“Trilogy” (Atlantic). Tercer disco en estudio de Emerson, Lake & Palmer, grupo británico representativo del rock sinfónico de comienzos de la década de los setenta. El trío, conocido en el ambiente de la música progresiva y más desde su actuación en el Festival de la Isla de Wight, recogía los excesos y bondades de un estilo con excelente aceptación entre un buen número de melómanos. “Trilogy” (1972) demuestra el virtuosismo de los tres músicos ingleses, jóvenes aún pero con una envidiable trayectoria artística. A sus dotes de instrumentistas se añadía una excelente puesta en escena para la época. Bajo el liderazgo del teclista Emerson, cuyo nombre aparece en la mayoría de las composiciones de este disco, excepto “Hoedown”, de Aaron Copland (1900-1990), el grupo interpreta nueve piezas con el rock como base pero con guiños a la música clásica más contemporánea, una línea que mantendría el grupo hasta su disolución a finales de los setenta, aunque habría alguna reagrupación posterior, pero ya sin el éxito de sus primeros años. La carátula del disco fue realizada por el colectivo Hipgnosis.

Canciones: “The Endless Enigma Part One”, “Fugue”, “The Endless Enigma Part Two”, “From the begenning”, “The Sheriff”, “Hoedown”, “Trilogy”, “Living Sin” y “Abaddon’s Bolero”.

Músicos: Keith Emerson (órgano Hammond, piano Steinway, zoukra, moog sintetizador IIIC y mini moog modelo D), Greg Lake (voz, bajo, guitarra eléctrica y guitarra acústica) y Carl Palmer (percusión).

Otras portadas: Emerson, Lake and Palmer (1970), Tarkus (1971), Pictures at an exhibition (1971), Brain Salad Sugery (1973), Wellcome back my friend to the show that never ends (1974) y Love beach (1978).

“New Riders of the Purple Sage” (Columbia). Estreno discográfico en 1971 de New Riders of the Purple Sage con el título del grupo nacido bajo el amparo de Jerry García, alma mater de Grateful Dead y persona siempre muy involucrada con el folk y el country evolucionados. El éxito del country rock entre los jóvenes, en parte a las propuestas de The Byrds, Flyng and Burrito Brothers, Nitty Gritty Dirt Band y otros grupos de finales de los sesenta, contribuyó a la aparición de nuevas bandas de excelentes músicos y compositores sensibles que causaron impacto y a la vez rechazo entre los más puristas de los sonidos campestres norteamericanos. En contraposición a estos últimos, New Riders es un ejemplo de formación de country rock que suena más roquera, dinámica, incluso comercial, pero sin por ello perder la esencia country en sus composiciones, la mayoría del guitarrista John Dawson. Como al principio, el grupo fue una alternativa a Grateful Dead puesta en marcha por Jerry García, éste colaboraría con el banjo y steel guitar, también lo haría su colega de combo Mike Hart en la batería, y Comander Cody al piano. La carátula del disco está firmada por Michael Ferguson y Alton Kelly.

Canciones. “I Don’t Know You”, “Whatcha Gonna Do”, “Portland Woman”, “Henry”, “Dirty Business”, “Glendale Train”, “Garden of Eden”, “All I Ever Wanted”, “Last Lonely Eagle” y “Louisana Lady”.

Músicos: John Dawson (Marmaduke) (guitarra y voz), David Nelson (voz, guitarra acústica y mandolina), Dave Torbert (bajo y guitarra acústica), Spencer Dryden (batería percusión), Micky Hart (batería y percusión) y Commander Cody (piano).

Otras portadas: Powelide (1972), Gypsy Coboy (1972), The Adventures of Panama Red (1973), Home, Home on the road (1974), Brujo (1974), O What a Might Time (1975), New Riders (1976), The Best of the Purple Sage (1976), Who are these guy (1977), Marin County Live (1977) y Vintage NRPS (1986).

“Déjà vu” (Atlantic). Un año después de la grabación de su primer disco, Crosby, Stills and Nash incorporaban a Neil Young como compositor, guitarrista y cantante del supergrupo en aquel tiempo triunfador con sus canciones entre acústicas y eléctricas. Con el canadiense, la banda adquiría un tono más roquero como demostraba en “Deja vu”, el mejor elepé grabado en estudio por esta formación afincada en California. De nuevo, como había pasado con su anterior disco grande, casi todas las canciones son de los mencionados Crosby, Stills, Nash and Young, salvo el himno generacional “Woodstock”, compuesto por la canadiense Joni Mitchell, habitual también, tanto como compositora y cantante como pintora, en los álbumes de los cuatro. Rock, country-rock y algo de psicodelia constituyen los estilos más apreciados en el disco, donde quedaron registradas importantes piezas, como “Carry On”, “Déjà vu”, “Amost Cut My Hair”, “Helpless” o “Country Girl”. Creatividad desbordante y compenetración entre los músicos participantes ayudaron también situar a este disco entre los mejores de comienzos de los setenta. La portada, diseñada por Gary Burden, recoge una fotografía de tono sepia y ambientación "western" del inconfundible Henry Diltz.

Canciones: “Carry On”, “Teach Your Children”, “Almost Cut My Hair”, “Helpless”, “Woodstock”, “Déjà vu”, “Our House Listen”, “8. 4 + 20”, “Country Girl: Whiskey Boot Hill/Down, Down, Down/"Country Girl" (I Think You're Pretty)” y “Everybody I Love You”.

