Teacher Don’t Teach Me Nonsense (Barclay). Creador del afrobeat, el nigeriano Fela Anikulapo Kuti (1938-1997) ofrece la imagen del músico fecundo que en vida creó leyenda, pero que también registró más de 70 discos desde sus comienzos artísticos en 1958. En su madurez con un reconocimiento público envidiable, en el año 1986 grababa con su grupo Egyp 80 este disco doble de dos títulos que cubren las cuatro caras. En Teacher Don’t  Me Nonsense y Look An Laugh se pueden escuchar en versiones instrumentales y cantadas, bajo un soniquete repetitivo que cuando entran las voces es aprovechado por Fela para lanzar sus diatribas, pero Kuti se encarga de no descuidar el ritmo. Más funk que jazz, y bastante highlife, acompañado de coros en las partes cantadas, Fela despliega el poderío y versatilidad que le caracterizaron en vida para meterse al público en el bolsillo y no pasar inadvertido. La portada del disco incluye una fotografía hecha por Bernard Matussiere a Kuti con su saxofón

Canciones: Teacher Don’t Me Nonsense (Instrumental). Teacher Don’t Me Nonsense (vocal). Look An Laugh (instrumental). Look An Laugh (vocal).

Músicos: Fela Anikulapo Kuti (saxo tenor, guitarra, teclados y voz), Yinusa Akinibosun (saxo tenor), Oyinade Adeniran (saxo tenor), Lekan Animashaun (saxo barítono), Rilwan Fagbemi (saxo barítono), Kola Oni (saxo alto), Akomeah Dodo (trompeta), Stephen Nkem (trompeta), Oye Shobowale (trompeta), Bola Taiwo (trompeta), Stephen Ukem (trompeta), Keji Hamilton (piano), Clifford Itoje (guitarra rítmica), Itam Mann (guitarra rítmica), Sojo Odukogbe (guitar tenor), Femi Oladegunwa (bajo), Ijagun Benjy Ola (batería), Atiba Tiamiyu (batería), Michael Obeatta (conga), Ajayi Adebiyi (conga), George Kassim (shekere), Lampety Addo (shekere), Fehintola A. Kuti (coros), Folake A. Kuti (coros), Keuwe A. Kuti (coros), Idolo Umokoro (coros) y Kemi Williams (coros).

Otras portadas: Fela Ransome Kuti And His Koola Lobitos (1965), Recorded Live At The Afro Spot (1966), Fela Fela Fela (1969), Open Close (1971), Before I Jump Like Monkey Give Me Banana (1975), Expresive Shit (1975), Ikoyi Blidness (1976), Na Poi (1976), Yellow Fever (1976), JJD (1977), Zombie (1977), Shuffering And Shmiling (1978), Black President (1981), Army Arrangement (1984), Beast Of No Nation (1989) y ODDO (1990).

Chicago Fire (Compañía Fonográfica Española). Disco doble de uno de los bluesmen más carismáticos de la escuela de Chicago, Son Seals (1942-2004), en el que se recogen Live And Burning (1978 y en directo) y Chicago Fire (1980), y puesto a la venta en el año 1982. Nacido en Arkansas, Frank Son Seal desarrolló una intensa carrera musical en diferentes lugares de Estados Unidos, para afincarse definitivamente en la ciudad del viento hasta su muerte, lugar en el que era conocido por sus habituales actuaciones en directo en distintos clubs. Su fama como guitarrista y cantante queda demostrada tras la escucha del disco 2 de esta entrega, Live And Burning, donde incluye varias versiones de piezas de conocidos músicos negros como Elmore James, B.B. King o Jimmy Reed. En el otro disco, abundan las composiciones del Seals en las que mantiene la energía y el ritmo demostrativos de su profesionalidad de bluesman eléctrico. El diseño de la portada pertenece a Ross & Harvey, mientras que la fotografía fue realizada por Michael Weinstein.

Canciones: Disco 1. Cara A. 1. Buzzard luck. 2. I’ m not tired. 3. Leaving home. 4. Landlord at my door. Cara B. 1. Gentleman from the windy city. 2. Goodbye little girl. 3. Watching every move you make. 4. Crying time again. 5. Nobody wants a loser. Disco 2. Cara A. 1. I can’ t hold out. 2. Blue shadows falling. 3. Funky bitch. 4. The woman I love. Cara B. 1. Help me, somebody. 2. She’s fine. 3. Call my job. 4. Last night. 5. Hot sauce.

El disco 1 fue grabado en los Estudios Curtom de Chicago (título original: Chicago Fire) (1980). Ingeniero de grabación: Fred Breitberg. Ayudante de grabación: Eddie B. Flick. Producido por Bruce Iglauer y Son Seals.
El disco 2 fue grabado en el Wise Fools Pub de Chicago (título original: Live and burning) (1978) y mezclado en los estudios Curtom de Chicago. Ingeniero de grabación: Ken Rasek. Ingeniero de mezclas: Fred Breitberg. Ayudante de mezclas: Eddie B. Flick. Producido por Son Seals, Bruce Iglauer y Richard McLeese.

Músicos: Disco 1. Son Seals (guitarra y voz), Mark Weaver (guitarra), King Solomon (teclados), Snapper Mitchum (bajo), David D. Anderson (batería), Paul Howard (trompeta), Ken Cooper (trompeta), Jerry Wilson (saxo tenor), Henri Ford (saxos alto y barítono) y Bill MacFarland (trombón y arreglos de viento).
Disco 2. Son Seals (guitarra y voz), A.C. Reed (saxo), Lacy Gibson (guitarra), Snapper Mitchum (bajo), Tony Gooden (batería) y Alberto Hianquinto-piano (B4).

