“Uh Huh” (Riva). Noveno disco de John Cougar Mellencamp que en 1983, año de grabación de este elepé, estaba en la lista de los roqueros más famosos de Estados Unidos. Tras unos comienzos titubeantes, a la sombra de Bruce Springteen, Bob Seeger y otras voces privilegiadas, por fin se convirtió en referencia representativa de lo que con el tiempo se ha llamado rock con raíces. Duro a veces, otras campestre y de vez en cuando lírico, John Cougar ofrecía canciones brillantes en cuanto a lo músical, básico en la instrumentación (guitarras y sección de ritmo), aunque a veces sonara a The Rolling Stones “Crumblin’ Down Green” o al boss “Pink Houses”, pero sin caer en la imitación, más bien estas aproximaciones están basadas en el admiración a sus maestros. Pero John se muestra seguro y autónomo en otras piezas “Authority Song”, “Play Guitar”, “Lovin’ Mother For Ya” o la más melancólica “Jackie O”. “Un Huh” no pasó desapercibido en su tiempo, incluso contó con un importante apoyo mediático con clip audiovisual de promoción, cuando este soporte era el gran aliado de la música grabada. El diseño de la carpeta del disco correspondió Mo Strom for Bob Heimall, Inc. Y la ilustración fue obra de Michael Sell, mientras que la dirección artística corrió a cargo de Bill Levy.

Canciones: “Crumblin’ Down Green”, “Pink Houses”, “Authority Song”, “Warmer Place to Sleep Green”, “Jackie O”, “Play Guitar”, “Serious Business”, “Lovin’ Mother Fo Ya” y “Golden Gates”.

Músicos: John Cougar Mellencamp (voz), Kenny Aronoff (batería y percusión), Larry Crane (guitarra), Toby Myers (bajo), Mike Wanchic (guitarra), John Cougar, Jay Ferguson (voz), Carroll Sue Hill (voz), Louis Johnson (bajo) y Willie Weeks (bajo).

Otras portadas: Nothin’ Matters And Whit If It Did (1980), American Fool (1982), Scarecrow (1985), The Lonesome Jubille (1987) y Big Daddy (1989).

“Another Passenger” (Elektra). Sexto álbum de la neoyorquina Carly Simon, quien en el año de su grabación (1976) formaba parte de la elite del rock afincada en California, como su marido James Taylor. “Another Passenger” cuenta con una larga lista de músicos de sesión asentados en la Costa Oeste de Estados Unidos y miembros de grupos en alza en aquella época: The Doobie Brothers, Little Feat y Eagles. El resultado fue un disco correcto en todos los sentidos, pero alejado ya de la línea más intimista de las primeras grabaciones de Carly que ya se encaminaba hacia una línea más suave y comercial, pop por darle un nombre definitorio, pero sin perder la esencia de talento para componer excelentes canciones como “Half A Chance”, “In Times When My Head” y “Libby”, que se alternan con alguna más orientadas hacia el rock practicado por los ilustres colaboradores y el ritmo latino de “He Likes To Roll”. La carpeta del larga duración sigue la misma línea que el trabajo musical, pues tres personas aparecen como protagonista de su puesta a punto Anne Garner (diseño), Glen Christensen (dirección artística) y Mary Ellen Mark (fotografía).

Canciones: “Half A Chance”, “It Keeps You Runnin”, “Fairweather Father”, “Cow Town”, “He Likes To Roll”, “In Times When My Head”, “One Love Stand”, “Riverboat Gambler”, “Darkness Til Dawn”, Dishonest Modesty”, “Libby” y “Be With Me”.

Músicos: Carly Simon (guitarra acústica, teclados y voz), James Taylor (guitarra, arreglos y voz), Dr. John (guitarra y teclados), Laurindo Almeida (guitarra), Paul Barrére (guitarra), Jeff Baxter (guitarra eléctrica, steel guitar y slide guitar), Steve Bruten (guitarra eléctrica) Turner Stephen Bruton (guitarra eléctrica), Frank Carillo (guitarra), Glenn Frey (guitarra), Lowell George (guitarra), Andrew Gold Guitar (batería y guitarra eléctrica), Patrick Simmons (bajo y guitarra), Klaus Voormann (guitarra, bajo acústico y bajo eléctrico), David Campbell (viola), Nick DeCaro (acordeón), Jackson Browne (voz), The Doobie Brothers (voces y coros), Victor Feldman (percusión y marimba), Bob Glaub (bajo), Kenny Gradney (bajo y guitarra), Robert Greenidge (batería), John Hartman (batería y percusión), Richard Hayward (batería y voz), Milt Holland (percusión y conga), Dr. Rick Jaeger (batería y voz), Kirby Johnson (voz y arreglos), Tom Johnston (guitarra), Mark T. Jordan (piano), Jim Keltner (batería), Keith Knudsen (batería), Leah Kunkel (voz), Ellen Kearny (voz), Andrew Love (saxofón), Novi Novag (viola), Bill Paine (teclados), Van Dyke Parks (piano, acordeón, marimba y arreglos), Michael McDonald (piano y voz), Tiran Porter (bajo), Linda Ronstadt (voz), Bud Shank (violín y flauta), Lucy Simon (voz), Fred Tackett (mandolina, cello y mandocello), Alex Taylor (voz) y Libby Titus (voz)

Otras portadas: Carly Simon (1971), Anticipation (1971), No Secrets (1972), Hot Cakes (1974), Playin Possum (1975), Boys In The Trees (1978), Come Upstair (1980), Torch (1981) y Geatest Hits Live (1988).