Músicos: David Crosby (guitarra y voz), Grahan Nash (guitarra, teclados y voz), Stephen Stills (guitarra, teclados y voz), Neil Young, armónica, piano, teclados y voz), Dallas Taylor (percussion y batería), Greg Reeves (bajo y percusión), Jerry García (steel guitar y slide guitar) y John Sebastian (armónica).

Otras portadas: Crosby, Stills and Nash (1969), 4 Way Street (1971), So Far (1974), CSN (1977), Daylight Again (1982), Allies (1983) y American Dream (1988).

“El Rayo X” (Ayslum). El californiano David Lindley (1944) es sin duda uno de los más solicitados músicos de la Costa Oeste norteamericano, algo así como el perejil de todas las salsas del pop y rock de los setenta recogidos en una larga lista discos de primeras figuras de dichos estilos. Tras su paso por el grupo psicodélico Kaleidoscope, David se convirtió en dominador de instrumentos de cuerda de todo tipo requerido para grabar con gentes como Jackson Browne, Ry Coder, Warren Zevon, Emmilou Harris, Linda Ronstadt, Crosby, Stills and Nash, America, James Taylor…, hasta que en 1981 decidió grabar su primer disco en solitario con el título “El Rayo X”, nombre también del combo que acompañaba a Lindley. La presentación no pudo ser mejor entre otros motivos porque David no dudó en incluir algunos estándares junto a composiciones propias y de los componentes de su banda. Rock and roll, blues, soul, zydeco, reggae, tex-mex y sonidos caribeños constituyen la base sonora de este excelente elepé que sirvió para que David Lindley se diera a conocer mediante una gira con su grupo en Europa, donde obtuvo una excelente acogida, avalado principalmente por su dominio del directo a pesar de estar considerado como músico de estudio. El diseño de la carpeta del disco es obra de Jimmy Watchel.

Canciones: “She Took off My Romeos”, “Bye Bye Love”, “Mercury Blues”, “Quarter of a Man”, “Ain’t No Way”, “Twist and Shout Medley”, “El Rayo X”, “Your Old Lady Glick”, “Don’t Look Back”, “Petit Fleur”, “Tu-Ber-Cu-Lucas and the Sinus Blues” y “Pay the Man”.

Músicos: David Lindley (bajo, violin, guitarra acústica, guitarra eléctrica, whistle, slide guitar, bandurria y voz), Ras Baboo (percusión y voz), Bob Glaub (bajo), Reggie McBride (bajo), William D “Smitty” (órgano y teclados), Curt Bouterse (dulcimer), Jorge Calderon (voz), Jackson Browne (voz), Garth Hudson (viento y teclados), Bill Payne (órgano) e Ian Wallace (batería).

Otras portadas: Win This Record (1982), El Rayo live (1983) y Very Geasy (1988).

“Kerouac’s last dream” (Guimbarda). El neoyorquino Ramblin’Jack Elliot (1931) ha sobrevivido a diferentes generaciones desde el final de la II Guerra Mundial gracias a su personalidad inquieta y viajera que le ha llevado a codearse con diferentes personajes. Desde sus comienzos como vaquero músico, por medio queda su amistad con los representantes de la beat generation y el reconocimiento de folkies y roqueros, Jack Elliot mantiene intacta la imagen de cantautor comprometido con el ser humano. Para expresarse a sun anchas y comunicar experiencias, sólo necesita una guitarra y canciones propias y ajenas, de amigos o del repertorio popular norteamericano. Los días 24 y 25 de abril de 1980, el cantante y compositor Brooklyn entraba en el Tonsrtudio de St. Blasien de Northeim en la entonces Alemania Occidental para recordar a su amigo y tocayo Jack Kerouac y a toda una generación de inconformistas cuyo legado se mantiene a pesar del paso del tiempo. Este último sueño de Kerouac incluye conocidas piezas de viejos maestros como Woody Guthrie y Roy Acuff, incluso recupera una canción del malogrado Tim Hardin. El diseño de la carátula pertenece a Hartmunt Rosen y Jerken Diederich, que utilizan para la misma una fotografía del primero.

Canciones: “Buffalo Skinners”, “Pretty Boy Floyd”, “Cup of coffeee”, “Roving gambler”, “Blue eyes cryin’in the rain”, “The cuckoo”, “Talkin’Fishin”, “1913 Massacre”, “Carpenter” y “912 Greens”.

Músicos: Ramblin’ Jack Elliot (voz y guitarra).

Otras portadas: The Rambling Boys (1957), Jack takes the floor (1958), Ramblin’ Jack Elliot (1961), Jack Elliot at the Second Fret (1962), Muleskinner (1964), Jack Elliot (1964), Young Brigham (1967) y Hard Travelin (1989).

“The Legacy of the blues vol.3” (Discophon). El pianista Champion Jack Dupree (1910-1992), después de una larga carrera musical en Estados Unidos con comienzo en New Orleans y continuidad en Chicago y New York, decidió a finales de la década de los cincuenta instalarse en Europa donde se quedó hasta su muerte. Su aceptación por los aficionados al blues del Viejo Continente sirvió para que Jack Dupree reorientase su carrera musical, acorde con un estilo singular dentro del blues más genuino de instrumentista trashumante, cuyo repertorio se nutría de composiciones propias y de otras aprendidas en su largo peregrinaje por los escenarios de diferentes ciudades estadounidenses desde finales de los años 20. Ya instalado en Europa, Champion continuó actuando y grabando discos como éste de 1972. Las diez canciones incluidas se registraron en los Estudios Morgan de Londres, bajo la producción de Sam Charters y la colaboración de músicos representativos del blues rock británico. El pianista de New Orleans ofrece un repertorio que va desde el crítico “Vietnam Blues” al desenfadado “Drunk again”, pero también hay tiempo para el dramatismo en “Down and out”. La fotografía de la carpeta es de Mike Audsley y el diseño de Meter Viking.

