De África a Cuba (World Circuit-Nuevos Medios-Rockdelux) 2007
Varios
Portada: diseño de Nacho Antolín

World Circuit Records se ha convertido en el sello discográfico especializado en la difusión de músicas de Cuba y África Occidental que quedan recogidas en este recopilatorio editado por la revista Rockdelux en su número correspondiente a los meses de julio y agosto de 2007. En esta antología, de 13 piezas, se demuestra la conexión de ambas geografías a la hora de hacer música y canciones. Esto se pone de manifiesto al escuchar a Ali Farka Touré, Touman Diabaté, Cheikh Lô, Ibrahim Ferrer, Omara Portuondo o la Orchestra Boabad, entre otros grupos y solistas, cuyas interpretaciones en unos casos más que en otros resaltan ese mestizaje sonoro entre caribeños y africanos, incluso se va más allá, como pasa con el percusionista cubano Miguel Angá Díaz, que realizó una sabrosa adaptación de A Love Supreme, de John Coltrane.

Canciones: Savane. Boulevard de l’Independence. Hawa Dolo. Djorolen. Sou. Amor de loca juventud. Buenos hermanos. A Love Supreme. Redención. Para bailar el montuno. Tumbao. Mueve la cintura mulato. Ndeleng Ndeleng.

Músicos: Ali Farka Touré, Toumani Diabate’s Symmetric Orchestra, Ali Farka Touré & Toumani Diabaté, Oumo Sangare, Cheick Lô, Buena Vista Social Club, Ibrahim Ferrer, Angá, Orlando Cacaito López, Manuel Guajiro Mirabal, Rubén González, Omara Portuondo y Orchestra Boabab.

Más portadas: In Heart Of The Moon (2005), de Ali Farka Toure y Toumani Diabaté. Oumou (2003), de Oumou Sangare. Lamp Fall (2006), de Cheick Lô. Buena Vista Social Club, de Buena Vista Social Club (1996). Mi sueño (2007), de Ibrahim Ferrer. Echu Mingua (2005), de Miguel Angá Díaz. Cacaito (2001), de Orlando Cachaíto. Buena Vista Social Club presenta a Manuel Guajiro (2004), de Manuel Guajiro Mirabal. Chanchullo (2000), de Rubén González. Flor de amor (2004), de Omara Portuondo, y Made In Dakar (2007), de Orchestra Boabad.

Apunte: De los artistas de World Circuit, en este año, estarán actuando en España Toumani Diabaté, en el Teatro Häagen-Das (Calderón) de Madrid, el 29 de abril, y la Orchestra Boabad, en el Festival de los Pirineos Sur (Huesca), el 25 de julio.

Pájaros en la cabeza (Madame Mir) 2001
Aínda
Portada: fotografía de Amalio Fernández

Aínda (Ponferrada, 1974) es el nombre de un cantautor berciano muy vinculado a Galicia, que en el hasta ahora único disco en solitario ofrece un variado repertorio de canciones propias, excepto la composición Nouturnio do adoescente morto, correspondiente a los seis poemas en gallego de Federico García Lorca. Las doce canciones restantes destacan por el excelente acompañamiento instrumental y vocal de orientación folk, en el que figura, como ejemplos de la querencia por lo gallego, la cantante Uxía y el músico Anxo Pintos (Berrogüeto). En cuanto al contenido de las letras recogen el mundo cercano al cantante, en el que conviven lo viejo y lo nuevo, al igual que la música donde confluyen ritmos brasileños, rap, pop…En fin, un universo que es descrito con la claridad y la frescura de la voz de Aínda en composiciones como Un bolsillo lleno de arena, Entre tantos, Mil razones para amar o Caderno de bitácora, esta última escrita también en gallego.

Canciones: Un bolsillo lleno de arena (nada más). Entre tantos. Ulamaluna. Mil razones para amar. Nocturno do adoescente morto. Juego de piezas. En ninguna mujer. Aínda. Siempre. Virginia (no volarán mis alas). Aventuras y desventuras de un botillo concreto. Caderno de bitácora. Satélite.

Músicos: Aínda (guitarra española, guitarra eléctrica y voz), Raúl Belenda (piano), Jesús Ronda (guitarra española, guitarra acústica, guitarra eléctrica, mandolina, mandolón, cortinas, bajo, mandolina, pandereta, violín, percusiones, midi y cistro), Cuco Pérez (acordeón), Diego Galaz (violín), Fernando Zarzosa (congas), Adrián y Nerea (introducción en Ualamaluna), María San Francisco (coros), José Ángel Rodríguez (coros), Mónica González (coros), Fermín Romero (voces). Benito Malasangre (voces), Sebastián Lorca (violonchelo), Uxía (voz), Dilema (marovany), Anxo Pintos (zanfona), Javier Bergia (voz), Quintín Cabrera (voz) y Carlos Macías (trombón).

Más portadas: Cantigas de mayo (2000).

Apunte: A cor das bágoas (2006) es el título del libro de poesía de Aínda con el que ha montado un espectáculo músico teatral.

 
El rastro (4)

 

Los Botines

Columbia

1965

• Chico ye-yé
• Me marcharé
• Aleluya surf
• Lo que sientes por mí

Sincerely (Shelter Records) 1976
Dwight Twilley Band
Portada. Fotografía de Jin McQuery

Dwight Twilley Band se ha convertido por derecho en una banda de culto entre los seguidores del pop de toda la vida, a pesar de que este primer disco del grupo se podía encontrar en Madrid a finales de los setenta en el cajón de los elepés rebajados. Grabado para Shelter Records, la inolvidable experiencia discográfica de Leon Russell y Denny Cordell, el dúo formado por Dwight y Phil demuestra ejemplar elegancia en la composición de piezas cortas pero brillantes en la producción y en la ejecución, más perdurables en el tiempo que otras aparecidas en la segunda mitad de la década de 1970 bajo la etiqueta de la nueva ola de Estados Unidos, nada que ver con los grupos de la Costa Este (New York, sobre todo). Dwight Twilley Band sin descartar las enseñanzas recibidas del british pop de los sesenta y también de los setenta, -una canción se titula England- realiza una mezcla de estilos, rock and roll, soul, boggie,.que perdura con firmeza.

