Saint Dominic’s Preview (Warner Brothers) 1972
Van MorrisonPortada: fotografía de Michael Maggid

Una historia: “La portada del disco ya anunciaba algo de lo que se venía encima: ni la más remota concesión a la imagen, ni la más mínima pretensión de encandilar con misticismos o con imágenes campestres. Van Morrison aparecía sentado en unos escalones tocando la guitarra acústica; hasta aquí todo normal. Pero había que ver cómo iba vestido: toda su ropa daba la impresión de haber sido adquirida en un ropero de caridad; los raídos vaqueros mostraban un costurón cerca de la entrepierna; las punteras de las botas estaban tan desgastadas que podrían haber pertenecido a un autostopista abandonado en el desierto; y de la americana…bueno, mejor no hablar. Claro que también la música de Saint Dominic’s Preview, publicado en julio de 1972, estaba hecho de contrastes intensos y desesperados contrastes”. Eduardo Jorda. Van Morrison. Cátedra. 1990.

Otra: “Como las cartas, los discos de Van Morrison siguen una cierta regularidad –una treintena en otros tantos años-. Como las cartas, Van Morrison envía sus discos cuando realmente le apetece, cuando tiene algo que decir. Y, como las cartas a la familia o a las amigos más íntimos, los discos de Van Morrison son básicamente sinceros. A los maigos de verdad no hay por qué mentirles. Cuando no se tiene nada que contar, no se escribe, como hizo (o más bien dicho, no hizo), por ejemplo, entre 1974 y 1977. Esta es una diferencia significativa entre los –escasos auténticos artistas y el resto de gente que puebla el show-business”. Anki Toner. Van Marrison. Celeste ediciones. 1995.

Canciones: Jackie Wilson Said (I'm In Heaven When You Smile). Gypsy. I Will Be There. Listen To The Lion. Saint Dominic’s Preview. Redwood Tree. Almost Independence Day!

Músicos: Van Morrison (guitarras, teclados, saxofón y voz), Ronnie Montrose (guitarras y voz), Mark Naftalin (piano, órgano y sintetizador), Tom Salisbury (órgano, piano y teclados), Lee Charlton (batería), Bill Church (bajo), Ron Elliott (guitarra), Leroy Vinnegar (bajo), Rolf Houston (saxofón y voz), Mark T. Jordan (piano), Connie Kay (batería), Bernie Krause (sintetizador y moog), Gary Mallaber (percusión, vibráfono y batería), John McFee (steel guitar), Doug Messenger (guitarra y guitarra de 12 cuerdas), Jules Broussard (saxofón), Pat O’Hara (trombón), Janet Planet (voz), Ellen Schroer (voz), Jack Schroer (piano y saxofón), Rick Shlosser (batería) y Mark Springer (voz).

Además: “Van Morrison sigue siendo ese individuo pequeño y huraño, poseído por su arte, tímido y melancólico, ajeno a las inquisiciones sobre su obra y su persona, náufrago voluntario en los universos paralelos descubiertos y explorados por su voz…Universos a los que se llega mirando hacia adentro y escuchando, por utilizar el título de una de sus obras, el inarticulado discurso del corazón”. Ignacio Juliá.

Más portadas: Astral Weeks (1969), Moondance (1970), His Band And Street Choir (1971), Tupelo Honey (1971), Hard Nose The Highway (1973), It’s Too Late To Stop Now (1974), Veedon Fleece (1974), T.B. Sheets (1974), A Period Of Transition (1977), Wavelenght (1978), Into The Music (1979), Common One (1980), Beautiful Vision (1982), Inarticulate Speech Of The Herat (1983), Live At The Grand Opera House. Belfast (1984), A Sense Of Wonder (1985), No Guru, Mo Method, No Teacher (1986), Poetic Champions Compose (1987), Irish Heartbeat (1988), Avalon Sunset (1989) y Enlightenment (1990).

Spike (Warner Brothers) 1989
Elvis CostelloPortada: Elvis Costello/Jeri Heiden/John Heiden/Brian Griffin/Phyllis Cohen/Lizard Studio



Una historia: “Casi una obra maestra de frescura melódica, inspiración y acabado musical, y Costello sale al menos dos por década, una marca sólo igualada por gigantes como Dylan. De nuevo, en la gestación del disco, se barajaron nombres más excéntricos, una debilidad del autor (More important work, Pantomime of evil y The beloved entertainer, que finalmente quedó como subtítulo) para un trabajo que apostó por resumir en una sola palabra (Spike) la agudeza, el sincretismo y el talento de un artista que rondaba ya la madurez personal y creativa absolutas. Felizmente instalado en Dublín con su esposa Cait O’ Riordan y el resto de su familia, lejos de las presiones mediáticas y de las urgencias vitales de la metrópoli londinense, Elvis se sentía a gusto y relajado cuando coincidió con su admirado Paul McCartney y ambos decidieron colaborar en sus inmediatos trabajos discográficos”. Luis Lapuente. Elvis Costello. El camaleón exquisito. Guías efe eme. Número 14.

Otra: "Declan McManus (1954) supo desde la cuna que estaba llamado a convertirse en el rey de la nueva ola. Por eso, a la que pudo, adoptó el rutilante alias de Elvis Costello y se lanzó a la arena del rock an roll embutido en un traje de segunda mano y asegurando –como nos de día en el título de su primer elepé- que su puntería era perfecta o que sus intenciones eran buenas”. Ramón de España. Elvis Costello. Buenas intenciones.
Canciones: …This Town…Let Him Dangle. Deep Dark Truthful Mirror. Verónica. God’ s Comic. Chewing Gum. Tramp The Dirt Down. Stalin Malone. Satellite. Pads, Paws And Claws. Baby Plays Around. Miss Macbeth. Any King’s Shilling. Last Boat Leaving.

Músicos: Elvis Costello (guitarra, eléctrica, bajo, piano-bajo, guitarra acústica, mandolina, órgano, percusión y voz), Roger McGuinn (Rickenbacker 12-string), Paul McCartney (Rickenbacker bass y Hofner bass), D.P.A Mac Manus (Rickenbacker 6-string, Gretsh., spider and acoustic guitar, órgano, piano, melódica, pandereta y voz), T Bone Burnett (guitarra acústica y Trigger bass), Cait O’ Riordan (lunge maracas y snowbells), Michael Blair (batería china, Oldsmobile hubcap, pandereta, tímpano, glockenspiel, martian-dog bark, crash box, metal pipe, xilofón, marimba, Magic table, temple bells, snare drum y parade drum), Jerry Marotta (batería), Ralph Forbes (batería eléctrica), Jim Keltner (Extra snare drum, chinese cymbal, tom-tom drum y batería), Marc Ribot (guitarras eléctricas, guitarra española, distant sound y banjo), Benmont Tecnh. (piano, Hofner clavinet y Baldwin spinet), Jerry Scheff (bajo), Gregory Davis (trompeta), Efrem Towns (trompeta), Kevin Harris (saxo tenor), Roger Lewis (saxo barítono y soprano), Kirk Joseph (saxofón), Allen Toussaint (gran piano), Mitchell Froom (Wurtlitzer electric piano, Chamberlain, indian harmonium y órgano), Buell Niedlinger (double bass y chelos), Willie Green (batería), Donal Lunny (bouzuki, bodhram y guitarra acústica), Davy Spillane (low whistle y uileann pipes), Steve Wickhan (violín), Pete Thomas (batería), Jerry Scheff (double bass), Charles Joseph (trombón), Jenel Marshall (snare drum), Lionel Batiste (bass drum), T Bone wolf (bajo y acordeón), Chrissie Hynde (armonías vocales), Derek Bell (irish harp y trompan), Frankie Gavin (violín), Steve Wickhamn (violín) y Christy Moore (bodhran).

Además: “Al filo de los años 80, su obra aparecía como una de las más coherentes, sin bien existen abundantes singles, EP’s y hasta LP’s no oficiales, producto de grabaciones en vivo o en ediciones de otros países. El caso más notable es el Lp Live at The Mocambo, editado en Canadá”. Jordi Sierra i Fabra.


