The Undertones (Sire) 1979
The Undertones
Portada: Alwyn Clayden

The Undertones, de Derry en el Ulster, realizaron una envidiable presentación discográfica con el elepé que lleva el nombre del quinteto norirlandés. El larga duración puede considerarse sin rubor como canónico en cuanto a primer disco porque en su creación se produjeron los factores necesarios para que un LP de estreno quede para siempre en el olimpo de los mejores. De esos elementos que auparon a The Undertones están una música viva que a casi 35 años de su grabación resulta todavía impactante, una inspiración tremendamente juvenil y un sonido guitarrero que partiendo del nihilismo punk no pierde de vista las fuentes del pop y el rock de garaje. Esa instrumentación parca en el virtuosismo que en aquellos años estaba cansando a un sector del público roquero, propició la frugalidad que caracterizó y aupó a The Undertones como una de las propuestas más refrescantes del rock sin grandes despliegues. Como referencia de se ozono que limpió la contaminada atmósfera de la música juvenil de finales de la década de 1970, está una magra pero sustanciosa colección de canciones entre las que destacan Family Entertainment, Girls Don' Like It, Teenage Kicks, Jump Boys y Jimmy Jimmy, que además devolvieron la alegría al patio roquero.

Canciones: Family Entertainment. Girls Don't Like It. Male Model. I Gotta Getta. Teenage Kicks. Wrong Way. Jump Boys. Here Comes The Summer. Get Over You. Billy's Third. Jimmy Jimmy. True Confessions. (She's A) Runaround. I Know A Girl. Listening In. Casbah Rock.

Músicos: Feargal Sharkey (voz), Damien O' Neill (guitarra), John O' Neill (guitarra), Mickey Bradley (bajo) y Billy Doherty (batería).

Más portadas: Hypnotised (1980), Positive Touch (1981), Six Women No Strings (1997), Get What You Need (2003) y Dig Yourself Deep (2007).

Apunte: El primer disco en soporte CD de The Undertones incluye las canciones extra Smarter Than U. Emergency Cases. Top Twenty. Really Really. Mars Bars. She Can Only Say No. One Way Love.

The Complete 1931 Recordings (Body&Soul) 2004
Skip James
Portada: Christian Rose

Skip James (1902-1969) forma parte de la generación de bluesmen que facilitó al estilo básico de la canción negroamericana un salto cualitativo gracias en parte al desarrollo de la industria fonográfica hasta la depresión económica producida por la crisis de 1929, hecho este último que influyó para que quedase fuera de circulación uno de los guitarristas y cantante más singulares de ese grupo en el que entran grandes figuras del blues que contribuyeron a su evolución desde slo rural o lo urbano. Dotado de la técnica propia del virtuoso con una capacidad para la creación que le salvaba de ser el típico cantante que copia de aquí y allá piezas de otros para su repertorio, Skip James por suerte representa al músico polifacético que deambulaba por diferentes escenarios, desde centros de trabajo a prostíbulos. De esas experiencias nutrió la carga literaria de sus canciones en las confluyen cánticos realistas, asuntos subidos de tono, evocaciones religiosas o ritmos endiabladamente rápidos. The Complete 1931 Recordings fue el resultado de un concurso que ganó James y le sirvió para que 18 canciones fuesen registradas por la Paramount. No obstante la sombra del crack continuaba arruinando industrias y la discográfica fue una de ellas con lo cual Skip se retiró hasta su nueva reaparición en los años 60, pero las composiciones antes mencionadas constituyen uno de los grandes discos del blues. Desde Devil Got My Woman a If You Haven't Any Hay Get On Down The Road, pasando por I'm So Glad, en las que destacan el personal estilo de Skip James con su aguda voz en falsete y su peculiar forma de tocar la guitarra.

Canciones: Devil Got My Woman. Cypress Grove Blues. Cherry Ball Blues. Illinois Blues. Four O'Clock Blues. Hard-Luck Child. Hard Time Killin' Floor Blues. Yola My Blues Away. Jesus Is a Mighty Good Leader. Be Ready When He Comes. Drunken Spree. I'm So Glad. Special Rider Blues. How Long "Buck". Little Cow and Calf Is Gonna Die Blues. What Am I to Do Blues. 22-20 Blues. If You Haven't Any Hay Get On Down the Road.

Músicos: Skip James (guitarra, piano y voz).

Más portadas: Greatest Of The Delta Blues Singer (1964), The Blues At Newport Part 2 (1964), Today (1966) y Devil Got My Woman (1968).