Canciones: “Vietnam Blues”, “Drunk again”, “Found my baby gone”, “Anything you want”, “Will it be”, “You’ re the one”, “Down and out”, “ Roamin’ Special”, “The life I lead” y “Jit-A-Bug Jump”.

Músicos: Champion Jack Dupree ( piano y voz), Huey Flint (batería), Benny Gallagher (bajo), Peter Curtley (guitarra) y Paul Rowan, armónica.

Otras portadas: Champion Jack's Natural & Soulful Blues (1961), Trouble, Trouble (1962), The Women Blues of Champion Jack Dupree (1961), Cabbage Greens (1963), From New Orleans To Chicago (1966), Whe You Feel The Feeling You Was Feeling (1968), Scooby Dooby Doo (1969), The Heart Of The Blues Is Sound (1969), Incredible (1970), The Hamburg Session (1974), Blues For Everybody (1976), Boogie Woogie, Booze And Wild Wild Women (1977) e I Had That Dream (1982).

“Quico Maria del Mar” (Ariola). Representantes de la Nova Canço Catalana, aquella de la década de los sesenta, Maria del Mar Bonet y Francesc “Quico” Pi de la Serra evolucionaron con el tiempo hacia repertorios eclécticos pero siempre con el idioma natal como bandera. En 1979, el barcelonés y la mallorquina se unieron para grabar un disco de larga duración en el que se ponía de manifiesto lo dicho anteriormente. Canciones compuestas por Pi de la Serra, inconfundibles en cuanto a su lirismo sincero, otras que interpretaron artistas foráneos como Billie Holiday y Stevie Wonder, entre otros, así como la inolvidable “Es fa llarg esperar”, de Pau Riba, completan este álbum que tuvo continuidad en un espectáculo desarrollado durante los días comprendidos entre el 7 y el 17 de junio de 1979 en el Teatre Romea de Barcelona. Acertada unión que también propició la puesta en escena de una excelente banda de músicos, entre los que figuraban reputados instrumentistas del ambiente musical de Cataluña. Tras esta experiencia, Pi de la Serra y Maria del Mar Bonet continuaron en solitario sus sólidas carreras artísticas. El diseño de la carátula es obra de América Sánchez, que utilizó una fotografía de Maria del Mar y Quico realizada por Toni Catany.

Canciones: “Jim”, “Cançó de l’atzar”,“La marxa del president, “Petita festa”, “Cada dia tinc manies”, “L’amor tot s’ho val”, “Repoblació forestal”, “Oració”,“Nocturna”, “Es fa llarg esperar”.

Músicos: Pi de la Serra (voz y guitarras, Maria del Mar Bonet (voz), Manuel Camp (teclados), Gabriel Rosales (guitarras), Albert Moraleda (bajo eléctrico y contrabajo), Pipo Tuduri (percusión), Santi Arisa (batería) y Aurelio Vila (viola, violín y saxo tenor).

Otras portadas: De Maria del Mar Bonet; Maria del Mar Bonet (1974), Cançons de festa (1976), Saba de terrer (1979), Jardi Tancat (1981), Cançons de la nostra Mediterrànea (1981) y Brevari d’ amor (1982). De Pi de la Serra; Francesc Pi de la Serra (1967), Disc-conforme (1971), Triat i gabellat (1971), Palau dels Sports (1976), Pijama de saliva (1982) y Quico, rendeix-te (1987).

“Forever Changes” (Elektra). Este disco de la mítica banda Love constituye una de las apreciadas grabaciones de la cosecha de 1967, en especial del ámbito del rock. Desde Los Ángeles, Arthur Lee (1945-2006) y su grupo se consolidaron para la posteridad con uno de los álbumes más apreciados de todos los tiempos, aunque en él se resumen los diferentes estilos que Love practicó durante su corta pero interesante vida artística. Psicodelia, guitarras hendrixianas, folk-rock, rock de garaje, baladas sublimes, acertada combinación de orquesta con guitarras acústicas y pasajes con trompetas mexicanas omnipresentes, contribuyeron a realzar la música que en la segunda mitad de los sesenta se practicaba en California. Love, sin la transcendencia de, por ejemplo, Beachs Boys, The Byrds, The Doors, Moby Grape, Frank Zappa and The Mothers of Invention, Jefferson Airplane o Greateful Dead, dejaron un legado inolvidable en canciones como “Alone Again”, “A House Is Not Motel”, “Andmoreagain” y en las siete posteriores. Todas contienen atractivos suficientes como para encandilar a diferentes generaciones que ven en este disco la prueba de inspiración de un grupo de jóvenes que utilizaban la música para dar salida a sus esperanzas y frustraciones. En 2003, Arthur Lee realizó un gira por Europa que sirvió para la grabación de “Forever Chages: Live”. La portada del disco es obra de Bob Pepper.

Canciones: “Alone Again Or”, “A House Is Not a Motel”, “Andmoreagain”, “The Daily Planet”, “Old Man”, “The Red Telephone”, “Maybe the People Would Be the Times or...”, “Live and Let Live”, “The Good Humor Man He Sees Everything Like”, “Bummer in the Summer” y “You Set the Scene”.