“Jo, la donya i el gripau” (Edigsa). Descendiente de uno de los mejores poetas de lengua catalana del siglo XX, Pau Riba utiliza la música como forma de expresión, aunque no desdeñe otros medios de comunicación. Tras la inevitable etapa de gregarismo estético y ético en el denominado Grup de Folk, el joven Pau en seguida se convirtió en uno de los cantantes más innovadores de Cataluña por sus propuestas transgresoras, heterodoxas, contraculturales y rebeldes. Sin renunciar al idioma catalán como vehículo de transmisión de sus composiciones, Pau en el fondo iba más allá del nacionalismo de otros artistas de su generación. Sus canciones emparentaban más con el folk y el rock anglosajones. En octubre de 1971 grababa al aire libre en su casa de la isla de Formentera, entonces refugio de bohemios y jipis, “Jo, la donya i el gripau, un disco dedicado al nacimiento del primer hijo del cantante, quien demuestra su receptividad hacia ritmos propios (canción popular catalana) y el folk anglosajón (Incredible String Band, el primer Dylan…). También se aprecia el interés en ampliar la búsqueda de nuevas sonoridades mediante la utilización de instrumentos en aquellos tiempos exóticos (kalimba, guitarra afgana, guimbarda y ocarina). Las 13 piezas del elepé también están aderezadas con los sonidos naturales captados por la grabadora en el entorno donde se llevó a cabo la actuación. En la portada del disco intervino también Pau como diseñador y dibujante.

Canciones: “La lluna, la pruna”, “Mesquinet”, “La maramua”, “Mel”, “Mama nen”, “L’avioloncel”, “Donya mixeres”, “Jo, la donya i el gripau”, “La vella del fons del pou”, “Ora Catalina”, “La dansa de la terra”, “llagrimes i petons” y “La lluna, la pruna”.

Músicos: Pau Riba (guitarra, ocarina, guimbarda y ukelele), Jordi Soler (guitarra, violoncello y kalimba), Marti Soler (guitarra, guitarra afgana y kalimba), Mario Pacheco (bongos y maracas) y Xavier Riba (violin).

Otras portadas: Dioptria I (1970), Dioptria II (1971), Electroàcid alquimístic xoc (1975), Licors (1977), Amarga crisis (1981) Trangnarcís (1986).

“Rock And Roll Outlaws” (Bearsville Records). Formado tras la salida del grupo The Savoy Brown, el cuarteto británico Foghat presentaba su cuarto elepé en Estados Unidos, lugar donde el grupo se asentó y conectó muy bien con un público seguidor del blues rock escorado hacia el “hard” y también en menor medida el “boggie”. Riffs de guitarra reconocibles, machacona sección rítmica e inconfundible voz cantante, eran las principales bazas de Foghat. En el año de distribución de “Rock And Roll Outlaws” (1974) se encontraba en sus mejor momento, aunque grabaría discos de más calidad que éste, del cual se escuchan con interés y lo salvan de caer en la mediocridad: “Eight Days On the Road”, “Hate To See You Go” y “Chatteau Laffite ‘ 59 Boogie”. Estas en la parte dura, porque también hay espacio para los tiempos lentos como la acústica “Trouble In My Way” y la indefinible “Dreamer”. La carátula del disco fue diseñada por Richard Mantel, quien utilizó una fotografía de Meter Riches, en la cual se capta la parafernalia típica del grupo de rock setentero en la cresta de la ola, agraciado por la fama, merecida en su caso.

Canciones: “Eight Days On The Road”, “Hate To See You Go”, “Dreamer”, “Trouble In My Way”, “Rock And Roll Outlaw”, “Shirley Jean”, “Blue Spruce Woman” y “Chateau Lafitte '59 Boogie”.

Músicos: Roger Earl (batería), Rod Price (guitarra y voz), Tony Stevens (bajo) y Lonesome Dave (voz y guitarra).

Otras portadas: Foghat (1972), Foghat (Rock and Roll) (1973), Energized (1974), Fool the City (1975), Night Shuft (1976), Live (1977), Boogie Motel (1979), Tight Shoes (1980) e In the Mood for Something Rude (1982)

“Back To The Roots” (Polydor). La etapa californiana del bluesman británico John Mayall incluye la grabación de este disco doble editado en el año 1971. En su línea habitual de compositor y músico inquieto, recurrió a varios instrumentistas de fama a comienzos de los setenta, tanto británicos como estadounidenses, entre ellos algunos miembros de la banda Canned Heat, el encumbrado Eric Clapton, el rolling stone Mick Taylor y el violinista Sugarcane Harris, algunos antiguos colaboradores en grupos diferentes liderados por Mayall. La unión de estos músicos dio como resultado dos elepés en los que Mayall se vuelve más heterodoxo, pero sin renunciar a sus raíces asentadas en terreno del blues negroamericano tanto acústico como eléctrico. El músico inglés vuelve a exponer sus dotes a la hora de componer y tocar diferentes instrumentos, así como en convertirse en un excelente guía a la hora de aunar personalidades diferentes en torno al arte que Mayall expresaba en aquellos tiempos. 

Sin ser una obra maestra, esta vuelta a las raíces de John demuestra un excelente nivel musical y ofrece su constante experimentación con el blues, pero sin desechar otros estilos: jazz y rock. Sin duda la tarea de receptor de notables acompañantes queda ensalzada con creces en "Back To The Roots", como atestiguan algunas piezas, entre otras, "Prisons Of The Road", "Home Again", "Accidental Suicide", "Television Eye", "Looking At Tomorrow", "Full Speed Ahead" "Mr. Censor Man" o "Force Of Nature". La carpeta del disco fue diseñada por el propio Mayall con la inclusión de fotografías de Nancy Thockmorton, Gered Mankowitz, Dominique Tarle y Barry Wendell.