The Marshall Tucker Band (Capricorn Records)
1973
The Marshall Tucker Band
Portada: James Flournoy Holmes

The Marshall Tucker Band ocupa espacio en la trinidad de las grandes bandas sureñas de rock estadounidense de la década de 1970. El quinteto de Carolina del Sur se estrenaba discográficamente en 1973 con el disco The Marshall Tucker Band, un trabajo que marca la línea estilística del combo de los hermanos Cadwell. Si en algo hay que destacar del grupo, además de su impecable sonido cargado de esencias de country, gospel, blues y jazz, es la presencia de un flautista que además toca el saxofón. La flauta es uno de los instrumentos predominantes en la estructura musical del que se puede considerar primer éxito de referencia del grupo: la canción Take The Highway, una nueva manera de encarar el rock sureño pero sin perder la base de dicho estilo, es decir duelos de guitarras eléctricas, potente sección rítmica y voz polivalente que sabe adaptarse a diferentes géneros. Pero donde se percibe con mayor claridad el rock sureño es sin duda en Can't You See, en la que Toy Cadwell demuestra su calidad a la hora de tocar la guitarra eléctrica en la que es otra de las piezas básicas de The Marshall, donde, a diferencia de la que abre el elepé, el cálido piano de Paul Hornsby entra en acción, otra de las marcas de la casa Tucker. Pero por si fuera poco, el estreno discográfico de The Marshall incluye otro éxito, Ramblin', la más acelerada del larga duración y con una juguetona sección de viento acompañando los parrafeos de Doug Gray, cuando no se desbocan las guitarras de Toy Cadwell y George McCorkle. Si todas las composiciones antes mencionadas figuran en las antologías y grandes éxitos de The Marshall T.B., el resto del repertorio no desmerece para nada, así ponen muy alto el listón My Jesus Told Me So, en clave gospel gracias sobre todo al excelente registro vocal de Gray no exento de sentimiento. La influencia del country se pone de manifiesto en Losing You, Hillyby Band y See You Later I'M Gone, con amplio despliegue de instrumentación afecta a dicho estilo, como steel guitar o violín. En fin que la carta de presentación no pudo ser mejor para The Marshall Tucker Band, incluso el apunte acústico que cierra el disco, AB's Song, resulta delicioso.

Canciones: Take The Highway. Can't You See. Losing You. Hillbilly Band. See You Later, I'm Gone. Ramblin'. My Jesus Told Me So. AB's Song.

Músicos: Toy Cadwell (guitarra solista, guitarra acústica, steel guitar y voz), Tommy Caldwell (bajo y voz), Doug Gray (cantante solista y percusión), George McCorkle (guitarra rítmica, guitarra acústica y percusión), Jerry Eubanks (flauta, saxo alto, percusión y voz) y Paul Riddle (batería). Jai Johanny Johanson (congas), Paul Hornsby (piano acústico, piano eléctrico, órgano, moog y voz), Fred Wise (violín), Oscar Jackson (saxo tenor), Samuel Dixon (trompeta) y Donna Hall, Ernestine Jones y Ella Brown (coros).

Más portadas: Living In Long Island (2006) y The Next Adventure (2007).

Dedicado a Aurelio Juberías "Biri", por su amistad incontestable, las horas de música en común y nuestro deambular juvenil por las calles de Madrid.

El rastro (29)

Los 5 Latinos
Columbia
1961

• La montaña de Imittos
• Luces del puerto
• Tengo para ti
• Es cierto
• Todo es nuevo
• Si te quisiera
• Locamente te amaré
• Nunca en domingo
• Amor bajo 0
• Santa Lucía
• Eres diferente
• Las hojas verdes

Tamla Motown (1959-2009)

It'll Shine When It Shines (A&M) 1974
The Ozark Mountain Daredevils
Portada: Roland Young y Harry Mittman

The Ozark Mountain Daredevils era una clara representación del country rock setentero que funcionaba en estados que no eran California. Los miembros de esta banda de Missouri tuvieron el acierto de colocar su segundo elepé en la cima de las listas, lo cual no influyó por otra parte que el grupo siguiese grabando discos de reconocida valía aunque sin el alcance de It´ll Shine When It Shines, que alcanzó el número tres de los éxitos en 1975, en concreto con la contagiosa y más conocida pieza del grupo: Jackie Blue, un portento de pop con voz de falsete y guitarra eléctrica sinuosa incluidas que la alejan del estilo base de The Ozark, una de cuyas mejores características era sus preciosas armonías vocales y una tendencia ecléctica en cuanto a lo musical a pesar de su estética campestre. Voces cuidadas, en una onda parecida a los inolvidables C,S& Nash, abundan en el disco desde el primer corte, You Made It Right, country suave en contraposición a canciones más eléctricas como Look Away, E.E. Lawson, It Probably Always Will, Tidal Wave y Kansas You Fooler, aunque el repertorio del grupo se adentra también en canción de autor (Lowlands), folk (It Probably Always Will), country blues (Walkin' Down The Road) y alguna composición de atmosférico fondo (What's Happened Along In My Life). Todas ellas contribuyen a asentar a It'll Shine When It Shines entre los mejores álbumes de los setenta de su estilo y que envejece adquiriendo la solera de los productos artesanos.

Canciones: You Made It Right. Look Away. Jackie Blue. Kansas You Fooler. It Couldn't Be Better. EE Lawson. Walkin' Down The Road. What's Happened Along In My Life. It Probably Always Will. Lowlands. Tidal Wave. It'll Shine When It Shines.

Músicos: Buddy Brayfield (piano, piano eléctrico, órgano y oboe), Steve Cash (armónica y voz), Randle Chowning (guitarras, mandolina y armónica), John Dillon (guitarras, mandolina, armónica y voz), Michael Granda (bajo) y Larry Lee (batería, guitarra acústica, sintetizador y voz). Glyn Johns (guitarra), Nick DeCaro(acordeón) y Jody Troutman (coros).

