The Blasters (Slash Records). El grupo de los hermanos Alvin veía en las tiendas su segundo disco The Blasters (1981), el mismo nombre del quinteto que a comienzos de esa década constituyó una de las agradables sorpresas dentro de la escena musical californiana. La banda hundía sus raíces en la rica tradición de la música popular estadounidense: rock and roll, blues, jazz y country. Con tan efectivo bagaje, The Blasters consiguieron la excelente grabación que ha quedado como uno de los hitos del rock de los ochenta, muy por encima de los discos de docenas de bandas y solistas que habían apovechado la pasajera moda de imitar el sonido de la Sun Records. La portada del vinilo recoge la fuerza del grupo en directo representada por la cara contraída y sudorosa del cantante y guitarrista Phil Alvin, dibujada por Gustav Alsina. Su estilo se mantiene fresco con el paso del tiempo, incluso forma parte de rock con raíces que ha entrado fuerte en las preferencias musicales de un importante sector del público del siglo XXI, además de contar con un notable apoyo mediático. A pesar de la perecedera fama y los cambios, los Alvin han superado modas y continúan con su estilo de siempre, es decir sudando sobre el escenario y cantando canciones relacionadas con historias creíbles de carreteras, chicas, despedidas y emisoras de radios.

Canciones: “Marie, Marie”, “I'm Shakin'”, “Border Radio”, “American Music”, “So Long Baby Goodbye”, “Hollywood Bed”, “Never No More Blues”, “This Is It, Highway 61”, “I Love You So” y “Stop the Clock”.

Músicos: Phil Alvin( guitarra, armónica y voz), Dave Alvin(guitarra), John Bazz (bajo), Bill Bateman (batería), Gene Taylor ( piano), Lee Allen (saxofón) y Steve Berlin (saxofón).

Otras portadas: American Music (1980), Over There (1982) y Non Fiction (1983).

Silencio (Movieplay). En 1970 salía el larga duración titulado Silencio, del cantautor alicantino Adolfo Celdrán (1943), que incluía composiciones propias y otras, la mayoría, con textos de Jesús López Pacheco, Carlos Álvarez, Nicolás Guillén, León Felipe y B. Brecht. Dentro de la militante línea de lo que entonces se llamaba la nueva canción en castellano, Silencio rompía un poco la inercia de austeridad musical de dicho movimiento al incluir la colaboración en los arreglos y dirección de orquesta del argentino Carlos Montero, quien consiguió que el disco obtuviera el reconocimiento de la crítica musical. La portada recoge la obra “La reja” y el interior “Cinco minutos”, del pintor y grabador valenciano Juan Genovés (1930). La carátula corresponde a la etapa en que el artista levantino afincado en Madrid representa a multitudes acosadas, huyendo, muy en consonancia con el oscuro y opresivo ambiente del año que salió el disco de Celdrán, un hombre comprometido con la democracia en tiempos de dictadura, lo cual le causó muchos problemas a la hora de actuar, como pasó con otros colegas (Elisa Serna, Luis Pastor, Pablo Guerrero, Julia León, Enrique Morente…). Adolfo Celdrán continúa desarrollando las actividades de cantante y compositor, pero también hay que destacar sus facetas de productor de documentales, autor de obras dramáticas y escritor de poemas.

Canciones: A la voz de un pueblo, Canción de la novia del pescador, La cruzada de los niños, Doña María, ¡Qué pena!, La mala pesca, El sastre de Ulm, Canción de las 6 de la mañana, Canción del pescador, Canción bailable y Una canción.

Músicos: Adolfo Celdrán (guitarra y voz) y Carlos Montero (director de la orquesta).

Otras portadas: 4.444 veces, por ejemplo (1975), Al borde del precipicio (1976), Denegado (1977) y Homenaje a las víctimas del franquismo (1987). Bajo este último título se agrupan 4 discos de larga duración, donde intervienen intelectuales, artistas, cantantes y músicos de diferentes generaciones, entre ellos Celdrán.

Quah (Grunt). Disco de estreno en solitario del guitarrista Jorma Kaukonen, quien por aquel año 1974 ya estaba fuera de Jefferson Airplane , pero activo en Hot Tuna junto a su colega el bajista Jack Casady. Este primer disco de presentación, eminentemente acústico, se nutre de canciones tradicionales y blues, así como alguna composición de Tom Hobson, cantante que acompaña a Kaukonen en esta aventura en solitario. El guitarrista ya demostró desde sus comienzos artísticos interés por la utilización de instrumentos acústicos. El segundo disco de Jefferson Airplane, el mítico Surrealistic Pillow, contiene "Embryonic Journey", un instrumental que figura entre los clásicos del rock. Con anterioridad a comienzos de los sesenta se movió por la bahía de San Francisco como guitarrista acústico, incluso llegó a acompañar a una jovencísima Janis Joplin muy influenciada por el blues clásico. La portada del disco corresponde a la entonces esposa de Jorma, la artista sueca Lena Margareta Pettersson. La primera canción que escuché de Quah fue "Genesis", una de mis preferidas de todos los estilos, y que aparecía en el recopilatorio "Flight Log (1966-1976)". Con el paso del tiempo, tras mucho tiempo de búsqueda, pude conseguir en formato vinilo el primer larga duración de Kaukonen.

Canciones: "Genesis", I' ll be all right", "Song for the North Star", "I' ll Let You Know Before I Leave", "Flyng Clouds", "Another Man Done Gone", "I Am the Light of the world", "Police Dog Blues", "Blue Prelude", "Sweet Hawaiian Sunshine" y "Hamar Promenade".

Músicos: Jorma Kaukonen (guitarra y voz) y Tom Hobson (voz).

Otras portadas: Magic, live (1985), Too Hot to Handle (1985), Embryonic Journey (1994) y Too Many Years (1998).