Más portadas: My Aim Is True (1977), This Year’s Model (1978), Armed Forces (1979), Get Happy! (1980), Trust (1981), Almost Blue (1981), Imperial Bedroom (1982), Punch The Clock (1983), Goodbye Cruel World (1984), King Of America (1986) y Blood And Chocolat (1986).

Bad Company (Ariola-Eurodisc) 1974
Bad Company
Portada: Hipgnosis

Una historia: “Nacieron como superestrellas. Paul Roberts (voz, 1949) y Simon Kirke (batería, 1950) era la mitad de Free. Surgidos en 1968, su blues-rock emocional, su azorosa biografía y la muerte trágica de Paul Kossoff (1976) convirtieron a Free en grupo mítico. De crucial trascendencia, como temas como All right now, su tensión contenida y desesperación vocal sirvieron de argumento a Bad Co. La elegancia aplastante de Mick Ralphs (ex Mott the Hoople) sustituirá a la tortura guitarrística de Kossoff junto al bajo sólido de Boz Burell (ex King Crimson). Bad Co. Grabó su debú homónimo en 10 días. Al poco tiempo, eran número uno internacional con Can’t Get Enough (1974). Era el mejor disco de Free. Los siguientes continuaron la receta y las ventas millonarias hasta que la rutina se los llevó en 1983”. José M. Rey.


Otra: “Bad Co. (74) fue un impacto consagrador que les colocó en la cima para promocionar este primer LP, el grupo actuó en los días de su edición en Estados Unidos como telonero en las giras de Black Oak Arkansas y Edgar Winter. La fuerza del LP, que llegó al techo de los rankings, hizo que los teloneros se convirtieran en estrellas absolutas de la gira. Con el respaldo de Meter Grant (manager de Led Zeppelín), Bad Comapny se convirtió en una de las escasas aportaciones del primer año de la crisis energética y de la mitad de los 70, ingresando en la élite de las grandes bandas de ese tiempo”. Jordi Serra i Fabra.
Canciones: Can’t Get Enough. Rock Steady. Ready For Love. Don’ t Let Me Down. Bad Company. The Way I Cose. Movin’ On. Seagull.
Músicos: Paul Rodgers (piano, guitarra y voz), Mick Ralphs (guitarra y teclados), Bob Burell (bajo) y Simon Kirke (batería). Mel Collins (saxofones) y Sue y Sunny (coros).

Además: “Tras la primera disolución de Bad Company en el año 1983, Paul Rodgers continuó trabajando de forma activa en el ámbito del rock, tanto en formaciones –The Firm y The Law, por ejemplo, así como haciendo giras con Queen en 2005 y 2006, y grabando discos en solitario. También ha colaborado en grabaciones de homenajes a músicos como Muddy Waters y Jimi Hendrix. En el año 2001 recorrió Estados Unidos con una revitalizada Bad Company”. Sam Rock.
Más portadas: Straight Shooter (1976), Run With The Pack (1976), Burnin’ Sky (1977), Desolation Angels (1979) y Rough Diamonds (1982).

Jazz & Comic (Nobel Musical) 2006
Nat King Cole
Portada: Alexis Dormal

Una historia: “Nathaniel Coles, nacido el 17 de marzo de 1917, conocido indistintamente como Nat Cole o Nat King Cole, considerado por el gran público como un cantante de éxito durante los años cincuenta sesenta es, paradójicamente, un perfecto desconocido para el aficionado medio al jazz. Nat Cole, contrariamente a lo que pueda parecer a primera vista, fue una figura fundamental en la historia de esta música y en algunos de sus desarrollos. Nacido en el Sur profundo, concretamente en Montgomery, Alabama, hijo de un pastor protestante, se inició en la música como otros muchos jóvenes de su edad –y una gran mayoría de jazzmen de color- a través del coro de a iglesia del barrio, del cual, además, su madre era directora. En el caso de Nat cabe pensar que, por razones obvias, esta iniciación fue mucho más intensa y sobre todo más profunda que en la mayor parte de sus compañeros”. Vicente Mensua.

Otra: “En 1939, un joven pianista recién instalado en California iniciaba su carrera al frente de n trío q7ue ejercería una influencia decisiva en el desarrollo de este tipo de formaciones. La fórmula (que en su primera versión había incorporado una voz femenina, en un cuarteto cuyas grabaciones nunca se han reeditado) consistía en sustituir la batería por una guitarra y conceder a los dos acompañantes un similar y marcado protagonismo contrapuntístico. La originalidad del planteamiento piano-guitarra-bajo, unida a la vivaz fantasía del líder, a su elegancia musical y a su peculiar modo de cantar, con una voz suave, pero rica en inflexiones maliciosas, se tradujo en un inmediato éxito popular y, además, se erigió en una especie de eslabón entre el jazz tradicional y el moderno”. Vicente Mensua.


Canciones: Unfogerttable. Dream A Little Dream Of Me. Too Young. Pretend. Hey, Not Now!. Hit That Jive Jack. Sweet Georgia Brown. Staighten Up And Fly Right. Laugh! Cool Clown. A Pile 0’ Cole.. Laura. The Man I Love.Calypso Blues. Sweet Lorraine. Boulevard Of Broken Dreams. Mona Lisa. Nature Boy. Embraceable You. Rhumba Blues. Bésame mucho. Route 66. Lulubelle. Making Whoopee. (I Love You) For Sentimental Rehaznos. Chant Of The Blues. Gone With The Draft. Jack The Bellboy. Bop-Kick. It’ s Only A Paper Moon. How Deep Is The Ocean. A Portrait Of Jenny. Rhumba Azul. Honeysuckle Rose. Jumpin’ At Capitol. I Got Rhythm. Rex Rhumba. Whats Is This Thing Called Love. I’m In The Mood For Love. Me Baby Just Cares For Me. Smoke Gets In Your Eyes. Go Bongo.

Músicos: Nat King Cole (piano y voz), Oscar Moore (guitarra eléctrica) y Wesley Prince (contrabajo). Irving Ashby (guitarra), Johnny Miller (bajo), Harry Bluestone (violon), Jack Constanzo (bongo y conga), Nelsson Riddle & Orchestra.

Además: “Como pianista de jazz, Nat King Cole tiene la ingrata importancia del nexo entre dos épocas, situación que comparte con un gran olvidado, pianista como él mismo, Clyde Hart. Como pianista swing, merece estar entre los grandes, como Teddy Wilson, Jess Stacy, Count Basie (Waller y Tatum quedan fuera de esta enumeración porque sus particularidades son excluyentes), como pianista moderno no llega a cubrir las expectativas del aficionado…pero sí del mismísimo Bud Powell, que lo legitima y ubica entre sus referencias ineludibles”. Carlos Sampayo.

Más portadas: From The Very Begining (1936), Meet The Master Saxes (1942), The King Cole Trio (1944), Anathomy Of Jam Session (1945), Lush Life (1949) y Penthouse Serenade (1952).

Canción de primavera (Epic) 1981
CAI
Portada: diseño e ilustración de Juan O. Gatti

Una historia: “Un disco bello y maduro en el que basta escuchar las melodías a dos guitarras o desgranadas por los teclados para comprender que el duende arábigo-andaluz habita, con libertad, en esos acordes. Invitaciones tan sabrosas como El viaje, Mercadillo del piojito, Caletera, Canción de la primavera, en las que lo costumbrista se funde con lo intangible, hablan por sí solas del espíritu CAI. Como primer single se ha escogido Fiesta en el barrio, una estructura musical que técnicamente podía definirse como canto-de vuelta o colombiana-rock, espíritu marchoso y popular a tope. Imprimen a su música un espíritu propio, muy determinado y siempre matizado de optimismo en el que también caben devaneos espiritualistas. En fin, un grupo vital, sin ninguna concesión a lo artificial-blandengue. Canción de la primavera es el título de su tercer LP”. Hoja de promoción de Canción de primavera.