Más portadas: Lost Cabin Session (2003), Our Most Dangerous Stunts (2006) y 1980 Reunion Concert [live] (2006).

Los Gatos Negros (Alligator Records) 1986
Los Gatos Negros
Portada: archivo de Belter

Los Gatos Negros es el nombre de un conjunto de Barcelona nacido al calor de la universidad de dicha ciudad catalana a finales de la década de 1950 cuando el rock and roll estaba en su apogeo en el Viejo Continente. Curtidos en las mil y una peripecias de los grupos musicales que buscaban un lugar en el naciente panorama de la musica juvenil de la España franquista, realizando bolos por los lugares más insospechados y con repertorios a veces circunstanciales dada la escasa oferta de circuitos para actuaciones de bandas de rock. No es extraño que sus primeros discos, en formato epé, se convirtiesen en doble oferta de potentes sonidos y melódicas canciones.En este elepé recuperado por el gran Ángel Álvarez (1917-2004) para el imprescindible Alligator Records, que tantas joyas del pop hispano rescató para su conocimiento en los años ochenta, se encuentran algunas de las canciones más representativas de Los Gatos Negros que van desde el rock and roll al soul, pasando por piezas de The Beatles a lo dicho antes canciones italianas tipo festival de San Remo como Una rotonda sul mare. El grupo no llegó a alcanzar la fama de otras formaciones básicas del pop hispano, pero, sin embargo, en sus grabaciones más roqueras se nota una potencia inusual muy emparentada con el british rock de aquella época que exportaba los mejores sonidos pop, mod, psicodelia, aunque el combo catalán también se apuntaba a la música negroamericana de los sesenta, que les acercaban en los primeros tiempos a un rock de garaje del que no había muchos seguidores. No obstante, en sus discos se disfruta de las particulares versiones que a las antes referidas hay que añadir las de piezas de The Kinks, Manfred Mann, Spencer Davis Group, Procol Harum o Yarbirds, lo cual los confirmó con un grupo de su tiempo que incluso llegó a girar por el extranjero.

Canciones: What'd I Say. The Locomotion. Speedy Gonzalez. C'mon Everybody. Sheila. Giovane, Giovane. Cuando los gatos bailan twist. Una voz extraña. Tú serás mi baby. Para ti. Hippy Hippy Shake. Ella te quiere. Una rotonda sul mare. Dime si no es bueno.

Músicos: Carlos Maleras (teclados y voz), José María Mesa (guitarra solista), Piero Carando (bajo y voz) y Ernesto Rodríguez (batería y voz).

Más portadas: Lo mejor de... (1969) y Pop de los 60 (1998).

El rastro (28)

Andrés do Barro
RCA
1970

• Corpiño xeitoso
• Rapaciña

Brothers And Sisters (Capricorn Records) 1973
The Allman Brothers Band
Portada:

The Allman Brothers Band obtiene con Brothers And Sisters el reconocimiento masivo de un público que en la mayoría de los casos, por lo menos fuera de Estados Unidos, desconocía su condición de banda proclive a sonidos como jam rock y blues con ramalazos de improvisación jazzística en parte por el liderazgo del guitarrista Duanne Allman (1946-1971), quien con su temprana muerte contribuyó a que la formación por él creada no renunciase en lo sucesivo a un estilo más abierto y, por tanto, comercial, lo cual no implicaba sin embargo falto de calidad. Con una potente sección de ritmo gracias al compenetrado dúo de percusionistas y el bajiista Berry Oakley, el mantenimiento de dos guitarras -sin Duanne, claro- y la entrada de un teclista constituyen las bazas de los reconstituidos Allmans que en lo instrumental se decantan hacia una versatilidad de agradables sonidos que se concreta en Jessica, pieza por antonomasia de la nueva etapa del grupo que pierde a Oakley, con lo cual el liderazgo recae en Gregg y Dicky Betts, quien asume el papel de guitarrista solista que se suelta la melena con una de las canciones más impactantes del elepé, Rambin Man, y de sensibilidad country, por cierto ya apuntada en la celebrada Blue Sky, lo cual junto al resto del repertorio convierte a los Allmans en el principal referente del pujante rock sureño. Wasted Words, Southbound y algún que otro blues como Pony Boy representan las bazas del meteórico ascenso de la banda hacia las listas de éxitos y las programaciones de la FM, rumbo que se aparta en teoría del inicial virtuosismo sin que hasta el momento el cambio no influyese en su conexión con la calidad instrumental de la aún juvenil The Allman Brothers Band en aquel año de 1973 y alternativa válida al sonido de la Costa Oeste estadounidense.

 

Canciones: Wasted Words. Ramblin' Man. Come and Go Blues. Jelly Jelly. Southbound. Jessica. Pony Boy. 

 

Músicos: Gregg Allman (órgano, guitarra rítmica y voz), Richard Betts (guitarra eléctrica, slide guitar, dobro y voz), Berry Oakley (bajo), Lamar Williams (bajo), Chuck Leavell (piano, piano eléctrico y voz), Jaimoe (batería y congas) y Butch Trucks (batería, percusión, tímpanos y congas). Les Dudek (guitarra eléctrica en Ramblin' Man y acústica en Jessica. Tommy Talton (guitarra acústica en Pony Boy).