Canciones: I’ m on Fire. Could Be Love. Feeling in the Dark. You Were So Warm. I'm Losing You. Sincerely. TV. Release Me. Three Persons. Baby Let’s Cruise. England. Just Like The Sun.

Músicos: Dwight Twilley (guitarra, teclados y voz) y Phil Seymor (batería, bajo y voz). Tocan también el algunas canciones: Bill Pitcock IV (guitarra), Roger Linn (guitarra y bajo), Jerry Naifeh: (batería), Johnny Johnson: (bajo) y Leon Russell (piano y bajo).

Más portadas: Twilley Don’ t Mind (1977), y The Great Lost Twilley Album (1993). Dwight Twilley (en solitario). Twilley (1979), Scuba Divers (1982), Jungla (1984), Wild Dogs (1986), Tulsa (199), Yhe Luck (2001) y 47 Moons (2007).

Apunte: Diecisiete años después de su comercialización, en 1993 salía a la venta la segunda reedición de Sincerely en fomato compacto con cuatro canciones más: Tiger Eyes, Please Say Pleas, Miserable Lady y Rock Yourself, Son. En la primera, de 1989, incluía las composiciones Did You See What Happened?, Look Like An Angel, Miserable Lady y Rock Yourself, Son.

Blue Moon (Decca) 1956
Carmen McRae
Portada: archivo Decca

Carmen McRae (1920-1994) pertenece a la generación de cantantes de jazz que se abrieron camino en el mundo de la música a pesar la competencia de con Billie Holiday, a quien la mayoría admiraba, aunque con el paso del tiempo algunas llegarían a brillar por su personal estilo. Este es el caso de Carmen McRae, quien en este disco demuestra una voz dotada para los estándares de conocidos compositores como Gerswhin, Don Costa, Irving Berlin o Billy Strayhorn, aunque la incursión de la cantante en el terreno de las versiones no se limita a la repetición académica de cada una de las piezas que se grabaron con dos orquestas distintas, más bien se produce una reinvención desde la primera primera, gracias a la fuerza expresiva de Carmen. My Foolish Heart, I Was Doing All Right, I’m Putting All My Eggs One Basket, Even It Breaks My Heart y, por supuesto, Blue Moon representan la versatilidad de McRae a la hora de cantar, unas veces con swing, otras con tono suave pero profundo y sin perder la potencia de una voz con mucho sentimiento.

Canciones: Blue Moon. My Foolish Heart. I Was Doing All Right. Summer Is Gone. I’m PuttinAll My Eggs In One Basket. Nowhere. Until The Real Thig Comes Along. Lush Life. Even It It Breaks My Heart. Laughing Boy. Lilacs In The Rain. All This Could Lead To Love.

Músicos: Tad Dameron Occhestra (probablemente Charlie Shavers (trompeta), Ray Bryant (piano), otros músicos desconocidos y Dameron (arreglista y director) en las canciones 1,3 y 5. Jimmy Mundy Orchestra (arreglista y director) y otros músicos desconocidos en las canciones 2,4,7,8,9 y 11.

Más portadas: Carmen McRae (1954), Easy to Love (1954), Torchy (1955), After Glow (1957), Book Of Ballads (1960), Sings Lover Man And Other Billie Holiday Classics (1961), The Real Ambassadors (1962), Somethig (1962), Bittersweet (1964), Alive! (1965), Great American Songbook (1972), Two For The Road With George Shearing (1980), You're Lookin’ At Me (A Collection of Nat King Cole Songs) (1983), For A Lady Day (1983), Any Old Time (1986), Carmen Sings Monk (1988) y Sarah: Dedicated To You (1991).

Apunte: A lo largo de su carrera discográfica, Carmen McRae tuvo siempre en cuenta el arte de cantantes y músicos contemporáneos a los que dedicó algunas grabaciones: Billie Holiday, Sarah Vaughan, Nat King Cole y Thelonius Monk.

4x10

1968

Traffic (Island) 1968

Traffic

Portada: fotografía de Richard Polak

Traffic grabó su segundo elepé en pleno apogeo de la psicodelia, a la que contribuyeron los miembros de la banda británica con un rock entre introspectivo y asequible que significó que el álbum tuviese una excelente acogida tanto en las islas Británicas como en Estados Unidos. Dave Mason aporta dos de las canciones más atractivas y consecuentemente con más gancho, por ejemplo You Can All Join In, Don’t Be Sad, Vagabon Virgin.y Feelin’ Alright?. Esta última se convertiría también en éxito mediante las versiones realizadas en la década de 1970 por Joe Cocker y Gran Funk Railroard. El resto del material oscila entre el blues rock de rabiosa guitarra en Pearly Queen a las introspectivas Who Knows What Tomorrow May Bring, (Roamin’ Thro’ The Gloamin With) 40,000 y No Time To Live, donde sobresale la labor en la instrumentación de viento a cargo de Chris Word, quien acopla saxos y flauta sin contratiempos al estilo del grupo, en el que hay que resaltar asimismo la voz del joven Winwood. Con su órgano colaboraría ese mismo año de 1968 en el disco Electric Ladyland, de Jimi Hendrix.