Músicos: Arthur Lee (guitarras y voz), John Echls (guitarra), Bryan MaClean (guitarra y voz), Ken Forssi (bajo) y Michael Stuart (batería y percusión).

Otras portadas: Love (1966), Da Capo (1967), Tour Sail (1969), Out Here (1969), False Start (1970), Reel to Real (1974) y Love Live (1982).

“Chocolate Kings” (Manticore). Fogueados en los movidos ambientes del pop y rock de Italia de los años sesenta, los miembros del grupo Premiata Forneria Marconi se encontraban bajo el manto protector de la superbanda Emerson, Lake and Palmer, en el momento de grabar en Milán este disco durante los meses de junio y julio de 1975. Representantes del rock progresivo de aquella década, PFM mostraba un estilo próximo a sus mecenas y también a otras formaciones de rock sinfónico: King Crimson, Yes y Genesis, incluso en Chocolate Kings todas las composiciones fueron cantadas en inglés. Tanta influencia no impidió que el grupo italiano reorientara el influyente rock progresivo hacia sus cualidades innatas a la hora de tocar, componer y cantar. Teclados, guitarras, sección rítmica y violín alcanzan en piezas largas, Paper Charms, una singular expresividad a la que no fueron ajenos públicos de distintos continentes, en los que PFM realizaba actuaciones en directo. La carpeta del disco fue diseñada por Bob Nisbert, Anthony Telson & Associates. El dibujo lo realizó el artista David Draper.

Canciones: “From Under”, “Arlequín”, “Chocolate Kinas”, Out Of The Roundbabout” y “Paper Charms”.

Músicos: Franz Di Cioccio (batería, percusión y voz), Patrick Djivas (ripper bas), Franco Mussida (guitarra y voz), Mauro Pagani (woodwinds y violín), Flavio Premoli (teclados y voz) y Bernando Lanzetti (cantante).

Otras portadas: Storia di un minuto (1972), Per un amico (1972), Photos and ghosts (1973), L’ Isola di niente (1974), Cook (1974), Jef Lag (1977), Passpartù (1978), Suonare suonare (1980), Come ti va in riva alla città (1982), PFM? PFM! (1984) y Miss Baker (1987).

“La canción de Juan Perro” (Ariola). Radio Futura decidió a finales de de 1986 dirigirse a New York para grabar el que sería uno de sus mejores discos de estudio, y en el que sobresale la efectiva sección de viento presente en la mayoría de las canciones. La banda, con sede en Madrid y liderada por los hermanos Auserón, destacaba sobre la generalidad de grupos surgidos en torno a la denominada movida de comienzos de los años ochenta. Un disco anterior, que rompía con su imagen de diseño, y actuaciones en directo en las que demostraban cada vez más profesionalidad, dio paso a una grabación con excelentes piezas que entraban en diferentes ámbitos musicales: rock, soul, funk, reggae y rock latino, estilo esta último del que fueron pioneros en España. Todas las canciones fueron compuestas por Santiago Auserón, menos “Annabel Lee”, poema del escritor norteamericano Edgar Alan Poe. “La canción de Juan Perro” constituyó un importante avance en la línea musical de Radio Futura, que contó en este álbum con algunas canciones de éxito, “37 grados”, “A cara o cruz”, “La negra flor”, “Luna de agosto”, “El canto del gallo” o la referida “Annabel Lee”, que salió en formato sencillo (single). La portada del disco, titulada “El canto del gallo”, es de Juan Navarro Baldeweg.

Canciones: “37 grados”, “En un baile de perros”, “El hombre de papel”, “A cara o cruz”, “Lluvia del porvenir”, “La negra flor”, “Annabel Lee”, “Luna de agosto”, “La mala hora”, “El canto del gallo” y “Paseo con la negra flor”.

Músicos: Santiago Auserón (voz y guitarra española), Luis Auserón (bajo), Enrique Sierra (guitarra eléctrica), Pedro Navarrete (teclados) y Carlos Torrero (batería y perscusión electrónica). Colaboradores: Metales, The Uptopw Horns: Crispin Cloe (saxo alto y barítono), Arno Hecht (saxo tenor), Hollywood Paul Literal (trompeta) y Bob Funk (trombón). Daniel Ponce (percusión), Jo Dworniak (segunda guitarra) y Javier Monforte (guitarra).

Otras portadas: Música moderna (1980), La ley del desierto (1984), De un país en llamas (1985), Escuela de calor (1989), Veneno en la piel (1990) y Tierra para bailar (1991).

“Uh Huh” (Riva). Noveno disco de John Cougar Mellencamp que en 1983, año de grabación de este elepé, estaba en la lista de los roqueros más famosos de Estados Unidos. Tras unos comienzos titubeantes, a la sombra de Bruce Springteen, Bob Seeger y otras voces privilegiadas, por fin se convirtió en referencia representativa de lo que con el tiempo se ha llamado rock con raíces. Duro a veces, otras campestre y de vez en cuando lírico, John Cougar ofrecía canciones brillantes en cuanto a lo músical, básico en la instrumentación (guitarras y sección de ritmo), aunque a veces sonara a The Rolling Stones “Crumblin’ Down Green” o al boss “Pink Houses”, pero sin caer en la imitación, más bien estas aproximaciones están basadas en el admiración a sus maestros. Pero John se muestra seguro y autónomo en otras piezas “Authority Song”, “Play Guitar”, “Lovin’ Mother For Ya” o la más melancólica “Jackie O”. “Un Huh” no pasó desapercibido en su tiempo, incluso contó con un importante apoyo mediático con clip audiovisual de promoción, cuando este soporte era el gran aliado de la música grabada. El diseño de la carpeta del disco correspondió Mo Strom for Bob Heimall, Inc. Y la ilustración fue obra de Michael Sell, mientras que la dirección artística corrió a cargo de Bill Levy.