 

Más portadas: Peakin' At The Beacon (2000), Hittin' The Note (2003), One Way Out -Live- (2004) y Boston Common 8/17/71 (2007).

 

Apunte: Friday, June 20, 2008. Monday, Febraury 25, 208. Sunday, June 4, 2006.

Dedicado a Carlos "Charly" Domínguez, bajista y alma mater de Los Suaves

Never Say Never. The Nest Of 1995-2005 (XR) 2005
Elliot Murphy
Portada: Carlos Rodríguez

 

 

Elliot Murphy (New York, 1949) es por mérito propio una de las figuras del rock de los setenta que se mantiene en el candelero artístico gracias a su capacidad de trabajo en la que ha sabido aunar lirismo y musicalidad. De aquel dandi de los comienzos queda la sobria elegancia del trovador contemporáneo que cautiva a un público heterogeneo sobre todo en Europa donde parece haber encontrado su hogar. Never Say Never es un recopilatorio compuesto por un cedé y un deuvedé que recalan en el periodo de tiempo comprendido entre 1995-2005, una década que para Murphy ha supuesto transitar por pequeñas discográficas y escenarios más bien reducidos, sin que por ello se haya resentido su fama de compositor con dotes literarias y músico de rock sui géneris. La singularidad de Murphy en esta doble entrega está en que se aproximada más al folk rock básico aunque en ocasiones se adviertan trazos de, por ejemplo, Bob Dylan o Leonard Cohen, sin que el neoyorquino pierda su esencia pues se encarga de componer las canciones que ejecuta, aunque a veces se atreva con versiones. El cedé recoge 14 piezas que abundan en el estilo antes mencionado con fuerte presencia de guitarras acústicas, teclados comedidos y algunos que otros instrumentos propios de la canción de autor que van desde el acordeón de tonalidades europeos al lap steel de esencias campestres, aunque las guitarras eléctricas tampoco faltan, porque Elliot no olvida su raíces roqueras reafirmadas por una eficiente sección rítmica. Basta con escuchar la composición que abre y da título al CD para reconciliarse con el rock de toda la vida, lo cual vuelve a producirse con la última pieza del disco, la balada Everything I Do (Leads Me Back To You), que Murphy comparte a las voces con el boss Bruce Springsteen. El resto se asienta en lo dicho, folk rock atemporal que se resalta con excepcional sensibilidad en canciones como On Romeo Street, Ground Zero, Long Time Coming y Put It Down.

 

Canciones: Never Say Never. Come On Louann. Small Room. A Little Push. On Romeo Street. Tell Me. Ground Zero. Green River. Dirty Old Man. My Father's House. Long Time Coming. Put It Down. Hard Core. Everything I Do (Leads Me Back To You).

 

Músicos: Elliot Murphy (guitarra acústica, guitarra eléctrica, bajo, órgano, armónica y voz), Kenny Margolis (órgano, piano, óragno Hammond, moog, Fender Rhodes piano y acordeón), Olivier Durand (dobro, guitarra acústica, guitarra de 12 cuerdas y mandolina), Ernie Brooks (bajo), Danny Montgomery (batería), Patrick Riguelle (lap steel y voz), Jorge Otero (mandolina), Thomas Schaetel (teclados), Jonathan Kane (batería), Mark Noble (guitarra, teclados y batería), Bertrand Bonello (piano), Chucho Merchan (contrabajo), Andy Newmark (batería), Kevin Mulligan (guitarra), Christophe Leroux (chelo), Florent Barbier (batería y percusión), Cindy Bullens (guitarra acústica y voz), , Florent Barbier (batería y percusión), Mark Kerr (percusión), Nils de Caster (violín), Antoinette McDouglas (coros), Mike Delanghe (coros) y Bruyce Springteen (voz).

 

Más portadas: Murphy Gets Muddy (2005), Coming Home Again (2007) y Nots From The Underground.

 

Apunte: Más información de Elliot Murphy en este blog. Sunday, July 23, 2006. Wednesday, September 10, 2008.

Fonte do Araño (Novola) 1977
Emilio Cao
Portada: Xosé Díaz

Emilio Cao introdujo la denominada música celta en Galicia durante la segunda mitad de la década de 1970 en el momento álgido del citado estilo, en parte por el rebrote de los nacionalismos en diferentes estados (Islas Británicas, Francia y España) y también gracias al proselitismo de músicos europeos como el bretón Alan Stivell, quien se encargó de hacer la introducción al instrumentista gallego. Así quedó demostrado que la música popular gallega quedó marcada por dos hechos discográficos: por una parte, el cambio de rumbo en la canción de la mano de Luis Emilio Batallán (aquí comentado su mejor disco) y, por otro, el nacimiento de una música instrumental emparentada con la tradición gallega y con las músicas de Irlanda, Escocia, Gales y Bretaña. En el segundo grupo se inscribe Fonte do araño que, a pesar del canto de Cao aunque casi como un instrumento más en buena parte del repertorio, también recoge elementos de la música popular gallega en piezas como Pandeirada de Nebra, Na noite de San Xoán, Chegando ao Caurel y Arrieiros de Moraña, que enlazan con el rico legado de danzas y cánticos mantenido a lo largo de los siglos. Como también se incluyen en el disco elementos del cancionero medieval: Romance de Bernardino e Sabeliña y alguna acercamiento instrumental a dicha época con Mentras ela fía. Instrumentos como gaita, flauta, percusión gallega y zanfona son los principales protagonistas de esta música, a los que se une el arpa, recuperada por Cao para la música folk gallega, que destaca en desarrollos cercanos al ya referido Stivell, caso de E as geivotas sobor de nós. Igualmente hay que reseñar la atmosférica Baixaron as fadiñas, con guitarra eléctrica incluida, que acercó a Cao a los seguidores de la música progresiva, género que el gallego conocía de sus años de instrumentista en varios grupos.