Canciones: You Can All Join In. Pearly Queen. Don’t Be Sad. Who Knows What Tomorrow May Bring. Feelin’ Alright?. Vagabond Virgin. (Roamin’ Thro’ The Gloamin With) 40,000 Headmen. Crying’ To Be Heard. No Time To Live. Means To An End.

Músicos: Steve Winwood (guitarra, bajo, órgano, piano, harpsichord y voz), Dave Mason (guitarra acústica, guitarra eléctrica, bajo, órgano, armónica y voz ), Crhis word (flauta, saxo tenor, saxo soprano, percusión y batería) y Jim Capaldi (batería, percusión y voz)

Más portadas: Mister Fantasy (1967), Traffic (1968), Last Exit (1969), John Barleycorn Must Die (1970), Welcome to the Canteen (1971), Low spark of high heeled boyd (1971), On the road (1973), When the eagle flies (1974), .Far From Home (1994) y Last Great Traffic Jam (2005).

Apunte: La edición en CD de Traffic ofrece cinco composiciones más de las 10 iniciales del elepé. Son Here We Go Round The Mulberry Bush y Am I What I Was Or Am I What I Am, ambas forman parte de la banda sonora de la película del mismo título que la primera canción. Las restantes son Witherlog Tree, cara B del sencillo que incluye Feelin’ Alright; Medicated Goo, cara A del sencillo que recoge Sanghai Noodle Factory.

Time Honoured Ghosts (Polydor) 1975
Barclay James Harvest
Portada: ilustración de Bill Dare


Barclay James Harvest es una de las bandas de las denominadas de rock sinfónico con una larga trayectoria sin grandes altibajos en su formación y estilo desde sus comienzos con los años setenta, cuando el cuarteto grabó sus mejores discos. Ya por la mitad de la mencionada década, Barclay James Harvest salió un poco más allá del círculo de rock progresivo al ser editado Time Honoured Ghosts, elepé en el que quedaron registradas nueve composiciones con evidente protagonismo de los teclados pero también excelente trabajo en las voces y la guitarra eléctrica. Este instrumento resalta en Song For You e Hymn For The Children. La apuesta por un estilo menos encorsetado en la música progresiva y con guiños al pop convierte el disco en ejemplo de sonido más abierto hacia un público variopinto, algo que quizá intuyó el productor Elliot Mazer. El elepé se abre con un canto a lo sinfónico In My Life, continuado en otras piezas, al que sigue una balada acústica en plan religioso Sweet Jesus, dos ejemplos del estilo del cuarteto que también recurre a canciones pop como One Night, que cierra el álbum y resalta las buenas armonías vocales de los ingleses.

Canciones: In My Life. Sweet Jesus. Titles. Jonathan. Beyond The Grave. Song For You. Hymn For The Children. Moongirl. One Night.

Músicos: John Lee (guitarras acústica y eléctric y voz), Les Holroyd (bajo, guitarra acústica y voz), Wooly Wolstenholme (teclados y voz) y Mel Pritchard (percusión).

Más portadas: Barclay James Harvest (1970), Once Again (1971), Baby James Harvest (1972), October (1976), Gone To Heart (1977), Live Tapes (1978), Eyes Of The Universe (1979), Victims Of Circunstance (1984) y Caught In The Light (1993).

Apunte: En conjunto o en solitario, los miembros de Barclay James Harvest continúan grabando discos y saliendo de gira. De las grabaciones más recientes, hay que destacar el disco titulado Classic Meets Rock (2007).

LOS BRINCOS

World, Devil & Body (Arcade) 1970
Los Brincos
Portada: pintura de Claudio Bravo



Los Brincos tomaron una nueva dirección a finales de la década de los sesenta con la grabación en Londres de World, Devil & Body, primer elepé conceptual del pop español en el que el líder del grupo Fernando Arbex (1941-2003) inició la búsqueda de un sonido en teoría más progresivo y psicodélico que el desarrollado durante su exitosa etapa beat. Sin embargo, en el que sería último disco de Los Brincos, las canciones que brillan son las de registro pop como Promises & Dreams o Body Money Love, en la versión inglesa porque la censura en España no dejó que el disco saliese con la portada que se puede ver aquí, obra del pintor chileno Claudio Bravo. Hubo entonces disco para el público en castellano y con el título Mundo, demonio y carne (Novola), pero una caratula menos expresiva, y el mencionado en inglés que se puso a la venta también en Estados Unidos. Otras piezas del álbum más roqueras, caso de la que abre la lista: Crazy World constituye un adelanto de las próximas aventuras musicales de Arbex, que tras el fracaso de la nueva formación de Los Brincoos, y en la década de los setenta, dejaría su impronta en los grupos Alacrán y Barrabás. El segundo llegaría a conseguir un importante éxito de público y ventas en Estados Unidos y varios países de Latinoamérica.

Canciones: Crazy World. Angel Felt. Hell’s Door. Body & Soul. Promises & Dreams. Emancipation. Body Money Love. Misery & Pain. Where Is My Love. If I Were You.

Músicos: Fernando Arbex (batería y voz), Ricky Morales (guitarra eléctrica y voz), Miguel Morales (guitarra eléctrica y voz), Manolo González (bajo y voz) y Óscar Lasprilla (órgano y guitarra).

Más portadas: Los Brincos (1964), Los Brincos II (1966), Contrabando (1968) y álbum de oro (1981).

Apunte: Fernando Arbex y Miguel Morales resucitaron a Los Brincos con la grabación del disco La eterna juventud (2000).