Otra: “Superado ya el cliché del rock andaluz, CAI demuestran con su continuidad que lo suyo no obedece a una moda ni a una fiebre pasajera. Grupo trabajador, ilusionado en la composición de sus propios temas y perfeccionista en su afán de sonar cada día mejor. Todo comenzó cuando Sebastián Chano Domínguez (teclados), Diego Fopi Fopiani (voz, batería), Paco Delgado (guitarra) y Pepe Vélez (bajo, voz), cansados de hacer música de baile y recorrer todos los pueblos de Cádiz de verbena en verbena, decidieron unirse para llevar a la práctica unas ideas musicales que venían pensándose desde hacía tiempo y que no se podían realizar por problemas económicos debido a lo costoso del equipo.
En fin, en abril de 19789, solucionado el tema económico, empieza a cuajar la idea-CAI. Querían hacer música profunda, con contenido, y lógicamente tenía que llevar raíces andaluzas porque todos eran de Cádiz. CAI es Cádiz en la pronunciación andaluza. Su primer actuación pública fue en junio del 78 en un festival celebrado en Puerto Real”. H.P.

Canciones: El viaje. Tu mirada. Mercadillo del piojito. Donde tú estás. Fiesta en el barrio. Caletera. Camino a seguir. Canción de la primavera.

Músicos: Diego Fopiani Macías (batería, percusiones y voz), Sebastián Domínguez Lozano (piano acústico, Fender, cuerdas, sintetizadores, clanivete, coros y palmas), José Antonio Fernández Mariscal (guitarra eléctrica, guitarra acústica, coros y palmas) y José L. Vélez Gómez (bajos, coros y palmas).

Además: “El tercer y ultimo álbum Canción de la primavera es el mas comercial, el rock andaluz empezaba a dejar de interesar a las discográficas y la banda naturalmente tuvo muchas presiones para que evolucionaran hacia lo facilón, si bien supieron resistirse y a pesar de su comercialidad es un álbum bastante digno. Se edito en 1981 para el mismo sello Epic y consta de ocho temas: El viaje, Tu mirada, Mercadillo del piojito, Donde tu estas, Fiesta en el barrio, Caletera, Camino a seguir y Canción de la primavera. Para este álbum la banda vuelve a ser un cuarteto ya que se marcho de ella el guitarrista Paco Delgado González.
Más de un cuarto de siglo después, vuelve CAI. Mª allá de nuestras mentes diminutas, habrá mas noches abiertas para entonar la canción de la primavera.
Los nuevos CAI, que no podrán constar con su antigua formación, incorporarán a la banda a otros instrumentistas gaditanos para perfilar una formación que llevará a CAI mas allá de su propia leyenda”. Caimasalla.com.

Más portadas: Más allá de nuestras mentes diminutas (1979) y Noche abierta (1980).

Castillo de arena (Polygram) 1977
Camarón de la Isla
Portada: fotografía de José Lamarca




Una historia: “Lo cierto es que nunca ganó Camarón mucho dinero con sus discos. Camarón era un monstruo, un fuera de serie, lo nunca visto ni oído, pero sus discos no se vendían. Eso es lo que opinan los responsables de Polygram, la casa discográfica donde Camarón grabaría todos sus elepés desde 1969. Dos días después de su muerte, el de la Isla sólo había vendido, entre cintas, discos de vinilo y compactos, 1.851 ejemplares de Caminito de Sotana, 31.000 de Viviré, 7.544 de Como el agua, 49.197 de Autorretrato, 3.428 de Calle Real, 5.482 de La Leyenda del tiempo, 8.570 de del Disco de oro, 3.527 del bellísimo Rosa María, 34.903 del imperecedero Flamenco vivo, 35.752 del desconcertante Te lo dice Camarón, 80.619 del valiosísimo Soy gitano y 70.694 del doloroso Potro de rabia y miel. En resumidas cuentas, Camarón sólo consiguió dos discos de éxito: Autorretrato y Soy gitano”. Francisco Perejil. Camarón de la Isla. El dolor de un príncipe. El País Aguilar. 1993.

Otra: “Este disco cerró el ciclo de las primeras grabaciones de Camarón acompañado por la guitarra de Paco de Lucía, que había comenzado en 1969. En las primeras bulerías, tituladas Samara, Camarón aparece por primera vez firmando una letra flamenca, como coautor junto a Antonio Sánchez Pecino”.Ángel Álvarez Caballero.


Canciones: Samara. Donde se divisa el mar. Y mira que mira y mira. De tus ojos soy cautivo. Dos estrellas relucientes/De la alegra primavera. Como castillo de arena. Vivo para quererte. De lo que yo soy pa ti/Por culpa de tu cariño. Que he dejado de quererte. Por cositas malas.


Músicos: Camarón de la Isla (voz), Paco de Lucía (guitarra flamenca) y Ramón de Algeciras (segunda guitarra).


Además: “Ni antes ni ahora hubo un eco como el suyo. Donde ponía la voz hacía oro. Su capacidad de transmisión era asombrosa. Era un sonido nuevo en el cante. Tenía un sello que quedará para la eternidad. Camarón ha influido en todos los cantaores de este tiempo. Es posible que también en mí, de alguna manera y sin yo saberlo. De artistas como él siempre se están recibiendo cosas buenas, y aunque yo tenga mi personalidad es indudable que el cante de José me conmovía, me emocionaba. Éramos como hermanos”. Enrique Morente.

Cuarenta años después (14)

Discos de 1967

Wave (Verve) 1967
Antonio Carlos Jobim
Portada: fotografía de Meter Turner y diseño de Sam Antupil

Una historia: “Varias son las interpretaciones dadas a la expresión bossa nova. Desde atribuirle el sentido de nueva ola o nueva manera de hacer algo hasta entenderla como la vocación o aptitud de alguien en relación con una actividad determinada. Bossa nova significa nuevo talento, dice Carlos Lyra, porque cuando empezó nadie era profesional. Jobim tocaba el piano en un bar para ganar dinero, pero quería ser arquitecto. Vinicius de Moraes era diplomático; Joa Gilberto era un parado. No había profesionales. Todos teníamos talento, aptitud para hacer música. Era la clase media tratando de asumir el arte en Brasil”. Carlos Galilea Nin. Canta Brasil. Ediciones Cúbicas. 1990.

Otra: “En la terraza del antiguo bar Veloso, en el cruce de las calles Montenegro y Prudente de Moraes, entre charlas amistosas y capes gelados (cañas de cerveza muy fría), Tom y Vinicius crearon la que, posiblemente, sea su más famosa canción. Hoy, la calle Montenegro se llama Vinicius de Moraes, y el bar, Garota de Ipanema”. C.G.N.

Canciones: Wave. The Red Blouse. Look to the Sky . Batidinha. Triste. Mojave. Dialogo. Lamento. Antigua. Captain Bacardi.

Músicos: Antonio Carlos Jobim (piano, harsichord y guitarra), Ron Carter (bajo), Domum Romao, Bobby Rosegarden y Claudio Sion (batería), Joseph Singer (french horn), Ray Backenstein, Romeo Penque y Jerome Richardson (flautas y pícalo), Urbie Green y Jimmy Cleveland (trombones), Bernard Elchen, Lewis Eley , Paul Gershman, Emmanuel Green, Louis Haber, Julios Held, Leo Kruczek, Harry Lookofsky, Joseph Malignaggi, Gene Orloff, Raoul Poliakin, Irving Spice y Louis Stone (violines), y Abe Kessler, Charles McCracken, George Ricci y Hervey Shapiro (chelos).

Además: “A Jobim le gusta recalcar que no sólo ha compuesto bossa nova, sino que también ha creado obras sinfónicas músicas para películas. En 1987, tras varios años sin publicar, sorprendió a sus muchos admiradores con nuevos temas, en una grabación titulada Passarim.
Cierto que, como se pudo comprobar en su breve gira europea de julio del ochenta y cinco, el carioca pese a tener una voz reconocible, está bastante limitado en tanto que intérprete. Pero un repaso a su obra pone la piel de gallina al más escéptico: Desafinado, Eu sei que vou te amar (58), Meditaçao, Corcovado, Dindí (60), Agua de beber, Insensatez, Samba do aviao, Ela é carioca (63), Retrato em Branco e preto (68), Wave, Aguas de março…Canciones que confirman, por si quedaba alguna duda, que don Antonio Carlos es uno de los grandes compositores de este siglo (XX)”. C.G.N.