Composiciones: Fonte do araño. Pandeirada de Nebra. Na noite de San Xoán. Chegando ao Caurel. Mentras ela fía. Arrieiros de Moraña. No campo da festa. Romance de Bernardino e Sabeliña. Baixaron as fadiñas. E as geivotas sobor de nós.

Músicos: Emilio Cao (arpa, cítara, coros y voz), Bernardo Martínez (flauta), Xosé Ferreirós (gaita y percusión gallega), Antón Seoane (zanfona y xilofón) y Xan Piñón (guitarra eléctrica).

Más portadas: Lenda da pedra do destiño (1980), No manto da auga (1982), Amiga alba e delgada (1986), Cartas mariñas (1992) y Simbad en Galicia (1996).

Blueprint (Polydor) 1973
Rory Gallagher
Portada: John Kosh, Stramp y Michael Putland

Rory Gallagher (1948-1995) se encontraba en la mejor etapa de su carrera como solista cuando grabó Blueprint, el cuarto disco tras su salida de Taste. Con anterioridad había puesto a la venta el directo Live in Europa. Con nuevos miembros en la banda, en concreto el baterista Rod D'Ath y el pianista Lou Martín, Rory consigue el reconocimiento masivo del público europeo en aquellos escenarios donde toca y desarrolla su potente y arrollador blues rock. Blueprint desde la primera pieza muestra el nuevo sonido de la banda del guitarrista irlandés que se enriquece con el trabajo a los teclados de Lou Martin, lo cual se puede apreciar en la composición que abre el elepé Walk On Hot Coals, que será un referente de las mejores actuaciones en directo de Gallagher en aquellos años setenta, una prueba de ello es la versión que se puede escuchar en Irish Tour 74, doble en directo de la gira por Irlanda, que también dispone de formato DVD. El potente blues rock de Gallagher le va a servir además en su despegue para conectar con los aficionados al rock duro, quienes consideran que la actitud del guitarrista nada tiene que ver con las figuras más encumbradas de la música popular anglosajona. Como es habitual, Rory realiza alguna parada en sus desarrollos eléctricos con el fin de adentrarse en el blues rural, matizado de sonoridades folk, casos de Banker's Blues, con un delicioso piano barrelhouse de fondo, y Unmilitary Two-Step, que subraya la versatilidad de Gallagher cuando toca música con raíces y su eficiencia a la hora de tañer instrumentos acústicos de cuerda. También hay que destacar la canción que cierra el larga duración, If I Had A Reason, más melódica pero tocada con la gracia de la mejor etapa de Rory Gallagher, en la que se sitúa Blueprint como disco de estudio imprescindible para entender la evolución del guitarrista de Ballyshannon.

 

Canciones: Walk On Hot Coals. Daughter Of The Ewverglades. Banker's Blues. Hands Off. Race The Breeze. The Seeventh Son Of A Seventh Son. Unimilitary Two-Step.If I Had A Reason.

 

Músicos: Rory Gallagher (guitarras, mandolina, armónica, saxos y voz), Gerry McAvoy (bajo), Rod D'Ath (batería y percusión) y Lou Martin (teclados y guitarra).

  

Más portadas: Live At Montreaux (2006), The Essential (2007) y Forever (2008).

 

Apunte: La edición en formato cedé de Blueprint incluye dos canciones más: Stompin' Ground y Threat Her Right. Más información sobre Rory Gallagher en este blog:Thursday, June 1, 2006. Sunday, June 18, 2006. Tuesday, October 23, 2007. Thursday, April 17, 2008. Thursday, November 13, 2008.

The Complete Vanguard Recordings (Vanguard) 2000
Big Mama Thornton
Portada: fotografía de David Gahr

Big Mama Thornton (1925-1984) es una de las grandes cantantes de blues cuyo legado permanece como grato recuerdo en la memoria de quienes aman dicho estilo musical. Dieciséis años después de su muerte, el sello discográfico Vanguard recuperó tres discos de la blueswoman que habían sido grabados en la década de los setenta cuando era toda una institución en los principales festivales de blues. Los discos Jail, Two Sassy Mama! y Three Big Mama Swings, este último inédito hasta entonces, recogen la portentosa voz de Big Mama tanto en directo en diferentes centros penitenciarios de Estados Unidos como en estudio. El resultado es blues eléctrico con base en las mejores voces de las clásicas del género y rhythm &blues que incluyen éxitos de Big Mama como las inolvidables Ball And Chain y Hound Dog, aunque cualquiera de las restantes canciones, en especial las contenidas en Three Big Mama Swings, mantienen la intensidad propia de la cantante de Alabama.