Cousas da lúa (Arcade) 1999
Mutenrohi
Portada: Mercader de ideas



Mutenrohi comenzó su periplo en la segunda mitad de los noventa en la ciudad de Ourense, donde un grupo de músicos jóvenes apostaron por la renovación del folk, tarea en la que un poco más adelante se incluyó la producción, grabación, promoción y distribución de trabajos de diferentes formaciones que se han confirmado en el panorama musical como valores consistentes a través de Zouma Records. Uno de los promotores de esta discográfica, Juan Carlos Fasero se constituyó desde el principio en el alma mater de Mutenrohi, grupo que en su tercer disco Cousas da lúa apuesta por un nuevo abordaje del folk mediante el protagonismo de guitarra eléctrica, bajo, batería y diferentes recursos de la tecnología, así como el excelente trabajo de la pianista y la violinista, pero sin perder de vista la rica tradición de la música popular de Galicia. De esta forma, el grupo ourensano obtiene el reconocimiento más allá de las fronteras de su lugar de origen, avance que se produce al mismo tiempo que su evolución hacia un mestizaje de ritmos que se pueden comprobar en Teño sede, Cousas da lúa, Para quen entrou no baile, Muiñeira nova y Despedida re-mix, entre otras piezas que dan consistencia a la tercera grabación de Muntenrohi.

Canciones: Bag Al’ame. Teño sede I (introducción). Teño sede II. Irmandade das cometas. Cousas da lúa. Dircectos al cielo. Diábolo. Parque quen entrou no baile. Despedida. Muiñeira nova. Muntenrohi (versión 99). Despedida re-mix. Saudade.

Músicos: Juan Carlos Fasero (guitarras y voz), Raquel Pato (piano acústico y teclados), Raquel Rodríguez (violín), Juan Padrón (bajo), Abrahám Vila (batería), Cristina Barriga (voz) y Xurzo Brea (gaita y low whistle). Cristina Pato (gaitas), José de Liz (bouzuki), Ivan Laxe (programación), Manuel Padrón (percusión), Yuri Radcenko (violín), Jorge Beltrán (saxo), Mercedes Torres (trompeta), Rosendo Torres (trompeta), Ángel Antonio Montes (trombón) y Trío de Moldavia (cuerdas).

Más portadas: O mal tempo (1996), ¡Has bailar! (1997), Danze (2001), Maio (2003) y E van dez (2007).

Apunte: Mutenrohi lo forman en la actualidad Juan Carlos Fdez. Fasero (voz y guitarra.), Iván Salgado (piano y tecaldos), Xurxo Brea (bajo), Carlos Campos (violín), David Outumuro (batería) y César Martínez (gaita y flautas). El grupo prepara Sete, en gallego el número de su nuevo disco, en el que se incluyen 11 canciones y las colaboraciones de Cristina Pato, Eva Carreras y la Banda de Gaitas de Cea.

 
El rastro (3) 

Lone Star
La Voz De Su Amo
1965
 

• Satisfaccion
• Wooly Bully
• Muy lejos de aquí
• Aquí en mi nube

Charley Patton (Virgin/MM) 1996
All Thimes Blues Classics
Portada: fotografía coloreada de Patton

Charley Patton es una de las leyendas de la música popular de Estados Unidos, porque en su corta existencia protagonizó la difusión del blues rural hacia otros sectores de la población que no fueran en exclusiva los de la población negra de la primera mitad de la década de 1920 del siglo pasado, cuando la industria discográfica iniciaba su despegue hacia un público masivo. Patton tuvo tiempo para tocar con otras figuras contemporáneas, entre ellas Robert Johnson, y grabar algunos discos hoy muy difíciles de encontrar en los que se aprecia el nacimiento del blues moderno, el paso previo a su urbanización y a su posterior reconocimiento a nivel internacional. En este disco recopilatorio, como todos los que se editan del guitarrista y cantante, se recogen las clásicas canciones con temática propia del blues más descarnado, es decir la crónica de lo que le pasaba a hombres y mujeres de color que vivían en condiciones penosas, aunque siempre había tiempo para la diversión, de ahí que el vividor Patton aprovecharse para convertirse en un entretenedor de calidad, que dominaba su instrumento de cuerda y a la vez enriquecía su repertorio con todo tipo de canciones. El material de este disco, en total 22 piezas, está grabado durante 1929, 1930 y 1934, año ese último en que murió el cantante cuya edad es indeterminada, pues no existe una fecha concreta de su nacimiento, sólo se sabe que fue a finales del siglo XIX, pero quedan canciones constantemente regrabadas por músicos de diferentes estilos. Entre las cuales están 34 Blues, Shake It and Break It, Stone Pony Blues, A Spoonful Blues, Down the Dirt Road Blues y High Sheriff Blues.

Canciones: Shit Break It. High Sheriff Blues. 34 Blues. Stone Pony Blues. A Spoonful Blues. Mississippi Bo Weavil Blues. Some Summer Day. Some Of These Days I’ll Be Gone. Jim Lee. Running Wild Blues. I’m Going To Move To Alabama. You Gonna Need Somebody When You Die. Prayer Of Death. When You Way Gets Dark. Highwater Everywhere. Down The Dirt Road. Moon Going Down. I’m Going Home. It Won’t Be Long. Screaming And Hollering The Blues. Poor Me. Lord, I’m Discouraged.

Músicos: Charley Patton (guitarra y voz). Henri Sims (violín y voz en 10 y 11).

Más portadas: King Of The Delta Blues (1985), The Definitive (2001) y Devil Sent The Rain Blues (2004).