Otras portadas: The Son Seals Blues Band (1973), Midnight Son (1976), Bad Axe (1984) y Living In The Danger Zone (1991).

The Riot Rockers (Rockhouse). Los momentos de gloria del rock and roll en los años setenta tuvieron como protagonistas a varios grupos y solistas de Estados Unidos y del Reino Unido, revivalistas entre los que se encontraba el cuarteto The Riot Rockers, liderado por el veterano Johnny Fox, y que grabó su primer disco de larga duración en Holanda en diciembre de 1976. De las 18 canciones del elepé, la mitad están firmadas por Fox, aunque también aparecen clásicos del rockabilly escritos por Carl Perkins, Johnny Cash y Roy Orbison, Boppin’ The Blues, Rock’n Roll Ruby o Cast Iron Arm, a las que el grupo británico devuelve la frescura del sonido Sun Records de los años cincuenta, por lo que no es extraño que el cantante compusiese e interpretase para su álbum de debut la pieza titulada Hey Mr. (Sam) Phillips. Como buenos roqueros, The Riot Rockers se atreven con algún blues, Streamline Train, de Red Nelson, y con el skiffle de Lonnie Donegan, de quien recuperan Body’s Shack. La fotografía de la portada es de Armand Hayes.

Canciones: Boppin’ The Blues. Gone Gone Gone. It’s Saturday Night. Streamline Train. Rock’ n Roll Ruby. Don’ t You Rock Me Daddy-O. Hey Mr. (Sam) Phillips. Eastbound Train. Cast Iron Arm. Road Of Steel. 6.5. Special. Tongue-Tied Jill. You Make Me Mad. Puttin’ On The Style. Sweet Cindy Lou. Wabash Cannoball. Boody’s Shack.

Músicos: Johnny Fox (saxo, washboard y voz), Ray Firth (guitarra), John Scargall (bajo) y Paul Whittingham (batería).

Otras portadas: Unrealesed Tracks (grabaciones realizadas en 1974).

Robin Trower Live! (Chrysalis). El guitarrista londinense Robin Trower era ya uno de los guitarristas eléctricos más representativos de blues rock de la década de 1970 cuando se ponía a la venta este elepé con varias canciones grabadas en el Stokholm Concert Hall de la capital sueca en febrero de 1975. El que fuera miembro de Procol Harum desarrolló una brillante carrera como componente del trío que llevaba su nombre y que constituía la esencia del rock más agresivo –hard- con raíces en otras formaciones parecidas de los años sesenta (Cream, Experience o Taste). Para otros, sin embargo, Trower constituía una copia de Jimi Hendrix a la hora de tocar, pero el británico va más allá del cliché y la comparación fácil. En este disco se recogen canciones de los tres primeros elepés de estudio de Robin, quien, en algunos momentos se deja llevar por la adoración a Hendrix, Too Rolling Stoned, Alethea y Little Bit Of Sympathy destacan por el afiliado sonido de la Stratocaster, la utilización de pedales y la conjuntada sección rítmica. Sin embargo, también hay recurrencias al blues eléctrico más ortodoxo, Rock Me Baby, y al blues rock de tempo lento, Draydrem y Can’t Wait Much Longer, que confirmar el virtuosismo de Trower y sus acompañantes, entre los que sobresale como cantante el bajista James Dewar. La carpeta del disco incluye fotografías de Jim Marshall y Brian Cooke.

Canciones: Too Rolling Stoned. Daydream. Rock Me Baby. Lady Love. I Can’t Wait Much Longer. Alethea. Little Bit Of Sympathy.

Músicos: Robin Trower (guitarra), James Dewar (bajo y voz) y Bill Lordan (batería).

Otras portadas: Twice Removed From Yesterday (1973), Bridge Of Sighs (1974), For Earth Below (1975), Long Misty Days (1976), In City Dreams (1977), Caravan Midnight (1978), Truce (1981), Back It Up (193), Beyond The Mist (1985) y Passion (1987).

Out Of The Woods (Elektra). Desde la década de 1960, el grupo Oregon representa una de las formaciones más estables de música improvisada que se nutre de clásica, jazz e instrumentaciones exóticas (sitar, tabla y percusiones varias), originalidad que en el momento de grabación de este disco constituía el adelanto de lo que en años sucesivos se iba a denominar música de la nueva era, aunque Oregon se ha caracterizado por sobrepasar modas al disponer de una personalidad propia que impone sus propios criterios a la hora de componer. Excelentes músicos, Towner, Walcott, McCandless y Moore van más allá del jazz fusión que se practicaba por parte de algunos grupos en el año de grabación -1978- de Out Of The Wood, lo cual se expresa piezas de marcadas referencias orientales y africanas: Yellow Bell, Vision Of A Dancer o Dance To The Morning Star. La improvisación también deja lugar al minimalismo de Reprise y Story Telling, en determinados casos como previa al desarrollo de una música acústica, impresionista a veces, caso de Waterrwheel, otras espiritual, Whitchi-Tai-To, pero siempre interesante. La ilustración de la carpeta del elepé corresponde a David Wilcox.

Composiciones: Yellow Bell. Fall 77. Reprise. Cane Fields. Dance The Morning Star. Vision Of A Danger. Story Telling. Waterwheel. Witchi-Tai-To.

Músicos: Ralph Towner (guitarra clásica, guitarra de 12 cuerdas, piano, flugehorn y percusión), Collin Walcott (percusión, sitar, tabla y guitarra), Paul McCandless (oboe, English horn y clarinete bajo) y Glen Moore (bajo).