Workingman’ s Dead (Warner). Quinto disco del grupo Grateful Dead que se adentra en un sonido más cercano al country mediante la utilización de instrumentos acústicos para canciones relativamente cortas en comparación con las ácidas improvisaciones de la banda en directo. El disco sale en mayo de 1970 y se convierte en uno de los más aclamados por la crítica y el público. Las emisoras de FM de aquella época descubrieron un excelente filón de canciones para emitirlas a través de las ondas, entre otras “Cumberland Blues”, utilizada a menudo en el repertorio en directo de la banda californiana. Esta pieza abre el disco de la gira por el Viejo Continente recogida en el doble “Europe’ 72”. En la composición colabora el habitual escritor de canciones para los Dead, Robert Hunter. La portada un tono sepia parece sacada de una escena del Oeste y pertenece al colectivo Mouse Studios. Jerry García y su gente grabarían en noviembre del mismo año “American Beauty”, más o menos en la misma línea que el disco anterior. No hay que olvidar que García siempre estuvo muy ligado a la música tradicional norteamericana, sobre todo al country, folk y bluegrass, como demostró en varios grupos en los que participó: “New Riders and the Purple Sage”, “Old & in the Way” y “Jerry García Acustic Band”, así como en sus discos en solitario y colaboraciones con músicos de diferentes estilos. Jerry, además de guitarrista creativo, tenía un particular estilo de tocar el pedal steel, incluso en discos que nada tenían que ver con el country, como “Blows Against the Empire”, de Paul Katner & Jefferson Starship, donde interviene en la canción “Have you seen the stars tonite”.

Canciones:“ Uncle John’s Band”, “High Time”, “Dire Wolf”, “New Speedway Boogie”, “Cumberland Blues”, “Black Peter”, “Easy Wind Hunter” y “Casey Jones”.

Músicos: Jerry García (guitar, pedal steel, piano y voz), Phil Lesh (bajo, guitarra, piano y voz), Bob Weir (guitarra y voz), Pig Pen (Ron McKernan) (armónica y voz), Mickey Hart (percussion) y Bill Kreutzmann (batería).

Otras portadas: Aoxomoxoa (1969), American Beauty (1970), Skeletons from the closet (1974), Blues for Allah (1975), Shakedow street (1978) y Deat set (1981).

 Slade Alive! (Polydor). Tercer disco de Slade, un grupo británico que en la década de los setenta vendió millones de sencillos que ocuparon los primeros puestos de las listas de éxito. Pero antes de su entrada triunfal en el reino del glam rock, donde llegaron a estar por encima de David Bowie, T. Rex o Sweet, habían transitado por el territorio de los "hooligans" de cabeza rapada. De su inicial etapa es este disco en directo, uno de los mejores del rock, sin duda, aunque sepa a poco su repertorio de siete canciones que se abre con el "Hear me calling", de Alvin Lee, líder en su día de la banda bluesy Ten Years After. Con un público entregado, el sonido sucio de Slade nada tiene que envidiar a otros grupos roqueros aclamados por la crítica. Se agradece además la voz cazallera del patillero guitarrista Noddy Holder. La reproducción sobre fondo rojo de la fotografía de Chris Walter demuestra la entrega del grupo sobre el escenario. Sonido básico e instrumentación ajustada, que en este Alive tenía como percusionista al público seguidor de este combo, con el tiempo encumbrado entre los más vendedores. Sus componentes mantuvieron ese halo de gamberros sin domar, a pesar de las lentejuelas y cambios de look posteriores. Sólo tres canciones de este disco en directo están firmadas por el cuarteto, el resto, además de la mencionada que inicia la actuación, son versiones dignamente interpretadas y para saltar hasta caerse, bueno la primera es un poco más lenta que las demás:"Darling be home soon", de Lovin Spoonful, compuesta por John Sebastian; "Get down with it", de Bobby Marchan", y "Born to be wild", popularizada por Steppenwoolf e incluida en la banda sonora de "Easy rider". Slade Alive! es un disco que no faltaba a comienzos de los setenta en cualquier fiesta para danzar, mover la melena y sudar, pues como decía más o menos un cantautor de la época: "bailar es bueno para el corazón y se fortalece la musculatura entera". Lo que hice a menudo con mis amigos Josechu, Feli, Moli y José Ángel.

Canciones: "Hear me calling", "In like a shot from my gun", "Darling be home soon", "Know who you are", "Keep on rocking", "Get down with it" y "Born to be wild".

Músicos: Noddy Holder (guitarra y cantante), Dave Hill (guitarra y voces), Jimmy Lea (bajo y voces) y Don Powell (batería).

Otras portadas: Slayed? (1972), Slade in flame (1974), Nobody' s fool (1976), Till deaf do us part (1981) y Keep your hands off my power (1984).

“Cantamos” (Epic-CBS). Séptimo disco del entonces cuarteto Poco, distribuido en 1975, para alegría de los seguidores de esta banda creada en Los Ángeles en 1968 por músicos procedentes de Buffalo Springfield (Richie Furay y Jim Messina). Este larga duración apareció en una época que otras bandas aprovecharon la veta comercial del country rock para convertirse en vendedores millonarios de discos, caso de The Eagles, cuyo bajista Randy Meisner estuvo en la primera formación de Poco. En Cantamos, el grupo mantiene su esencia musical aunque repetitiva con canciones de instrumentación acústica, otras más roqueras y algunas con orquestación, que pasarán desapercibidas para el público en general pero no para sus seguidores de siempre, quienes destacan las armonías vocales del combo, algo que no se le puede negar sobre todo cuando estaba Timothy B. Schmidt, con el tiempo miembro también de “las águilas”. El diseño y la ilustración de la carátula corresponden a Phil Hartmann, que incluye a los cuatro músicos en la trastienda de un añejo saloom del Oeste americano, donde ensayan canciones con instrumentos acústicos. Una original portada, pues para poder apreciarla al completo hay que sacarla de una carpeta adornado con dibujos indios.

Canciones: “Sagebrush Serenade”, “Susannah”, “Whatever Happened to Your Smile”, “High and Dry”, “Another Time Around”, “One Horse Blue”, “Western Waterloo”, “Bitter Blue” y “All the Ways”.

Músicos: Rusty Young (guitarra acústica, guitarra eléctrica, mandolina, dobro, banjo y pedal steel), Timothy B. Schmidt (bajo y voces), Paul Cotton (guitarras acústica y eléctrica y voces) y George Grantham (batería, percussion y voces).

Otras portadas: Pickin’ Up the pieces (1969), Deliverin’ (1971), From the Inside (1971) y Rose of Cimarron (1976).