Canciones: “Prisons Of The Road”, “My Children”, “Accidental Suicide”, “Groupie Girl”, “Blue Fox”, “Home Again”, “Television Eye”, “Marriage Madness”, “Looking At Tomorrow”, “Dream With Me”, “Full Speed Ahead”, “Mr. Censor Man”, “Force Of Nature”, “Boogie Albert”, “Goodbye December”, “Unanswered Questions” y “Devil’s Tricks”.

Músicos: John Mayall (voz, armónica, guitarra y teclados), Johnny Almond (saxo tenor y flauta baja) Eric Clapton (guitarra), Don “Sugarcane” Harris (violín), Keef Hartley (batería), Paul Lagos (batería), Harvey Mandel (guitarra), Jerry McGee (guitarra), Larry Taylor (bajo), Mick Taylor (guitarra) y Steve Thompson (bajo).

Otras portadas: John Mayall Plays John Mayall (1965), Bluesbreakers With Eric Clapton (1966), A Hard Road (1967), The Blues Alone (1967), Blues From Laurel Canyon (1968), The Turning Point (1969), Thru The years (1971), Jazz-Blus Fusion (1972), Moving On (1973), The Latest Edition (1974) y The Last Of the British Blues (1978).

“My Heart Bleeding” (L+R Records). Eddie Taylor (1923-1985) está considerado uno de los guitarristas más representativos del blues eléctrico de Chicago de finales de los años 40 y de la sigu iente década. Influenciado por los grandes de los 30, Charlie Patton, Menphis Minnie, Son House y Big Boy Crudup, Eddie se convirtió con el paso del tiempo en el acompañante preferido de músicos más modernos que los anteriores como Elmore James, Jimmy Reed y John Lee Hooker, entre otros, pero Taylor no fue un segundón del blues pues influyó en alguno de los antes citados. Su personalidad queda más que demostrada en este elepé grabado a comienzos del año 1980 en Chicago. Todas las composiciones pertenecen al guitarrista, cuyo domino del instrumento y la calidez de sus interpretaciones ponen de manifiesto que Eddie Taylor queda para siempre como uno de los puntales del blues eléctrico. La canción que da título al disco, “Going to Virginia” o “Soul brother contienen la esencia estilística del guitarrista, quien sabía adaptarse a los tiempos lentos y rápidos sin problemas como los viejos bluesmen siempre cargados de un repertorio de canciones directas que exploraban se adentraban en diferentes espacios rítmicos. “Tomo de aquí y de allí, lo mezclo un poco y lo aderezo con otro poco de mi propia cosecha. Quien diga que tiene un estilo propio no es más que un mentiroso”, decía el propio Taylor de su música. El diseño de la portada del disco es de Günter Kieser.

Canciones: “My heart is bleending”, Going to Virginia’’, “So bad’’, “Lexington breakdown’’, “Blow wind blow’’, “Wreck on 83 highway’’, “Soul brother’’, “There’ ll be a day’’ y “Lawndale blues’’

Músicos: Eddie Taylor (guitarra y voz), Steve Beal (guitarra), George Kitta (bajo), Odie Payne (batería), Carey Bell (armónica) y Sunnyland Slim (piano).

Otras portadas: I Feel So Bad (1972), Bad boy a Long way from Chicago (1978), Big Town Playboy (1981) y Still not Ready for Eddie (1987).

“I Haven’t Got Anything Better To Do” (Verve). La brasileña Astrud Gilberto (1940) consiguió ser la mejor promotora de la bossa nova en Estados Unidos gracias a su colaboración, junto a su marido Joao Gilberto, en un disco con el saxofonista Stan Getz, muy interesado, como otros músicos de jazz, en la nueva música popular que con fuerza surgía en Brasil. Tras el inicial éxito como embajadora de la bossa nova, Astrud Gilberto grababa en New York un disco con diez canciones que se adaptaban perfectamente a su limitada voz. Historias intimistas con mucha cuerda y metal, compuestas por algunos de los principales representantes del pop comercial pero efectivo, como el experto en la materia Burt Bucharach o el más joven entonces Harry Nilson. Un disco hecho a la medida de la cantante de Salvador de Bahia, quien reconicía que el elepé grabado en 1969 contenía todas las canciones que siempre quiso interpretar. Melancolía a raudales y melodías suaves casi susurradas en algunos casos. La cara de Astrud Gilberto aparece en la carátula del disco fotografiada por Joel Brodsky.

Canciones: I haven’t got anything better to do”, “Didn’t we?”, “Wailling of the willow”, “Where’ s tho love?”, “The sea is my soul (I remember when)”, “Trains and boats and planes”, “World stop turning”, “Wihtout him”, “We small hours” e “If (To biggest little word”.

Músicos: Art Kaplan (saxofón), Sam Brow y Albert Gorgona (guitarras), Richard Davis (bajo), George Duvivier (bajo), Stan Free, Frank Owens y Paul Griffin (teclados), Gary Chester (batería), David Carey, George Devens, Aiuto Morgia y Joe Venuto (percussion), Wayne André, Mike Gravine, Alan Rath y Tony Studd (trombones), Burt Collins, John Glasel e Irven Markowitz (trompetas), Ben Blumenreich, Lewis Eley, Joe Haber, Lew Haber, Harry Lookofsky, Mathew Raimondi, Tosha Samaroff, Irving Spiece y Louis Stone (violins), Seymour Berman y David Saxon (saxo alto), Maurice Bialkin y Seymour Barab (cello) y Eugene Bianco (arpa).

Otras portadas: The Astrud Gilberto Album (1964), The shadow of your smile (1965), Beach Samb (1966), Windy (1968) y Astrud Gilberto Now (1972).

