovás acerca de la cubierta de este disco, verdadero puñetazo en el estómago del establishment rockero de la época. Rock and roll minimalista a mil por hora, con toda la vitalidad y el espíritu lúdico que le suponen inherentes. Después, a eso se le etiquetaría como punk, aunque esa actitud corría subterránea desde los albores del género. Nada mejor para ilustrarla que esta maravillosa instantánea urbana, cortesía de Roberta Bayley, de Punk Magazine: vaqueros rotos, miradas frankesteinianas, mucho cuero. Y mucha marcha”. Gus Cabezas. Las mejores portadas de discos. Editorial La Máscara. 1996.

Más portadas: Leave Home (1977), Rocket To Russia (1977), Road To Ruin (1978), Rock’ n’ Roll High School (1979), It’s Alive (1979), End Of The Century (1980), Pleasant Dreams (1981), Subterranean Jungla (1983), Too Tough To Die (1984) Animal Boy (1986), Halfway To Sanity (1987), Ramones Mania (1988), Brain Drain (1989), Mondo Bizarro (1992), Acid Eaters (1993) y ¿Adiós amigos! (1995).

Just Act Normal (Guimbarda) 1980
Hedgehog Pie
Portada: fotografía de Chris Haigh

Una historia: “Su combinación instrumental más notable es ahora la poca frecuente mezcla de gaita y guitarra eléctrica, proporcionando un zumbido continuo. No es que sea algo muy nuevo, ya existen precedentes: Horslips, por ejemplo, y John Martín, que ha tocado aires lentos irlandeses en la guitarra eléctrica con el “sustian” a tope. El pulso rítmico lo pone ahora Dave Burland con su guitarra acústica, además de sus partes cantadas. Todo esto les da un sonido especial inmediatamente identificable, más folk y, sin embargo, también más roquero, aún sin bajo ni batería. A excepción de The Angels Took My Racehorse Away, canción compuesta por el ex Fairport Convention Richard Thompson, todos los demás de este álbum son tradicionales y de diversas procedencias”. Manuel Domínguez.


Otra: “Tres chalados barbudos conservan la invencible tradición de un grupo folk rock llamado Hedgehog Pie (Pastel de Carne de Erizo), cuya formación eléctrica se deshiciera a finales de 1976, un par de meses después de irse Martin Jenkins, su miembro clave, a tocar con Bert Jansh. Por su parte, Margi Luckley se marchó a unirse a un grupo más orientado hacia el rock. Pero no era la primera vez que se efectuaban cambios en la formación: ya anteriormente, cuando iban a hacerse semiprofesionales, otros dos integrantes del grpo, Phil y Walter, se había separado para formar Jack The Lad”. M.D.


Canciones: The Angels Took My Racehorse Away. Lowlands Holland. William Taylor. Dancing The Baby. Rueben Ranzo. Peggy O’ Er Sea With A Soldier. Ramble Away. The Cuco. The Bold Fisherman. Uncle Bulgaria.

Músicos: Dave Burland (voz y guitarras de 6 y 12 cuerdas), Mick Donan (gaita irlandesa, flautas, piccolo y voz), .Jed Grimes (guitarras eléctricas y acústicas, mandolina y voz). Con la participación de Phil Murray, guitarra acústica baja, y Tommy Duffy. bajo Fender y contrabajo.

Además: “The Cuco es un caso curioso, por tratarse de la típica canción construída a base de lo que A.L. Lloyd llama estrofas flotantes, es decir, coplas simbólicas estereotipadas repetidas en múltiples canciones, y que incluso pueden llegar a formar canciones por sí solas, como esta versión, procedente de Norteamérica (en las versiones británicas, el cuco canta al acercarse la primavera, mientras que en ésta lo hace el 4 de julio, Día de la Independencia de los Estados Unidos). Han grabado otras versiones de esta canción Big Brother & The Holding Company (Coo Coo, de su primer LP), The Pentangle (en su Basket Of Light) y John Renbourn (en su Faro Annie, la más parecida a ésta). Este es el tercer álbum de Hedgehog Pie”. Editado en Inglaterra en 1978 por el sello discográfico Rubber Records. M.D.

Más portadas: Hedgehog Pie (1974) y Green Lady (1975).