“Here we are again” (Vanguard). Cuarto disco de Country Joe and the Fish con portada colorista de Tom Weller que no presagia la disgregación del combativo grupo. Tras sus dos primeros discos, la banda del pez comienza a resentirse a la hora de crear nuevas canciones en tiempos de cambio. En 1968 el combo de Joe el campestre entra en los estudios de grabación con algunos músicos nuevos. Tras este intento fallido de coger un tren de la música demasiado rápido, ¡los tiempos estaban cambiando!, Country Joe and the Fish volverá un año después a reaparecer con "Here we are again". En esta ocasión además de algunos de los pescados originales estarán entre otros Jack Casidy (Jefferson Airplane y luego Hot Tuna) y Peter Albin (Big Brother). La banda participará a finales de 1969 en el macrofestival de Woodstock, pero esta actuación demuestra lo dicho antes, Country Joe and the Fish son ya parte de la historia, porque sus componentes prefieren apuntarse a otras aventuras, bien en nuevos grupos o en solitario. Ya pasó el tiempo de Monterrey, cuando Country Joe and the Fish constituía un grupo fresco, divertido y con ganas de innovar dentro de sus límites. Pasado el tiempo de las flores y el barro, su líder no dudaría en grabar bajo su nombre al igual que el guitarrista Barry Melton. Una abundante discografía da fe de las aventuras discográficas de los componentes de la en principio psicodélica banda del área de San Francisco. Incluso en 1977, los originales C.J.&The F. grabarían el disco "Reunión", un reencuentro fallido en parte porque su música no resultaba atractiva a las nuevas generaciones y el ambiente musical ofrecía propuestas en teoría mucho más interesantes, entre ellas las nuevas bandas nacidas en torno al punk, el heavy, el power pop y la nueva ola.

Canciones: “Here i go again”, “Donovan’ s Reef”, “It’ s so nice to have your love”, “Baby, you’ re driving me crazy”, “Cristal blues”, “For no reason”, “I’ ll survive”, “Maria”, “My girl” y “Doctor of electricity.
 

Músicos: Country Joe McDonald (guitarra, voz) Barry Melton (guitarra y voz), David Cohen (piano, órgano y guitarra), Chicken Hirsh (batería y percusión), Mark Ryan (bajo en "Here i go again", "Donovan' Reef" y "For no reason"), Jack Casady (bajo en "It's so nice to have your love", "Crystal blues", "Baby, you' re driving me crazy", "My girl" y "Doctor of electricity"), David Getz (en "I'll survive" y "Maria"), Peter Albin (bajo en "I'll survive" y "Maria") y Mark Kapner (piano en "I'll Survive" y "Maria").
 

Otras portadas: Electric music for the mind and body(1967), I Feel-like-I' m-fixin-to die (1967) y Togheter (1968).

“Transformer” (RCA). Segundo disco en solitario del ex Velvet Underground, Lou Reed (New York, 1943), esitado en 1972 y con el apoyo de David Bowie y su factoría de hacer éxitos en pleno apogeo del glam rock, tendencia en la que ocupaba un papel destacado el guitarrista Mick Ronson. Lou cambió los sótanos oscuros del New York decadente y peligroso por el Londres de lentejuela y maquillaje de los primeros setenta, cuando la capital del Reino Unido todavía era la parada y fonda de cualquier roquero con ganas de aprender y aspiraciones para ocupar un lugar destacado en el pedestal de la música más popular del siglo XX. Transformer, uno de los mejores discos de Reed, ofrece algunas canciones que se han convertido en verdaderos himnos intemporales: “Vicious”, “Walk and the wild side”, “Perfect day” o Satellite of love”. También constituyó la entrada en las listas de éxito de un músico hasta entonces considerado de minorías, entre otros motivos porque supo combinar rock urbano y canciones más sofisticadas. Este eclecticismo del neoyorquino supuso que canciones de Transformer se podían escuchar a comienzos de los setenta en las discotecas de moda de cualquier ciudad europea y también en cualquier antro de suburbio donde se reunían los personajes que tan bien describía Reed en sus canciones. Algunas de esas figuras están presentes en fotografías de la contraportada del larga duración. La carátula sobre una imagen de Mick Rock recoge el retrato de Lou Reed que parece salido de la portada de una novela gótica, pero el micrófono y la guitarra delatan al cantante americano que a partir de entonces, con altos y bajos, ocupa un lugar destacado entre las estrellas del rock. La fotografía de Reed sería recuperada una década después para “The blue mask” (1982). Este disco y Transformer son dos de mis discos preferidos de Lou Reed, aunque hay otros que puedo citar pero la lista es larga. Cuatro décadas dan para mucha música.

Canciones: "Vicious, Andy’s chest", "Perfect Day", "Hangin’ ‘Round", "Walk on the wild side", "Make up", "Satellite of love", "Wagon wheel", "New York telephone conversation", "I'm so free" y "Goodnight ladies".

Músicos: Lou Reed (voz y guitarra), Mick Ronson (guitarras y piano), Herbie Flowers (bajo), Klaus Voorman (bajo), John Halzey, Barry Desouza y Richie Drama (baterístas), Herbie Flowers (tuba), Ronnie Ross (saxo baritone), David Bowie, Mick Ronson y The Thunder Tighs (voces)

Otras portadas: Lou Reed (1972), Sally Can’ t dance (1974), Rock and roll animal (1974), Conney Island Baby (1976) y Live: take no prisioners (1978) y New York (1989)

“Ssssh”. (Chrysalis). Ten Years After es una de las formaciones indispensables de la segunda oleada de bandas británicas de blues rock, aunque sus miembros también experimentaron con la psicodelia tan en boga en la segunda mitad de los años sesenta. Alvin Lee fue uno de los guitarristas carismáticos de aquellos tiempos, que supo conquistar al público en macrofestivales como Woostock y Wight. Su potencia en directo quedaba un tanto contenida en grabaciones de estudio, pero en general la carrera discográfica de este cuarteto es bastante aceptable. Entre sus canciones no se pueden olvidar “Hear my callin” y “I´m goin on”. Este disco ofrece una colección de efectivas canciones en la mejor época del grupo, que a finales de los setenta desparecía discretamente ante los cambios de gustos musicales que se estaban produciendo. A finales de los ochenta, los miembros fundadores del grupo volvieron a reunirse para grabar un disco, cuya aceptación fue notorio entre los seguidores incondicionales del combo liderado por Alvin Lee, pero nada más. Recuerdo a comienzos de los años ochenta una actuación de Alvin Lee en el pabellón de los deportes de Madrid, con una banda muy reducida, pero que entusiasmó a quienes estuvimos allí presentes. Las fotografías de la portada del disco son de John Fowlie y Graham Nash. El diseño corresponde a John Williams.