Más portadas: Sinfonia do Rio de Janeiro (1954), Orfeo da conceiçao (1956), O pequeño principe (1957) , The Componer Of Desafinado Plays (1963), Tide (1970), Elis & Tom (1974), Urubu (1976), Terra brasilis (1980) y Passarim (1987).

In concert (Guimbarda) 1981
John James

Portada: diseño de Terry Eden y fotografia de Eddie Babbage




Una historia: “A principios de los sesenta, el joven John James se encontraba formando parte de grupos beat y bandas de danza, tocando para los bailes de fines de semana de los granjeros y cosas por el estilo en los alrededores de su nativa Lampeter en Gales. Pronto se vio inmerso en la forma de tocar de Django Reinhart, continuando con americanos como el Reverendo Gary Davis, Chet Atkins y Mississippi John Hurt. Todo esto le condujo a la guitarra acústica, como solista.
Hacia 1967, él como muchos otros estaba recorriendo los clubs de folk de Londres, buscando actuaciones como solista. Incluso teniendo en cuenta el hecho de que los cantantes de piso (clubs, etc) de Londres, estaban entonces de capa caía, él siempre tenía actuaciones garantizadas. Yo no se fue cuando empecé a ser su manager, pero creo que fue una de aquellas noches blueseras de domingo, en Bunjies Cofee House, que Jo-Ann Nelly solía organizar. Era la época de apogeo del blues de la Costa Oeste, de Blind Boy Fuller, Buddy Moss y compañía. John fue recibido con los brazos abiertos por la fraternidad del blues, hizo su debut en el mundo de los discos en una oscura antología de blues, y comenzó a tocar por todos los alrededores”. Ian A. Anderson (1978).


Otra: “Cuando escuché por primera vez las cintas de este álbum, me dio la impresión de que era lo esencial de John James. Probablemente porque él era un músico trabajador, es decir vivo”. En mi opinión, sus primeros álbumes en estudio (excepto Sky in my pie, con Peter Berryman) no le hicieron justicia. Su debut Kicking Mule Descriptive guitar instrumentals fue el primero en mostrar el guitarrista vital, creativo, dinámico, fluido, que realmente es. El presente álbum, además de captar todo eso, nos ofrece las esencias de las actuaciones de John James. El disco tiene tiene una parte formada por una selección de sus canciones y melodías favoritas durante los últimos diez años, y una parte incluyendo novedades que amplían sus actuaciones”. Ian A. Anderson.


Canciones: Picture Rags. Opus 18. Silver Swan. Suitcase Shaped Like That. Black And White Rag. Rosebud March. How Can I Tell You. Pickles And Peppers. Ragtime Millonaire. Head In The Clouds. Coconut Dance. Victory Rag. One Long Happy Night. You And I Across The Water. B minor Run. Tears. Something There.


Músicos: John James (guitarra acústica) y Chris Billings (segunda guitarra)
Grabado en el Roundhouse Theatre por Ray Prickett en 1978.

Además: “Escrito y grabado para mi primer álbum. El tema principal está basado en un viejo 78 que yo solía escuchar todos los sábados por la tarde cuando era crío e iba con frecuencia a The Lampeter Picture House. De ahí el título. La parte del medio fue escrita en una furgoneta a la vuelta del Cambridge Folk Festival en 1969, y originalmente se llamaba Cambridge Breakdown”. John James presentando Picture Rags.




Más portadas: Morning Brings The Light (1970), John James (1971), Sky In My Pie (1972), Heads And Clouds (1975), Descriptive Guitar Instrumentals (1977), Guitar Jump (1977), Acustia Eclectica (1984) y Gutar Music (1988).

Mott (CBS) 1973
Mott The Hoople
Portada: fotografía de CBS

Una historia: “Siguiendo las directrices de David Bowie, Ian Hunter se convierte en el líder absoluto del quinteto. Con ello, surgirán las primeras disidencias. Verden Allen es el primero en marchar. Le Sigue Mick, que se une a Bad Company; pero graba todavía el siguiente LP, Mott (73), en el que la banda figura como cuarteto. Finalmente, Morgan Fisher (ex Love-Affair) reemplaza a Allen; y Luther Grosvenor, con el pseudónimo de Ariel Bender, sustituye a Ralphs, dejando a su grupo Spooky Tooth. Ésta es la formación del álbum The Hoople (74). En 1974 se publica también Live, grabado en directo en Broadway (Nueva Cork) y el Hammersmith de Londres, mientras la banda entra en una nueva crisis. Entra Blue Weaver al teclado (ex Love Affair) y pocos meses después se van él y Ariel Bender. Morgan Fisher se ocupa del teclado, y como guitarrista entra Mick Ronson, de los Spiders from Mars de David Bowie. En 1975, Hunter es hospitalizado en Estados Unidos y, con la crisis planteada, él y Ronson deciden asociarsae abandonando al grupo”. Jordi Sierra i Fabra.

Otra: “La música de Mott The Hoople es algo mejor que la de The Sweet y de Slade; no son, ni mucho menos, un conjunto de tercera categoría. Sin embargo, no aportan nada a la evolución de la música pop, y sólo toman del gay elementos accesorios, buenos para sazonar su poco imaginativo material de base, consistente en su mayor parte en homenajes al viejo rock and roll. Son un grupo nostálgico de los años 50, que no habrían salido nunca de la mediocridad a no ser por el empujón que les dio David Bowie”. Eduardo Haro Ibars.

Canciones: All The Way From Memphis. Whizz Kid. Hymn For The Dudes. Honaloochie Boogie. Violence. Drivin’ Sister. Ballad Of Mott The Hoople. I’ m Cadillac/El camino doloroso. I Wish I Was Your Mother.

Músicos: Ian Hunter (guitarra, teclados y voz), Mick Ralphs (guitarras, teclados y voz), Pette Overend Watts (bajo y voz) y Dale Buffin Griffin (batería) . Paul Buckmaster (chelo eléctrico), Graham Preskitt (violin), Andy Mackay (saxofón) y Thunderthings (coros).

Además: “Grupo típico del poshippismo británico, siempre inseguro acerca de su línea; ahora heavy, ahora acústico-vocal. David Bowie aclaró su futuro al pasarles un gran tema, All the young dudes, a finales de 1972, iniciando una nueva etapa para el grupo, que fructificó con elepés como Mott y The Hoople, en la faceta más seria del glitter. Su líder, Ian Hunter, se irigió en el Dylan glam, más que nada por el aspecto, y adquirió una sólida fama como persona interesante gracias a su reticencia a quitarse las gafas de sol. Grabó también en solitaria, pero su influencia no fue nunca tan decisiva como la de otros coetáneos más horteras”. Patricia Godes.

Más portadas: Mott The Hoople (1969), Mad Shadows (1970), Brain Capers (1971), Wildlife (1971), Rock & Roll Queen (1972), All The Young Dudes (1972) y The Hoople (1974).

Musique d’Auvergne (Guimbarda) 1979
Gentiane
Portada: diseño de Steen



Una historia: “Gentiane fue un grupo ocasional. Los músicos que convergen en esta grabación procedían de horizontes diferentes. Se reunieron para realizar un proyecto con el que se habían encariñado: un disco de música tradicional de Auvernia, diferenciándose del resto de las grabaciones en tipo de arreglos y el respeto a los estilos y los instrumentos. Ante el éxito obtenido por la grabación actuaron alguna que otra vez, pero sus compromisos particulares dieron al traste con la posible continuidad del grupo.
Para entender la evolución de los miembros de Gentiane hay que tener en cuenta algunos aspectos. En primer lugar, se citan las dos matrices del folk francés son Paris y Lyon con sus respectivos clubs de folk. A éstas hay que añadir los músicos bretones que llegan de la mano e Alan Stivell y el núcleo de bluegrass francés. Luego las ramificaciones se entrelazan. Los miembros de Gentiane han participado en diferentes grupos folk como La Chantarelle, La Bamboche, La Chifonnie, Le Bourdon, La Confrerie des fous, Melusine, Forlane, New Ragged Company, Plume et goudron, Lyonnesse, Connection y Equinoxe, entre otros”. Manuel Domínguez.