Apunte: El dibujante de cómic Robert Crumb, seguidor del blues grabado en discos de 78 r.p.m., ha realizado una excelente recreación en historieta de la vida de Charley Patton en Héroes del blues.

Trio (Warner Brothers) 1986
Dolly Parton/Linda Ronstadt/Emmylou Harris
Portada: fotografía de Robert Blakeman

Dolly Parton, Linda Ronstadt y Emmylou Harris, tres de las cantantes más representativas del country de la década de 1970, se reunían durante el año 1986 para grabar un disco de larga duración con música tradicional norteamericana y composiciones de autores como Phil Spector y Linda Thompson, entre otros, incluida la propia Parton. De esta manera, las tres damas demostraron su capacidad vocal para adaptarse a distintos ritmos de la música más campestre, sobre todo en los que tiene más protagonismo el trío que la voz solista de cada una. Sin caer en la mera reinterpretación de piezas conocidas, Parton Ronstadt y Harris convencen con sus sentidas melodías que van desde la evocadora To Know Him Is To Love Him a las tradicionales Rosewood Casket y Farther Along, pasando por las imperecederas Hobo’s Meditation y Those Memories Of You. En fin una reunión de artistas consagradas que funcionó al adaptarse cada una al conjunto sin pero sin perder su identidad vocal dentro de un trabajo en equipo en el que también sobresale el importante plantel de músicos acompañantes.

Canciones: The Pain Of living You. Making Plans. To Know Him Is To Love Him. Hobo’s Meditation. Wildflowers. Telling Me Lies. My Dear Companion. Tose Memories Of You. I’ve Had Enough. Rosewood Casket. Farther Along.

Músicos: Dolly Parton (voz), Linda Ronstadt (voz), Emmylou Harris (voz y guitarra acústica), Albert Lee (guitarra acústica; Histrung guitar y mandolina), David Lindley (mandolina, Kona hawaiin, guitarra acústica, autoharp y dulcimer), Mark O’ Connor (viola, violín, mandolina y guitarra acústica), Steve Fishell (pedal steel), Kenny Edwards (Ferrington acoustic bass y bajo eléctrico), Rus Kukel (batería), Ry Cooder (Tremolo guitar), John Starling (guitarra acústica), Herb Pederson (banjo y arreglos de voces en Hobo’s Meditation y Telling Lies), Steve Fishell (dobro, Kona hawaiian guitar y pedal steel), Bill Payne (piano, piano acústico y guitarra acústica), David Campbell (orquestación en Telling Lies y en I’ve Had Enough), Brice Martin (flauta), Marty Krystall (clarinete), Ilene Novi Novog (viola), Dennis Karmazyn (chelo solista en I’ve Had Enough) y Jordi Burnett (chelo).

Más portadas: Trio II (1998).

Apunte: Doce años después del primer álbum Trio, en 1998 aparecía Trio II, en el que colaboraban junto a las tres cantantes músicos como David Grissman, Ben Keith, Alison Krauss, Leland Sklar, Jim Keltner, Dan Parks, Mark Casstevens, Carl Jakson y otra vez David Lindley.

El color del tiempo (Manzana) 2000
Benito Cabrera
Portada: fotografía de David Serni

Benito Cabrera es uno de los principales representantes de la música de las islas Canarias, pues su domino del timple le permite colaborar con artistas no sólo de su lugar de origen sino también de otros geografías, lo cual influye en que sus composiciones muestren un mestizaje sin complejos. En este sentido, y en concreto con su tercer disco en solitario, indica: “Cuando hago música procuro no olvidar que soy de un lugar y una época que crear no es más que recoger los elementos de siempre y recombinarlos de una forma nueva, que ser universal consiste en lanzar semillas desde las raíces para que los sentimientos dibujen el aire y consigan cómplices en el viento”. Cabrea reconoce que en El color del tiempo trata de ofrecer una visión actual pero partiendo de la tradición, “pero sabiéndome de un momento y de una forma de contar las cosas”. En esa línea entre tradición y actualidad están, por ejemplo, Princesa (ritmos pop), Gomeros (tradición y rap), Morrojable (motivo morisco, malagueña y polea) y Tangana (influencias afrocubanas).

Piezas: Princesa. Jarandina. Gomeros. Tiempo de cerezas. Canción para despertar a Valentina. La fiesta de San Simón. Morrojable. Lancelot. Tenteniguada. Tuineje. Alisios. Taganana.

Músicos: Benito Cabrera (timple), Ruskin Herman (guitarra eléctrica), Guillermo Chávez (bajo), Fernando Ortí (teclados, secuencias, samplers y sintetizadores), Fede Beuster (batería), J. Mario Rodríguez (guitarras), Sergio García de la Nuez (bendir, bodrham, plato, pandero, djembe, chácaras, tambor, triángulo, udú, efectos y shakeate), Samuel Rodríguez (acordeón), Alfredo Llanos (batería, platos), Moisés González (djembe, darbuka, congas, bongó, timbal y batá), Julio Rodríguez Rancel (rap en Gomeros), Txowie Souza y Julio Rodríguez (letra de rap en Gomeros), Kike Perdomo (saxo), Juan Cantero (flautas), J. Manuel Ramos (voz en Gomeros), Alberto Méndez (bajo y secuencias), La de Sabinosa (voz en Canción para despertar a Valentina), Mikulas (violín), Tibor Covacs (violín), Ludjek Engler (violín) y Carlos Mas (guitarra eléctrica).

Más portadas: Concierto de timple (1991), Notas de viaje (1996), Travesías (2002) y Puente del sur (2007).

Apunte: El último trabajo discográfico, Puente del sur, de Benito Cabrera cuenta con la colaboración de instrumentistas de diferentes lugares como Kepa Junkera, Cristina Pato, Paco Díez y Los Gofiones.