Don’t Mess With My Ducktail (Discophon). Sven Ake Hogberg, un sueco nacido en 1944, decidió adoptar el nombre artístico de Hank C. Burnette para tocar su música preferida de raíces estadounidenses: rock and roll y rockabilly, estilos que aparecen en este disco grabado en el año 1976. El guitarrista, cantante y compositor nórdico, implicado desde su adolescencia con la música popular de los años 50, recurre en este elepé a la utilización de un repertorio de los clásicos del género como demuestra con las versiones de, entre otros hitos, “Riders In The Sky”, Blue Moon” y Peggy Sue”. Sin embargo, Hank C. Burnette también compone algunas piezas para los aficionados al rock and roll más puro, unas veces cantado, otras instrumental, temas que no dejan indiferente por la entrega que demuestra el guitarrista, un defensor a ultranza de sonidos preferidos por la juventud de la segunda mitad del siglo XX, que periódicamente tienen sus momentos de auge, como ocurrió a finales de los setenta y comienzos de los ochenta en Europa. La portada ofrece una obra gráfica firmada por Wagner para deleite de los roqueros fetichistas.

Canciones: “Spinnin’ Rock Boogie”, “Your Driving Licence Please”, “Riders In The Sky”, “Blue Moon”, “Hank’s 97”, “Come On Little Mama”, “Don’t Mess With My Ducktail”, “Fools Like Me”, “Gold In The Morning Sun”, “Rocking Daddy”, “Peggy Sue” y “Rock-Ola Jive”.

Músicos: Hank C. Burnette (guitarra y voz). Los restantes músicos no figuran en los créditos del disco.

Más portadas: Multisided (1973), The Hank C. Burnette Sound (1973), Spinnin’ Rock Boogie (1974), Rockabilly Gasseroonie (1977), Hot Linksd and Francy Tricks (1979), Nº 1 Rockabilly (1980), Bot Thill I Drop (1987) y Rock-Ola Ruby (1989).

“Flamenco Vivo” (Philips). José Monje Cruz, Camarón de la Isla, (1950-1992) presentaba en el año 1987 su primer disco en directo, donde se notaba el fervor del heterogéneo público entregado y ruidoso tan habitual en sus actuaciones. Seis canciones recogidas en lugares sin determinar en los créditos del disco constituyen el repertorio de este documento en el que destacan palos como las bulerías, fandangos y bulerías, cantes en este caso todos compuestos por Camarón con la colaboración de otros letristas como Ricardo Pachón, J. Carmona y J. López Romero. Sin grandes alardes en la grabación, la voz de Camarón suena directa y con su rajo característico, motivos suficientes para agradecer este primer elepé oficial en vivo del cantaor gitano. El acompañamiento musical corre a cargo del entonces joven guitarrista almeriense Tomatito, quien sería compañero del cantaor en otras grabaciones y giras por diferentes lugares de España y el extranjero, cuando el de la Isla se ha había convertido en un mito que era alabado por diferentes generaciones, un fenómeno que no pararía hasta la prematura muerte del artista. La portada y contraportada corresponde a un diseño de Javier Fernández de Molina.

Canciones: Un tiro al aire, Pasando el puente, Chiquito de Camas, La vara de los chalanes, Castillo de Alcalá y La cava de los gitanos.

Músicos: Camarón de la Isla (cante) y Tomatito (guitarra española).

Otras portadas: El Camarón con la colaboración de Paco de Lucía (1969), Cada vez que nos miramos (1970), Son tus ojos dos estrellas (1971), Canastera (1972), Soy caminante (1974), Castillo de arena (1977) La leyenda del tiempo (1979), Como el agua (1981) y Viviré (1984).

If I Could Only Remember My Name...” (Atlantic). Elepé de presentación en solitario del californiano David Crosby (1941) que se puso a la venta en el año 1971 cuando este guitarrista, compositor y cantante ya había conocido el éxito con bandas indispensables de la Costa Oeste de Estados Unidos: The Byrds y Crosby, Stills, Nash & Young. La grabación del disco reunió a varios amigos de los grupos Jefferson Airplane, Greateful Dead y Santana, además de otros colegas de ambos sexos. Sin lugar a dudas, If I Could Only Remember My Name… es uno de los mejores álbumes norteamericanos de la primera parte de la década de los setenta. Un David Crosby inspirado aportó todo su lirismo en aquel momento de transición de la música pop, cuando el idealismo del flower power dio paso a la cruda realidad de una sociedad en crisis, entre otros motivos por estar implicada en una guerra colonial. Aunque hay pasajes alegres, la acústica Music is love o la evanescente Orleans, en el disco se nota también cierta acidez tanto musical como literaria, caso de  la pieza Cowboy Movie donde destaca el diálogo entre las guitarras de Jerry García y Neil Young. Rock, folk, jazz y algo de psicodelia constituyen las referencias musicales de este disco de larga duración. La carpeta del mismo tiene en la portada una fotografía de Robert Hammer recogida de una película de 16 milímetros.

Canciones: Music Is Love, Cowboy Movie, Tamalpais High (At About 3), Laughing, What Are Their Names, “Traction in the Rain, Song With No Words (Tree With No Leaves), Orleans y I’d Swear There Was Somebody Here.

Músicos: David Crosby (guitarra y voz), Graham Nash (guitarra, piano y voz), Neil Young (guitarra, bajo, congas y vibráfono), Paul Katner (guitarra), Jorma Kaukonen (guitarra), Jack Casady (bajo), Grace Slick (voz), David Freiberg (voz), Jerry García (guitarra y pedal steel guitar), Phil Lesh (bajo y voz), Bill Kreutzmann (batería y percusión), Laura Allen (voz y autoharp), Joni Mitchell (voz), Greg Rolie (piano) y Michael Shrieve (batería).