Otra: “Dentro del repertorio de Gentiane están las revillees (alboradas), que son canciones que acompaña la costumbre de pedir. Niños y jóvenes del lugar recorren las granjas, en día señalados (Martes de Carnaval, Viernes Santo, Navidad), según la región, pidiendo huevos, aves de corral, a cambio de su alegría y canciones. La colecta permite organizar una gran fiesta a la que están invitados. Esta costumbre es anterior al cristianismo y se sigue practicando en muchos sitios”. M.D.

Canciones: Bourre a deux violons. Mazurca, brezon valse. Le Taitou. Pendant la messe, scottisch valse. La vicoisse. Reveilles. Obal Din la Ribieyro. La caille et le couquignotte. Suite de marches. Suite de bourrees Ai vist lou loup. Le Tsabro, bourre des nuages. Plant un cao.

Músicos: Jean Blanchard (voz, violin, mandolina, acordeón diatónico y sonajas), Emmanuelle Parrenin (zanfona, espineta y canto), Philippe Fromont (violines), Bernard Blanc (cabreta-gaita-, zanfona, sonajas y muletillas) y Gerard Lavigne (bajo Fender).

Además: “Plant un cao es una extraordinaria melodía cuyo arreglo ha sido trabajado desde el punto de vista de las orquestas auverñesas de los bailes parisienses de principios de siglo (XX), que, además, de los instrumentos tradicionales, utilizaban piano, violines y algunas veces banjo, metales y batería. En esta versión se emplean violín, piano, guitarra, bajo, acordeón, zanfona en re, zanfona en sol y sonajas”. M. D.

Más portadas: Melusine. La prision d'amour (1976), Melusine leve toi et danse! (1977), Voulez vous que je vous dis (1980, Melusine (1981) y Ut consommatores (1981). Parrenin/Fromont/Lefebvre. Chateau dans les nuages (1976). Connection. Correspondance (1979). La Confrerie des fous (1978).

Marismas (Guimbarda) 1980
Suburbano
Portada: Juan Alberto Arteche



Una historia: “El 3 de mayo de 1979 nace, en un escenario, Suburbano. El alumbramiento tuvo lugar en la sala Gayo Vallecano, una cooperativa de teatro independiente, fundada y dirigida por Juan Maragallo, en el corazón del barrio de Vallecas. Por aquel entonces compartíamos local de ensayo con el grupo de teatro Tábano, a pocos metros de distancia del Gayo Vallecano y a menos distancia, si cabe la línea cultural que había marcado dicha sala. Tábano fue nuestro primer punto de encuentro. Ambos habíamos trabajo en él, uno como músico y el otro como actor.
Afirmar que Suburbano ha sido un grupo esencialmente ecléctico no el algo gratuito: empezamos siendo un grupo que trabajaba buceando en el folclore, cuando en España surgían las grandes bandas de rock. Así, mientras los escenarios se llenaban de guitarras eléctricas, nosotros aparecíamos con violines, mandolinas, percusiones y cantos étnicos. Era la música que entonces nos apetecía hacer.
Más tarde, fuimos derivando hacia el jazz-rock, complicando armonías, mezclando compases y fusionando el folclore con otros instrumentos más urbanos. Nuestra etapa barroca coincidió con la época de la llamada movida madrileña, el tiempo de las canciones simples y sin problemas. Y allí estábamos nosotros, haciéndolo todo más complicado. El caos seguía moviendo nuestros pasos. Durante el bache y defenestración que sufrió la canción de autor, decidimos hacer canciones. Cuando los cantautores crecieron de nuevo y las guitarras distorsionadas estaban a la baja, nos decidimos por un rock más duros y sin contemplaciones”. Luis Mendo y Bernardo Fuster. 20 años y un día. Colección LcD El Europeo.
Otra: “Si hubiésemos tenido un mínimo de vanidad y sentido comercial, habríamos intentado vender la imagen de los autores de las canciones que cantan los cantautores, pero preferimos encerrarnos en nuestro trabajo y seguir riéndonos hasta de nosotros mismos. Más tarde, curiosamente, la industria descubre el folk y el mestizaje étnico que nosotros habíamos tocado quince años antes. Lo que al principio era una actitud no meditada de ir a la contra, acabó por convertirse en una bandera que nos permitiese conservar aquel juramento que nos unió al imponernos la condena de veinte años.
Así nos ha ido: todos saben que existió y existe un grupo llamado Suburbano, pero nadie sabe explicar qué música hacen o hacían. Desde el punto de vista comercial ésta ha sido nuestra gran lacra”. Luis Mendo y Bernardo Fuster.

Canciones: Melocotón. Rompeolas. Baile del acantilado. Marejada. Moros y cristianos. Aguamarga. Dos muchachas. Arlequín. Marismas. El zumbido que no cesa.

Músicos: Bernardo Fuster (voz, congas, tablas, derbuka, adufe y percusiones), Luis Mendo (guitarra acústica, guitarra eléctrica y percusión), Rafael Puerta (violín, mandolina, percusión y grito), Lorenzo Solano (saxo soprano, tenor, flauta y percusión), Pedro Peralta (batería y percusiones) y José Luis Villegas (bajos eléctricos y percusión). Han colaborado Luis Pastor segundas voces en Melocotón y Teresa Cano, en Marejada.

Además: “A través de las canciones consigues entrar en mundos irreales en los que hacer tangibles lo que la realidad te niega. A veces son un lamento puro y duro, y otras el paño de lágrimas que te ayuda a sobreponerte”. Luis Mendo y Bernardo Fuster.

Breakfast In America (A&M) 1979
Supertramp
Portada: diseño de Mike Doud



Una historia: “Es cierto que muchas estructuras que habían empleado en sus discos anteriores habían quedado desfasadas por la entrega pura y sincera al formato pop, pero lo cierto es que las canciones seguían dotadas de una complejidad en su estructura clásica que ningún otro grupo de la época pudo lograr. Quizás cabe argumentar que la huella de Supertramp en el pop posterior a su era dorada es prácticamente inexistente por un hecho que parece ser obviado, y es que realmente no ha vuelto a existir una banda que compaginara talento creativo tan notable con una técnica tan depurada. Simplemente, nunca, nadie, fue capaz de repetir lo que ellos, durante un tiempo, fue algo completamente natural.
Y es que Breakfast In America cerraba una época”. Darío Vico. Supertramp y los grandes magos del sonido de los 70. Guías efe eme.

Otra: “El gran año de Supertramp fue 1979. Su álbum Breakfast In America y su gira estadounidense les llevaron al número 1 de las listas de éxitos, mientas que tres temas del LP serían paulatinamente hits en singles, The Logical Song, Breakfast In America y Googbye Stranger. El impacto de Supertramp siguió con su gira mundial, de la cual, en 1980, se extrajo el nuevo álbum, doble y grabado en vivo, Paris, resultado de su concierto del 29 de noviembre de 1979 en el Pavillon de la capital francesa”. Jordi Sierra i Fabra.

Canciones: Gone Hollywood. The Logical Song. Goodbye Stranger. Breakfast in America. Oh Darling. Take the Long Way Home. Lord Is It Mine. Just Another Nervous Wreck. Casual Conversations. Child of Vision.

Músicos: Rick Davies (teclados y voz) John Helliwell (saxo y voz), Roger Hodgson (guitarra, teclados y voz), Bob Benberg (batería), Bob Siedenberg (batería), Dougi Thompson (bajo), Richard Hyde (trombón) y Slyde Hyde (trombón y tuba).

Además: “Porque, en verdad, lo único que ofrece Supertramp son un manojo de buenas melodías y una enormidad de trabajo. Desde este punto de vista resulta que son honrados, aunque también sean aburridos. Con Supertramp se plantea la cuestión de la música con alma o la música mecánica y estandarizada”. J.M. Costa.

