Viejos conocidos

Ain't Enough Comin' In (This Way Up) 1994Otis Rush
Portada: fotografía de Steve Schapiro

Otis Rush (1935) es un veterano guitarrista de blues que continúa en activo después de más de seis décadas desde sus inicios profesionales. Ain´t Enough Comin' In puesto a la venta a comienzos de la década de 1990 es un disco de transición del bluesman que mantiene la esencia de su particular forma de tocar llena de matices y abierta a la heterodoxia. El haber figurado entre los que en la década de los cincuenta, que dieron aire fresco al blues que se hacía en los clubs de Chicago, no significa que Otis Rush viva de rentas porque su trabajo estaba en los noventa más de acuerdo con las actuaciones en directo que con los estudios de grabación. Sin embargo, hay que reconocer que la carrera del guitarrista nacido en la zona de Misisipi se puede justificar con varias canciones inolvidables, entre otras So many roads, y el disco Right Place,Wrong Time, en el que se incluía una sentida versión de Rainy Day In Georgia.

La pasión que pone Otis Rush al tocar la guitarra sigue siendo uno de sus mayores atractivos, don que se complementa con una voz carga de sentimiento, pero no hay que olvidar tampoco su labor de compositor, a pesar de que en esta grabación utiliza piezas de otros, 10 de las 12 recogidas en el compacto.

La primera composición constituye un pequeño homenaje a su paisano Albert King, de quien recupera Don't Burn Down The Bridge, muy en la línea del blues de Chicago, con esa guitarra punzante que caracteriza a los maestros del estilo citado. En esa, como en las demás versiones, hay que tener en cuenta que Otis no se limita a copiar un modelo porque aporta una vitalidad envidiable al blues que, por otra parte, que desprende un soul envolvente del que participan también la sección de ritmo, teclados e instrumentos de viento.

Otis Rush como persona con una larga trayectoria artística, que no olvida las raíces, no deja de lado aquellas músicas que le marcaron en un momento determinado de su vida, por lo que no es extraño que recurra a composiciones de Sam Cooke, Ray Charles o Percy Mayfield. Algunos de ellos, mejor dicho sus canciones, no corresponden al blues, pero de lo que se trata a la hora de interpretar es el sentimiento. Por poner un ejemplo de esa línea de trabajo se puede citar It's My Own Fault, una canción que confirma la influencia de BB King en el estilo de Rush.

El disco contiene asimismo Hmework, Ain't Enough Comin' In y As The Years Go Passing By, que confortan al aficionado para seguir con escuchando blues, más si hay personas que mantienen viva esa llama.

Más portadas: Otis Rush. 1956-1958: His Cobra Recordings (1989), Live In Japan 1986 (1994), Live & Awesome (1996), Any Place I' m Going (1998), Good Uns (2002), All Your Love-Miss Loving: Live At The Wise Fools Pub Chicago (2005), Otis Rush Live And Concert From San Francisco (2006).

 

In Flight (Chrysalis) 1974
Alvin Lee & Co
Portada: diseño de Roger Lowe y fotografía de Terry O' Neill

Alvin Lee (1943) grabó un agradable disco doble de rock and roll justo en el momento que se deshacía el inolvidable cuarteto británico Ten Years After, de grato recuerdo para los seguidores del blues rock evolucionado que se hacía hasta bien entrados los años setenta en el Reino Unido. Grabado durante 1974 en el mítico Teatro Rainbow londinense, la hora y media larga de música se agradece por el tono que nunca decae gracias a la entrega y compenetración del grupo bajo la batuta del guitarrista británico, por cierto, bastante reconocido a ambos lados del océano Atlántico dada su habitual presencia en los principales escenarios del rock de los sesenta y comienzos de los setenta, incluidos macrofestivales como Woodstock o Wight. Con mayoría de composiciones del propio Lee, el disco también recoge algunos rocks del repertorio de Elvis Presley (Don't Be Cruel, Money Honey y Mystery Train), r&blues y algo de soul, muy bien interpretado tanto en lo musical como en las voces del coro acompañante de la banda.Got To Keep Moving, Going Through The Door, I'm Writing You a Letter, You Need Love Love, Let¡s Get Back, y Running Round son algunas de las piezas firmadas por Lee que suenan frescas, al igual que los tiempos lentos del blues Every Blues You've Ever Heard y la acústica All Life' s Trials.

Canciones: Got To Keep Moving. Going Through The Door. Don't Be Cruel. Money Honey. I'm Writing You A Letter. You Need Love Love Love. Freedom For The Stallion. Every Blues You've Ever Heard. All Life Trials. Intro. Let's Get Back. There's a Feeling. Running Round. Mystery Train. Slow Down. Keep A Knocking. How Many Times. I've Got Eyes For You Baby. I'm Writing You A Letter.