Otras portadas: Oh Yes I Can (1989) y Thousand Roads (1993).

“Shoot out at the fantasy” (Island). Séptimo disco de Traffic, grupo británico que tras nuevos cambios en su formación vuelve a utilizar el diseño de la carpeta en forma de cubo del artista Tony Wright, como ya hiciera en el disco “Low spark of high heeled boys”. Grabado en Jamaica durante el último tramo de la carrera discográfica del grupo, en concreto en el año 1973, “Shoot out at the fantasy” mantiene el buen quehacer musical de la banda liderada por el compositor y polifacético instrumentista Steve Winwood y el baterista y también compositor Jim Capaldi. Aunque la crítica de la prensa especializada en rock no le diese en su día los halagos concedidos a su predecesor, “Shoot out at the fantasy” incluye canciones de largo desarrollo con influencia de la música negra (jazz, soul, funk), para concretarse en un jazz-rock liviano con guiños al pop, pero no impide que se note el singular sonido de Traffic remachado por la inconfundible voz de Winwood, quien a comienzos de los setenta formaba parte de una de las bandas más respetadas a ambos lados del Atlántico, tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos. Ese reconocimiento está avalado en su séptimo elepé en el trabajo desarrollado en las piezas “Evening blue” y “(Somethimes I feel so) Uninspired” que dan cuerpo a un disco de transición de Traffic, un veterano combo que ya había dado lo mejor de su creatividad a finales de los sesenta y comienzos de los setenta con álbumes más innovadores que el reseñado. El grupo se mantendría un par de años en el panorama musical actuando y grabando elepés sin importantes novedades, para reaparecer en 1994 con Winwood y Capaldi mediante un disco que no tuvo continuidad.

 

Canciones: “Shoot out at the fantasy”, “Roll right stones”, “Evening blue”, “Tragic magic” y “(Sometimes I feel so) Uninspired.

 

Músicos: Chris Wood (saxofón y flauta), Roger Hawkins batería), David Hood (bajo), Jim Capaldi (batería, teclados y voz), Steve Winwood (guitarra, teclados y voz) Reboop Kwaku Baah (percusión) y Jimmi Johnson (clarinete),

 

Otras portadas: Mister Fantasy (1967), Traffic (1968), Last Exit (1969), John Barleycorn Must Die (1970), Welcome to the Canteen (1971), Low spark of high heeled boyd (1971), On the road (1974) y When the eagle flies (1974).

“The Blackbyrds” (Fantasy). Procedentes del Departamento de Música de la Universidad de Howard, los miembros del grupo The Balckbyrds entraron en el terreno discográfico en el año 1973 con un elepé de igual título al nombre del sexteto negro. Fogueados en el blues urbano más rítmico, el jazz y el naciente funk, “The Blackbyrds” se presentó como algo más que una formación destinada a llenar las pistas de baile con canciones como la que abría el disco “Do It, Fluid”. Esta es una arena más de la acogedora playa que constituye el álbum de debut de los pájaros negros, quienes demuestran en las ocho canciones del disco un perfecto dominio de los instrumentos y una capacidad para adentrarse en estilos diferentes, unos más anclados en la tradición y otros, la mayoría, en la vanguardia de la música negra de comienzos de los setenta. Algunas piezas ofrecen la esencia del mejor jazz rock que tanto predicamento tuvo en la citada década, y al que se aproximaron con respeto músicos de todas las nacionalidades y colores con el resultado de una larga lista de elepés imprescindibles para entender dicho estilo mestizo. The Blackbyrds también fueron valiosos exponentes de la mezcla de lo clásico y lo nuevo hasta el punto de figurar entre las propuestas más válidas de músicos que plantaron la semilla de sonidos venideros y adoptados por docenas de formaciones en las décadas siguientes. La carpeta del disco recoge una reproducción del cuadro del pintor Vicent Van Gogh: “Cuervos sobre un campo de trigo”, fechado en 1890.

Canciones: “Do It, Fluid”, “Gut Level”, “Reggins”, “The Runnaway”, “Funky Junkie”, “Summer Love”, “Life Styles” y “A Hot Day Today”.

Músicos: Joe Hall (bajo eléctrico), Keith Killgo (batería), Kevin Toney (teclados, melódica y sintetizador), Barney Perry (guitarra), Allan Barnes (saxos tenor y soprano) y Perk Jacobs (percusión). Colaboradores: Oscar Brashear (trompeta y corno flugelnorn), David Willimas (bajo) y Ray Armando (percusión).

Otras portadas: Flyng Start (1974), City Life (1975), Combread, Earl and Me (1975), Unifihished Bussines (1976), Action (1977) y Better Days (1980).

“Sweet Child” (Guimbarda). Doble elepé del quinteto británico Pentagle, una de las mejores formaciones del folk evolucionado de Europa de los años sesenta. La primera grabación se recogió en un concierto en el Royal Festival Hall el 29 de junio de 1968, mientras que la segunda se realizó en un estudio londinense en agosto del mismo año. Representativo del imprescindible sello discográfico Trasatlantic Records, Pentangle estaba formado por un excelente plantel de músicos y una cantante de inconfundible y bien templada voz para los estilos más variados. En el disco en vivo hay composiciones de los componentes de la banda, pero también versiones adaptadas de música tradicional inglesa, clásica, folk, blues y jazz. El elepé de estudio mantiene un repertorio parecido que elevó a Pentangle a la categoría de grupo puntero en su estilo e influyente en el folk de habla inglesa. Excelentes guitarristas, Bert Jansh y John Renbourn, estaban acompañado por notables músicos en la sección rítmica Tery Cox (percusión) y Danny Thompson (bajo). Todos ellos, una vez desaparecido el grupo, continuaron su labor musical bien en nuevas formaciones, en solitario o colaborando con otros grupos y solistas. Hubo intentos para resucitar el grupo con los miembros originales en diferentes épocas, pero Pentangle había grabado sus mejores discos en los sesenta. “Intentar describir la música de Pentangle es como intentar describir una puesta de sol”, había dicho en su día Tony Wilson en las páginas del Melody Maker. El diseñador de la portada del álbum fue Peter Blake, quien acertó también en las postales que sirvieron para ilustrar y dar información de todas las piezas incluidas en el disco doble.