Aqua (Dro) 1992
Asia
Portada: ilustración de Rodney Matthews

Una historia: “Asia se formó cuando cuatro de los más destacados músicos de rock progresivo se juntaron por primera vez en 1981. John Wetton llegó vía King Crimson, Roxy Music, Brian Ferry y Uriah Heep. Carl Palmer estuvo con los legendarios Emerson, Lake 6 Palmer, y Geoff Downes había estado con Buggles (Video Killed The Radio Star) y con Yes. Su legendario guitarrista, Steve Howe, había estado también con Yes. La banda se lanzó a la escena mundial en 1982 con su álbum de debut Asia, copando las listas americanas durante no menos de diez semanas. Y con Heart Of The Moment y Only Time Hill Tell se mantuvieron con éxito en el Top 10 de singles”. Promoción Dro.

Otra: “Asia fueron únicos entonces, y lo son aún: rock inglés con una técnica pulida, sofisticado rock conviviendo con brillantes canciones-single de melodías luminosas. Ningún otro grupo lo había conseguido de esta manera. Tenemos nuestra propia fórmula: rock sinfónico y melódico, canciones inteligentemente construidas”. Geoof Downes sobre la primera etapa del grupo y su nueva reagrupación a finales de la década de 1980. P.D.

Canciones: Aqua Part 1. Who Hill Stop The Rain?. Back In Town. Love Under Fire. Someday. Little Rich Boy. The Voice Of Reason. Lay Down Your Arms. Crime Of The Hearts. A Far Cry. Don’t Call Me. Heaven On Herat. Aqua Part 2.

Músicos: Geoff Downes (teclados y voz), John Payne (bajo y voz), Carl Palmer (batería y percusión), Steve Howe (guitarra acústica, mandolina, pedal steel, guitarra eléctrica de 12 cuerdas y dobro) y Al Pitrelli (guitarras eléctricas).

Además: “El espléndido regreso de Asia produjo un éxito americano mayor aún; The And Now llegó al número 1 en 1990. Sin embargo al año siguiente, el talento de John Payne sustituyó al de Wetton que continuó su carrera como solista. Payne asumió con facilidad el papel de co-escritor junto con Geoff Downes, en seis canciones de este nuevo álbum Aqua”. P.D.

Más portadas: Asia (1982), Alpha (1983) y Astra (1985).

Cuarenta años después (15)

Discos de 1967



The Blues Alone (Ace Of Clubs) 1967John Mayall
Portada: diseño y fotografía John Mayall

Una historia: “Mayal fue el principal catalizador de la escena británica de blues durante los años sesenta. Además de cantante y multiinstrumentistas (particularmente con la armónica), fue un excelente líder. Consiguió mantener operativa una banda por la que pasaron docenas de músicos, entre ellos Eric Clapton, pero también Mick Taylor (antes de ser un Rolling Stone), Jack Bruce (antes de formar Cream con Clapton), John McVie, Mick Fleetwood, Peter Green (los tres pasaron luego por Fleetwood Mac), Keef Hartley…
Hijo de un músico de jazz, Mayall estuvo interesado en el blues desde muy joven. Sin embargo, no empezó su carrera musical hasta finales de los años cincuenta, después de pasar cuatro años en la guerra de Corea. Su banda, con formaciones siempre cambiantes fue bautizada como Bluesbreakers en 1963”. Anki Toner. Blues. Celeste. 1993.

Otra: “En 1969, con Mayall en Estados Unidos, el álbum Turning Point marcará su punto álgido de popularidad. En este LP, grabado en vivo en el Fillmore East de Nueva York el 12 de julio, John presenta la novedad de prescindir de la batería. En 1972, la unión de Mayall con músicos de jazz creará otro hito, aunque a partir de mitad de los 70, John se limitará a mantener su fama, creando bandas nuevas con algunos de sus viejos amigos y grabando elepés un tanto alejados del sentido purista de los años 60”. Jordi Serra i Fabra.

Canciones: Brand New Stara. Please Don’ t Tell. Down The Line. Soony Boy Blow. Marsha’s Mood. No More Tears. Cath That Train. Cancelling Out. Harp Man. Brown Sugar. Broken Wings. Don’ t Pick Me.

Músicos: John Mayall (guitarra, teclados, armónica y voz) y Keef Hartley (batería).