Músicos: Alvin Lee (guitarra y voz), Mel Collins (saxofón y flauta), Ian Wallace (batería), Tim Hinkley (teclados), Alan Spenner (bajo), Neil Hubbard (guitarra), Dylan Birch (voz), Frank Collins (voz) y Paddie McHugh (voz).

Más portadas: Pump Iron (1975), Let It Rock (1978), Free Fall (1980), RX5 (1981), Detroit Diesel (1986) y Zoom (1992).

Apunte: La edición remasterizada en cedé de In Flight incluye dos canciones más que no aparecieron en su día en el formato vinilo. Las piezas son Somebody Callin' Me y Put It In A Box. La primera de la gira promocional del disco In Flight y la segunda corresponde al año 1977.

Agardando que pase algo (Resistencia) 1996
Fía na roca
Portada: pintura Terminal, de Xoán M. Gruerreiro

Fía na roca forma parte de la generación de bandas de folk de Galicia que entraron en los ámbitos musical y discográfico a comienzos de la década de 1990. Procedentes de otras formaciones, entre otras Xorima -ya comentado su único elepé en este blog-, los miembros de Fía na roca demuestran su particular forma de entender la música con base tradicional a la que aportan algunos instrumentos eléctricos, piano, metales y ritmos de diferentes geografía. En Agardando que pase algo se aprecia además una orientación hacia el jazz muy interesante. La pieza titulada A Mesquita es una prueba de esa tendencia, como también lo es la utilización de percusiones varias en la composición que abre el disco, Sara, percusiones que orientalizan la pieza, prueba asimismo de la versatilidad del grupo gallego. Sus componentes no dudan en afrontar la tradición desde un punto de vista heteodoxo, por ejemplo en O afiador de Tella, Que sube a terra ou baixa o ceo, Trocante o Imbailabel, aunque también, puestos a interpretar, se atreven hasta con villancico (panxoliña) popular San Xosé e máis María, en la que Mini, de A Quenlla, canta y toca la zanfona al estilo de los antiguos músicos ambulantes.

Canciones: Sara. O afiador de Tella. A Mesquita. Des Oge Mais Quer. Que vaia ben. Ou sube a terra ou baixa o ceo. Trocante. Imbailabel. Dispensando. San Xosé e máis María.

Músicos: Xosé Ramón Vázquez (piano, teclados y acordeón), Xavier Bueno (gaita gallega, saxos soprano y tenor y low whistles), Carlos Castro (percusión, batería y marimba), Alfonso Morán (guitarra acústica y contrabajo), Juan Aguiar (violín), César Morais (bajo eléctrico), Xiao Rodríguez (mandolina), Roberto Santamarina (violín y viola), Pablo Pérez (bajo eléctrico), Xosé Luis Rivas “Mini” (zanfona y voz), Segundo Grandío (bajo eléctrico), Luis Delgado (oud), Jorge Beltrán (saxo alto), Ana Carmen y Leo Bueno (voces).

Más portadas: Fía na roca (1993), Contravento (2002), Dezx anos ao vivo (2004) y Vento vindo (2007).

Apunte: En la actualidad, forman parte de Fía na roca: Sonia Lebedynski, Carlos Castro, Roberto Rama, Giao Rodrigues, Xosé Ramón Vázquez, Roberto Santamarina y Xabier Olite. De abril a julio próximos actuará en Pontes de García Rodríguez, Pontevedra, Ourense, Burela, Gondomar, Cerceda, Santiago de Compos5ela y Palas de Rei.

Barrio Negro (Nuevos Medios) 1991
Tomatito
Portada: fotografía de Mario Pacheco

Jose Fernández Torres Tomatito (1958) grababa su segundo disco grande tras cuatro años de silencio como solista, tiempo en el que fue guitarrista de la última etapa del cantaor Camarón de la Isla. Barrio negro comienza con la cancíon que da título al disco, una rumba más bien urbana con saxo, trompeta y fiscornio, entre otros instrumentos no necesariamente flamencos. La segunda canción es La voz del tiempo, con el inconfundible rajo de Camarón, quien ya había colaborado en el primer disco de su guitarrista. Los aires festeros de las dos primeras piezas continúan en Canaílla (alegrías) A mi tío El Niño Miguel (bulerías) y Caminillo viejos (tangos). El guitarrista almeriense se adentra además en los cantes de ida y vuelta con una colombiana, Armonía del Romañe, en la que se escucha el virtuoso toque del bajo eléctrico a cargo de Carles Benavent. El cedé se completa con la jondura de la taranta titulada Callejón de las canteras, que resalta la sensibilidad y técnica de Tomatito, quien en su segunda grabación se notaba más suelto que en su disco de presentación como solista.