Canciones: “Bad scene”, “Two time mama”, “Stoned woman”, “Good morning little schoolgirl”, “If you should love me”, “I don’ t know that you don’ t know my name”, “The stomp” y “I woke up this morning”.

Músicos: Alvin Lee (guitarras y voces). Leo Lyons (bajo). Chick Churchill (órgano y pianos). Ric Lee (batería).

Otras portadas: Ten Years After (1967), Ckricklewood green (1970), Rock and roll music to the world (1972) y Positive vibrations (1974).

“Master down the wind” (Asylum Records). Linda Ronstadt (Tucson, Arizona, 1946) en su madurez artística mostraba una sensualidad muy publicitada por su casa de discos con portadas como esta. Muy cercana al sonido California de los años setenta, es decir una mezcla de rock, country y jazz suave, Linda mantiene el tipo en estos tiempos de cambios gracias a su experiencia (sus comienzos fueron con los futuros Eagles), sus buenos contactos en el gregario ambiente musical del oeste estadounidense y su voz. No en vano, la cantante era requerida por unos y por otros para colaborar en discos de gentes de conocida solvencia, sobre todo del ámbito del country rock. Una prueba de sus buenas amistades está en este disco, en el que aparecen canciones de Ry Cooder, Willie Nelson, Warren Zevon, y Karla Bonoff, así como un par de clásicos de diferentes épocas, "That' ll be the day" y "Rivers of Babylon", a las que se añade una canción en español, un idioma en el que Linda se expresa bastante bien a la hora de cantar como demostraría en su "Las cancions de mi padre", edita a finales de la década siguiente.

Canciones: “Lose again”, “The Tattler”, “If He's ever near”, “That'll be the day”, “Lo siento mi vida”, “Hasten down the wind”, “Rivers of Babylon”, “Give one heart”, “Try me again”, “Crazy, down so low” y “Someone to lay down beside me”.

Músicos: Doug Dugmore (guitarra eléctrica y steel guitar), Kenny Edwards (bajo), Michale Boots (batería), Andrew Gold (guitarras, piano, arpa y timbales), Peter Asher (pandereta), Rus Kunkel (batería), Waddy, Charles Veal (viola), Paul Polivnick (viola), Dennis Karmazyn (chelo), Richard Feves (doble bajo), Kenny Edwards y David Campbell (arreglos de cuerda). Voces: Kenny Edwards, Andrew Gold, Karla Bonoff y Don Henley.

Otras portadas: Silk purse (1970), Different drum (1974), Simple Dreams (1977) y Las canciones de mi padre (1987).

"Selling England by the pound”.(Charisma). Genesis se convierte con este disco en una de las bandas más prometedoras del rock progresivo inglés, entre otros motivos por tener en sus filas a gentes como Peter Gabriel, Phil Collins, Tony Banks, Michael Rutheford y Stephen Hackett. Betty Swanwick realizó la portada de “Selling England by the pound” y le dio un aire entre infantil e inquietante a la carátula de una de las grabaciones mejor valoradas por los seguidores del rock sinfónico. La parte musical se cubre con canciones de largo desarrollo, en las que teclados y guitarras tienen un notable protagonismo, así como la parte rítmica trabajada entonces por Michael Rutheford y Phil Collins, quienes tras la marcha de Gabriel, sobre todo el baterista asumirían el liderazgo de la banda. Por su parte, Peter Gabriel se manifiesta en “Selling England by the pound” como un cantante versátil que sabe sacarle provecho a las letras de las canciones para escenificarlas cuando las interpretaba en directo con Génesis. En la etapa de este disco, los componentes de Genesis recurrían a menudo a varias canciones de “Selling England by the pound” para tocarlas en vivo, donde la puesta en escena de la banda solía ser muy llamativa por la utilización de efectos luminosos y visuales. El grupo británico estaba en su mejor momento, incluso a nivel comercial sus discos se vendían bastante bien tanto en Europa como en América.

Canciones: “Dancing with the moonlit knight”, “I Know what like (In your wardrobe)”, “Firth of fith”, “More fool me”, “The battle of epping forest”, “After the ordeal”, “The cinema show” y “Aisle of plenty”.

Músicos: Phil Collins (voz, batería y percusión), Michael Rutheford (guitarra de 12 cuerdas, bajo y sitar eléctrico), Stephen Hackett (Guitarra eléctrica y guitarra de cuerdas de nylon), Tony Banks (teclados y guitarra de 12 cuerdas) y Peter Gabriel (voz, flauta, oboe y percusión).

Otras portadas: Trespass (1970), Nursey crime (1971) y The lamb lies down on Brodway (1974).

“Rock and roll” (Capitol). Otro de los discos en solitario de John Lennon (Liverpool, 1940-New York, 1980) de su etapa más conflictiva a nivel personal. La fotografía de la portada de Jurgen Vollmer constituye un encuentro con los orígenes musicales y estéticos del “beatle”, en concreto de la época cuando los primeros "escarabajos" tocaban horas y horas en los escenarios más inversosímiles, como los tugurios del barrio rojo de Hamburgo (Alemania) o la mítica "cueva" de Liverpool, la música que sonaba en los comienzos de la década de los sesenta. De aquellas maratonianas sesiones cargadas de humo, alcohol, violencia, sexo y anfetaminas quedó la parte más agradable, un amplio repertorio musical que acompañaría a The Beatles durante sus primeros años de éxito cuando aún se promocionaban mediante actuaciones en vivo. Lennon realiza un recorrido por las canciones preferidas de su juventud, mucho rock and roll y algo de soul, para un disco que presentó problemas a la hora de editarse, y en el que estuvo presente el lunático Phil Spector. Al final el disco se convirtió en todo un mercido homenaje a músicos y compositores como Chuck Berry, Gene Vicent, Fats Domino, Buddy Holly y otros personajes que facilitaron la transición del rock and roll al pop a finales de los años cincuenta. La fotografía de la portada del LP es de Jurgen Vollmer.