Hall Ot The Mountain Grill (EMI) 1974
Hawkwind
Portada: ilustración de Barney Bubbles


Hawkwind se constituyó como grupo musical a principios de la década de 1970 bajo la influencia de la psicodelia, las filosofías orientales y el cooperativismo, para ir evolucionando hacia un rock progresivo con ínfulas literarias (Mike Moorcock es uno de los escritores que colaboran con la banda británica) expresadas en las puestas en escena de las canciones mediante juegos de luces, efectos especiales e incluso la presencia de una bailarina sobre el escenario, llamada Stacia, cuyo nombre aparece en los créditos de este álbum. Como buenos músicos de su tiempo, estoy hablando de la primera mitad de los setenta, los integrantes de Hawkwind recargan sus canciones con sonidos de los últimos adelantos de la electrónica aplicados al rock. Fundamentalmente son teclados como sintetizador y melotrón que semejan en algunos pasajes al denostado rock sinfónico, aunque inspirado en la ciencia ficción, pero también aparecen guitarras eléctricas que se aproximan al heavy, saxo tipo free, flauta, oboe y kalimba, lo cual da una idea de cómo una banda del circulo underground consigue llegar a las listas de éxitos de la música pop. En esa línea roquera, algo espacial, están The Psychedeic Warlords, Web Weaver, You’d Better Believe It, Lost Johnny y Paradox. En cuanto al sonido espacial, hay que resaltar Wind Of Change, D-Rider y la pieza que da título al elepé.


Canciones: The Pyschedelic Warlords (Disappear In Smoke). Wind Of Change. D-Rider. Web Weaver. You’d Better Relieve It. Hall Of The Mountain Grill. Lost Johnny. Goat Willow. Paradox.

Músicos: Dave Brock (guitarra, guitarra de 12 cuerdas, sintetizador, órano y voz), Lemmy (bajo, guitarra y voz), Simon House (teclados, melotrón y violín), Del Dettmar (teclados, sintetizador y kalimba) y Simon King (batería y percusión).

Más portadas: Hawkwind (1970), In Sarch Of Space (1971), The Space Ritual Alive Alive in Liverpool And London (1973), Warrior Of The Edge Time (1975), Quark, Strangeness And Charm (1977), PXR5 (1979), Levitation (1980), Sonic Attack (1981), Choose Your Masques (1982), The Chronicle Of The Black Sword (1985), Live Cronicles (1986), The Xenon Codex (1988), Space Bandits (1990), Alien 4 (1995), Love In Space (1996), Distant Horizonts (1997), Yule Ritual (2001).

Apunte: Hawkwind grabó en 2006 el disco titulado Take Me Your Future, en el que partiparon Robert Calvert (voz), Dave Brock (guitarra, teclados y voz), Alan Davey (bajo y voz), Richard Chadwick (batería), Simon House (violín) y Arthur Brown (voz).

Bombs Away Dream Babies (BSO Records) 1979
John Stewart
Portada: Herbert W. Worthington III. Logo de Jack Upston

John Stewart (1939-2008) comenzó su periplo musical en el movimiento folk de comienzos de los sesenta, época en que militó en The Kingston Trio, para continuar una fructífera carrera en solitario que además le sirvió para componer para otros artistas como Joan Baez, The Monkees, Ann Murray, Roseanne Cash y Nancy Griffith. En 1979 se ponía a la venta el álbum Bombs Away Dream Babies, en el que colaboraron Lindsay Buckingham y Steve Nicks, de los triunfantes Fleetwood Mac de la etapa de Rumours, que contagian con su estilo pop a un Stewart en proceso de cambio. Stewart conseguirá un importante éxito de público con la canción Gold, aunque en el álbum se encuentran también muestras del talento del músico, cantante y compositor californiano. No hay que olvidarse de Lost Her In The Sun, Midnight Wind, Over The Hill y Hand You Heart To The Wind para encontrarse con un compositor de limpio registro e incisiva letra, que ha ofrecido canciones propias de fuerte pegada, pero con claras influencias de la música norteamericana con raíces.

Canciones: Gold Stewart. Lost Her In the Sun. Runaway Fool Of Love. Somewhere Down The Line. Midnight Wind. Over The Hill. The Spinnin’ Of The World. Comin’ Out Of Nowhere. Heart of the Dream. Hand Your Heart To The Wind.

Músicos: John Stewart (guitarras acústicas y eléctricas, dulcimer y voz), Lindsey Buckingham (guitarras acústicas y eléctricas y voz), Joel Carhone (teclados), Wayne Hunt (guitarra acústica de 12 cuerdas y teclados), Michael Botts (batería), Russ Kunkel (batería), Gary Weisberg (batería), Richard Shlosser (batería), Steve Nicks (voz), Mary Torrey (voz), Chris Welam (voz), Buffy Font Stewart (voz), Christine DeLisle (voz), Mary Kay Place (voz), Joel Harris (voz), Croxey Adams (voz), Dave Guard (voz), Deborah Trompkins (voz) y Catherine Guard (voz).

Más portadas: Signals Through the Glass (1968) California Bloodlines (1969), Willard (1970, Lonesome Picker Rides Again (1971), Sunstorm (Warner, 1972 Cannons in the Rain (1973 Wingless Angels (1975), and Fire in the Rain (1977), Dream Babies Go Hollywood ( 1980), Blondes (1982), Trancas (1984), Centennial (1985), reissued as American Sketches (1990),:Punch the Big Guy (1987), Bullets in the Hourglass (1992), Theresa and the Lost Songs (, 1992), Savannah (1992), Rocket Roy in the Real World (1993), Last Campaign (1996) , Rough Sketches (1996), John Stewart & Darwin's Army (1999), Wires From the Bunka (2000), Havana (2003) y Revenge (2006).