Composiciones: Barrio negro. La voz del tiempo. Cañailla. Armonía del Romañe. A Mi tío El Niño Miguel. Caminillo viejo. Callejón de las canteras.

Músicos: Tomatito (guitarra), Juan Carmona (guitarra, coros, pitos y palmas), Antonio Carmona (percusión, palmas, coros, pitos), Antonio Torres (coros, pitos, palmas), Antonio Ramos (bajo), Andrés Bedó (piano), Francisco Ibañez (trompeta y fiscornio), Valentín Álvarez (saxo), Antonio Humanes (coros), Camarón (voz en 2), Indalecio Torres (baile en 3) y Carles Benavent (bajo).

Más portadas: Rosas de amor (1987), Guitarra gitana (1997), Spain (2000), Paseo de los castaños (2001), Agua dulce (2004) y Spain Again (2004).

Apunte: Las colaboraciones de Tomatito con músicos de jazz incluyen la grabación de dos discos con el pianista Michel Camilo, en concreto los ya mencionados Spain y Spain Again. El primero fue galardonado con un premio Grammy.

Live...Again (Blue Note) 1995
Don PullenPortada: Portratit Of Don Pullen, de Ritchard Rodriguez

Don Pullen (1941-1995) fue pianista con diferentes representantes del jazz moderno, Charles Mingus o George Adams, entre otros, antes de realizar una brillante carrera en solitario que solamente truncó la muerte. En el Festival de Jazz de Montreaux de 1993 se realizó la grabación del que sería su disco póstumo, puesto a la venta tras su muerte y representativo de la que se denomina su etapa africana brasileña. La actuación recogida en el disco en directo incluye la presencia de músicos de distintas nacionalidades: brasileño, senegalés, panameño, que resaltan sonidos contagiosos como bossas, capoeiras y percusiones africanas. La larga pieza de apertura Yabino Spring va en esa línea de fusión donde el piano limpio y rápido, de contagioso ritmo, conecta a la perfección con las percusiones, bajo, saxo y voz tribal. El sentido homenaje al que fue compañero durante muchos años lleva el título de A George, We Hardly Knew Ya, otra larga ejecución plena de sentimiento, melancolía y calidez. Tras el recuerdo y lamento por el amigo desaparecido, Pullen se adentra otra vez en la conexión de Africa con Brasil mediante las composiciones Capoeira, Kele Mou Bana y Aseeko! (Get Up And Dance!) que evidencian la constante búsqueda del pianista de jazz inquieto que sabe aprovechar la comunicación con otros ritmos en teoría diferentes pero que se benifician cuando dialogan entre sí.

Composiciones: Yebino Spring. Ah George, We Hardly Knew Ya. Capoeira. Kele Mou Bana. Aseeko! (Get UP And Dance!).

Músicos: Don Pullen (piano), Carlos Ward (saxofón alto), Nilson Matta (vajo), J. T. Lewis (batería) y Mor Thiam (djembe, tabula, rainsticks, campana de viento y vox en 4 y 5).

Más portadas: Piano Solo (1975), Healyng Force (1976), Evidence Of Things Unseen (1984), Keele Mou Bana (1992), Ode To Life (1993) y Live...Again (1995).

Apunte: El sello discográfico Mosaic dispone de una selección de diferentes etapas de la carrera musical del pianista de Virginia en tres cedés de edición limitada y titulada Mosaic Select: Don Pullen.

Specials (2 Tone) 1979
The Specials
Portada: Chalkie Davies y Carol Starr

The Specials, de Coventry, con su estética de rudes boys, sorprendieron en la escena musical inglesa con su enérgico sonido basado en el ska de Jamaica de los sesenta, es decir antes de la consolidación del reggae como ritmo más representativo de la mencionada isla. Coetáneos del punk, The Specials constituían la vanguardia de una juventud agresiva en especial contra el gobierno británico y antirracista, dos negros y cinco blancos les cantaron las cuarenta a quienes llevaron al inevitable declive al Reino Unido. Bajo la producción de Elvis Costello, The Specials enseguida se convirtieron en la referencia de otras muchas bandas que abundaron por Europa a finales de los setenta y comienzos de los ochenta. Los de Coventry tomaron el relevo del punk con su provocador sonido que cambiaba el sinuoso ritmo del ska por un tono más potente gracias a la guitarra eléctrica y un menor protagonismo de los metales, aunque nunca faltasen como se pone de manifiesto en A Message To You Rudy, banda sonora de la primera hornada de grupos skatalíticos de las Islas Británicas, como también lo son buena parte de las piezas del disco grande de estreno de los Specials. Nite Klub, Concrete Jungle, Monkey Man o Too Much Too Young son algo más que versiones que capturan la esencia de un sonido añejo.