Canciones: “Crumblin’ Down Green”, “Pink Houses”, “Authority Song”, “Warmer Place to Sleep Green”, “Jackie O”, “Play Guitar”, “Serious Business”, “Lovin’ Mother Fo Ya” y “Golden Gates”.

Músicos: John Cougar Mellencamp (voz), Kenny Aronoff (batería y percusión), Larry Crane (guitarra), Toby Myers (bajo), Mike Wanchic (guitarra), John Cougar, Jay Ferguson (voz), Carroll Sue Hill (voz), Louis Johnson (bajo) y Willie Weeks (bajo).

Otras portadas: Nothin’ Matters And Whit If It Did (1980), American Fool (1982), Scarecrow (1985), The Lonesome Jubille (1987) y Big Daddy (1989).

“Another Passenger” (Elektra). Sexto álbum de la neoyorquina Carly Simon, quien en el año de su grabación (1976) formaba parte de la elite del rock afincada en California, como su marido James Taylor. “Another Passenger” cuenta con una larga lista de músicos de sesión asentados en la Costa Oeste de Estados Unidos y miembros de grupos en alza en aquella época: The Doobie Brothers, Little Feat y Eagles. El resultado fue un disco correcto en todos los sentidos, pero alejado ya de la línea más intimista de las primeras grabaciones de Carly que ya se encaminaba hacia una línea más suave y comercial, pop por darle un nombre definitorio, pero sin perder la esencia de talento para componer excelentes canciones como “Half A Chance”, “In Times When My Head” y “Libby”, que se alternan con alguna más orientadas hacia el rock practicado por los ilustres colaboradores y el ritmo latino de “He Likes To Roll”. La carpeta del larga duración sigue la misma línea que el trabajo musical, pues tres personas aparecen como protagonista de su puesta a punto Anne Garner (diseño), Glen Christensen (dirección artística) y Mary Ellen Mark (fotografía).

Canciones: “Half A Chance”, “It Keeps You Runnin”, “Fairweather Father”, “Cow Town”, “He Likes To Roll”, “In Times When My Head”, “One Love Stand”, “Riverboat Gambler”, “Darkness Til Dawn”, Dishonest Modesty”, “Libby” y “Be With Me”.

Músicos: Carly Simon (guitarra acústica, teclados y voz), James Taylor (guitarra, arreglos y voz), Dr. John (guitarra y teclados), Laurindo Almeida (guitarra), Paul Barrére (guitarra), Jeff Baxter (guitarra eléctrica, steel guitar y slide guitar), Steve Bruten (guitarra eléctrica) Turner Stephen Bruton (guitarra eléctrica), Frank Carillo (guitarra), Glenn Frey (guitarra), Lowell George (guitarra), Andrew Gold Guitar (batería y guitarra eléctrica), Patrick Simmons (bajo y guitarra), Klaus Voormann (guitarra, bajo acústico y bajo eléctrico), David Campbell (viola), Nick DeCaro (acordeón), Jackson Browne (voz), The Doobie Brothers (voces y coros), Victor Feldman (percusión y marimba), Bob Glaub (bajo), Kenny Gradney (bajo y guitarra), Robert Greenidge (batería), John Hartman (batería y percusión), Richard Hayward (batería y voz), Milt Holland (percusión y conga), Dr. Rick Jaeger (batería y voz), Kirby Johnson (voz y arreglos), Tom Johnston (guitarra), Mark T. Jordan (piano), Jim Keltner (batería), Keith Knudsen (batería), Leah Kunkel (voz), Ellen Kearny (voz), Andrew Love (saxofón), Novi Novag (viola), Bill Paine (teclados), Van Dyke Parks (piano, acordeón, marimba y arreglos), Michael McDonald (piano y voz), Tiran Porter (bajo), Linda Ronstadt (voz), Bud Shank (violín y flauta), Lucy Simon (voz), Fred Tackett (mandolina, cello y mandocello), Alex Taylor (voz) y Libby Titus (voz)

Otras portadas: Carly Simon (1971), Anticipation (1971), No Secrets (1972), Hot Cakes (1974), Playin Possum (1975), Boys In The Trees (1978), Come Upstair (1980), Torch (1981) y Geatest Hits Live (1988).

“Jo, la donya i el gripau” (Edigsa). Descendiente de uno de los mejores poetas de lengua catalana del siglo XX, Pau Riba utiliza la música como forma de expresión, aunque no desdeñe otros medios de comunicación. Tras la inevitable etapa de gregarismo estético y ético en el denominado Grup de Folk, el joven Pau en seguida se convirtió en uno de los cantantes más innovadores de Cataluña por sus propuestas transgresoras, heterodoxas, contraculturales y rebeldes. Sin renunciar al idioma catalán como vehículo de transmisión de sus composiciones, Pau en el fondo iba más allá del nacionalismo de otros artistas de su generación. Sus canciones emparentaban más con el folk y el rock anglosajones. En octubre de 1971 grababa al aire libre en su casa de la isla de Formentera, entonces refugio de bohemios y jipis, “Jo, la donya i el gripau, un disco dedicado al nacimiento del primer hijo del cantante, quien demuestra su receptividad hacia ritmos propios (canción popular catalana) y el folk anglosajón (Incredible String Band, el primer Dylan…). También se aprecia el interés en ampliar la búsqueda de nuevas sonoridades mediante la utilización de instrumentos en aquellos tiempos exóticos (kalimba, guitarra afgana, guimbarda y ocarina). Las 13 piezas del elepé también están aderezadas con los sonidos naturales captados por la grabadora en el entorno donde se llevó a cabo la actuación. En la portada del disco intervino también Pau como diseñador y dibujante.