Otras portadas: Music Of Another Present Era (1972), Distant Hills (1973), Winter Light (1974), Friends (1977), Roots In The Sky (1979), In Performance (1980), Oregon (1983), Crossing (1985) y Ecotopia (1987).

 

Marco Polo (Arista). El músico romano Ennio Morricone es uno de los grandes compositores cuya obra está distribuida en más de 500 trabajos para la industria audiovisual, principalmente cine y televisión, ámbito desde el que es requerido por los principales directores. En el año 1982, la radiotelevisión italiana (RAI) estrenaba la superproducción Marco Polo, dirigida por Giuliano Montaldo y centrada en el comerciante y viajero de la Alta Edad Media que llegó hasta China. La banda sonora, de la que se recogen algunas partes en este disco, la realizó el experto Morricone, quien según los incondicionales de este compositor no “escribe música de fondo, en el sentido convencional de relleno de la acción fílmica, no sobrecarga las escenas con temas musicales que distraigan las emociones del espectador ante la misma”. La utilización de cuerdas, los coros ambientales y las secciones de viento son algunas de las características de esta banda sonora, donde destacan las partes relacionadas con la juventud de Polo, y que se puede escuchar al completo en el formato CD (dos discos). La portada del elepé ofrece un dibujo de Ino Chisesi And Associates.

Composiciones: Marc Polo (titles). On The Way To The Orient. Monica. The Legend Of The Great Wall. Mai-Li’s Song. The South Burns. Marco Polo (Hormuz). Farewell To The Mother. The Crusaders. The First Love. The Forbidden City. Marco’s Theme (Death In The Wind). On The Way To The Orient (Trip). Nostalgia OF The Father. The Great March Of Kublai. The Holy Sepulchre. The Mongols. Marco’s Theme (Dialogue). The Dreams. Adolescence.

Músicos: Orquesta y coros (Unione Musicisti di Roma), Dirección (Giuliano Montaldo) y Dino Asciolla (viola en los temas 1,3, 8, 10, 17 y 19).

Otras portadas: Bandas sonoras de las películas, Il federale (1961), Dicciotteni al sole (1962), Il suceso (1963), Per un pugno di dollori (1964), La battaglia di Algeri (1965), Uccellacci e uccellini (1965), Matchless (1966), L’harem (1967), The red tent (1968), Queimada (1969), Hornet’s Nest (1970), La classe operaia va in Paradiso (1971), L’attentat (1972), Revolver (1973), Allosafan (1974), The human factor (1975), Il deserto dei tartari (1976), Novecento (1976), Il gatto (1977), Days of heaven (1978), Bloodline (1979), La banquiere (1980), So fine (1981), White dog (1982), Sahara (1983), Don’t kill good (1984), Red Sonja (1985), The mission (1986), Frantic (1987), Cinema Paradiso (1988), Átame (1989) y State of grace (1990).

Greatest Hits (Columbia). Primer recopilatorio de las mejores canciones del escritor y cantante canadiense, Leonard Cohen, quien recogió en 1975 algunas de las piezas más famosas de sus cuatro primeros discos grandes, que abarcan un periodo de tiempo que va de 1968 a 1973. En este elepé de grandes éxitos están registradas 12 canciones que tienen como punto de partida la célebre y mil veces entonada Suzanne, compuesta en el año 1966 como recuerdo de una mujer de Montreal. Las mujeres son una constante en las canciones de Cohen, así en sus éxitos aparecen también Marianne o la cantante norteamericana (Janis Joplin) que le inspiró para escribir Chelsea Hotel nº 2. Como un rapsoda, de voz cansada, pero con guitarra, a menudo también acompañado por otros instrumentos musicales y coros, Cohen va relatando las experiencias existenciales que protagonizó a finales del siglo XX como representante de una generación lastrada por la II Guerra Mundial, de la que en este elepé se reinterpreta la combativa The Partisan. Sin embargo, los combates verdaderos están en la actividad cotidiana tan bien descrita por el cantante de Montreal, a veces mediante un cuidado lenguaje poético de imágenes, donde conviven vida y muerte, amor y sexo, sagrado y profano. Todo esto y algo más sirve de materia prima para las inolvidables So long Marianne, Sisters Of Mercy, Bird On Wire, Hey That’s No Way To Say Goodbye o Who By Fire. La fotografía de la portada del disco fue tomada por Giuseppe G. Pino en el espejo de una habitación de un hotel milanés, imagen en la cual Cohen nunca se fija si es buena o mala, “eso depende de cada uno”.

Canciones: Suzanne. Sisters of Mercy. So Long, Marianne. Bird on a Wire. Lady Midnight Cohen. The Partisan. Hey, That’s No Way to Say Goodbye. Famous Blue Raincoat Cohen. Last Year’s Man. Chelsea Hotel No. 2. Who by Fire. Take This Longing. En los primeros discos de Cohen intervienen otros músicos de estudios de New York y Nashville. También se incluyó música de orquesta en algunas grabaciones.

Músicos: Leonard Cohen (guitarra y voz).

Otras portadas: Songs Of Leonard Cohen (1968), Songs From A Rom (1969), Songs Of Hate (1971), Live Songs (1973), New Skin For The Old Ceremony (1974), Death Of A Ladies’ Man (1977), Recent Songs (1979), Various Positions (1984) e I’ m Your Man’ (1988).