Canciones: A Message To You Rudy. Do The Dog. It's Up to You. Nite Klub. Doesn't Make It Alright. "Concrete Jungle. Too Hot. Monkey Man. Dawning of A) New Era. Blank Expression. Stupid Marriage. Too Much Too Young. Little Bitch. You're Wondering Now.

Músicos: Terry Hall (voz), Neville Staples (voz), Lynval Golding (guitarra rítmica y voz), Roddy Radiaton (guitarra, canción 6), Jerry Dammers (teclados), Sir Horace Gentleman (bajo), John Bradbury (batería), Dick Cuthell (metales), Rico Rodríguez (trombón) y Chrissie Hynde (voz).

Más portadas: More Specials (1980), In The Studio (1984) y Guilty 'Til Proved Innocent ! (1998).

Apunte: Dance Craze es el título de un documental de 1980 que recoge a los artistas más representativos del sello discográfico 2 Tone y del ska británico. Un disco con el mismo título recoge 15 canciones del total incluido en la filmación.

JULY DRISCOLL, BRIAN AUGER & THE TRINITY

Streetnoise (Polydor) 1969
Julie Driscoll, Brian Auger & The Trinity
Portada: Ralph Steadman

Julie Driscoll (1947) y Brian Auger (1939) formaron un dúo musical que demostró una especial atracción por jazz, blues, r&b, soul, pop y psicodelia, estilos que aparecen distribuidos en el repertorio de este disco doble y demostrativo de la potencia del teclista y el savoir faire de la cantante. Streetnoise, a pesar de su grabación en 1969, representa el naciente rock progresivo que iba a tener su máximo esplendor en la década de los setenta. Driscoll, Auger y Trinity se adhieren a la fusión bien conducida por los teclados de Brian, quien aprovecha la ocasión para meter sus composiciones instrumentales y algunas cantadas de alto contenido jazzístico preñado de r&b. Tropic Capricorn, Ellis Island, Finally Found You Out y Looking In The Eye Of The World son algunos de los ejemplos de la influencia de la música negra sobre el pianista británico. Por su parte Julie Driscoll aporta varias piezas que resaltan su a veces apasionada, otras más profunda voz, como se comprueba en la reivindicativa Czeshoslovaquia, A Word About Colour o Vauxhall To Lambert Bridge, menos escoradas hacia el sonido omnipresente de los teclados de Auger. Por otra parte, se recogieron varias versiones de Nina Simone, The Doors y Laura Nyro, entre otros mitos de la música popular, así como la reinterpretación de Flesh Failures (Let The Sunshine In), exitosa canción del musical Hair. Aunque, lo dicho, Streetnoise es un álbum muy de su época, lleva muy bien los años y se mantiene con dignidad.

Canciones: Tropic Of Capricorn. Czechosolvaquia. Take Me To The Water. A Word About Colour. Light My Fire. Indian Rope Man. When I Was Young. Flesh Failures (Left The Sunshine In). Ellis Island. In Search Of The Sun. Finally Found You Out. Looking In The Eye Of The World. Vauxhall To Lamberth Bridge. All Blues. I've Got Life. Save The Country.

Músicos: Brian Auger (órgano, piano, piano eléctrico y voz), Juli Driscoll (guitarra acústica y voz), Clive Thacker (batería y percusión), Dave Ambrose (guitarra acústica, bajo y voz).
Más portadas: Open (1967), Jools & Brian (1969), Biran Auger's Oblicion Express (1971), 1969 (1971), Second Wind (1972), Closer To It! (1973), Straight Ahead (1974), Reinforcementes (1975), Encore (1978) y Keys To The Heart (1987).

Más portadas: Tanto de Julie Driscoll como Brian Auger, Open (1967), Definitely What! (1968), Jools & Brian (1969), Brian Auger's Obvilion Express (1971), 1969 (1971), Second Wind (1972), Closer To It! (1973), Straight Ahead (1974), Reinforcements (1975), Enconre (1978) y Keys To The Heart (1987).

Apunte: En la actualidad, tanto Julie Driscoll como Brian Auger continúan cada uno por su lado en proyectos musicales. El teclista mantiene el grupo Oblivion Express y la cantante suele actuar con su esposo Keith Tippet.