Canciones: Disco 1: “Market song”, “No more my lord”, “Turn your money green”, “Haitian fight song”, “A woman like you”, “Goodbye Pork pie hat”, “Three dance--1. “Brentzel gay--2. “La Rotta” --3. “The earle of Salisbury”--, “Watch the stars”, “So early in the spring”, “No exit”, “The time has come” y “Bruton Town”. Disco 2: “Sweet child”, “I loved a lass”, “Three part thing”, “Sovay”, “In time”, “In your mind”, “I’ve got a feeling”, “The tree they do grow high”, “Moon dog” y “Hole in the coal”.

Músicos: Jacqui Mcshee (cantante), John Renbourn (guitarra, sitar y voz), Bert Jansch (guitarra y voz), Danny Thompson (bajo, glockenspiel) y voz)) y Terry Cox (batería y percusión).

Otras portadas: Pentangle (1968), Basket of Light (1969), Cruel Sister 1970), Reflection (1971), Salamon’s Seal (1972), Pentanglind (1973) y Open the Door (1984).

“Moby Grape” (Columbia). Primero y mejor disco del quinteto asentado en la bahía de San Francisco y representativo de la escena musical californiana en pleno auge de la psicodelia y el ácido. Tres guitarras, una efectiva sección rítmica y cinco voces perfectamente conjuntadas, fueron las principales bazas de esta banda que con el paso del tiempo ha adquirido el reconocimiento de público y crítica que en su momento le faltó para que desarrollase una carrera más estable. Sin embargo, aunque hubo posteriores discos también en parte interesantes, el elepé de presentación de Moby Grape sirve como referencia válida para figurar entre las mejores ofertas del rock californiano de los años 60. Grabado en 1967, contiene amplio repertorio de números uno que absorben influencias del blues, folk, rock y la psicodelia, pero sin caer en improvisaciones innecesarias. Rock directo con presencia de contundentes guitarras, canciones pegadizas, alguna balada y voces por encima de la media de otros grupos, han convertido este disco en uno de los mejores de su tiempo dentro del ámbito del pop. La carátula del elepé incluye una fotografía de Jim Marshall hecha a los miembros del quinteto con la estética típica de enrollados de la movida del San Francisco sesentero.

Canciones: “Hey Grandma”, “Mr. Blues”, “Fall on You”, “8:05”, “Come in the Morning”, “Omaha”, “Naked, If I Want To”, “Someday”, “Ain’t No Use”, “Sitting by the Window”, “Changes”, “Lazy Me” y “Indifference”.

Músicos: Jerry Miller (guitarra y voz), Alexander “Skip” Spence (guitarra y voz), Peter Lewis (guitarra y voz), Bob Mosley (bajo y voz), Don Stevenson (batería y voz).

Otras portadas: Grape Jam (1968), Wow (1968), ‘ 69 (1969), 20 Granite Creek (1971), Live Grape (1978) y Moby Grape ’84 (1984).

“Suite for violin and jazz piano” (CBS). En su día niño prodigio del jazz francés, además de virtuoso pianista, Claude Bolling (1930) continúa en activo con su clara intención de seguir difundiendo el mestizaje entre la música clásica y el jazz, de experimentar la fraternidad de su piano con los más variados instrumentos musicales. Esta línea, iniciada en los años setenta, tiene un claro exponente en “Suite for violin and jazz piano” (1977), donde el violinista israelí Pinchas Zukerman se convierte en uno de los principales protagonista de este disco en el que también tocan un baterista y un bajista. Grabado en París, el larga duración ofrece una mezcla de jazz y música clásica, con mucho swing, aunque también los músicos muestren una especial simpatía y concentración a la hora de tocar hacia otros estilos populares: danza francesa, tango y ragtime. De este último, con el espíritu de Joplin como inspiración, Bolling ya había dedicado un disco completo en 1966. Ejemplos que demuestran la versatilidad de Bolling a la hora de buscar repertorio para sus discos los hay esta suite para violín y piano: “Romance”, “Caprice”, “Danza Slavónica” y “Hora” forman parte de esa acertada fusión practicada con buenos resultados por el pianista y sus colaboradores. La portada del disco corresponde al original artista Roger Huyssen.

Composiciones: “Romance”, “Caprice”, “Gavotte”, “Tango”, “Danza Slavónica (con swing)”, “Ragtime”, “Valse Lente” y “Hora”.

Músicos: Claude Bolling (piano y composición), Pinchas Zukerman (violín), Max Hediguer (bajo) y Marcel Sabiani (batería).

Otras portadas: Claude Bolling play Duke Ellington (1956), Original ragtime (1966), Concerto for classical guitar and piano (1975), Suite for flute and jazz piano trio (1975), Claude Bolling Big Band (1984), Jazz a la française (1984), Suite for cello and jazz piano trio (1984), Suite for flute and jazz piano trio Vol. 2 (1986), Jazz Brunch (1988) y California Suite (1989).