Canciones: “Be-bop-a -lula”, “Stan by me”, “Medley: “Rip it up” y “Ready Teddy”, “ You Can’ t catch me”, “Ain’ t that same”, “Do you want to dance”, “Sweet little sixteen”, “Slippin’ and Slidin”, “Peggy Sue”, “Medley: “Bring it on home to me” y “Sen me some lovin”, “Bony Moronie”, “Ya Ya” y “Just because”.

Músicos: Original Sound Recording made by Emi Records Limited. An Apple Record. And Emi Recording. Previously realesed on the EMI label (PCS 7169) under the same title.Producido por Phil Spector. Arreglos por John y Phil (octubre 1973 a diciembre 1973). Producido y arreglado por John Lennon (21 al 25 de octubre de 1974). Recorded at Record Plant, East/Record Plant, West/A & M Studios.

Otras portadas: Imagine (1971), Sometime in New York City (1973) y Wall and bridges (1974).

“Happy Trails” (Capitol). Quicksilver Messenger Service edita en 1969 su segundo disco de larga duración con el título “Happy trails”, una muestra de lo que se denomina rock ácido practicado por muchos grupos del área de San Francisco en la segunda mitad de la década de los sesenta. Liderado por el excelente guitarrista John Cipollina, el cuarteto ofrece una larga reinterpretación de “Who do you love” , de Bo Diddley, extraída de una actuación en directo en el Fillmore. 

El disco se completa con otras piezas, en una de ellas vuelve a aparecer la marca de Bo Diddley (Ellis McDaniels), en concreto “Mona”, donde los duelos de guitarras entre Cipollina y Duncan son la nota destacada, como pasa con otras composiciones, “Maiden cancer moon” y “Happy trails”, en las que también tiene un especial protagonismo la sección de ritmo compuesta por David Freiberg (más adelante miembro de Jefferson Airplane) y Greg Elmore.

El LP constituye sin duda uno de los más valorados dentro del ámbito del rock por la crítica y el público. En cuanto a la portada de George Hunter y el colectivo Globe Propaganda, capta una imagen que parece la típica postal costumbrista relacionada con la épica del Oeste americano. Quicksilver seguiría una desigual carrera discográfica e incluso en 1975 hubo una reunión de los miembros fundadores del grupo que grabaron el LP titulado “Solid silver”. Éste no tuvo mucha aceptación por parte del público, salvo para los seguidores de la banda californiana, por lo que los integrantes de Quicksilver decidieron disgregarse.

El disco "Happy trails" lo conseguí en el Rastro madrileño donde se vendían vinilos de importación. Esto ocurría a comienzos de los ochenta, cuando otras "movidas" musicales reivindicaban las canciones de no más de tres minutos. "Who do you love" de Quicksilver fue mi canción de cabecera durante una larga temporada, como le ocurriría a mi amigo Candi, a quien a menudo le prestaba el disco, hoy desgastado por el uso, pero presente entre los preferidos de mi colección.

Canciones: “Who do you love. Part 1”, “When you love”, “Where you love”, “How you love”, “Which do you love”, “Who do you love. Part 2”, “Mona”, “Maiden of the cancer moon”, “Calvary” y “Happy trails”.

Músicos: John Cipollina (guitarra y voces), Greg Elmore (batería, percusión y voces), David Freiberg (bajo) y Gary Duncan (guitarra y voces).

Otras portadas: Shady Grove (1969), What About one (1970), Quicksilver (1971) y Peace by piece (1986).

 "Every good boy deserves favour" (Threshold). The Moody Blues sorprendió a comienzos de la segunda mitad de la década de los sesenta con la canción “Noches de blanco satén”, lo cual parecía que iba a condenar al grupo a llevar el lastre de banda de un éxito que quitaría protagonismo al resto de sus grabaciones, como pasó con tantas formaciones británicas de su tiempo. Originario de Birmingham, el nombre del grupo contribuía al principio a responder a interrogantes sobre el estilo de música que practicaban sus componentes. Tras el periodo inicial de búsqueda, The Moody Blues contó con un estilo propio en el que se mezclaban la comercialidad y la experimentación. El quinteto supo combinar las canciones pegadizas con otras más difíciles de escuchar para quienes seguían la música pop, una mezcla, que por otra parte, funcionaba en cada disco que iba editando el grupo, es decir siempre había una canción o dos que sobresalían sobre el total. “Every good boy deserves favour” ofrece asimismo otra de las facetas del grupo, las cuidadas portadas de discos. En este caso, la obra plástica de la carátula corresponde a Phil Traves, otras se concretaron incluso en cuadros de conocidos artistas. Como siempre las composiciones de Lodge, Edge y Hayward predominan sobre las otros miembros del combo, quienes se adelantaron al rock sinfónico pero sin caer en los excesos de este estilo, pues The Moody Blues suena más a pop que a grupo de los incluidos en el denominado rock progresivo. En los sesenta The Moody Blues era mi grupo favorito de las Islas Británicas; estaba más al tanto de sus discos que, por ejemplo, los de The Beatles, Rolling Stones, The Kinks, Them, Taste, Ten Years After, Sof Machine o King Crimson, entre otros muchos. Con el tiempo, mi interés por la banda de las “noches de blanco satén” fue decayendo, en parte por la aparición de otros estilos en teoría más actuales. Sin embargo, los estribillos de algunas de sus canciones todavía permanecen en mi mente, como “Emily’ s song”, pieza que siempre me recuerda a mi compañera de universidad María Emilia Sánchez.

Canciones: “Procesión”, “The store in your eyes”, “Our guessing game”, “Emily’ song”, “After you came”, “One more time t olive”, “Nice to be here”, “You can never go home” y “My song”.

Músicos: Justin Hayward (guitarra y vocal), John Lodge (bajo y vocal), Ray Thomas (flauta y armónica), Mike Pinder (teclados) y Graeme Edge (batería y percusión).

Otras portadas: The Madnificent Moodies (1965), Days of the futured pased (1967), To our children’ s children’ s children (1969), Seventh sejour (1972), Long distance voyager (1981) y Sur la mer (1988).