Roger McGuinn (CBS) 1973
Roger McGuinn
Portada: Columbia

Roger McGuinn (1942) encaró el año 1973 con su primer disco en solitario pero muy bien acompañado por conocidos músicos, entre otros los miembros de The Byrds originales, grupo que en ese año se disolvía tras una reunión con elepé incluido que no tuvo la acogida esperada por los miembros originales de la mítica formación californiana. El elepé de Roger McGuinn recibió sin embargo muy buenas críticas, incluso muchos años después de su grabación. Se puede afirmar sin temor a equivocarse que es una de las mejores grabaciones de McGuinn en su etapa como solista reafirmada mediante un sonido versátil pero sin perder el country rock en el que tanto se inspiró el cantante y guitarrista de Chicago. La primera canción del elepé entra en una reconocible línea dylaniana, tanto que el propio Bob toca la armónica en Restless, más folk que country, es decir acústica y abierta a los matices nasales de la voz de McGuinn, admirador de toda la vida del cantante de Duluth. El aleteo de los pájaros se percibe en la siguiente pieza, My New Woman, donde se escucha con claridad la inconfundible voz de David Crosby y la del resto de The Byrds, como en los mejores tiempos, junto a un coltraniano saxo. La tercera canción, Lost My Drivn' Wheel, sirve para adentrase en el estilo eléctrico de resaltona Rickenbacker que McGuinn ha mantenido a lo largo de su larga carrera discográfica. La huella de Roger se distingue en la mayoría de sus grabaciones y comparecencias en directo. El resto del material de disco apunta hacia los Beach Boys (Draggin´), el country supersónico (Time Cube), la canción religiosa negra (Stone), country rock (Bag Full Of Money y The Water Is Wide), Blues (Hanoi Hannah), influencias música europea (Heave Away) y de los ritmos étnicos (M´Linda). Todo el repertorio está bien ejecutado por sus acompañantes, lo cual convierte a este disco en una obligada escucha para quien admire a The Byrds y sus secuelas musicales.

Canciones: I'm So Restless. My New Woman. Lost My Drivin' Wheel. Draggin'. Time Cube. Bag Full Of Money. Hannoi Hannah. Stone. Heave Away. M' Linda. The Water Is Wide.

Músicos: Roger McGuinn (guitarras, banjo, moog y voz), Jerry Cole (guitarra), Spooner Oldhan (teclados), Chris Ethridge (bajo), Hal Blaine (batería), Gene Clark (voz), Michael Clarke (batería), David Crosby (guitarra y voz), Chris Hillman (bajo), Bob Dylan (armónica), Budy Emmons (steel guitar), Jim Gordon (bajo), John Guerin (batería, Bruce Johnston (piano), Jimmy Joyce (voz), Charles Lloyd (saxofón), Relaine Spoanky McFarlane (voz), Lelan Sklar (bajo) y David Vaught.

Más portadas: Peace Of You (1974), Roger McGuinn Band (1975), Cardiff Rose (1976), Thunderbyrd (1977), Back From Rio (1991), Born To Rock & Roll (1991), Live From Mars (1996), Treasures From The Folk Den (2001) y The Folk Den Project (2005).

Apunte: El más reciente disco de larga duración de Roger MgGuinn es el titulado Live From Spain, grabado en el año 2004 en la ciudad de Vitoria. La grabación reúne 21 canciones, la mayoría perteneciente al repertorio de diferentes etapas de The Byrds.

Blues Breakers (Decca Records) 1966
John Mayall & The Bluesbreakers
Portada: Decca

John Mayall (1933) forma parte desde hace muchos años de los ilustres bluesmen que con su altos y bajos ha sabido mantenerse fiel a un estilo esencial para la comprensión de la música popular del siglo XX. Desde los inicios de su carrera, Mayall apostó fuerte por el blues y se convirtió a la vez en el maestro de músicos de diferentes generaciones, sobre todo de las décadas de 1960 y 1970, principalmente en Gran Bretaña pero también en Estados Unidos. De su etapa británica, en plena efervescencia del pop, Mayall puso en marcha The Bluesbreakers, un marchamo de rigor y calidad a la hora de interpretar piezas de otros maestros del blues negro o del propio Mayall. Blues Breakers significó también el nacimiento de otro mito de la guitarra eléctrica, Eric Clapton, que como el resto de la banda realiza un trabajo por el que no pasa el tiempo. Versiones de piezas de Otis Rush, Freddie King, Robert Johnson, Luther Allison o Ray Charles, entre otros, indican que los británicos también disponen del soul necesario para que All Your Love, Hideway, What'd I Say y Parchman Farm mantenga la esencia primaria pero con renovado sonido en el que no faltan guiños al jazz, soul y r&b que contribuyeron al nacimiento del blues rock.

Canciones: Al Your Love. Hideway. Little Girl. Another Man. Double Crossin' Time. What'd I Say. Key To Love. Parchman Farm. Have You Heard. Ramblin' On My Mind. Steppin' Out. It Ain't Right.

Músicos: John Mayall (órgano, piano, armónica y voz), Eric Clapton (guitarra y voz), John McVie (bajo) y Hughie Flint (batería). John Almond (saxo barítono, en canción 5), Alan Skidmote (saxo tenor) y Dennis Healy (trompeta en canciones 7, 9 y 11).

Más portadas: The 1982 Reunion Concert (1982), 70 Th Birthday Concert (2003), Road Dogs (2005) y Live At The BBC (2007).