Canciones: “La lluna, la pruna”, “Mesquinet”, “La maramua”, “Mel”, “Mama nen”, “L’avioloncel”, “Donya mixeres”, “Jo, la donya i el gripau”, “La vella del fons del pou”, “Ora Catalina”, “La dansa de la terra”, “llagrimes i petons” y “La lluna, la pruna”.

Músicos: Pau Riba (guitarra, ocarina, guimbarda y ukelele), Jordi Soler (guitarra, violoncello y kalimba), Marti Soler (guitarra, guitarra afgana y kalimba), Mario Pacheco (bongos y maracas) y Xavier Riba (violin).

Otras portadas: Dioptria I (1970), Dioptria II (1971), Electroàcid alquimístic xoc (1975), Licors (1977), Amarga crisis (1981) Trangnarcís (1986).

“Rock And Roll Outlaws” (Bearsville Records). Formado tras la salida del grupo The Savoy Brown, el cuarteto británico Foghat presentaba su cuarto elepé en Estados Unidos, lugar donde el grupo se asentó y conectó muy bien con un público seguidor del blues rock escorado hacia el “hard” y también en menor medida el “boggie”. Riffs de guitarra reconocibles, machacona sección rítmica e inconfundible voz cantante, eran las principales bazas de Foghat. En el año de distribución de “Rock And Roll Outlaws” (1974) se encontraba en sus mejor momento, aunque grabaría discos de más calidad que éste, del cual se escuchan con interés y lo salvan de caer en la mediocridad: “Eight Days On the Road”, “Hate To See You Go” y “Chatteau Laffite ‘ 59 Boogie”. Estas en la parte dura, porque también hay espacio para los tiempos lentos como la acústica “Trouble In My Way” y la indefinible “Dreamer”. La carátula del disco fue diseñada por Richard Mantel, quien utilizó una fotografía de Meter Riches, en la cual se capta la parafernalia típica del grupo de rock setentero en la cresta de la ola, agraciado por la fama, merecida en su caso.

Canciones: “Eight Days On The Road”, “Hate To See You Go”, “Dreamer”, “Trouble In My Way”, “Rock And Roll Outlaw”, “Shirley Jean”, “Blue Spruce Woman” y “Chateau Lafitte '59 Boogie”.

Músicos: Roger Earl (batería), Rod Price (guitarra y voz), Tony Stevens (bajo) y Lonesome Dave (voz y guitarra).

Otras portadas: Foghat (1972), Foghat (Rock and Roll) (1973), Energized (1974), Fool the City (1975), Night Shuft (1976), Live (1977), Boogie Motel (1979), Tight Shoes (1980) e In the Mood for Something Rude (1982)

“Back To The Roots” (Polydor). La etapa californiana del bluesman británico John Mayall incluye la grabación de este disco doble editado en el año 1971. En su línea habitual de compositor y músico inquieto, recurrió a varios instrumentistas de fama a comienzos de los setenta, tanto británicos como estadounidenses, entre ellos algunos miembros de la banda Canned Heat, el encumbrado Eric Clapton, el rolling stone Mick Taylor y el violinista Sugarcane Harris, algunos antiguos colaboradores en grupos diferentes liderados por Mayall. La unión de estos músicos dio como resultado dos elepés en los que Mayall se vuelve más heterodoxo, pero sin renunciar a sus raíces asentadas en terreno del blues negroamericano tanto acústico como eléctrico. El músico inglés vuelve a exponer sus dotes a la hora de componer y tocar diferentes instrumentos, así como en convertirse en un excelente guía a la hora de aunar personalidades diferentes en torno al arte que Mayall expresaba en aquellos tiempos. 

Sin ser una obra maestra, esta vuelta a las raíces de John demuestra un excelente nivel musical y ofrece su constante experimentación con el blues, pero sin desechar otros estilos: jazz y rock. Sin duda la tarea de receptor de notables acompañantes queda ensalzada con creces en "Back To The Roots", como atestiguan algunas piezas, entre otras, "Prisons Of The Road", "Home Again", "Accidental Suicide", "Television Eye", "Looking At Tomorrow", "Full Speed Ahead" "Mr. Censor Man" o "Force Of Nature". La carpeta del disco fue diseñada por el propio Mayall con la inclusión de fotografías de Nancy Thockmorton, Gered Mankowitz, Dominique Tarle y Barry Wendell.

Canciones: “Prisons Of The Road”, “My Children”, “Accidental Suicide”, “Groupie Girl”, “Blue Fox”, “Home Again”, “Television Eye”, “Marriage Madness”, “Looking At Tomorrow”, “Dream With Me”, “Full Speed Ahead”, “Mr. Censor Man”, “Force Of Nature”, “Boogie Albert”, “Goodbye December”, “Unanswered Questions” y “Devil’s Tricks”.