Apunte: John Stewart murió el 18 de enero de 2008 en su San Diego natal a los 68 años de edad, tras sufrir un derrame cerebral.

Atlantic Crossing (Warner Bros) 1975
Rod Stewart
Portada: John Kosh


Rod Stewart (Londres, 1945) conoció el éxito durante la década de 1970 tanto a nivel individual como con el grupo The Faces, pero a partir del disco Atlantic Crossing, grabado en Estados Unidos, el cantante británico reorientará definitivamente su carrera como solista. En compañía de reputados músicos de estudio, principalmente de Estados Unidos, Rod grabó en Los Ángeles, Nueva York, Memphis y Miami su sexto álbum con piezas propias, las más roqueras, y ajenas en la cara lenta del elepé. El disco alcanzó también el puesto número 1 en las listas de éxitos, como ocurrió con buena parte de los grabados por Stewart en los años setenta. Atlantic Crossing incluye una versión de Sailing de The Southerland Brothers, que vendería mucho más que el original. La evidente comercialidad del álbum no le quita calidad al resto de las canciones que, en el caso de las cañeras, representan el rock inglés de mediados de los setenta difundido por The Rolling Stones y Faces, al que se añade toques de reggae en algunos casos, pues este estilo comenzaba a conocerse fuera de los ámbitos especializados. Country-rock, soul y pop rock son otros ritmos en los que se apoyan excelentes versiones de I Don’t Want To Talk About It, This Old Heart Of Mine y Still Love You, esta última balada compuesta por Rod.

Canciones: Three Time Loser. Alright For An Tour. All In The Name Of Rock & Roll. Drift Away. Stone Cold Sober. I Don't Want To Talk About It. I’'s Not The Spotlight. This Old Heart of Mine. Still Love You. Sailing.

Músicos: Rod Stewart (voz), Pete Carr (guitarra), Jesse Ed Davis (guitarra), Steve Cropper (guitarra), Fred Tackett (guitarra), Jimmy Johnson, (guitarra), Barry Beckett (teclados), Albhy Galuten (teclados), Donald Duck Dun ( bajo), Lee Sklar (bajo), Bob Glaub (bajo), David Hood (bajo), David Lindley (mandolina y violín), Al Jackson (batería), Roger Hawkins (batería) Nigel Olsson (batería), Willie Correa (batería), The Memphis Horns (trompeta, trombón y saxofón) , Cindy & Bob Singers, The Pets & The Clappers(coros) y Arif Mardin y James Mitchell (arreglos de cuerda).

Más portadas: An Old Raincot Won’t Ever Let You Down (1970), Gasolina Alley (1970), Every Picture Tells A Story (1971), Never A Dull Moment (1972), Sing It Again, Rod (1973), Smiler (1974), A Night On The Town (1976), Foot Loose & Nancy Free (1977), Blondes Have More Fun (1978), Foolish Behaviour (1980) y Tonight I’m Tours (1981) y Out Of Order (1988).

Apunte: Rod Stewart es otra de las estrellas del pop que se mantiene en el candelero desde la década de los sesenta. El inglés continúa grabando discos que le convierten en favorito de un determinado público adulto, contemporáneo del artista. Su otra faceta consiste en actuaciones en directo en las que desarrolla su amplio repertorio. En marzo de este año cantará en Guadalajara y Méjico DF.

El rastro (2)

 Los Bravos

Columbia

1967

• Simpathy
• Show Me
• I'M All Ears
• I'M Wearing A Smile

Cantar y callar (Edigsa) 1974
Labordeta
Portada: José Luis Lasale

José Antonio Labordeta (Zaragoza, 1935) reúne en torno a su persona, más allá de tópicos sobre cantautores comprometidos, rasgos de universalidad que dan forma a la tradición del pueblo para devolverla a la pureza desnuda y alejarla de esquematismos y caricaturas interesados. Dentro de su faceta versátil, en la que tienen cabida docencia, literatura, comunicación y política, Labordeta es uno de los cantantes más representativos e interesantes de Aragón, que en la primera mitad de los setenta, casi con cuarenta años de vida, estrenaba larga duración con el título Cantar y callar, que en la carpeta la conjunción que separaba los verbos aparecí como i, quizá influyese que el sello discográfico encargado de la grabación era catalán. Austero, sin más acompañamiento que la guitarra, Labordeta desgrana crónicas ásperas que describen la dureza de una tierra olvidada, donde hasta los fenómenos atmosféricos tienen un componente de amenaza: nieve, lluvia, pedrisco, hielo, cierzo, sol, que caen sobre la gente que está en la siembra, la siega o la recogida de la oliva, tareas que no ahuyentan el hambre, el polvo, pero que empujan a los más jóvenes a la búsqueda de horizontes más halagüeños. En fin un mundo no tan lejano en el tiempo que aparece con su inevitable contundencia en canciones como Aragón, Los masoveros, Los leñeros, El poeta, La vieja, Por el camino de polvo o Dónde se van.

Canciones: Aragón. Todos repiten lo mismo. Los masoveros. Yo soy igual. Los leñeros. Palabras. Las arcillas. El poeta. Cuando se agosta el campo. La vieja. Por el camino del polvo. Dónde se van. Canción para una larga despedida.

Músicos: José Antonio Labordeta (guitarra y voz).