Apunte: John Mayall se mantiene en forma a sus 75 años como demuestra su condición de auténtico bluesman que mientras el cuerpo aguante continúa actuando por todo el mundo. En este año recorrerá América del Norte, América del Sur y Europa. En este último continente, en concreto en España, está previsto que toque a finales del mes de julio.

Philadelphia (Epic) 1993
Varios
Portada: cartel de la película

Cine y música forman un matrimonio sólido desde el nacimiento del primero, conocido popularmente como séptimo arte, pues salvo excepciones los dos se competran óptimamente para deleite de muchas personas que ven en las bandas sonoras de las películas una extensión disfrutable sin necesidad de ver el filme. También es verdad que algunas ciudades son más atractivas para directores que ven en ellas una fuente de inspiración y, por tanto, la posibilidad de trabajar más a gusto. No sé si eso le ocurrió al director de Philadelphia, Jonathan Demme que en la primera mitad de los noventa abordó la problemática de homosexualidad y sida desde un punto de vista melodrámatico. Se puede demostrar, sin embargo, que hubo otras filmaciones más creíbles que la que protagonizaron Tom Hanks, Dezel Washington, Antonio Banderas, Jason Robards y Mary Stenburgen. Pero en lo músical, Philadelphia ofrece una atractiva banda sonora que se abre con un Bruce Springteen callejeando por las calles de la ciudad que da nombre a la película. Menos roquero, más poético, con el fondo de teclados atmosféricos, para mí Streets Of Philadelphia es una de las mejores piezas de banda sonora, quizá porque Springteen suena menos al sonido que tiene acostumbrado a quienes disfrutan de su música, incluidos quienes en su día le concedieron el honor del oscar a la mejor canción de 1993. Del repertorio destacable, rompo una lanza también por Peter Gabriel por su Lovetown, Sade con la interpretación de la soulera Please Send Me Someone To Love, Spin Doctor por la creedenciana Have You Seen The Rain?, Indigo Girls por la relectura de I Don't Wanna Talk About It y Neil Young por Philadelphia, quien, sin embargo, sí suena a Neil Young sin desmerecer. No, no me olvido Maria Callas y La mamma morta, It's In Your Eyes de Paulette Washington y Precedent de Howard Shore. Toda la banda sonora es aprovechable, según gustos, y algunas de sus composiciones no dejan indiferente al espectador u oyente, porque, sin salirse de los canónes más ortodoxos de la composición musical cinematográfica de finales del siglo XX, emparentan de forma directa con la cultura popular, como pasa con la película.

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Canciones: Streets Of Philadelphia. Lovetown. It's In Your Eyes. Ibo Lele (Dreams Come True). Please Send Me Someone To Love. Have Your Seen The Rain?. I Don´t Wanna Talk About It. La Mamma Morta. Philadelphia. Precedent.

Músicos y solistas: Bruce Springteen, Peter Gabriel, Paulette Washington, Ram, Sade, Spin Doctors, Indigo Girls, Maria Callas, Neil Young y Howard Shore.

Más portadas: De las bandas sonoras de películas del mismo año que Philadelphia. Carlitos' Way, La tapadera, El fugitivo, La edad de la inocencia, Lo que queda del día, El olor de la papaya, Belle Époque y Algo que recordar.

Apunte: La ciudad norteamericana de Filadelfia acoge desde 1995 el Philadlphia International Gay &b Lesbian Film Festival.

 
El rastro (8)

Generación 49

Belter

1969

1. O' espantallo
2. La Alfonsina
3. Poema da chispa
4. Belidas fiandeiras

Blues (Polydor) 1994
Jimi Hendrix
Portada: diseño y dirección artística de Richard Bull y Rob O' Connor

Jimi Hendrix (1942-1970) desde el día después de su prematura desaparición física se convirtió en esos muertos generadores de dinero que tanto abundan en el territorio del rock. Dentro de esa línea de exhumación de canciones muchas veces ya escuchadas, en 1994, se puso a la venta el disco blues , del que se anunciaba la inclusión de varias canciones inéditas. Jimi Hendrix, a pesar de las acusaciones de tirios y troyanos, no olvidó sus raíces que, por cierto, inspiraron algunas de sus memorables piezas, por ejemplo el contundente Red House, revisitado en este recopilatorio, que se nutre de la innovadora psicodelia de los sesenta. Hear My Train Coming, Voodo ChileBlues, Once I Had A Woman y Jelly son otros de los blues que desarrolla con su enérgico y rabioso guitarreo el músico de Seatle, quien se nutre además de la inspiración de otros colegas como Booker T. Jones y William Bell, Muddy Waters y Elmore James & Marshall Sehorn. Las anteriores y las de los músicos negros citados siguen los rastros dejados por bluesmen de las décadas de los 20,30, 40 y 50 del siglo pasado. El propio Hendrix no escapó a dicha influencia, pues si antes citaba el Red House, en el lado acústico está la primera versión de Hear My Train Coming, la que abre el cedé, donde, según los entendidos hay reminiscencias de Tommy Johnson, Skip James y John Lee Hooker.