Canciones: CD1 -Jail-. Little Red Rooster. Ball And Chain. Jail. Hound Dog. Rock Me Baby. Sheriff O.E. & Me. Oh Happy Day. CD2 -Two Sassy Mama!-. Rolling Stone. Lost City. Mr. Cool. Big Mama's New Love. Private Number. Sassy Mama. Everybody's Happy (But Me). CD 3 -Three Big Mama Swings-. Good-Bye Baby. Gonna Leave You. Mixed Up Feeling. Special. Going Fishing. Big Mama Swings. Happy Me.

Músicos: CD 1. Big Mama Thornton (voz), J.D. Nichols (piano), George Harmonica Smith (armónica), Bill Potter (saxo tenor), B. Huston (guitarra), Steve Wachsman (guitarra), Bruce Stevenson (bajo) y Todd Nelson (batería). CD 2. Big Mama Thornton (voz), Paul Griffin (teclados), Jimmy Johnson (batería), Buddy Lucas (saxo tenor), Wilbur Bascomb (bajo), Cornell Dupree (guitarra) y Ronnie Miller (guitarra en 4). CD 3. Big Mama Thornton (voz), Paul Griffins (teclados), Ernie Heyes (piano), Jimmy Johnson (batería), Buddy Lucas (saxo tenor), Wilbur Bascomb (bajo) y Cornell Dupree (guitarra).

Más portadas: In Europe (1966), She's Back (1968),m The Way It Is (1970) y Mighty Crazy (2002).

4x10
1969

Our Children's Children's Children (Threshold) 1969

The Moody Blues

Portada: Phil Travers

The Moody Blues formaban parte de los grupos consolidados en la fama cuando a finales de 1969 grabaron este disco representativo del rock sinfónico, estilo que tanto juego iba a dar en la década siguiente. El quinteto británico se encontraba en su etapa más creativa en aquel año cuando surgieron canciones como Higher And Higher, Eyes Of Child I y II, Gypsy, Candle Of Life o la hermosa balada Waiting An Waiting, que catapultaron a la banda a la fama de las listas de éxito tanto en el Reino Unido como en Norteamérica. Complejos arreglos orquestales, utilización de teclados entonces innovadores, pasajes acústicos y excelentes armonías vocales constituyen los elementos definitorios de To Our Children's Children's Children, a lo que hay que añadir, dentro de la unidad de The Moody Blues, el componente de individualidades en el combo, pues todos aportan alguna pieza al elepé.

Canciones: Higher And Higher. Eyes Of A Child I. Floating. Eyes Of A Child II. I Never Thought I'd Live to be a Hundred. Beyond. Out And In. Gypsy (Of a Strange and Distant Time). Eternity Road. Candle of Life. Sun Is Still Shining. I Never Thought I'd Live To Be A Million.Watching And Waiting.

Músicos: Justin Hayward (guitarra, sitar y voz), John Lodge (bajo y voz), Ray Thomas (flauta, pandereta y voz), Graeme Edge (percusión y batería) y Mike Pinder (melotrón, órgano y voz).

Más portadas: Hall Of Fame (2000), Melancholy Men (2000), December (2003) y Lovely To See You (2005).

Hijos del agobio (Movieplay) 1977
Triana
Portada: Dibujo de Máximo Moreno

Triana se consolida con su segundo disco grande Hijos del agobio la principal propuesta del rock andaluz de la segunda mitad de la década de 1970, porque, entre otros motivos, el trío sevillano llegó a un amplio sector de público que igual aplaudía el rock progesivo anglosajón como la canción comprometida de aquellos tiempos de cambio. En la línea de su disco de estreno, Triana mantenía el mestizaje del rock de teclado y guitarra eléctrica con el flamenco, estilo éste que se percibía en la voz del cantante y líder del grupo, Jesús de la Rosa, así como la inclusión de guitarra flamenca, principalmente tocada por Eduardo Rodríguez, aunque de vez en cuando el baterista, Tele, solía adentrarse en un terreno hasta entonces inexplorado como se puede comprobar cuando se escucha el único instrimental del disco. Recuerdos de Triana. Esta pieza, como las siete restantes convierten a Hijos del agobio en uno de los discos a revisitar de vez en cuando, pues en él hay esencias de melancolía, alegría, rock y jondura, casos de la canción que da título al disco, Rumor, Necesito o Del crepúsculo lento nacerá el rocío.

Canciones: Hijos del agobio. Rumor. Sentimiento de amor.Recuerdos de Triana. ¡Ya está bien!. Necesito. Sr. Troncoso. Del crepúsculo lento nacerá el rocío.

Músicos: Jesús de la Rosa (teclados, guitarra y voz), J. J. Palacios Tele (batería, percusión, efectos especiales y moog), Eduardo Rodríguez R. (guitarra y voz), Antonio Pérez (guitarra eléctrica), Manolo Rosa - bajo eléctrico y guitarra española en Del crepúsculo), Enrique Carmona (introducción guitarra en Del crepúsculo lento nacerá el rocío) y Migel Angel Iglesias - voces de ambientación y desahogo microfónico en Recuerdos de Triana).

Más portadas: El Patio (1975), Sombra y luz (1979), Un encuentro (1980), Un mal sueño (1981) Llegó el día (1983) y Quiero contarte (2008).