“Wat’ s goin on” (Tamla Motown). Marvin Gaye (1939-1984). Cambio de dirección musical de uno de los cantantes triunfadores del sello Tamla Motown, Marvin Gaye. De imagen seductora, pero atormentado por los fantasmas propios de una estrella del pop, Marvin deja atrás las canciones destinadas a ocupar los primeros puestos de las listas de grandes éxitos, también rechaza a comienzos de la década de los setenta los afortunados dúos con damas de excelente voz del sello de Detroit, para mostrarse más preocupado por asuntos terrenales como la naturaleza degradada, la violencia, la guerra, entre otros problemas que estaban presentes en la vida cotidiana y caían con más fuerza sobre los desfavorecidos, sobre todo, en los guettos de las grandes urbes norteamericanas. Sin embargo, el mensaje de Gaye se hace más universal y llega con fuerza a las emisoras que no paran de poner canciones como la que da título al disco u otras: “Mercy Merccy Me (The Ecoloogy)”, Inner city blues (Make me wanna holler” o “”Save the children”. La música en la que abunda instrumentación de cuerda y viento ofrece a Marvin Gaye una nueva forma de expresión en la que no se mantendría demasiado tiempo, pues su personalidad no era la del tipo de músico alertagado, como desmostraría hasta el final de sus días. Gaye aparece con barba, imagen que la aleja de la de sustituto del también sexy y malogrado Sam Cooke. Sobre Marvin, ataviado con un largo chaquetón brillante e impermeable, cae agua nieve, que resbala por su oscuro y cabello crespo, mientras su mirada meláncolica se pierde quizá en un horizonte nada halagüeño. El cantante vuelve a vivir un segundo periodo de esplendor artístico, como demostraría en sus siguientes “Trouble man” y “Let’ s get it on”. Entonces la afiliación a las causas olvidadas quedó sustituída por el canto al sexo y a un sistema de vida más lúdico mediante composiciones que llenaron las pistas de baile. Aunque posterior, “Let’ s going on” fue uno de mis sencillos favoritos en 1973, y fue tal su influencia que al poco tiempo adquiría un álbum con tres larga duración, una antología de Marvin Gaye, en el que al final estaba buena parte de “Wat´s goin on”, todo un descubrimiento, que a partir de aquellos días de los setenta se convertiría en mi disco favorito de música de la Tamla Motown.

Canciones: “What’ s going on”, “What? S happening brother”, “Flyn’ high (In the friendy sky)”, “Save the cildren”, “God is love”, “Merrcy Mercy me (The Ecology)”, “Right on”, “Wholy Holy” y “Inner city blues (Make me wanna holler”.

Músicos: arreglos y orquesta dirigidos por David Van DePitte. The Andants, Mel Farr, Bobby Rodgers, Elgle Stover y Lem Barney (voces). Ceet Foorest (batería). Jose Messina y Robert White (guitarras). James Jamerson y Bob Babbit (bajo). Chet Forest (batería). Larry Nozero (saxo soprano). Tate Houston (saxo baritone). Angelo carlisi (saxo alto). Dayna Hartwiick y William perich (falutas). Joh Trudell y Mauurice Davis (trompetas). Carl Raetz (trombón), Jack Brokensha (campanas y percussion). Jack Ashford (pandereta y percussion). Johnny Griffith (celeste). Marvin Gaye (piano). Eddie Brown y Earl DeRouen (bongos y conga). Eli Fountain (solo de saxo alto). William “Wild Bill” Moore (solo saxo tenor). Gordon Staples, Zinovi Bistrizky, Beatriz Budinszky, Richard Margitza, Virginia Halfmann, Felix Resnick, Alvin Scoore, Lillian Doowns yJames Waring (violins). Edouard Kesner, Meyer Shapiro, David Ireland y Nathan Gordon (cellos). Carole Crosby (arpa). Max Janowsky (bajo de cuerda).

Otras portadas: Let’ s get it on (1973), I want you (1976) , At the London Palladium (1977) , Here, my dear (1978) e In our lifetime (1981).

“Houses of the holy” (Atlantic). Quinto disco de Led Zeppelin, una de las bandas de rock duro más famosas de los setenta, que en esta grabación abandona el blues rock de sus comienzos para adentrarse en otros estilos (reggae) y apoyarse en instrumentos hasta entonces poco utilizados por el cuarteto, como el piano, melotrón y órgano, que toca el bajista John Paul Jones. También tiene un importante protagonismo la utilización de la guitarra acústica en buena parte del repertorio de “Houses of the holy”. La portada fue el resultado de un costoso montaje fotográfico de tipo fantástico, de acuerdo con el argumento de una novela de ciencia ficción, y según los gustos de Robert Plant y Jimmy Page, que realizó el equipo de Hipgnosis, un reputado colectivo de artistas conocido por sus excelentes carátulas de discos para las superbandas de los años setenta. De los Zeppelín estaba siempre al tanto de sus discos, sobre todo desde que escuché por primera vez la canción “Whole lotta love” por recomendación de Josechu Roca, un vasco noble de elegante regate con el balón al estilo del fútbol inglés que triunfaba en Europa desde la segunda mitad de los sesenta, con quien pasé muchas horas con música de fondo de todos los estilos musicales y en los lugares más inverosímiles. De “Houses of the holy”, considerado por una parte de la crítica como una concesión del grupo a la comercialidad, me gusta en especial “Over hills and far away”, pieza que grabé en un primitivo aparato de cinta magnética durante el verano de 1973 y me sirvió para levantar el ánimo durante mi estancia en tierras gallegas, donde además para pasar el tiempo, tras el relajante baño en las limpias aguas del Sil, leía “Derniers vers”, de Rimbaud, o “Queixumes dos pinos”, de Pondal.

Canciones: “The song remains the same”, “The rain song”, “Over the hills and far away”, “The crunge”, “Dancing days”, “D’ yer mak’er”, “No quarter” y “The ocean”.

Músicos: Robert Plant (voz), Jimmy Page (guitarras), John Paul Jones (bajo y teclados) y John Bonham (batería).

Otras portadas: Led Zeppelin I (1968), II (1969), III (1970), IV (1971) y Physical Graffiti (1975).