Más portadas: Supertramp (1970), Indelibly Stamped (1971), Crime Of Century (1974), Crisis? What Crisis? (1975), Even In The Quietest Moments (1977), Paris (1980) y Famous Last Words (1982).

Aluminio (Guimbarda) 1979
Bibiano
Portada: ilustración de Ánxel Huete

Una historia: “El texto Aluminio se escribió expresamente para el músico Bibiano Morón, como letra central del disco del mismo título. El texto es un trabajo colectivo del Grupo de Comunicación Poética Rompente. Se realizó entre los días 15 y 25 de marzo del año 1979, y en el intervinieron. Manuel Mª Romón, Antonio R. Reixa y Alberto Avendaño. El texto está originalmente escrito en idioma gallego. Se acompaña de una traducción literal del mismo, en español.

La danza del aluminio

imaginario aluminio san cipriano
alientos en la prisión de la martinicos
y voz en off cabeza abajo
y brazos colgados de paraguas

alumnio con descarga lateral y caja de recogida
orbita vacía de mi patológico archibaldo
considera que el trabajador como profesional
alienado debe sintetizar el desnudo con el descubrimiento
de la BAUXITA

imaginaron sirenas de silencio óxido
meadas de carácter tóxico
laudos para despidos éticos
y turnos de trabajo armónicos”.

Texto y parte de la primera canción del elepé Aluminio.

Otra: “Otra novedad de Aluminio venía dada por el contenido extra-musical de su edición: con ella comenzaba una suerte de simbiosis inter-disciplinar que, al lado de la canción, contemplaba un más amplio espectro artístico, patente en el referido disco en la colorista portada, obra del pintor Anxel Huete, acorde con una estética distinta a la de los cuadros costumbristas al uso; asimismo un dibujo del humorista Xesús “Chichi” Campos ilustraba el libreto editado a la par con el mismo vinilo”. Xoán Manuel Estévez y Óscar Losada. Crónica do folk galego. Tris Tram.

Canciones: A danza do aluminio. Virán gaiteiros. O libro de Angola. Paseniñamente. María das tempestades. O pasar Bouzas. Catro paredes. Adagio a Janis Joplin. Negra sombra.

Músicos: Bibiano Morón (guitarra, conchas y voz), Xaqín Blanco (gaitas, bombarda y flautas), Pepe Bordillo (bajo y guitarra eléctrica), Fernando Llorca (batería y percusión), J.M. Yanes (piano y sintetizador), Luis F. Soria (efectos especiales) y Luis Cobos (otros efectos).

Además: Las constantes de los textos del elepé Aluminio fueron: “la difusión de textos poéticos gallegos (clásicos y actuales), el ejercicio de la crítica social a través de una temática fundamentalmente urbana, Galicia como marco vital, la preocupación por un espacio geográfico hecho de culturas afines (O libro de Angola) y reconocimiento expreso de una cultura rock que rompe fronteras y homenajes personales aparte (Adagio a Janis Joplin)”, según el propio Bibiano Morón.

Lizard (Island) 1970King Crimson
Portada: Gini Barris





Una historia: “La portada efectivamente era muy bonita, la música no tanto. Pero no era un disco oscuro como los dos anteriores sino más bien denso, de inquietante atmósfera general aunque con melodías bellísimas como las del Bolero o el Principe Rupert. Lo que ocurre es que en ningún momento se machacan las partes débiles del compasillo con la batería, ni se hacen canciones pop al uso, ni tan siquiera el cantante ve arropada su melodía con otros instrumentos; tiene que llevar su parte sin más apoyo que el suyo propio. La estética del disco es expresionista, tiene una riqueza de matices notable y en muchos momentos los arreglos son más propios del free jazz que de un grupo de pop.
Por supuesto que esta vez no se repite la secuencia de temas ni tensiones de los dos discos previos. En la cara A nos encontramos con cuatro canciones y en la B una larga suite titulada Lizard –Lagarto-". José Miguel López. Robert Fripp & King Crimson. Música de alto riesgo. Guía de Música Ediciones. Colección La Encrucijada. 1994.

Otra: “Pete Sinfield fue el autor de casi todas las letras de los éxitos de Crimson de la primera época, además de ser uno de los primeros letristas de Inglaterra. Las características de su obra son muy marcadas. De cierta manera, representa el extremo opuesto de los mensajes de la Flower Generation. Son letras corrosivas y desesperadas que expresan una crítica implacable a la sociedad capitalista de guerras y de materialismo a ultranza”. Marcelo Covián.

Canciones: Cirkus -Entry of the Chameleons-. Indoor Games. Happy Family. Lady of the Dancing Water. Lizard. Prince Rupert Awakes. Bolero: The Peacock’s Tale. The Battle of Glass Tears. Dawn Song. Last Skirmish. Prince Rupert’s Lament. Big Top.

Músicos: Robert Fripp (guitarra, melotrón y teclados eléctricos), Gordon Haskell (bajo y voz), Mel Collins (flauta y saxofón), Andy McCulloch (batería) y Peter Sinfield – (letras, VCS3 y películas). Keith Tippett (piano y piano eléctrico), Robin Miller (oboe y cuerno inglés), Mark Charig (corneta), Nick Evans (trombón) y Jon Anderson – (voz en Prince Rupert Awakes).

Además: “King Crimson actuó de grupo telonero de The Rolling Stones el 7 de junio de 1969 en Hyde Park y ante 600.000 espectadores que pudieron comprobar como la banda británica se salía de los esquemas trillados del pop de aquel tiempo, para adentrarse en la línea del rock progresivo y la música experimental”. Sam Rock.

One-Trick Pony (WB) 1980
Paul Simon
Portada: fotograma de la película One-Trick Pony

Una historia: “Acompañado de unos músicos excelentes (su banda habitual), Paul recuperó el jazz intimista de Still Crazy alter All These Years para algunos de los temas, aunque el sabor que deja es el de una suave combinación de cánones rock y principios de rhythm and blues, un sonido muy apropiado para el tipo de locales por el que se mueve el protagonista de la historia. El mejor tema del disco es sin duda Late In The Evening, un reflejo de lo más excitante de salir a la carretera y ponerse a cantar ante el público. Tiene un ritmo contagioso sólo igualado por Ace In The Hole, a dúo con el teclista Richard Tee. El tono y ritmo bajan para el resto de los cortes, que van desde el regular That’s Why God Made The Movies a los vibrantes retratos de los sufrimientos del cantante de carretera que son Oh Marion, Jonah o God Bless The Absentee.
Ensombrecido por el fracaso de la película, este álbum es una pequeño joya que conviene revisar de vez en cuando. Sencillo y sin demasiadas pretensiones en fondo y forma, más bien buscando reflejar la honestidad y la pasión que desprende el personaje protagonista creado por Simon, se trata de un destacado ejercicio de rhythm and blues que debe buena parte de su éxito a la excelente compenetración de músicos”. Javier Márquez. Paul Simon. El maestro artesano. Guías efe eme.


Otra: “Bajo la luz azul/Del Motel Belvedere/Preguntándome con la televisión encendida/Cómo el corazón se acerca a lo que anhela///Con fiebre/oigo claramente tu voz/Saliendo de un sueño, el sueño vuelve/Cómo el corazón se acerca a lo que anhela///Después de la lluvia en la autopista/Los faros resbalan más allá de la luna/Un viajero hecho polvo/Espera al borde de la carretera/¿Adónde va?///Sueño que estamos estirados en lo alto de una colina/Y los faros resbalan más allá de la luna/Nos abrazamos/Y tu voz es el calor de la noche/Estoy ardiendo///En una cabina telefónica/En un restaurante del pueblo/Esperando lo que voy a decir, me devuelve la moneda/Cómo el corazón se acerca a lo que anhela/Como el corazón se acerca a lo que anhela”. Paul Simon. Cómo el corazón se acerca a lo que anhela. How The Heart Approaches What It Years.