Os nomes das cousas (Guimbarda). Miembro fundador del movimiento de nueva canción gallega en los años sesenta (Voces Ceibes), Benedicto forma parte quienes protagonizaron la historia de la evolución de la música popular del siglo XX, a la que aportó algunos discos y muchas actuaciones por la península ibérica. Entre las primeras figura este elepé grabado en el año 1979 con la colaboración del músico y compositor argentino Alberto Gambino. Éste participó en la composición, junto a Benedicto, en dos de las diez canciones recogidas en el álbum, de las cuales es una adaptación del poema A Espiña, de Manuel Curros Enríquez, que el cantautor gallego interpreta dentro de una línea tradicional en la que la percusión de carácter popular tiene un especial protagonismo, como ocurre igualmente en A Festa, que incluye una introducción de instrumentos de viento, y Nosa Señora da Barca, ésta cantada a capella. Benedicto demuestra asimismo un claro conocimiento de la canción popular portuguesa como se puede percibir O Furado, de resonancias afonsianas, aunque dentro de la canción de autor hay que tener en cuenta Un día, tema del que se sacó el título de este larga duración. Por último, la canción que cierra el disco está dedicada a América Latina, un recuerdo y reivindicación a favor de los pueblos que luchan por su independencia. La fotografía de Benedicto en la portada del elepé es de Juan Manuel Domínguez.

Canciones: A festa. O furado. Eres ti. A roseira. Un día. A espiña. O aparato. Chovia. Nosa Señora da Barca. América Latina, irmá.

Músicos: Benedicto (guitarra, flauta soprano, bombo y voz), Alberto Gambino (guitarra, cuatro, tiple, plato, bongos, calzadores, piano Fender, órgano Hammond, melódica y coros), Pedro Savirón (flauta soprano y flauta tenor), Luis Fatás (flauta pícalo, flauta travesera y clarinete), Eduardo Gatinoni (chelo), Manuel Grañido (bandurria y laúd), Carlos Vázquez (viola), Jorge Sarraute (bajo de caja), Pedro Peralta (sonajeros, botella, crótalos, batería, bongos, tamboril, pandereta y birimbao), Bernardo Corral (pandero y conchas) y Maite (coros).

Otras portadas: Pola unión (1977).

Quitte Paris (Wea). El cuarteto La Bamboche graba su tercer disco en 1977 y de acuerdo con la línea musical de recoger el legado de la tradición de diferentes zonas de Francia. Asimismo los integrantes de esta banda folk, representativa de la década de 1970, el mejor momento para el renacimiento de unas canciones y melodías condenadas a los museos etnográficos, aprovechan el abundante arsenal de instrumentos populares, como zanfonas, mandolinas, cornamusas, violines y espinetas, entre otros, para ofrecer más credibilidad a sus vitalistas interpretaciones. Así la primera pieza, que da título, al elepé es un antiguo vals de los años veinte, para continuar con burrés, gigas, polcas, danzas limusinas, vals y otras piezas recogidas de viejos cancioneros, pues una de las características de este cuarteto, además de su dominio instrumental, es la abundancia de composiciones cantadas en su repertorio, lo cual cumplen con creces en este álbum acústico. En la siguiente grabación, titulada Les saisons des amours, La Bamboche realizará algunos cambios en su formación e incluirá instrumentos eléctricos. La carpeta de Quitte Paris disco ofrece un dibujo de Laurent Leserre.

Canciones : Quitte Paris. Les enfants du pauvre homme. Bourre de Maurianges. Le sergent. Melodie Csango. Judentanz. J’ai fait une maitresse. Gigue de Marmetoux. Polka du Bass Berry. Le roc Carlat. La chanson de Craonne. Bal D’Abzac. Trois graçons de Bretagne. La complaine du bambocheur. Amis buvons. Le branle de Montirande. La sentine a tourna. L’ancienne.

Músicos : Bernard Blanc (zanfona, cabreta, flautas, cornamusa de Bechonnet y voz), Jacques Mayoud (violín, mandolina, mandola, percusiones y canto), Jean Blanchard (acoirdeón diatónico, concertina, espineta de los Vosges, mandolina, percusiones y canto), Jacky Bardot (guitarra, mandoloncelo, percusiones, buzuki y voz). René Joly (acordeón en Quitte Paris y La chanson de Craonne. La Bamboche, Miche Etchegarray y Hughes de Courson (coros en Quitte París).

Otras portadas: La Bamboche (1975), Jeu à monter sans coller (1976), La Saison des amours (1978), Grand bal folk (1979), Quintessence (1980) y Née de la lune (1981).

You Can’t Argue With A Sick Mind (ABC Records). Cuarto elepé de Joe Walsh en directo y con la colaboración de músicos californianos, entre ellos algunos miembros de The Eagles, grupo en el que ingresaría el guitarrista en 1976, año de grabación de este disco grande. Instrumentista todo terreno pero con alma de roquero duro, Joe Walsh era a mediados de los setenta un cotizado músico que tocaba todos los palos e incluso se atrevía a producir discos de otros. Desde sus tiempos con James Gang, banda hard de finales de los sesenta y comienzos de los setenta, Joe colaboró en grabaciones de blues, funk, soul, county rock y música progresiva, entre otros estilos, lo cual se comprueba al escuchar las seis canciones recogidas en directo, entre las que resaltan Meadows, Walk Away, Rocky Mountain y Time Out, así como la acústica Help Me Through The Night, ésta junto a sus compañeros de The Eagles, quienes hacen los coros tan logrados y característicos de dicha formación. La foto de la carátula del disco está firmada por Amanda Flick, Wild Studios y Jimmy Wachtel.

Canciones: Meadows. Turn To Stone. Walk Away. Rocky Mountain Way. Help Me Through The Nigth. Time Out.

Músicos: Joe Walsh (guitarra y voz), Don Felder (guitarra y coros), Willie Weeks (bajo), Jay Fergusson (teclados), David Mason (teclados), Joe Vitale (batería), Andy Nerwark (batería), Rocky Dzidzonru (percusión), Glenn Frey (coros) y Don Henley (coros).