Canciones: Hear My Train Comin' (acoustic). Born Under A Bad Sign. Red House. Catfisg Blues. Voodo Chile Blues. Mannish Boy. Once I Had A Woman. Bleending Heart. Jelly 2992. Electric Church Red House. Her My Train Comin' (electric).

Músicos: Jimi Hendrix (guitarras y voz). Acompañan al guitarrista zurdo los grupos Experience y Band Of Gypsys, Stevie Winwood (órgano) y Jack Casady (bajo), en Voodo Chile Blues, y otros músicos desconocidos.

Más portadas: Blue Wild Angel. Live At The Isle Of Wight (2002), The Rainbow Bridge Concert (2003), 20 Th Centuryt Masters: The Best Jimi Hendrix (2005) y Live At The Monterey (2007).

Apunte: En lo que va del año 2008, los discos recopilatorios de Jimi Hendrix puestos a la venta llegan casi a la veintena.

 

 

Estou vivindo no ceo (Nubenegra) 1995
Uxía
Portada: diseño de Poucatella

Uxía Senlle (1962) utiliza constantemente referencias de otras músicas para sus actuaciones en directo y en los discos que graba, hasta el punto de convertirse en una de las voces gallegas más conocida fuera de sus fronteras naturales. Su tercer disco en solitario, esta vez sin la compañía de la banda Na lúa, se puede considerar fronterizo porque aborda composiciones de Galicia y Portugal, dos geografías condenadas inexorablemente a entenderse. La cantante de Mos insiste en su predilección por la canción popular de la tierra natal, a la que aporta nuevas sonoridades, pues así lo demuestra con la pieza que abre el disco Alalá das mariñas, adaptada a una melodía armenia pero que también suena a música irlandesa y a las nuevas tendencias sonoras que tanto éxito tuvieron en la década de 1990. Igualmente la tradición se extiende a A laranxa, Voume eu, fermosa y Tua nai e meiga, que se hermanan con los cantos de la raia portuguesa. Las restantes composiciones son Green God, perteneciente a uno de los mejores poemarios del escritor luso Eugenio de Andrade; Verdes sao os campos, adaptación de versos de Camoes por el inolvidable Zeca Afonso; Aquí estas noites tan longas, recuperación de una canción de Quintas-Canella quien, a su vez, había recurrido al texto del trovador medieval Juiao Bolseiro, Canto de Nadal, del cancionero popular galego; Millo verde, canción tradicional de las más versioneadas tanto en Galicia como en Portugal, en esta ocasión con tono moruno. El disco se completa con Suite de Bembribre, Senhora do Almortao y Entre nós, que definen muy bien lo dicho al principio y sirven para comprobar la sabia versatilidad de Uxía, que en Estou viviendo no ceo estuvo acompañada por renombrados instrumentistas del folk y la música de cámara.

Canciones: Alalalá das mariñas. A laranxa. Voume eu, fermosa. Tua nai é meiga. Green god. Verdes sâo os campos. Aquestas noites tan longas. Canto de Nadal. Millo verde. Suite de Bembibre. Senhora do Almortao. Entre nós.

Músicos: Uxía (voz y pandeireta), Nacho Muñoz (teclados y timbal sampler), Quico Comesaña (arpa, mandola), Margarita Joukova (violonchelo), Carlos Castro (cencerros, rototôms, bombo, cunchas, colgantes, pratos, pandero, pandeireta, pandeira, derbuka, pandereta árabe, crótalos), Quim Fariña (violín), Júlio Pereira (guitarra acústica y maracas), Edita Shoulman (violín), Xosé Manuel Budiño (punteiros y gaita), Kepa Junkera (acordeón diatónico, trikitixa, acordeón diatónico vasco), Gema Corredera (voz moruna y coros) y Carlos Castro (tabla y efectos).

Más portadas: Foliada de marzo (1986), Entre cidades (1991), La sal de la vida (1997), Danza das areas (2000) y Eterno navegar (2008).

Apunte: El nuevo disco de Uxía, Eterno navegar, recoge 15 canciones que sirven a la cantante para ahondar en las relaciones entre diferentes culturas a ambos lados del océano Atlantico. El cedé, grabado en Portugal, cuenta con la presencia de músicos portugueses, gallegos, brasileños y africanos.