Apunte: En la reedición de Hijos del agobio en soporte cedé de 2003, llevada a cabo por la revista efe eme, se incluyeron cinco canciones más de diferentes etapas de Triana, en concreto las tituladas Uha historia, Quiero contarte, Cae fina la lluvia, Una noche de amor desesperada y Desnuda la mañana. Más información sobre el grupo andaluz, en este blog, Tuesday, December 19, 2006.

Looking Back Tomorrow Beausoleil Live (Rhino Records) 2001
Beausoleil
Portada: Hugh Brown & Raymond Gehman y Corbis

Beausoleil es una de las más acertadas propuestas de la música cajun relacionada con la comunidad de habla francesa que habita en la Louisiana de Estados Unidos. Desde 1975 la veterana formación desarrolla su alegre repertorio sin fisuras en cuanto a la calidad de las interpretaciones como queda demostrado en esta grabación en directo de un amplio repertorio de zydeco, aunque tampoco se olvidan de otros sonidos referenciados en la actuación, como jazz, blues, country, folk, que animan a la danza. El directo incluye en total 15 canciones, en algunos casos de la tradición previamente actualizada por el grupo, casos de Jái éte au Bal, Parlez-Nous à Boire, Grando Maumou o Pierrot Grouillette & Madmoiselle Josette, cuando no corresponden al alma mater de la banda Michael Doucet, quien aporta varias piezas como Améde, Zydeco X, Quoi' y a Toi, Perky Dance Two-Steep y Bon Soir, Tous Mes Amis. Aunque Beusoleil no le hace tampoco ascos a otros compositores celébres, más o menos de su zona de influencia, Clarence Galow y Eddie Shuler, Rodney Balfa o Fats Domino.

Canciones: J'ai été au Bal. Bons Temps Rouler. Pa Janvier. Parlez-Nous à Boire. Amédé. Varise. Travailler C'est Trop Dur. It's You I Love. Grand Mamou. Pierrot Grouillette & Madamoiselle Josette. Zydeco X. Ma Douce Amie Quoi y a Toi.Perky Dance Two-Step. Bon Soir, Tous Mes Ami.

Músicos: Michael Doucet (violín y voz), David Doucet (guitarra y voz), Jimmy Breaux (acordeón), Al Tharp (bajo y violín), Tommy Alesi (batería) y Billy Ware (percusión).

Más portadas: Cajun Conja (1991), La danse de la vie (1993), L'Echo (1994), Lámour ou la jolie (1997), Arc de Triomphe Two-Step (1997), Gitane Cajun (2004) y Alligator Purse (2009).

Scapegoats (China Records) 1991
Green On Red
Portada: fotografía de Peter Anderson

Green On Red es uno de los grupos prototipo del rock americano que volvió la mirada a los sonidos de los sesenta aunque bajo la denominación de nuevo rock americano que comenzó a ser conocido en la primera mitad de los ochenta. Después de un inicio espectacular, Green On Red entra en los noventa consolidada como una de las bandas afincadas en California que aspiraban a no convertirse en flor de un día. Scapegoats muestra un estilo más pulido, bajo la dirección del mítico teclista y productor Al Kooper, que no obstante mantiene la esencia inicial del grupo, es decir psicodelia, country rock, blues, swamp, que se recogen en canciones como A Guy Like Me, Hector's Out, Blowfly o Where The Rooster Crows, que además muestran a un inspirado Chuck Propht, guitarrista que comenzaría una eficiente carrera en solitario.

Canciones: A Guy Like Me. Little Things In Life. Two Lovers (Waitin' To Die). Gold In The Graveyard. Hector's Out. Shed A Tear (For The Lonesome). Blowfly. Sun Goes Down. Where The Rooster Crows. Baby Loves Her Gun.

Músicos: Dan Stuart (guitarra y voz), Chuck Prophet (guitarra eléctrica, guitarra acústica, lap steel, piano y voz), Michael Rhodes (bajo), Daren Hess (batería), Harry Stinson (batería), Glenn Worf (bajo), Eddie Bayers (brushes), Al Kooper (teclados, máquinas y voz), Sam Bush (mandolina y banjo), Tony Joe White (armónica), Dan Penn (guitarra acústica) y Spooner Oldham (piano).

Más portadas: Green on Red (1982), Gravity Talks (1983), Gas Food Lodging (1985), No Free Lunch (1985), The Killer Inside Me (1987), Here Comes the Snakes (1989), This Time Around (1989) , Live At The Rialto, Tucson (2006) y BBC Sessions (2007).

Eduardo Bort (Movieplay) 1975
Eduardo Bort
Portada: Fernando Bucho

Eduardo Bort se presentaba a nivel discográfico en 1975 con el larga duración que llevaba el nombre del guitarrista valenciano, un músico curtido entonces en el circuito del escuálido rock hispano. Bajo la influencia del rock progresivo anglosajón, Eduardo Bort ofrecía un excelente trabajo a la guitarra, con toques psicodélicos, que contrastaba con la omnipresencia de los teclados, principalmente melotrón y moog, instrumentos de moda en aquellos tiempos de cambio de rumbo en el rock peninsular. Cantando en inglés, el primer disco de Bort se ha convertido en una pieza de coleccionistas y referencia del rock progresivo de la España de la segunda mitad de los setenta. Años después, Thoughts, Walking On The Grass o Pictures Of Sadness mantienen el atractivo inicial de un sonido hasta entonces poco habitual en las bandas de la Península. A pesar de las buenas críticas, tendrían que pasar ocho años para que Bort volviese a grabar un elepé. En esa ocasión, sin perder su eficiente toque de guitarra, fuera ya del progresivismo de su estreno discogáfico que ha convertido en una pieza de culto el larga duración aquí comentado.