Otras portadas: Barnstorm (1972), The Smoker You Drink, The Player You Ge (1973), Sho What (1975), But Seriously Folks (1978), There Goes The Neighborhood (1981), You Bough It You Name It (1983) y The Confessor (1985).

Flash Fearless (Chrysalis). Álbum conceptual editado en 1975 como obra satírica y divertida sobre los héroes de ciencia ficción, en la que colaboran miembros de conocidas bandas roqueras de Estados Unidos y Gran Bretaña, entre otras las de Alice Cooper, Blak Oak Arkansas, Vainilla Fudge, The Who, Roxy Music, The Moody Blues, Robin Trower Band, Vinegar Joe, Faces, King Crimson y Ten Years After. Compuestas por Steve Hammond, Dave Pierce, Bonnie Pierce, Rick Jones y Terence Hillyer, en las ediciones de España y Estados Unidos falta la interpretada por May Prior, bajo el título Georgia Syncopator. El material recoge rock post glam, r&b, do woop, soul y una pieza de música progresiva o planeadora con sintetizadores por medio para cerrar el espectáculo, del cual se tenían pensado hacer otras entregas pero no hubo continuidad a este Flash Fearlles versus The Zorg Women Parts 5 & 6. Se pueden escuchar sin sonrojo Trapped, Country Cooking, What’s Happening, Space Pirates, To The Chop y Supernatch. El dibujo de la portada dentro de la estética de superhéroes del cómic fue realizado por Paul Simple.

Canciones: Trapped - Elkie Brooks. I’m Flash - Alice Cooper. Country Cooking - Jim Dandy. What’s Happening - James Dewar. Space Pirates - Alice Cooper. Sacrifice - Elkie Brooks. To The Chop - John Entwistle. Georgia Syncopator - Maddy Prior. Blast Off - Jim Dandy. Trapped (Reprise) - Eddie Jobson

John Entwistle: (bajo y bajo sintetizado), Mick Grabham (guitarra), Carmine Appice (batería), Nicky Hopkins (piano y clavinete), Mike Deacon (piano ),Graham Deakin (percusión), Thunderthighs (coros), Robert A. Johnson (guitarra), Johnny Weider (guitarra), Bill Bruford (batería), Kenny Jones (batería), Justin Hayward (guitarra eléctrica y guitarra acústica), Jim Frank (armónica), Eddie Jobson (cuerdas, violin y sintetizador), Keith Moon (Long John Silver), Steve Pettican (slide guitar), Chick Churchill (órgano), Howie Casey (saxofón), Leslie Duncan, Doreen Chanter, Jill Mackintosh y Kay Garner (voces).

Otras portadas: The Rocky Horror Show (1973), Peter & The Wolf (1975), The Soap Opera (1975) y The War Of The Worlds (1978).

Nick Of Time (Capitol Records). Décimo disco de la guitarrista y cantante californiana Bonnie Raitt, quien con este álbum consigue afianzarse en el olimpo de las famosas del rock, gracias a los tres premios Grammys de 1990 conseguidos en los apartados de mejor vocalista pop femenina, mejor vocalista femina de rock y mejor tema tradicional de blues, además a los galardones hay sumar el de mejor álbum del año, es decir que llegó al número uno de las listas, lo cual supuso una mayor promoción de Bonnie, así como ventas millonarias. El disco recoge 11 canciones muy bien producidas por Don Was, quien tuvo en cuenta la colaboración de excelentes músicos, muchos de ellos habituales en la discografía de la guitarrista. Rock, soul, blues, r&b y baladas predominan sobre otros estilos musicales. Entre las mejores piezas están la tituladas Cry On My Shoulder y The Road’s My Middle Name, que conservan la estructura del blues eléctrico que Bonnie Rait defiende desde su juventud, aunque el rajo de blueswoman también aparece en I Will Not Be Denied. Otras canciones a tener cuenta son las roqueras Love Letter y Cry On My Shoulder, mientras que las restantes entran los terrenos del soul elegante y de las baladas. Bonnie Raitt aparece fotografiada por Deborah Frankel en lai portada de este disco número 1 en USA.

Canciones: Nick Of Time. Thing Called Love. Love Letter. Cry On My Shoulder. Real Man. Nobody’s Girl. Have A Heart. Too Soon To Tell. I Will Not Be Denied. I Ain’t Gonna Let You Break My Heart Again. The Road’ My Middle Name.

Músicos: Bonnie Raitt (slide guitar, guitarra eléctrica, piano y voz), Hutch Hutchinson (bajo), Ricky Fatar (batería y percusión), Michael Landau (guitarra), Johnny Lee Schell (guitarra acústica, guitarra eléctrica y voz), Tony Braunagel (percusión y timbales), Don Was (teclados), John Jorgenson (guitarra), J.D. Maness (pedal steel), Scott Thurston (teclados), Herbie Hancok (piano), Chuch Domanico (bajo acústico), Paulinho Da Costa (percusión), Jerry Williams (piano), Kim Wilson (armónica), Marty Grebb (saxo tenor), The Hearts Attack Horns (Bill Bergman, Dennis Farias, Greg Smith y John Berry Jr.), Fran Christina(batería), Preston Hubard (bajo), Coros (David Crosby, Graham Nash, John McNally, Arnold McCuller, David Lasley, Sweet Pea Atkinson, Sir Harry Bowens).

Otras portadas: Bonnie Raitt (1971), Give Up (1972), Takin My Time (1973), Streetlights (1974), Sweet Forgiveness (1977), Nine Lives (1986) y Luck The Draw (1991).