Músicos: John Mayall (voz, armónica, guitarra y teclados), Johnny Almond (saxo tenor y flauta baja) Eric Clapton (guitarra), Don “Sugarcane” Harris (violín), Keef Hartley (batería), Paul Lagos (batería), Harvey Mandel (guitarra), Jerry McGee (guitarra), Larry Taylor (bajo), Mick Taylor (guitarra) y Steve Thompson (bajo).

Otras portadas: John Mayall Plays John Mayall (1965), Bluesbreakers With Eric Clapton (1966), A Hard Road (1967), The Blues Alone (1967), Blues From Laurel Canyon (1968), The Turning Point (1969), Thru The years (1971), Jazz-Blus Fusion (1972), Moving On (1973), The Latest Edition (1974) y The Last Of the British Blues (1978).

“My Heart Bleeding” (L+R Records). Eddie Taylor (1923-1985) está considerado uno de los guitarristas más representativos del blues eléctrico de Chicago de finales de los años 40 y de la sigu iente década. Influenciado por los grandes de los 30, Charlie Patton, Menphis Minnie, Son House y Big Boy Crudup, Eddie se convirtió con el paso del tiempo en el acompañante preferido de músicos más modernos que los anteriores como Elmore James, Jimmy Reed y John Lee Hooker, entre otros, pero Taylor no fue un segundón del blues pues influyó en alguno de los antes citados. Su personalidad queda más que demostrada en este elepé grabado a comienzos del año 1980 en Chicago. Todas las composiciones pertenecen al guitarrista, cuyo domino del instrumento y la calidez de sus interpretaciones ponen de manifiesto que Eddie Taylor queda para siempre como uno de los puntales del blues eléctrico. La canción que da título al disco, “Going to Virginia” o “Soul brother contienen la esencia estilística del guitarrista, quien sabía adaptarse a los tiempos lentos y rápidos sin problemas como los viejos bluesmen siempre cargados de un repertorio de canciones directas que exploraban se adentraban en diferentes espacios rítmicos. “Tomo de aquí y de allí, lo mezclo un poco y lo aderezo con otro poco de mi propia cosecha. Quien diga que tiene un estilo propio no es más que un mentiroso”, decía el propio Taylor de su música. El diseño de la portada del disco es de Günter Kieser.

Canciones: “My heart is bleending”, Going to Virginia’’, “So bad’’, “Lexington breakdown’’, “Blow wind blow’’, “Wreck on 83 highway’’, “Soul brother’’, “There’ ll be a day’’ y “Lawndale blues’’

Músicos: Eddie Taylor (guitarra y voz), Steve Beal (guitarra), George Kitta (bajo), Odie Payne (batería), Carey Bell (armónica) y Sunnyland Slim (piano).

Otras portadas: I Feel So Bad (1972), Bad boy a Long way from Chicago (1978), Big Town Playboy (1981) y Still not Ready for Eddie (1987).

“I Haven’t Got Anything Better To Do” (Verve). La brasileña Astrud Gilberto (1940) consiguió ser la mejor promotora de la bossa nova en Estados Unidos gracias a su colaboración, junto a su marido Joao Gilberto, en un disco con el saxofonista Stan Getz, muy interesado, como otros músicos de jazz, en la nueva música popular que con fuerza surgía en Brasil. Tras el inicial éxito como embajadora de la bossa nova, Astrud Gilberto grababa en New York un disco con diez canciones que se adaptaban perfectamente a su limitada voz. Historias intimistas con mucha cuerda y metal, compuestas por algunos de los principales representantes del pop comercial pero efectivo, como el experto en la materia Burt Bucharach o el más joven entonces Harry Nilson. Un disco hecho a la medida de la cantante de Salvador de Bahia, quien reconicía que el elepé grabado en 1969 contenía todas las canciones que siempre quiso interpretar. Melancolía a raudales y melodías suaves casi susurradas en algunos casos. La cara de Astrud Gilberto aparece en la carátula del disco fotografiada por Joel Brodsky.

Canciones: I haven’t got anything better to do”, “Didn’t we?”, “Wailling of the willow”, “Where’ s tho love?”, “The sea is my soul (I remember when)”, “Trains and boats and planes”, “World stop turning”, “Wihtout him”, “We small hours” e “If (To biggest little word”.

Músicos: Art Kaplan (saxofón), Sam Brow y Albert Gorgona (guitarras), Richard Davis (bajo), George Duvivier (bajo), Stan Free, Frank Owens y Paul Griffin (teclados), Gary Chester (batería), David Carey, George Devens, Aiuto Morgia y Joe Venuto (percussion), Wayne André, Mike Gravine, Alan Rath y Tony Studd (trombones), Burt Collins, John Glasel e Irven Markowitz (trompetas), Ben Blumenreich, Lewis Eley, Joe Haber, Lew Haber, Harry Lookofsky, Mathew Raimondi, Tosha Samaroff, Irving Spiece y Louis Stone (violins), Seymour Berman y David Saxon (saxo alto), Maurice Bialkin y Seymour Barab (cello) y Eugene Bianco (arpa).

Otras portadas: The Astrud Gilberto Album (1964), The shadow of your smile (1965), Beach Samb (1966), Windy (1968) y Astrud Gilberto Now (1972).