Además: “En el mejor de los casos, como el irlandés Van Morrison en Belfast y John Mayall en Machester, consultaban una discoteca paterna abierta al jazz o el blues (de pre-guerra la mayor parte de las veces). Algunos captaban los programas de la American Forces Network y de Voice of America”, con las esperanzas de poder oír algo más que no fuesen los estirados programas de la BBC o aquellos, demasiado sometidos al mundo del espectáculo, de Radio-Luxemburgo G.B.
Alrededor de Alexis Corner, y más tarde de John Mayall, se crearon, pues, escuelas de músicos a los que atraían el blues. Para ellos, Londres era un centro de reunión. Pero otros puntos del país alimentaban la misma corriente. Si hubieran aparecido un poco más tarde los Rolling Stones no habrían encontrado el sito tan vacío como en sus principios: entre los Animals, que vinieron de Newcastle-upton-Teyne, y los Yarbirds, una infinidad de conjuntos elaboraron por Inglaterra proyectos parecidos al suyo”. Philippe Bas-Rabérin. Le Blues Moderne. Editions Albin Michel. 1973.

Saint Dominic’s Preview (Warner Brothers) 1972
Van MorrisonPortada: fotografía de Michael Maggid

Una historia: “La portada del disco ya anunciaba algo de lo que se venía encima: ni la más remota concesión a la imagen, ni la más mínima pretensión de encandilar con misticismos o con imágenes campestres. Van Morrison aparecía sentado en unos escalones tocando la guitarra acústica; hasta aquí todo normal. Pero había que ver cómo iba vestido: toda su ropa daba la impresión de haber sido adquirida en un ropero de caridad; los raídos vaqueros mostraban un costurón cerca de la entrepierna; las punteras de las botas estaban tan desgastadas que podrían haber pertenecido a un autostopista abandonado en el desierto; y de la americana…bueno, mejor no hablar. Claro que también la música de Saint Dominic’s Preview, publicado en julio de 1972, estaba hecho de contrastes intensos y desesperados contrastes”. Eduardo Jorda. Van Morrison. Cátedra. 1990.

Otra: “Como las cartas, los discos de Van Morrison siguen una cierta regularidad –una treintena en otros tantos años-. Como las cartas, Van Morrison envía sus discos cuando realmente le apetece, cuando tiene algo que decir. Y, como las cartas a la familia o a las amigos más íntimos, los discos de Van Morrison son básicamente sinceros. A los maigos de verdad no hay por qué mentirles. Cuando no se tiene nada que contar, no se escribe, como hizo (o más bien dicho, no hizo), por ejemplo, entre 1974 y 1977. Esta es una diferencia significativa entre los –escasos auténticos artistas y el resto de gente que puebla el show-business”. Anki Toner. Van Marrison. Celeste ediciones. 1995.

Canciones: Jackie Wilson Said (I'm In Heaven When You Smile). Gypsy. I Will Be There. Listen To The Lion. Saint Dominic’s Preview. Redwood Tree. Almost Independence Day!

Músicos: Van Morrison (guitarras, teclados, saxofón y voz), Ronnie Montrose (guitarras y voz), Mark Naftalin (piano, órgano y sintetizador), Tom Salisbury (órgano, piano y teclados), Lee Charlton (batería), Bill Church (bajo), Ron Elliott (guitarra), Leroy Vinnegar (bajo), Rolf Houston (saxofón y voz), Mark T. Jordan (piano), Connie Kay (batería), Bernie Krause (sintetizador y moog), Gary Mallaber (percusión, vibráfono y batería), John McFee (steel guitar), Doug Messenger (guitarra y guitarra de 12 cuerdas), Jules Broussard (saxofón), Pat O’Hara (trombón), Janet Planet (voz), Ellen Schroer (voz), Jack Schroer (piano y saxofón), Rick Shlosser (batería) y Mark Springer (voz).

Además: “Van Morrison sigue siendo ese individuo pequeño y huraño, poseído por su arte, tímido y melancólico, ajeno a las inquisiciones sobre su obra y su persona, náufrago voluntario en los universos paralelos descubiertos y explorados por su voz…Universos a los que se llega mirando hacia adentro y escuchando, por utilizar el título de una de sus obras, el inarticulado discurso del corazón”. Ignacio Juliá.

Más portadas: Astral Weeks (1969), Moondance (1970), His Band And Street Choir (1971), Tupelo Honey (1971), Hard Nose The Highway (1973), It’s Too Late To Stop Now (1974), Veedon Fleece (1974), T.B. Sheets (1974), A Period Of Transition (1977), Wavelenght (1978), Into The Music (1979), Common One (1980), Beautiful Vision (1982), Inarticulate Speech Of The Herat (1983), Live At The Grand Opera House. Belfast (1984), A Sense Of Wonder (1985), No Guru, Mo Method, No Teacher (1986), Poetic Champions Compose (1987), Irish Heartbeat (1988), Avalon Sunset (1989) y Enlightenment (1990).