A Question Of Time (Epic). Incansable experimentador, el bajista y cantante Jack Bruce aporta a cada década grabaciones imperecederas dentro de su peculiar estilo en el que mezcla rock and roll, blues y jazz, como demuestra en este elepé, A Question Of Time, grabado en el año 1989. Acompañado por un excelente grupo de músicos, entre los que se encontraba su compañero de tiempos dorados, el baterista Ginger Baker, Bruce se encargaba de la música y de buena parte de las canciones de este disco, a veces junto a Pete Brown (el otro compositor), excepto Blues You Can’t Lose, de Willie Dixon, título que dice mucho de esta pieza, en la que Jack se despacha a gusto junto al pianista Nicky Hopkins. Pero el rock recorre generosamente los microsurcos del vinilo, a veces con nostalgia del sonido de los mejor Cream, sobre todo cuando suena Obsesion, aunque intervengan cuatro músicos, entre ellos el referido Baker, Life On Earth, No Surrender o Flyng. En cuanto a la búsqueda de otros ritmos, Bruce encontró para esta ocasión Kwela, Let Me Be y A Question Of Time, donde se perciben música caribeña, percusión africana, free jazz y sugerentes coros, pero no se puede olvidar tampoco la cálida voz del bajista, quien realiza un excelente trabajo de madurez creativa. La pintura de la portada del disco pertenece a Laura Levine.

Canciones: Life On Earth. Make Love. No Surrender. Flying. Hey Now Princess. Blues You Can’t Lose. Obsession. Kwela. Let Me Be. Only Playing Games. A Question Of Time. Grease the Wheels.

Músicos: Jack Bruce: (bajo, sintetizador, teclados, piano, armónica, chelo, guitarra acústica, Guild Ashbory bass y voz), Vernon Reid (guitarra eléctrica), Jimmy Ripp (guitarra solísta, guitarra rítmica, slide guitar y guitarra acústica), Bernie Worrell (piano, sintetizador, órgano Hammond, Melodica y voz), Dougie Browne (batería, Backwards & Forwards Drum), Ginger Baker (batería), Mark Nauseef (Ghanaian drum y percusión), Steve Jornada (percusión y Time), Paul Barrere (slide guitar), The Savage Horns (metales), Magrit Nausef (party favour), Albert Collins (guitarra), Nicky Hopkins (piano), Alan Holdsworth (guitarra eléctrica y synthaxe), Vivian Campbell (guitarra solista y guitarra rítmica), Tony Williams (batería), Zakir Hussain (tabla y Money Frame-Drum), Gary “Bone” Cooper (voz), The Golden Gate Boys Choir y The SoMa Footlights Chorus.

Otras portadas: Songs For A Taylor (1969), Things We Like (1970), Harmony Row (1971), Out Of The Storm (1974), How’s Tricks (1977), I’ve Always Wanted To Do This (1980) y Truce (1982).

The Traveller (Guimbarda). Aventajado letrista, el trovador británico Allan Taylor, lanzaba en 1978 el elepé The Traveller que fue elegido el mejor álbum de folk europeo en el Gram Pix du Disque de Montreaux. A finales de la década de 1970 se recordaba que “cuando Allan Taylor comenzó a cantar como aficionado en el Stanford Arms de su ciudad natal, Brighton, su repertorio consistía en música popular norteamericana –aunque ya componía canciones con Miles Wootton. Posteriormente se interesó por la música tradicional inglesa e introdujo este tipo de canciones en su bagaje Las canciones de Allan son ya clásicos del mundillo del folk. Han llegado a grabar canciones suyas intérpretes de la talla de Mary Travers (la de Peter, Paul and Mary), Françoise Hardy, Barbara Dickson, Fairport Convention, The Dransfield, Alex Campbell”. The Traveller recoge composiciones de Taylor, excepto Lone Piligrim, que a la hora de interpretarlas utilizó instrumentación tradicional de las Islas Británicas como se puede apreciar en Running In A Crowded City, Land Of The North Wind, Lone Pilgrim o Cold Good To See You, Of, aunque el resto de las canciones están impregnadas de ese sonido folk tan característico en la música de Allan, donde aparecen influencias de la canción norteamericana, en especial en Homestate. La adaptación de la carpeta del disco en España fue realizada por Ángel G. Ortiz.

Canciones: Homestate. It’s Your Way. Running In A Crowded City. The Traveller. Lone Pilgrim. Land of the North Wind. Cold Hard Town. The Ladies Are the Loving Kind. Lady Take Your Time. Good to See You.

Músicos: Allan Taylor (guitarra de 6 y 12 cuerdas, cítara, dulcimer y voz), John Kirpatrick (melodeón y acordeón), Colin Ross (gaita de northumbrian), Ian Fairbairn (violín), Bill Mitchell, Stu Luckley y Bob Fox (coros).

Otras portadas: Somethimes (1971), The Lady (1971), The American Album (1973), Cajun Moon (1976), Roll On The Day (1980), Win Or Lose (1984) y Lines (1988).

A Child’s Adventure (Island). La cantante y compositora británica Marianne Faithfull inicia los años ochenta con buen pie tras la resaca de los setenta protagonizada por una de las divas del pop de la década prodigiosa. En la madurez de su vida, la cantante graba en 1983 el álbum titulado A Child’s Adventure con la colaboración de Barry Reynolds, Wally Badaraou y Harvey Goldberg, quienes se encargan de la producción, ayudan en la composición y tocan respectivamente las guitarras y los teclados en el caso de los dos primeros: El resultado de este trabajo en común ofrece una colección de canciones intimistas y melancólicas en cuya composición participa la propia Marianne, que pone su punto de vista de superviviente en una sociedad cada vez más acelerada por los cambios, pero en la que tiene cabida también las pequeñas cosas. De este estilo, con un fondo musical atmosférico -motivado por el amplio protagonismo de los teclados- y la voz inconfundible de Marianne, se pueden escuchar Times Square, Falling Grace, Ashes In My Hand o She’ s Got a Problem. También hay cambios de registros musicales, como la bailable The Blue Millionaire y la folk titulada Ireland. La pintura de la portada pertenece a Tony Wilgun.