Canciones: Thoughts (Pensamientos) 1ª parte. Thougts (Pensamientos) 2ª parte. Walking On The Grass (Paseando por la hierba). Pictures Of Sadness (Cuadros de tristeza). Yann. En las riberas del Yann.

Músicos: Eduardo Bort (guitarras y voz), Pepe Dougan (piano, melotrón y mini moog), José Soriano (piano eléctrico, órgano y mini moog), Vicente Alcañiz (batería, solo de melotrón y voz), Tico Balanza (batería y flauta), Mariano Hernández (contrabajo eléctrico y voz), Miguel Font (voz).

Más portadas: Silvia (1983).

Kamikazes enamorados (Varsovia!! Records) 2003
Quique González
Portada: Fernando F. Maquieira

Quique González (Madrid, 1973) es uno de los hombres de la canción de autor española que mejor se adapta al público roquero en general, pero va a ser con su cuarto disco Kamikazes enamorados cuando se produzca un nuevo cambio de rumbo en su carrera que incluye la autoedición del álbum. Quique González despliega en esa grabación todo su potencial en sonido acústico, con evidentes referencias al country-rok y el pop-rock hispano. Canciones de carácter intimista, así como dos piezas instrumentales, proporcionan una atmósfera cautivadora que mantiene el oído del escucha despierto hasta el final. El propio Quique se encarga en varias ocasiones de tocar el piano en esas composiciones de las pequeñas grandes cosas que le rodean. Kamikazes enamorados se convierte en una de las referencias a tener en cuenta en el currículo de cantante y compositor madrileño, donde ya ocupan un lugar destacado piezas como la que da título al disco, Calles de Madrid, Te lo dije, Deportado, Suave es la noche o 7/11.

Canciones: Kamikazes enamorados. Piedras y flores. Palomas en la Quinta. Calles de Madrid. Te lo dije. Polvo en el aire. Siesta en la frontera (instrumental). Deportado. Suave es la noche. Dos tickets. 7/II. Nana (instrumental).

Músicos: Quique González (piano, guitarra acústica, armónica y voz), Carlos Raya (pedal steel, guitarra acústica, guitarra slide, guitarra eléctrica, mandolina, percusión, autoharp y voz), Basili Martí (piano), Eduardo Ortega (violín), César Araque (marimba), José Nortes (voz, piano, batería y percusión), Toni Jurado (percusión), Pancho Varona (voz) y Rebeca Jiménez (voz).

Más portadas: Personal (1998), Salitre 48 (2001), Pájaros mojados (2002), La noche americana (2005), Ajuste de cuentas (2006) y Avería y Redención nº 7 (2007).

Machine Head (EMI) 1972
Deep Purple
Portada: diseño de Roger Glover y John Coletta

Deep Purple grabó el elepé Machine Head, en el Grand Hotel de Montreux, Suiza, en diciembre de 1971, sexto del quinteto y toda una referencia de rock duro o heavy metal. La mayoría de las canciones incluidas en este disco tuvo continuidad en vivo en el aún más exitoso Made In Japan, donde se incluyen cuatro piezas del anterior, con lo cual la banda inglesa se convertiría en una de los grupos más famosos de la primera mitad de la década de 1970. Highway Star, Never Before, Smoke And The Water, Lazy y Space Trukin' constituyen la esencia del citado álbum, donde se mezclan potente blues-rock, rock progresivo y, como no, rock and roll primario y agresivo, sin que por ello la formación británica renuncie a cuidadas melodías vocales gracias al talento del cantante Ian Gillan que con los otros cuatro miembros, entre ellos el guitarrista Richie Blackmore de reconocidos solos de guitarra como el canónico de Smoke On The Water, completarían la mejor formación de Deep Purple en su larga carrera artística que se prolonga hasta la actualidad.

Canciones: Highway Star. Maybe I'm a Leo. Pictures of Home. Never Before. Smoke on the Water. Lazy. Space Truckin.

Músicos: Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Roger Glover (bajo) y Ian Paice (batería).

Más portadas: Live At The Royal Albert Hall (2000), Under The Gun (2001), Bananas (2003), Live At Montreux (2006) y Live Encounters (2008).

Apunte: Con motivo del 25 aniversario de la salida de Machine Head se puso a la venta en 1997 una edición espacial remasterizada con dos discos cedés. En el primero (1997 remixes), además de las siete canciones se incluye When A Blind Man. En el segundoaparecen: Highway Star, Maybe I'm A Leo, Pictures of Home, Never Before, Smoke on the Water, Lazy, Space Truckin, When A Blind Man (cara B), Maybe I'm A Leo (mezcla cuadrofónica) y Lazy (mezcla cuadrofónica).