Canciones: Late in the Evening. That’s Why God Made the Movies. One-Trick Pony. How the Heart Approaches What It Yearns. Oh, Marion. Ace In the Hole. Nobody. Jonah. God Bless the Absentee. Long, Long Day.

Músicos: Paul Simon (guitarras, percussion, arreglos de cuerda y voz), Joe Beck (guitarra), Hiram Bullock (guitarra), Eric Gale (guitarra), Tony Levin (bajo y voz), Steve Gadd (batería), Richard Tee (piano, teclados, pandereta y voz), Hugh McCracken (guitarra acústica, guitarra eléctrica y slide guitar), Jeff Mironov (guitarra), Michael Brecker (metal), Jon Faddis (flugelhorn y metal), Patti Austin (voz), Bob Friedman (arreglos de cuerda), Don Grolnick (sintetizador), Lani Groves (voz), Dave Grusin (arreglos de cuerda), Anthony Jackson (bajo) y John Tropea (guitarra).

Además: “Simon es el prototipo de Pequeño Gran Hombre urbanita. Se le puede imaginar paseando entre moles de hormigón neoyorquino, silbando alegremente una de sus tonadas inmortales mientras todas las aristas se ablandan tras su paso. Incluso cuando permanecía en una relativa sombra, propiciada por ese chopo de socio que tenía llamado Art –Garfunkel para los amantes de lo homologado-, se le intuía la mirada despierta de quien está seguro de sobrevivir gracias a su talento si un día las cosas se ponen feas”. David S. Mordoh.

Más portadas: Paul Simon (1971), There Goes Rhymin’s Simon (1973), Still Crazy Alter All These Years (1975), Hearts And Bones (1983) y Graceland (1986).

Chet Baker In Paris Vol. 3 (1955-1956) (Movieplay) 1981
Chet Baker Quintet
Portada: fotografía de Jean Pierre Leloir


Una historia: “En noviembre y diciembre de 1955, Chet toca en el Club Saint Germain con el saxo tenor y flautista belga Bobby Jaspar. Los sábados por la noche y los domingos de 16.30 a 19.30 toca en el Barclay’s Club. Así es como con el saxofonista y en formación del quinteto Baker graba el 26 de noviembre de 1955 otros dos temas memorables.

Los 31 títulos franceses representan un capítulo importante en el que Chet se para, mirá hacia atrás, hace inventario de su experiencia adquirida y empieza a formularse sin precipitación, sin angustia, las preguntas que le permitirán ir más lejos. El porvenir será oscura: una sucesión de caídas brutales y lentas y dolorosas subidas. Por lo menos Chet a quien la vida ha dado tantos golpes, ha conseguido siempre volver a levantarse. En 1968 todo el mundo decía que Chet Baker se había perdido definitivamente para el jazz. En 1974, los comentaristas anunciaban con mucho ruido que su momento podía volver de nuevo. La diosa Nostalgia a lo mejor tiene algo que ven en esto. Pero por otra parte, Chet rara vez ha tocado también como en sus últimos y más recientes microsurcos. Tan luminosamente. Sí, en su música existe una luz difusa que despeja la angustia como la niebla de la mañana. Esa misma luz, exactamente, que ilumina aquí Chet o Once In A While o How About You o Not Too Slow… Quizá porque en Francia, durante unos pocos meses, Chesney H. Baker fue, cómo decirlo…feliz. Bueno, casi. Tanto como se puede ser cuando se lleva dentro de sí la maldición, perdón, quería decir la castración… Alain Gerber. Jazz-Magazine.

Otra: “Pasó por todas las vicissitudes personales después de convertirse en un triunfador de la escena californiana; trompetista de escasa técnica y volumen (aunque aprovechó sus límites en improvisaciones de gran originalidad), fue un maestro romántico del registro medio al que no hacen justicia las eventuales comparaciones con Miles Davis. Durante los setenta y ochenta resurgió triunfal con una versión quintaesenciada de su estilo. Como cantante, su voz es la perfecta proyección de sus características instrumentales”. Jorge García.


Piezas: Alone Together. Exitus. Once In While. Chekeetah. How About You. Anticipated Blues. Tasty Pudding. Mythe. Not Too Slow. In A Little Provincial Town. R Vline.


Músicos: Chet Baker (trompeta), Raymond Fol (piano), Benoit Quersin (contrabajo), Jean Viale (batería), Bobby Jaspar (saxo tenor), René Urtreger (piano), Jean Louis Chautemps (saxo tenor), Francy Boland (piano), Eddie De Hass (contrabajo), Charles Saudrais (batería), Benny Vasseur (trombón), Teddy Ameline (saxo alto), Armand Migiani (saxo tenor), William Boucaya (saxo baritone), Francy Boland (piano) y Pierre Lemarchand (batería).

Además: “Con demasiada frecuencia, los famosos se ven reducidos al tamaño de simples caricaturas unidimensionales. La percepción de la imagen pública termina por definir las propias limitaciones del personaje, la circunferencia del alma. Es algo excesivamente fácil y simplista. En una persona siempre hay mucho más de lo que el público consigue ver, y esto nunca ha sido más cierto que en el caso de Chet Baker. Por haber sido la esposa de Chet, lo sé con más intensidad que la mayoría.
A Chet no se le puede describir tan solo como músico, drogadicto, marido o leyenda. Era todo eso y mucho más”. Carol Baker. 1997.

Más portadas: Chet Baker Quartet (1953), Chet Baker Sings (1954), Alone Together (1955), Stan Meets Chet (1958), In New cork (1958), Chet Baker In Milan (1959), Picture Of The Hearth (1961), Somewhere Over The Rainbow (1962), Baby Breeze (1965), One Upon A Summertime (1977), Live A Nick’s (1978), The Touch Of Your Lips (1979), Live A Montmarte (1979), Mr. B (1983) y Chet’s Choice (1985).

Los grandes del jazz nº 87 (Sarpe) 1982

Dakota Staton, Groove Holmes, Bernard Purdle, Cornell Dupree
Portada: diseño de Alberto Corazón



Una historia: “Los temas que aquí presentamos son una ulterior confirmación de la atención de la cantante de Pittsburg po las más importantes formas musicales de la cultura afroamericana. En el álbum vemos convivir, por ejemplo, el swing más pastoso y sangriento con el blues de Chicago, y la soul music con las ballads, fundiéndose todo en una paleta calorística de múltiples matices. Su mínimo común denominador está, naturalmente, en la voz de Dakota Staton, que se revela capas de afrontar con soltura y sensibilidad todos los géneros citados. Merece especialmente nuestra atención la peculiar intensidad de las interpretaciones de las ballads incluidas en este disco, donde Dakota alcanza una gran cima expresiva, dando a su voz una variedad de tonos digna de una cantante de gran clase. En temas como S House Not It A Home o el conocido clásico Deep In A Dream, la Staton parece buscar una síntesis entre la tradición de la ballad y la de la soul music”. Guía para el oyente de la colección Los grande del jazz..

Otra: “En cuanto a los temas de ritmo más movido, la cantante demuestra su habilidad para el fraseo insinuante y humorístico, que le permite variar del blues estilo Chicago de a Losting Battle al más jazzístico Blues For Tasty, en cuyo final inserta la parte más conocida del Every Day I Have The Blues, inolvidable caballo de batalla de Joe Williams. Más que airosa sale también de la prueba sobre el clásico cuatro cuartos swing, como en el caso de Candy, interpretada aquí con ritmo movido”. Guía para el oyente.

Canciones: Let It Be Me. Congratulations To Someone. Let Me Off Uptown. A House Is Not A Home. Blues For Tasty. A Losting Battle. Deep In A Dream. Confessin’ The Blues. Candy.

Músicos: Dakota Staton (voz). Horace Ott (piano eléctrico), Groove Holmes (órgano), Cornell Dupree (guitarra), Paul Martínez (contrabajo) y Bernard Purdle (batería).