Canciones: Times Square. The Blue Millionaire. Falling from Grace. Morning Come. Ashes in My Hand. Running for Our Lives. Ireland. She’s Got a Problem.

Músicos: Marianne Faithfull (voz), Barry Reynolds (guitarra y voz), Mickey Chung (guitarra), Fernando Saunders (bajo), Wally Badarou (teclados), Ben Brierley (guitarra acústica y voz), Rafael de Jesús (percusión) y Terry Stannard (batería).

Otras portadas: Marianne Faithfull (1965), North Country Maid (1966), Faithless (1978), Broken English (1979), Dangerous Acquaintances (1981) y Starnger Weather (1987).

The Indestructible Beat Of Soweto. Zulu Jive, volume two (Soñua. Earth Works). Recopilatorio de música mbaqanga, estilo de rock urbano de las ciudades negras de Sudáfrica, que incluye grabaciones entre los años 1981 y 1984. Según la presentación del disco: “Tras la Segunda Guerra Mundial ocurrió que en las ciudades negras que trabajaban en las minas de oro y n los complejos industriales de Witwatersrad (zona minera al noroeste de Sudáfrica en cuyo está Johannesburgo) la música tradicional de los zulús y de los shoto chocó con el rhythm and blues afro-americano, con el jazz y con el blues de la época. Todo ello formó los nuevos estilos urbanos como jazz de las ciudades negras (township jazz), la música callejera a ritmo de silbato, cuela y el marabi nacido en los bares que vendían alcohol ilegal. Mbaqanga sacó la inspiración de todas estas formas musicales y se ha convertido en un poderoso estilo de nuevo rock ubano”. La selección de este disco fue realizada por Trevor Herman. La fotografía de la portada es de Link/Orde Eliason, coloreada a mano por FAM at B2.

Canciones: Qhwahilahle (¡Dejadle en paz!). Thul’ ulalele (Párate un poco y escucha). Sini Lindile (Os estamos esperando). Ngicabange Ngaqeda (Ya lo teng claro). Joyce nº 2. Awungilobolele (¿Puede pagar la dote por mí?). Hotolelani (La nuera). Qhude MAnikiniki (Un combate limpio). Indota Llegáis Elimnyama (El hombre del abrigo negro). Enthonjeni Womculo (El fluir de la música). Sobabamba (¡Los cogeremos!).

Intérpretes: Moses Mchunu. Amaswazi Emvelo. Nganeziyamfisa no Khambalomvaleliso. Mahlathini Nezintombi Zomgqashiyo con la banda Mkgona Tshole. Johnson Milhalali. Ladysmith Black Mambazo. Udokotela Shange Namajaba. Nelcy Sedibe. Umahlatini Nabo. Amaswazi Emvelo. Mahlathini Nezintombi Zomgqashiyo con la banda Mkgona Tshole. Udokotela Shange Namajaba.

Otras portadas: The Indestructible Beat Of Soweto. Thunder Before Dawn (1987).

Alligator (IRS). Disco del guitarrista norteamericano Leslie West, grabado en el año 1989, con la ayuda de algunas conocidos instrumentistas como el jazzman Stanley Clarke que toca el bajo en las canciones tituladas Whiskey y All Of Me. La primera se asienta sobre ramalazos de hard-rock, mientras que la segunda entra en una línea más tranquila y algo similar a la de Dream Lover, tema que cierra este disco grande, donde West demuestra su preferencia por el rock duro, de guitarras encendias, aunque en determinadas ocasiones se centra en el blues urbano de toda la vida, sobre todo cuanto interpreta el clásico I Put A Spell On You o la canción de cosecha propia Waiting For The Change. El resto se completa con un apunte de rock and roll, Alligator, una reinterpretación guitarrera de un tema del nórdico Grieg y composiciones reiterativas sobre un fondo de guitarras en el que West cumple pero sin brillar como en sus mejores tiempos de la formación Mountain. El diseño de la carpeta del elepé está firmado por Hugh Brown & Donald Krieger.

Canciones: Sea of Fire. Waiting for the F Change. Whiskey. Alligator. I Put a Spell on You. All of Me. The Stealer. Hall of the Mountain King/Theme from Exodus. Dream Lover.

Músicos: Leslie West (guitarra, bajo y voz), Jack Hotop (teclados), Tony Miceli (teclados), Stanley Clarke (bajo), Steve Loungo (batería y percusión) y Johnette Napolitano (voz).

Otras portadas: Mountain (1969), The Great Fatsby (1975) The Leslie West Band (1976) y Theme (1988).