Don’t Mess With My Ducktail (Discophon). Sven Ake Hogberg, un sueco nacido en 1944, decidió adoptar el nombre artístico de Hank C. Burnette para tocar su música preferida de raíces estadounidenses: rock and roll y rockabilly, estilos que aparecen en este disco grabado en el año 1976. El guitarrista, cantante y compositor nórdico, implicado desde su adolescencia con la música popular de los años 50, recurre en este elepé a la utilización de un repertorio de los clásicos del género como demuestra con las versiones de, entre otros hitos, “Riders In The Sky”, Blue Moon” y Peggy Sue”. Sin embargo, Hank C. Burnette también compone algunas piezas para los aficionados al rock and roll más puro, unas veces cantado, otras instrumental, temas que no dejan indiferente por la entrega que demuestra el guitarrista, un defensor a ultranza de sonidos preferidos por la juventud de la segunda mitad del siglo XX, que periódicamente tienen sus momentos de auge, como ocurrió a finales de los setenta y comienzos de los ochenta en Europa. La portada ofrece una obra gráfica firmada por Wagner para deleite de los roqueros fetichistas.

Canciones: “Spinnin’ Rock Boogie”, “Your Driving Licence Please”, “Riders In The Sky”, “Blue Moon”, “Hank’s 97”, “Come On Little Mama”, “Don’t Mess With My Ducktail”, “Fools Like Me”, “Gold In The Morning Sun”, “Rocking Daddy”, “Peggy Sue” y “Rock-Ola Jive”.

Músicos: Hank C. Burnette (guitarra y voz). Los restantes músicos no figuran en los créditos del disco.

Más portadas: Multisided (1973), The Hank C. Burnette Sound (1973), Spinnin’ Rock Boogie (1974), Rockabilly Gasseroonie (1977), Hot Linksd and Francy Tricks (1979), Nº 1 Rockabilly (1980), Bot Thill I Drop (1987) y Rock-Ola Ruby (1989).

“Flamenco Vivo” (Philips). José Monje Cruz, Camarón de la Isla, (1950-1992) presentaba en el año 1987 su primer disco en directo, donde se notaba el fervor del heterogéneo público entregado y ruidoso tan habitual en sus actuaciones. Seis canciones recogidas en lugares sin determinar en los créditos del disco constituyen el repertorio de este documento en el que destacan palos como las bulerías, fandangos y bulerías, cantes en este caso todos compuestos por Camarón con la colaboración de otros letristas como Ricardo Pachón, J. Carmona y J. López Romero. Sin grandes alardes en la grabación, la voz de Camarón suena directa y con su rajo característico, motivos suficientes para agradecer este primer elepé oficial en vivo del cantaor gitano. El acompañamiento musical corre a cargo del entonces joven guitarrista almeriense Tomatito, quien sería compañero del cantaor en otras grabaciones y giras por diferentes lugares de España y el extranjero, cuando el de la Isla se ha había convertido en un mito que era alabado por diferentes generaciones, un fenómeno que no pararía hasta la prematura muerte del artista. La portada y contraportada corresponde a un diseño de Javier Fernández de Molina.

Canciones: Un tiro al aire, Pasando el puente, Chiquito de Camas, La vara de los chalanes, Castillo de Alcalá y La cava de los gitanos.

Músicos: Camarón de la Isla (cante) y Tomatito (guitarra española).

Otras portadas: El Camarón con la colaboración de Paco de Lucía (1969), Cada vez que nos miramos (1970), Son tus ojos dos estrellas (1971), Canastera (1972), Soy caminante (1974), Castillo de arena (1977) La leyenda del tiempo (1979), Como el agua (1981) y Viviré (1984).

If I Could Only Remember My Name...” (Atlantic). Elepé de presentación en solitario del californiano David Crosby (1941) que se puso a la venta en el año 1971 cuando este guitarrista, compositor y cantante ya había conocido el éxito con bandas indispensables de la Costa Oeste de Estados Unidos: The Byrds y Crosby, Stills, Nash & Young. La grabación del disco reunió a varios amigos de los grupos Jefferson Airplane, Greateful Dead y Santana, además de otros colegas de ambos sexos. Sin lugar a dudas, If I Could Only Remember My Name… es uno de los mejores álbumes norteamericanos de la primera parte de la década de los setenta. Un David Crosby inspirado aportó todo su lirismo en aquel momento de transición de la música pop, cuando el idealismo del flower power dio paso a la cruda realidad de una sociedad en crisis, entre otros motivos por estar implicada en una guerra colonial. Aunque hay pasajes alegres, la acústica Music is love o la evanescente Orleans, en el disco se nota también cierta acidez tanto musical como literaria, caso de  la pieza Cowboy Movie donde destaca el diálogo entre las guitarras de Jerry García y Neil Young. Rock, folk, jazz y algo de psicodelia constituyen las referencias musicales de este disco de larga duración. La carpeta del mismo tiene en la portada una fotografía de Robert Hammer recogida de una película de 16 milímetros.

Canciones: Music Is Love, Cowboy Movie, Tamalpais High (At About 3), Laughing, What Are Their Names, “Traction in the Rain, Song With No Words (Tree With No Leaves), Orleans y I’d Swear There Was Somebody Here.

Músicos: David Crosby (guitarra y voz), Graham Nash (guitarra, piano y voz), Neil Young (guitarra, bajo, congas y vibráfono), Paul Katner (guitarra), Jorma Kaukonen (guitarra), Jack Casady (bajo), Grace Slick (voz), David Freiberg (voz), Jerry García (guitarra y pedal steel guitar), Phil Lesh (bajo y voz), Bill Kreutzmann (batería y percusión), Laura Allen (voz y autoharp), Joni Mitchell (voz), Greg Rolie (piano) y Michael Shrieve (batería).

Otras portadas: Oh Yes I Can (1989) y Thousand Roads (1993).