Spike (Warner Brothers) 1989
Elvis CostelloPortada: Elvis Costello/Jeri Heiden/John Heiden/Brian Griffin/Phyllis Cohen/Lizard Studio



Una historia: “Casi una obra maestra de frescura melódica, inspiración y acabado musical, y Costello sale al menos dos por década, una marca sólo igualada por gigantes como Dylan. De nuevo, en la gestación del disco, se barajaron nombres más excéntricos, una debilidad del autor (More important work, Pantomime of evil y The beloved entertainer, que finalmente quedó como subtítulo) para un trabajo que apostó por resumir en una sola palabra (Spike) la agudeza, el sincretismo y el talento de un artista que rondaba ya la madurez personal y creativa absolutas. Felizmente instalado en Dublín con su esposa Cait O’ Riordan y el resto de su familia, lejos de las presiones mediáticas y de las urgencias vitales de la metrópoli londinense, Elvis se sentía a gusto y relajado cuando coincidió con su admirado Paul McCartney y ambos decidieron colaborar en sus inmediatos trabajos discográficos”. Luis Lapuente. Elvis Costello. El camaleón exquisito. Guías efe eme. Número 14.

Otra: "Declan McManus (1954) supo desde la cuna que estaba llamado a convertirse en el rey de la nueva ola. Por eso, a la que pudo, adoptó el rutilante alias de Elvis Costello y se lanzó a la arena del rock an roll embutido en un traje de segunda mano y asegurando –como nos de día en el título de su primer elepé- que su puntería era perfecta o que sus intenciones eran buenas”. Ramón de España. Elvis Costello. Buenas intenciones.
Canciones: …This Town…Let Him Dangle. Deep Dark Truthful Mirror. Verónica. God’ s Comic. Chewing Gum. Tramp The Dirt Down. Stalin Malone. Satellite. Pads, Paws And Claws. Baby Plays Around. Miss Macbeth. Any King’s Shilling. Last Boat Leaving.

Músicos: Elvis Costello (guitarra, eléctrica, bajo, piano-bajo, guitarra acústica, mandolina, órgano, percusión y voz), Roger McGuinn (Rickenbacker 12-string), Paul McCartney (Rickenbacker bass y Hofner bass), D.P.A Mac Manus (Rickenbacker 6-string, Gretsh., spider and acoustic guitar, órgano, piano, melódica, pandereta y voz), T Bone Burnett (guitarra acústica y Trigger bass), Cait O’ Riordan (lunge maracas y snowbells), Michael Blair (batería china, Oldsmobile hubcap, pandereta, tímpano, glockenspiel, martian-dog bark, crash box, metal pipe, xilofón, marimba, Magic table, temple bells, snare drum y parade drum), Jerry Marotta (batería), Ralph Forbes (batería eléctrica), Jim Keltner (Extra snare drum, chinese cymbal, tom-tom drum y batería), Marc Ribot (guitarras eléctricas, guitarra española, distant sound y banjo), Benmont Tecnh. (piano, Hofner clavinet y Baldwin spinet), Jerry Scheff (bajo), Gregory Davis (trompeta), Efrem Towns (trompeta), Kevin Harris (saxo tenor), Roger Lewis (saxo barítono y soprano), Kirk Joseph (saxofón), Allen Toussaint (gran piano), Mitchell Froom (Wurtlitzer electric piano, Chamberlain, indian harmonium y órgano), Buell Niedlinger (double bass y chelos), Willie Green (batería), Donal Lunny (bouzuki, bodhram y guitarra acústica), Davy Spillane (low whistle y uileann pipes), Steve Wickhan (violín), Pete Thomas (batería), Jerry Scheff (double bass), Charles Joseph (trombón), Jenel Marshall (snare drum), Lionel Batiste (bass drum), T Bone wolf (bajo y acordeón), Chrissie Hynde (armonías vocales), Derek Bell (irish harp y trompan), Frankie Gavin (violín), Steve Wickhamn (violín) y Christy Moore (bodhran).

Además: “Al filo de los años 80, su obra aparecía como una de las más coherentes, sin bien existen abundantes singles, EP’s y hasta LP’s no oficiales, producto de grabaciones en vivo o en ediciones de otros países. El caso más notable es el Lp Live at The Mocambo, editado en Canadá”. Jordi Sierra i Fabra.


Más portadas: My Aim Is True (1977), This Year’s Model (1978), Armed Forces (1979), Get Happy! (1980), Trust (1981), Almost Blue (1981), Imperial Bedroom (1982), Punch The Clock (1983), Goodbye Cruel World (1984), King Of America (1986) y Blood And Chocolat (1986).