The Sun Collection (RCA). Entre los años 1954 y 1955, un joven llamado Elvis Presley grababa varias canciones populares de blues, rhytm and blues y country con la inspiración y el empuje procedentes de sus veinte años de edad. Registradas en los estudios Sun, de Memphis, dirigidos por Sam C. Phillips, quien enseguida se dio cuenta del diamante sin pulir que era Presley, las canciones recogidas en este recopilatorio representan el rock and roll en estado puro tanto en la voz del cantante como en la instrumentación aportada por tres jóvenes músicos. Roy Carr añadía en la nota de presentación de este disco puesto a la venta en el año 1976: “Es de presumir que la ingenuidad de Presley, así como su carencia tal de inhibición, fueran las causas que le permitieron tomarse tantas libertades en las sesiones de grabación. Esto puede parecer ahora algo rebuscado, pero las sentía, sin importarle para nada ningún prejuicio. Por suerte, su instinto primitivo seguía pujante ya que en honor a la verdad tanto Scotty Moore como Bill Black contribuyeron a enderezar el puro talento del cantante y a desarrollarlo hasta convertirlo en un estilo único”. That’ Al Right (Mama), Blue Moon Of Kentucky, Good Rockin’ Tonight, You Are Heartbreaker, Mystery Train o I Forgot Remember To Forget constituyen clásicos del rock and roll en la voz de Presley, quien en sus comienzos ya apuntaba ademanes de futura estrella. La portada del disco, sin firma, recoge una postura típica de Elvis en sus actuaciones en directo.

Canciones: That’ s All Right (Mama). Blue Moon Of Kentucky. I Don’t Care If The Sun Don’t Shine. Good Rockin’ Tonight. Milcow Blues Boogie. You Are Heartbreaker. I’m Left Youre Right, She’s Gone. Baby, Let’s Play House. Mistery Train. I Love You Because. I Forgot To Remember To Forget. Trayn To Get To You. Blue Moon. Just Because. I’ll Never Left You Go. I Love You Because.

Músicos: Elvis Presley (guitarra acústica y voz), Scotty Moore (guitarra eléctrica), Bill Black (contrabajo) y D.J. Fontana (batería).

Otras portadas: Elvis Presley (1956), Elvis (1956), Living You (1957), King Crole (1958), For LP Fan Only (1959), CI Blues (1960), Blue Hawai (1961), From Elvis In Memphis (1969), From Memphis To Vegas (1970), Elvis Country (1971), Elvis: As Record At Madison Square Garden (1972), Aloha From Hawai (1973), Elvis: As Recorded Live On Stage In Memphis (1974) y Moody Blue (1977).

Creedence Clearwater Revival (Fantasy). Este grupo californiano grababa su primer elepé oficial a comienzos de 1968, cuando el espíritu de las flores y de Monterrey comenzaba a desvanecerse, mientras que la psicodelia a nivel musical se mantenía en alza, lo cual se nota en este álbum de debut. John Fogerty, como líder del cuarteto, optó por las referencias musicales preferidas por él y sus compañeros, es decir rock and roll, blues, rhytm & blues, soul, swamp y country. Esto se puede comprobar tanto en las versiones que aparecen en el elepé homónimo como en las escritas para el mismo por el propio guitarrista. Tal toma de posiciones sirvió desde el primer momento para que CCR se convirtiera en una efectiva banda de rock and roll primario que siempre ofrecía en sus elepés dos o tres canciones más que interesantes, hasta el punto de que algunas se convirtieron en clásicas. En este estreno discográfico ya se distingue la rasposa voz de John que sabe reconvertir a la psicodelia la indescriptible I Put A Spell On You, que no pierde su inicial encanto a pesar de esas guitarras distorsionadas tan representativas de la época en que fue grabada la versión del tema de Screamin Jay Hawkins. En el terreno de las canciones prestadas hay una apuesta total por la música negra: The Working Man, Suzie Q, Ninety-Nie And A Half y Get DownWoman son piezas que sobresalen y permanecen a pesar del paso del tiempo sobre composiciones más ácidas como Porterville o Gloomy. El diseño de la carátula es de Laurie Clifford. 1968

Canciones: I Put A Spell On You. The Working Man. Suzie Q. Ninety-Nine And A Half (Won’t Do). Get Down Woman. Porterville. Gloomy.Walk On The Water.

Músicos: John Fogerty (guitarra y voz), Tom Fogerty (guitarra y voz), Doug Clifford (batería) y Stu Cook (bajo).

Otras portadas: Bayou Country (1969), Green River (1969), Willy And The Poor Boy (1969), Cosmo’s Factory (1970), Pendulum (1970), Mardi Gras (1972) y Chronicle vol. 1 (1976).

Al viento (Polydor). Manolo Sanlúcar (1943) es uno de los maestros de la guitarra flamenca que investiga sobre las posibilidades que tiene dicho instrumento en diferentes ámbitos de la música, labor que demuestra en este álbum grabado en 1982 y en el que está acompañado por instrumentistas representativos del rock y jazz. Dentro de la línea innovadora de Manolo Sanlúcar se incluyen las siete piezas de este elepé en las que aparecen flautas, percusiones varias, guitarra eléctrica y orquestación, junto a la guitarra del maestro, sin que por ello el toque de este último pierda la esencia, al revés se afianza en su arte integrador. Esmeralda, Mezquita, Ana María, Angustias o Laberinto refuerzan las palabras del guitarrista: “Yo quiero que los expertos de la música universal entiendan que se pueden acercar al flamenco, que no lo vean como algo tribal y tópico, que vean en el flamenco una rama musical que admite unos análisis musicales muy profundos y que tiene una calidad poética y musical extraordinarias”. La portada del disco se cubre con montaje fotográfico anónimo.



Canciones: Esmeralda. Al viento. Velero. Mezquita. Ana María. Angustias. Laberinto.


Músicos: Manolo Sanlúcar (guitarra), Jaime Muela (flauta), Tito Duarte (percusión y batería), Manolo Aguilar bajo), Pepe Oliver (flauta), Alberto de Almar (guitarra eléctrica), César Fornés (guitarra acústica) y José Miguel Évora (director de orquesta en Angustias).




Otras portadas: Recital flamenco (1968), Sanlucar (1974), Candela (1980), Azahares (1981), Testamento andaluz (1985), Medea (1987), Tauromagia (1988) y Soleá (1989).