"Okie" (Shelter-Mediterráneo). Tercer disco de J.J. Cale (Tulsa, Oklahoma, 1938) que en la portada realiza un homenaje, de la mano de Richard Germinario, a sus paisanos los “okies” (personajes entre vagabundos y desempleados en busca de mejor vida durante los años posteriores a la depresión de 1929 ). El guitarrista y compositor mantiene en “Okie” su estilo artesano hasta el punto de que algunas canciones fueron grabadas en su casa. De las recogidas en el estudio hay que destacar “I got same the blues”, que recuperó para su repertorio en directo el grupo sureño “Lynyrd Skynyrd”. Esto es un ejemplo más de que J.J. Cale, a pesar de su alejamiento del mundo de la farándula musical, se ganó el respeto de muchos roqueros, entre ellos Eric Clapton que grabó varias de composiciones: “After midnight” y “Cocaine”, entre las más conocidas a nivel comercial. J.J. Cale también influyó en otros músicos ingleses, entre otros, Mark Knopler, quien en su primer disco con Dire Stratis demostraba que había escuchado con atención al compositor, cantante y guitarrista de Tulsa, que durante algún tiempo fue músico de estudio.

Canciones: “Crying”, “I’ ll be there (if you ever want me)”, “Starbound”, “Rock and roll records”, “The old man and me”, “Everlovin’ woman”, “Cajun moon”, “I’ d like to love you baby”, “Anyway the wind blows”, “Precious memories”, “Okie” y “I got the same old blues”.

Músicos: J.J. Cale (bajo, batería, guitarra, slide guitar y voz), Beige Adair (teclados), Harold Bradley (guitarra y guitarra rítmica), Kenny Malone (batería), Grady Martín (guitarras), Farell Morris (batería, percusión, vibráfono y voces), Weldon Myrick (steel guitar), Tommy Cogbill (bajo), Beige Cruzer (teclados), Paul Davis (guitarra), Tim Drummond (bajo y batería), Mac Gayden (guitarra), Dennis Good (trombón), Joel Green (bajo), Karl Himmel (batería), Mike Leech (bajo), Terry Perkins (batería), Billy Pret (saxofón), Hargus “Pig” Robbins (teclados y piano), Jerry Smith (teclados y piano), Red Spivey (teclados y piano), George Tidwell (trompeta), Jerry Whitehurst (teclados y piano) y Reggie Young (guitarras).

Otras portadas: Naturally (1972), Really (1973), 5 (1975), Troubadour (1976, Shades (1981) y Travel log (1990).

“Sticky fingers” (Emi-Odeon). Primer disco de The Rolling Stones en Emi-Odeon con el inconfundible logotipo de labios y lengua rojos. La portada de esta grabación fue realizada por el artista norteamericano Andy Warhol (antes había diseñado la portada de la primera grabación de la formación afincada en New York, The Velvet Underground). Warhol se lució en la carátula porque ofrecía la fotografía de un blue jeans a la altura de la bragueta, esta última incluía una cremallera de verdad, mientras que en el interior la funda del disco recogía la imagen de un calzoncillo y de su portador de cintura abajo, bastante dotado en cuanto a miembro viril. Esta obra de Andy no gustó a las autoridades españolas, que, otra vez, recurrieron a la censura, por lo que hubo que cambiar la carátula. En su lugar se utilizó una imagen que está más relacionada con el título del disco, “Sticky fingers”, que traducido al español significa dedos pegajosos o pringosos, más o menos. El encargado del diseño fue John Pásche y el autor de la fotografía pringosa, Phil Jude. En fin que la portada no tenía desperdicio y causó tanto impacto como la de Warhol, pero sólo se editó en España, con lo cual se convirtió en una pieza para coleccionistas. En el ámbito musical, la nueva etapa de The Rolling Stones demuestra la perfecta integración de Taylor, más blusero que roquero, tras haber girado a finales de 1969 por Estados Unidos, el año del estrepitoso fracaso del festival de Altamont, donde The Rollings Stones tuvieron más suerte que algunos músicos y espectadores, agredidos por los ángeles del infierno que llegaron a matar a un joven que les había amenazado con una pistola simulada. De esta historia, aparte de los cientos de artículos editados en revistas musicales, hay una película que no tiene desperdicio, porque también aparecen otros grupos además de sus satánicas majestades. A pesar de todo, de aquella gira salió uno de los mejores discos en directo de los británicos, que en su nueva etapa, iniciada con Sticky fingers, ofrecían excelentes composiciones donde de nuevo se imponía a nivel de composición el tandem, Jagger-Richards, con piezas inolvidables como Brown sugar, Wild horses, Dead flowers, Can´t you hear me knocking o I got the blues. Estas piezas ofrecían influencias variadas, entre ellas las del entonces en auge country rock, en el que Richards había sido introducido en Estados Unidos por su colega Gram Parsons (ex byrd y ex flyng burrito). En el original no censurado, había una canción de Marianne Faithfull, “Sister morphine”, que era sustituida en el vinilo español por Let it rock. Como era habitual, el grupo británico tuvo a su disposición a otros músicos, algunos habituales en las grabaciones de los Stones, entre otros I. Stewart, Nicky Hopkins, Bobby Keys y Billy Preston. Hasta Ry Cooder tocaba la guitarra en este disco esencial en la larga carrera de los Stones. Cuando ya había escuchado por la radio decenas de veces "Brown sugar", allá por 1971 mi amigo Moli me informaba de que los Rolling habían sacado un larga duración con una portada muy llamativa, ante lo cual no dudé en visitar las tiendas en busca de tan novedoso producto. El resultado de esa expedición fue el encuentro con un disco que sigo escuchando a menudo, y del que siempre me ha gustado “Sway”. Como también aprecio la contraportada con esa inolvidable fotografía de unos irreverentes y aún jóvenes “balas perdidas”.

Canciones: “Brown sugar”, “Sway”, “Wild horses”, “Can’ t you here me knoking”, “You gotta move”, “Bitch”, “I got the blues”, “Let it rock”, “Dead flowers” y “Moonligth mile”.

Músicos: Mick Jagger (voz, percusión y guitarra), Keith Richards (guitarras y voz), Mick Taylor (guitarra), Bill Wyman (bajo y piano eléctrico), Charlie Watts (batería), Iam Stewart (piano), Bob Keyes (saxo), P. Buckmaster (cuerdas), Nicky Hopkins (piano), Jim Dickinson (piano), Rocky Dijon (congas), J. Price (trompeta), Billy Preston (órgano), Ry Cooder (guitarra) y Jack Nitzche (piano).