Además: "Si Dakota Staton tiene en este álbum la posibilidad de dar lo mejor de sí misma, gran parte del mérito se debe a sus acompañantes, y en especial a Cornell Dupree, Bernard Purdie y, sobre todo, Richard Groove Holmes. Zurdo, y por ello capacitado para ampliar considerablemente su concepción armónica y rítmica en los bajos, Colmes es uno de los organistas más brillantes vinculados a la tradición de la espiritualidad negra. Solista fantasioso y de excelente técnica, en su carrera ha tenido ocasión de grabar, entre otros, con Jimmy McGriff, y en esta oportunidad revela un gran dominio instrumental en todos los registros del órgano, explotando al máximo su gama sonora y destacando como acompañante lleno de garra y precisión”. Guía para el oyente.

Más portadas: The Late, Late Show (1957), Dynamic! (1958), Crazy He Calls Me (1958), Ballads And Blues (1959), Dakota (1960), Madame Foo Foo (1972) y I Want Country Men (1973).

Shady Grove (Capitol) 1969
Quicksilver Messenger Service
Portada: pintura de L.K. Hollister

Una historia: “Elmore, Cipollina y Freiberg se encontraron entonces con Nicky Hopkins (al que admiraban por su toque en el Beggar’s Banquet, de los Stones), y le convencieron para que tocara con ellos. Su primera contribución fue en Joseph’s Coat, un corte del tercer LP –Shady Grove- que grabaron en sólo seis días, pero que acabaron cuatro meses después a causa de las borracheras y los partys que se organizaban en el estudio a la hora de montar las mezclas. El LP, aun siendo imaginativo, no alcanzó, sin embargo, la fuerza y brillantez del precedente (Happy Trails) que era too much. Los Quick llegaron de Marin County (norte de la Bahía) a mediados de 1965, y después de una serie de fluctuaciones errantes y desperdigadas por los clubs de Frisco, se consolidaron en el Avalon Ballroom”. Jesús Ordovás. El rock ácido de California. Ediciones Júcar. Los Juglares.

Otra: “El éxito de Happy Trails no impide que se produzcan cambios en Quicksilver Messenger Service en especial para la grabación de la piezas que se incluirán en el tercer disco grande del grupo californiano. Así entre las entradas figura la del teclista británico Nicky Hopkins, uno de los músicos habituales en discos de The Rolling Stones, quien estará presente en los siguientes discos de los Quick durante la primera mitad de la década de los setenta, incluso tocará en el disco de reunión de la mítica banda, Solid Silver, que anunciaba una nueva etapa que no llegó a pasar de un elepé y algunas giras sin continuidad”. Sam Rock

Canciones: Shady Grove. Flute Song. Three or Four Feet from Home. Too Far. Holy Moly. Joseph’s Coat. Flashing Lonesome. Words Can’t Say. Edward, The Mad Shirt Grinder.

Músicos: John Cipollina (guitarra y voz), Nicky Hopkins (órgano, organ, celeste y harpsichord), Gary Duncan (bajo, guitarra y voz), Greg Elmore (batería y percusión) y David Freiberg (viola, bajo, guitarra y voz).

Además: “John Cipollina, tras la primera disolución de Quicksilver, decidió viajar a las Islas Británicas, de su experiencia europea queda la participación como guitarrista en el disco grande titulado Maximun Darkness, del grupo Man, originario del país de Gales. Cipollina (1943-1989) también grabaría un elepé en solitario, Raven, en el que participó, entre otros músicos, su amigo Nicky Hopkins”. Sam Rock.

Ketama (Nuevos Medios) 1985
Ketama
Portada: dibujo de Ceesepe

Una historia: “La nueva generación de Sorderas y Habichuelas se formó tocando en aquellos mismos tablaos que conocieron sus padres. Fue concretamente actuando de guitarristas en Los Canasteros –el célebre tablao de Manolo Caracol-, a principio de los años 80 cuando surgió la idea de formar un grupo comprometido con la movida del presente. Su primer disco, Ketama, fue lanzado por Nuevos Medios, una pequeña compañía independiente de pop y alternativa de calidad. Era el momento de furor de aquellas pequeñas empresas –Dro, Tres Cipreses, Gasa, Twins… -que dieron una lección a las multinacionales apostando por la escena más visual. La inusual portada era una pintura del posmoderno Ceesepe. La producción musical corría a cargo de Teo Cardalda, miembro del exitoso grupo Golpes Bajos. Y la dirección comercial era una aventura a la conquista del mismo público pop de la movida.
El disco no consiguió los resultados de ventas que se merecía, pero el tiempo le dio la razón a Ketama. Y entonces vinieron los palos: “Ahora que estamos sacando el flamenco hacia fuera, los flamencólicos ya se meten con nosotros. Los flamencólicos tienen un flamenco aprendido en los libros, y eso no puede ser”, declararon años más tarde en su descargo los miembros del grupo, cuando acababan de ser estrellas taloneando a Prince”. Pedro Calvo y José Manuel Gamboa. Historia-Guía del Nuevo Flamenco. El Duende Ahora. Ediciones Guía de Música. Colección La Encrucijada. 1994.

Otra: “La base musical de este primer trabajo de Ketama fue la rumba en tres derivaciones: el esquema de Los Chorbos, el tango-rumba y la rumba salsera. Otros ritmos utilizados fueron las alegrías, las bulerías y unos tanguillos de nuevo cuño en el instrumental que da titulo al álbum y grupo. Y en todos los temas la voz solista es la de José Soto, a excepción de Domo Ariago, una sorprendente fusión brasileña-nipona hecha y dicha por José Heredia. El tema Luna, quédate conmigo, grabado ya por Camarón como bulería en Calle Real, lo habíamos escuchado anteriormente en la voz del joven autor jerezano Sebastián Blanco Moreno, que, curiosamente, es el único compositor ajeno a Ketama que firma otras dos piezas distintas a ésa en el disco”. P.C. y M.G.

Canciones: Sueño imposible. Vacío. Luna, quédate conmigo. Ahora que te tengo. Y será. Me llama. Domo Arigato. No sé si vivo o sueño. Ketama. Tranqui.

Músicos: Jose Soto (guitarra, palmas y voz solista), Juan Carmona (guitarra, laúd, percusión y palmas), José Heredia (guitarra percusión, palmas y voz), Antonio Carmona (percusión, palmas y voz). Carles Benaven (bajo), Pepe Habichuela (guitarra), Manuel Morao (guitarra), Pablo Novoa (bajo), Pablo Becerra (flauta), Vicente Soto (palmas) y Teo Cardalda (teclados, piano y percusión).

Además: “Esta formación abrió cauces en el contexto de la música joven de nuestro país. Al principio singularmente, después menos, se mantuvo fiel a las raíces étnicas en que todos sus miembros habían bebido originariamente , y este fue el principal rasgo distintivo con respecto a otros grupos; probablemente, también una de las claves del éxito. Ketama tiene ya una rica y variada producción discográfica, en la que ocupan un interesante lugar las dos entregas que bajo el título Songhai recogen trabajos de fusión con otras músicas, fundamentalmente la del malinés Toumani Diabate, y en las que demuestran su gran versatilidad los flamencos de Ketama”. Ángel Álvarez Caballero.

Más portadas: La pipa de kif (1987), Songhai (1988) y Y es ke me ha kambiao los tiempos (1990).

Musicarte

La lista es generosa en relación con los músicos que participan en el diseño de portadas de discos. Desde la los años sesenta hasta la actualidad, varios son los personajes interesados en expresar mediante dibujos, pinturas o fotografías sus inquietudes artísticas para utilizarlas de envoltorios de sus grabaciones. El resultado puede ser acertado o bien una manera de epatar, como pasa con las imágenes que aquí se ofrecen. Depende de cada uno que gusten o produzcan rechazo, aunque en determinados casos hay material gráfico interesante que sirve para reconocer que la plástica es para algunos/as algo más que una afición.

Revolver (Parlophone, 1966)…………………….The Beatles
Joni Mitchell (Reprise, 1968)……………………...Joni Mitchell
Tea For The Tillerman (Island, 1970)……………Cat Stevens
Captured Angel (Epic, 1975)…………………….......Dan Fogelberg
The Game’s Up (Atlantic, 1980)…………………....Sniff’n’ Tears