Terence Trent D'Arby

“Introducing The Hardline According to TTD” (CBS). El álbum de presentación del neoyorquino Terence Trent D’Arby (1962) constituyó un aldabonazo al decaído soul de los ochenta defendido por figuras de los años 60 decididos a no desaparecer del panorama discográfico y del circuito de actuaciones para artistas veteranos. Terence, polifacético, multiinstrumentista y capacitado para componer canciones con gancho, deslumbró en el año 1987 a un variado público, sobre todo en Europa, que en seguida vio en el joven músico al sucesor de ilustres cantantes como Smokey Robinson, Stevie Wonder o James Brown. El debut discográfico de Terence no pudo ser mejor, éxito a raudales, ventas millonarias y actuaciones en directo donde demostraba sus dotes para tocar cualquier instrumento e incluso cuando tomaba la guitarra eléctrica en erigirse en posible sustituto de mitos como Jimi Hendrix. Soul, funk, pop, rock y r&b, eran las apuestas fuertes del joven artista que dejó algunas piezas inolvidables de su propia cosecha como “If You Let Me Stay”, “Dance Litle Sister” y “Lest’ s Go Forward”. En resumen savia nueva para el árbol del añejo soul negroamericano. La carpeta de este disco fue diseñada por Peter Barret con la asistencia de Andrew Biscomb. La fotografía de Terence Trent D’Arby fue realizada por Sheila Rock.

Canciones: “If You All Get To Heaven”, “If You Let Me Stay”, “Wishing Well (A Tone Poem)”, “I’ll Never Turn My Back On You (Father's Words)”, “Dance Little Sister”, “Seven More Days”, “Let’s Go Forward”, “Rain”, “Sign Your Name”, “As Yet Untitled” y “Who's Loving You”.

Músicos: Terence Trent D’Arby (clarinete, percusión, piano, batería, teclados, saxofón, clarinete, arreglos de cuerdas y voz), Andy Whitmore (guitarra y teclados), Tim Cansfield (guitarra), Peter Glenister (guitarra), Christian Marsac (guitarra), Blat Murray (guitarra), Mel Collins (saxofón), Preston Hayman (percusión y batería), Clive Mngaza (percusión y batería), Frank Ricotti (percussion), Bruce Smith (batería), Cass Lewis (bajo), Sen Oliver (bajo), Phil Spading (bajo), Chris Cameron (cuerdas), Nick Plytas (teclados y órgano Hammond), Yvar Ybrad (sinubla), Frank Collins (voz y coro), Lance Belington (voz), Bojangles (coro), Glen Gregory (voz), Tony Jackson (voz y coro), Phil Legg (voz), Michelle Odland (voz), Ebo Ross (voz y coro), Martyn Ware (voz) y Trent Jones (voz y coro).

Otras portadas: Neither Fish nor Flesh (1989)

“Blues Anytime!” (L+R Records). Hubert Sumlin (1931), guitarrista habitual de Howlin’ Wolf, se encontraba en 1964 de gira europea con el espectáculo American Folk Blues Festival, cuando la organización de este evento decidió tocar en Polonia y la República Democrática Alemana. Entonces existía el llamado telón de acero, pero eso no impidió que una música universal como el blues tuviera seguidores y practicantes en los países del Este. El productor Hors Lippman recordaría. “El éxito de esta gira fue tan sensacional y nos causó tal impacto que Wolfgang Kähne, de VEB Deutsche Schallplatten, y yo, decidimos grabar un disco. Así pues, el primero de noviembre de 1964, por la tarde, nos encerramos en los estudios Amiga. Iba a ser el primer disco de blues americano grabado en un país socialista después de la guerra”. Lippman añade: “Hubert Sumlin aparecía como líder además de interpretar solos de guitarra acústica. Fue también la primera vez que Willie Dixon y yo pudimos convencer a Hubert de que grabase dos de las canciones que solían cantarnos en el autobús durante la gira. Además, creo que en este disco está la primera –y la única grabación- de Willie Dixon cantando y acompañándose con una guitarra acústica en vez de tocar el bajo. Pero, no sólo escucharás algunos de los mejores solos de guitarra acústica que se han grabado, parte del mejor trabajo de Sunnyland Slim está también en este álbum”. El diseño de la portada fue realizado por Günter Kieser.

Canciones: “It’s you, my baby’’, “Love you, woman’’, “Everytime I get to drinking’’, “When I feel better’’, “Blues anytime’’, “I love’’, “Leavy camp moan’’, “My babe’’, “Hubert’s blues”, “We gonna jump’’, “Big legged woman’’ y “Too late for me to pray’’.

Músicos: Hubert Sumlin (guitarras eléctrica y acústica y voz), Willie Dixon (bajo acústico, guitarra acústica y voz), Sunnyland Slim (piano y voz) y Clifton James (batería).

Otras portadas: My guitar & me (1975), Groove (1976), Hubert Sumlin’s Blues Party (1986) y Heart and soul (1989).

“Ese día piensa en mí” (Edigal). Disco tercero del grupo ourensano Los Suaves que se consagraba en 1988 como una de las bandas de rock a secas más importante del panorama musical español. Tras dos elepés y giras por toda la península, la banda de los hermanos Domínguez supo mantenerse en los peores momentos para un estilo amenazado por modas cambiantes, postura que sirvió para que los ourensanos adquirieran credibilidad entre un público concreto, sobre todo joven y de la periferia de las grandes ciudades. Los Suaves, al principio, no eran profetas en su tierra pero llenaban grandes espacios en otras geografías, donde sus canciones eran conocidas por los asistentes a sus multitudinarias actuaciones, como se puede comprobar en los numerosos documentos sonoros y visuales existentes de sus giras. Con el tercer elepé, Los Suaves entrarían en una nueva etapa que les permitiría llegar más lejos sin dejar de tocar su música básica. En el disco se encuentran hitos de la carrera de este combo gallego como “Dolores se llamaba Lola”, “No puedo dejar el rock” o “Ese día piensa en mí”. La carpeta del disco fue diseñada por Triángulo de Publicidad Ourense.