Más portadas: Tiempo de espera (1975), Cantes de la tierra adentro (1976), Labordeta en directo (1977), Que no amanece por nada (1978), Cantata para un país (1980), Las cuatro estaciones (1982), Aguantando el temporal (1983), Qué queda de ti, qué queda de mí (1984), Qué vamos a hacer (1987), Trilce (1989), Canciones de amor (1993), Recuento (1995) y Paisajes (1997).

Apunte: José Antonio Labordeta ha representado a Zaragoza durante dos legislaturas (2000-2008) dentro de la Chunta Arogenesista en el Congreso de los Diputados. También su faceta de comunicador protagonizó el programa Un país en la mochila, en TVE.

4x10

1968

 
Undead (DERAM) 1968
Ten Years After
Portada: Fotografía de John Fowley

Ten Years After se grabó en el club de jazz Klooks Keek de West Hampsrtead (Londres) su segunda disco grande, principalmente con composiciones propias de los integrantes del cuarteto y un par de versiones en clave de boggie y blues. Habitual en los circuitos de blues, la banda liderada por Alvin Lee se convirtió enseguida en una de los combos preferidos de los roqueros británicos de la segunda mitad de los sesenta. El segundo álbum incluye una de las canciones emblemáticas de la banda y titulada I’m Goin On, compuesta por Alvin Lee, que sería una de las piezas más aplaudidas en el macrofestival de Woodstock (1969), lugar que sirvió al conjunto para consagrarse a nivel internacional, sobre todo tras el estreno de la película sobre dicho evento. Ten Years After destacó desde el primer momento por un estilo compenetrado, directo y a veces duro, al que contribuyeron la destreza del guitarrista y la contundencia de la sección rítmica. En España salió en un disco doble que también recogía el primer disco homónimo del cuarteto, bajo el título Now.

Canciones: I May Be Wrong, But I Won’t Be Wrong Always. At The Woodchoppers’ Ball. Spider In My Web. Summertime. Into Shantung Cabbage. I’M Going Home.

Músicos: Alvin Lee (guitarra y voz), Chick Churchill (teclados), Leo Lyons (bajo) y Ric Lee (batería).

Más portadas: Ten Years After (1967), Stonedhenge (1969), Ssssh (1969), Cricklewood Green (1970), Watt (1970), A Space In Time (1971), Rock & Roll Music To The World (1972), Recorded Live (1973), Positive Vibrations (1974) y About Time (1989).

Apunte: Ten Years After continúa actuando en directo con tres de sus miembros originales –no está el guitarrista Alvin Lee- y el cantante y guitarrista Joe Gooch. El próximo mes de febrero el cuarteto estará tocando en ciudades de Bélgica, Alemania, Polonia, Austria y Suiza.

Dream Of You (EmArcy) 1956
Helen Merrill
Portada: Jazz Record Center NYC


Helen Merrill (New York, 1930) representa a las grandes voces femeninas del jazz que fueron conocidas a nivel discográfico a partir de la década de 1950 en plena expansión del bop, al que también aportaron su profesionalidad y una formación por encima de la generación anterior de cantantes de dicho estilo. Helen Merrill presentaba en los comienzos sus primeras grabaciones recogidas bajo el título de Dream Of You, donde aparece uno de los músicos que estuvo unido artísticamente a la cantante de origen croata, el compositor, arreglista y pianista Gil Evans, a quien acompañan otros conocidos como Hank Jones, Art Farmer o Johnny Richardson. Helen despliega en sus primeras grabaciones las características que la llevaron a ser conocida internacionalmente. Así de un variado repertorio, en el que entran diversos estilos y compositores, la vocalista saca el máximo partido a la sensibilidad y reconvierte en notas intimistas lo que antes parecía extroversión. Lo demuestra en las interpretaciones de By Myself, Any Place I Hang My Hat Is Home, A New Town Is A Blue Town, Where Flaimgos Fly o I’m Just A Lucky So And So.
Canciones: People Will Say We’ re In Love. By Myself. Anyplace I Hang My Hat Is Home. I’ ve Never Seen. He Was Too Good To Me. A New Town Is A Blue Town. You’ re Luck To Me. Where Flamingos Fly. Dream Of You. I’ m A Fol. To Want You. I’ m Just A Lucky So And So. Troubled Waters.
Músicos: Helen Merrill (voz), Hank Jones (piano), Barry Galbraith (guitarra), Oscar Pettiford (bajo), Joe Morello (batería), Gil Evans (arreglos y dirección), Art Farmer (trompeta), Joe Bennett (trombón), Jim Cleveland (trombón), John LaPorta (saxo alto y clarinete), Jerome Richardson (flauta., saxo tenor y saxo alto), Danny Bank (saxo barítono), Louis Mucci (trompeta), Janet Putnam (arpa) y Johnny Richards (dirección y arreglos).

Más portadas: Helen Merrill (1954), With Strings (1955), Merrill At Midnight (1957), The Neamess Of You (1958), You’ve Got A Date With The Blues (1959), Helen Merrill/Dick Katz The Feeling Is Mutual (1965), Autum Love (1967), Helen Sings/Teddy Swings (1970), Sposin’ With Gaary Peacock Trio (1971), Helen Merrill*John Lewis (1976), Love In Song (1977), Imagination (1982), Cole Porter Album (1986), Gil Evans Colaboration (1987), Helen Merrill With Stan Getz Just Friends (1989), Clear Out Of This World (1991), Brownie (1999) y Lilac Wine (2004).

Apunte: La edición en CD de Dream Of You, de 1992, incluye cuatro canciones más Alone Togheter, Glad To Be Unhappy, This Is My Night To Cry y How’s The World Treating You?. En los casos de la primera y cuarta hay también sendas tomas alternativas.