Otras portadas: Big hits (high tide and green grass) (1966), Between the buttons (1967), Let it bleed (1969), Get yer ya-ya out! (1970), Exile on Main ST. (1972), It’ s only rock ‘n roll (1974), Made in the sade (1975) y Undercover (1983).

“Hi We’ re The Miracles” (Tamla Mortown). Disco de debut de uno de los primeros grupos de la Tamla Motown que dieron fama a esta casa discográfica de Detroit. La voz y las letras inconfundibles de Smokey Robinson fueron las principales bazas de esta banda, que en un principio incluía una mujer, Claudette Rogers, la que luego sería esposa de Robinson. Once composiciones dan cuerpo al primer álbum de los Miracles, donde ya se pone de manifiesto el liderazgo de Smokey. Su apellido aparece en 10 de las canciones de “Hi we’ re The Miracles”. Berry Gordy, alma mater y dueño de la entonces naciente Motown, contrata para su empresa un grupo cuya estética está en la línea de las formaciones de doo-woop que tanto éxito tuvieron en la segunda mitad de la década de los cincuenta, como puede apreciarse en la carátula del disco de larga duración. Sin embargo, en el terreno musical The Miracles, excepto algunas baladas de voces melosas, ya van poniendo las bases del estilo de la discográfica de la ciudad del motor, una mezcla de soul y pop, como demuestran con “Shop around”, que sería disco de oro en 1961. En el larga duración está recogida asimismo una versión de “Money”, que luego escogerían para su repertorio The Beatles. Hay que reconocer que disco de The Miracles define la línea de productos musicales de la Tamla, entre los que destacan este grupo pionero que durante algo más de una década tendría el reconocimiento del público seguidor del soul en sus diferentes variantes, donde siempre se ha situado a Smokey Robinson como uno de los más destacados compositores de este estilo. Algunas de sus canciones dieron fama a grupos y solistas de Tamla Motown, entre otros, Temptations, The Marvelettes, Rare Earth (grupo blanco, famoso por el número 1 “Get ready), Marvin Gaye y Mary Wells. Hasta que Robinson decide abandonar a The Miracles, a comienzos de la década de los setenta (1972), muchas fueron las canciones de este grupo que estuvieron en los primeros puestos de las listas de éxitos discográficos. El resto es otra historia, cinco años de vida del grupo, ya sin Robinson, y sin la notoriedad que el cantante y compositor daba al combo. Por su parte, Smokey continuó en solitario su carrera musical hasta que su figura se fue desvaneciendo en la década de los noventa, cuando en la música negra se estaban produciendo importantes cambios por la presencia de otros estilos innovadores y más cercanos a la gente de la calle, sobre todo a los jóvenes.

Canciones: “Who’ s lovin you”, “Depend on me”, “Heart like mine”, “Dancing Shop around”, “Won’ t you take me back”, “Cause I love you” , “Your love”, “After all”, “Way over there”, “Money” y “Don’ t leave me”.

Componentes del grupo: William Smokey Robinson, Ronnie White, Boby Rogers, Claudette Rogers, Warrem Pete Moore y Marvin Tarplin.

Otras portadas: Cookin' with The Miracles (1962), Going to a gogo (1965), The tears of a clown (1970) y City of Angels (1975).

“Hot Tuna” (RCA). Primer disco de Hot Tuna cuando dos de sus miembros aún estaban en Jefferson Airplane. Lejos del rock psicodélico y las guitarras distorsionadas, Jorma Kaukonen y Jack Cassidy, con el armonicista Will Scarlett, graban su primer larga duración en directo en el New Orleans House. Piezas acústicas, con claras influencias del blues rural y el folk negro, pues el repertorio de canciones ofrece un total de diez piezas, de las cuales ocho pertenecen a conocidos bluesmen y dos están firmadas por Kaukonen. El guitarrista de apellido nórdico europeo siempre tuvo muy presente en sus grabaciones y actuaciones en directo el legado de personajes como Mississippi John Hurt, Reverendo Gary Davys, Robert Johnson, Leroi Carr y Jerry Roll Morton, entre otros. Su militancia folkie quedó demostrada en sus comienzos. En este sentido, llegó a ser el guitarrista que acompañó durante una de las etapas acústicas de la aún muy joven Janis Joplin. Este primer disco de Hot Tuna, del que había conseguido escuchar alguna canción en la radio, pude conseguirlo en formato vinilo gracias al empeño que mi amigo Fernando Manero (Cholón) puso en buscarlo durante un viaje por tierras de Italia a mediados de la década de los setenta, más o menos en los "años de plomo". Siempre tengo en cuenta a Fernando por su regalo en forma de vinilo, pero también por las horas compartidas hablando de literatura, cine y cómic, así como el tiempo escuchando música de diferentes grupos y estilos, entre ellos los pertenecientes a la familia del aeroplano, de los que ambos éramos admiradores, aunque nunca estuvimos en California. Por cierto, ahora me acuerdo también de las muchas actuaciones en directo a las que acudimos para ver a grupos y solistas en pleno apogeo artístico en la década de los setenta. Hot Tuna tendría continuidad durante años gracias al empeño de Kaukonen y Cassidy, quienes no dudaron en adaptarse a diferentes estilos, desde el mencionado sonido acústico al blues acelerado y eléctrico de sus discos hasta el titulado "Final Vinyl" del año 1979. El grupo de Jorma y Jack continuaría editando discos en la década de los noventa, aunque cada uno de los músicos estuviera implicado en diferentes proyectos musicales. Kaukonen ha grabado varios discos en solitario, entre otro el primero, titulado "Quah", del que guardo siempre el grato recuerdo de la canción "Genesis". La fotografía de la portada es de Mike Frankel.

Canciones: “Hesitation Blues”, “How Long blues”, “Uncle Sam blues”, “Don' t You Leave Me Here”, “Death Don't Have No Mercy”, “Know You Rider”, “Oh Lord, Search My Heart", “Winin' Boy Blues”, “New Song (For The Morning)” y “Mann' s Fate”.

Músicos: Jorma Kaukonen (guitarra y voz), Jack Cassidy (bajista) y Will Scarlett (armónica).

Otras portadas: Burgers (1972), America’ s Choice (1975), Yellow Fever (1975) y Double Dose (1978).