Canciones. “¿Sabes? ¡Phil Lynott, murió!”, “Dolores se llamaba Lola”, “Sólo pienso en dormir”, “Nena, te voy a dejar”, “No puedo dejar el rock”, “Ese día piensa en mí”, “Buen suceso”, “Río y no sé por qué” y “Camino de una dirección”.

Músicos: Yosi (voz, guitarra, armónica y coros), Carlos “Charly” Domínguez (bajo), Hermes Alogo Mebuy (guitarra solista) y Ramón “Moncho” Costoya (guitarra). Colaboradores: Alejandro Cano (batería) y Alberto Cereijo (guitarra en “No puedo dejar el rock”).

Otras portadas: “Esta vida me va a matar” (1982), Frankestein (1984), Suave es la noche (1989) y Maldita sea mi suerte (1991).

“Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd” (MCA Records). Primer disco del grupo Lynyrd Skynyrd (1973) producido por el mítico teclista Al Kooper, quien supo captar la fuerza de esta banda de jóvenes originaria de Jacksonville (Florida). Representativa del rock sureño, esta formación ofrecía un contundente boggie-rock apoyado en tres agresivas guitarras, potente sección rítmica, teclados y la excelente voz del líder Ronnie Van Zant, que también era el autor de la mayoría de las composiciones grabadas para el primer elepé de Lynyrd Skynyrd. El grupo contó con una excelente carta de presentación al demostrar su fuerza e inventiva mediante piezas como “I Ain’ t The One”, “Tuesday’s Gone” y “Free Bird”, antecedentes de futuros éxitos, como el posterior “Sweet Home Alabama”, de su segundo larga duración. A partir de entonces, Lynyrd Skynyrd ascendería al olimpo de las bandas más seguidas en Estados Unidos, incluso en el Viejo Continente, con el Reino Unido a la cabeza, tuvieron su momento de gloria hasta el accidente de aviación que causó la muerte de Ronnie y otros miembros del grupo. La carátula del disco, de Emerson-Loew, recoge una fotografía de los componentes del grupo en pose callejera.

Canciones: “I Ain’t The One”, “Tuesday’s Gone”, “Gimme Three Steps”, “Simple Man”, “Things Goin’ On”, “Mississippi Kid”, “Poison Whiskey” y “Free Bird”.

Músicos: Ronnie Van Zant (cantante y compositor) Gary Rossington (guitarra), Allen Collins (guitarra), Ed King (guitarra y bajo), Billy Powell (teclados), Bob Burns (batería) y Leon Wilkeson (bajo). Colaboradores: Roosevelt Gook (bajo, melotrón, mandolina y órgano), Robert Nix (batería), Bobbi Hall (percusión) y Steve Katz (armónica).

Otras portadas: Second Helping (1974), Nuthin’ Fancy (1975), Gimme BCK Muy Bullets (1976), One More from the road (1976), Street Survivors (1977), Skynyrd’ s First And…Last (1978), Gold & Platinum (1979), The Best of the Rest (1982) Y Lynyrd Skynyrd 1991 (1991).

“La huerta atómica” (Polydor). Miguel Ríos había dejado de lado sus facetas de roquero y baladista a mediados de los setenta cuando se distribuyó este elepé de título entre ecologista y antinuclear. De acuerdo con el rock progresivo que se encaminaba hacia el final de sus mejores años, Miguel Ríos se adentraba en el sinfonismo tan de moda en el mercado discográfico británico, pero el granadino utilizaba este álbum conceptual, distribuido en 1976, para cargar contra la militarización ejercida por la primera potencia mundial, Estados Unidos, cuando los peligros de una guerra nuclear aún eran evidentes y la presencia de bases aéreas y navales provocaban desconfianza y rechazo entre las personas más concienciadas. Composiciones con abundante presencia de teclados y alguna que otra pieza con apuntes de música clásica iban encadenándose dentro una estructura conceptual “sui generis”, donde se notaba que Miguel Ríos había madurado en sus planteamientos artísticos en los que figuraba la búsqueda de un estilo propio, pero sin dejar de lado su pasión roquera. La carpeta del elepé está firmada por Mauro.

Canciones: “Entre árboles y aviones”, “Una casa en la guerra”, “Buenos días, Superman”, “Yankee Jhonny”, “Bienvenida Catherine”, “La huerta atómica (Un relato de anticipación)”, “Una siesta atómica”, “Instrucciones a la población civil (en caso de alarma nuclear)”, “El consultorio atómico de la Sra. Pum”, “El carnaval de los espectros (Parte I)”, “La burbuja antirreacción”, “La canción del megacristo”, “El carnaval de los espectros (Parte II)”, “Por el hombre futuro” y “El despertar”.

Músicos: Miguel Ríos (voz), Mariano Díaz (órgano Hammond, moog y melotrón), Jose Maria Roger (piano), Tony Ponce (guitarras), Evarist Ballus (bateria y percusión) y Miguel Ángel Rojas (bajo). Colaboraciones especiales: Jeannette y Massiel.

Otras portadas: Mira hacia ti (1969), Despierta (1970), Unidos (1971), Conciertos de rock y amor (1972), Memorias de un ser humano (1974), Al Andalus (1977), Rocanrol bumerang (1980), Rock & Ríos (1982) y El rock de una noche de verano (1983).