Tango pour deux guitares (ASPIC) 1995
Ciro Pérez y Vidal Rojas
Portada: fotografía de Josette Mimran

Roberto Grela (1913-1992) es para muchos el más importante guitarrista de tango argentino, afirmación que suscriben los también guitarristas Ciro Pérez y Vidal Rojas, quienes realizan un homenaje en Tango pour deux guitares mediante la grabación de 16 piezas. Ciro Pérez trabajó como instrumentista para Grela, quien introdujo en los ambientes del tango cuatro guitarristas y un bajo para acompañar la voz del grande Edmundo Rivero. Por su parte Vidal Rojas siempre se ha declarado un seguidor incondicional del maestro argentino. El disco comienza con A San Telmo, dedicado a uno de los barrios de Buenos Aires, composición del propio Grela que nació en dicho lugar, como lo son también Bien nuestro y A don Carlos de Buenos Aires, todos ellos representativos del tango, estilo en el que mejor se movía el guitarrista, aunque en este homenaje se encuentran otros ya universales: Ojos negros, Silbando, Flores Negra y Lor mareados, así como milongas y valses. Todos están llenos de vitalidad y pasión, pero inrterpretados con la técnica que necesita cualquier música popular que se precie, más si se trata de una de las más universales y aceptadas en todos los estamentos sociales.

Canciones: A San Telmo. Ojos negros. Palomita blanca. Te vas milonga. Pregonera. Silbando. Corralera. Bien nuestro. Don Carlos de Buenos Aires. En el pescante. Luna de arrabal. Flores negras. Adiós Pampa mía. Los mareados. De vuelta y media. Ausencia.

Músicos: Ciro Pérez (guitarra) y Vidal Rojas (guitarra).

Más portadas: Pa que bailen los muchachos -con Aníbal Troilo- (1962), La guitarra del tango (1964), Viejo baldío -con Edmundo Rivero- (1984) y Hombre de tango -con Leopoldo Federico- (1994).

Apunte: Roberto Grela acompañó con su guitarra a infinidad de artistas del tango, entre otros, además de los mencionados anteriormente, Héctor Mauré, Jorge Vidal, Osvaldo Cordó, Nelly Omar, Tito Reyes, Agustín Irusta y Alberto Podestá.

4x10

1968

Joni Mitchell (Reprise) 1968
Joni Mitchell
Portada: pintura de Joni Mitchell

Joni Mitchell (1943) ocupa un lugar destacado durante cinco décadas en el firmamento de las estrellas femeninas de la canción en su Canadá de origen y en los Estados Unidos donde reside desde los años 60 del siglo pasado, país este último donde se ha consagrado desde la salida de su primer elepé que aquí comento. Con un alto nivel a la hora de componer canciones, evolucionar y adaptarse a los tiempos que le han tocado vivir, Joni Mitchell llegó a California en plena eclosión de nuevas formas musicales y tras el correspondiente periplo por el circuito habitual del folk en la Costa Este. David Crosby se encargaría de la producción del estreno discográfico de Joni, quien con un escueto acompañamiento instrumental, muy en la línea del folk, desgrana sus historias no exentas de contenido literario, a lo que hay que añadir su singular voz. Michael From Mountains, Night In The City, Marcie y Song To A Seagull no pasan desapercibas y definen el estilo de la primera etapa de Joni Mitchell, en la que se convierte en una compositora requerida por otros personajes del rock y el pop, además de sentar las bases estilísticas de futuras cantautoras.

Canciones: I Had A King. Michael From Mountains. Night In The City. Marcie. Nathan La Franeer. Sisotowbell Lane. The Dawntreader. The Pirate Of Penance. Song To A Seagull. Cactus Tree.

Músicos: Joni Mitchell (piano, guitarra y voz), Stephen Stills (bajo) y Lee Keefer (banshee).

Más portadas: Complete Geffen Recordings (2003), The Beginning Of Survival (2004), Dreamland (2004), Songs Of A Prairie Girl (2005) y Shine (2007).

Apunte: La admiración hacia Joni Mitchell motiva a menudo que sus canciones sean grabadas por diferentes músicos y cantantes. El pianista de jazz Herbie Hancok grabó el año pasado su personal homenaje a la cantautora canadiense con el título The River: The Joni Letters. El repertorio de 10 canciones incluye las voces de Norah Jones, Tina Turner, Corinne Bailey Rae, Luciana Souza, Leonard Cohen y la propia Mitchell.

Joni Mitchel y David Crosby en 1968. 

Teen Beat. Instrumental Rock 1957-1965 (Capitol/Hispavox) 1991
Varios
Portada: Starline

La música surf en el principio nació como una alternativa instrumental al rock and roll que en pocos Stick Shift. Raynchy. You Can't Sit Down (Par two). Perfidia. Ten Beat '65. Apache '65.años daría paso a miles de formaciones juveniles que además de guitarras y otros instrumentos aportaban voces bien conjuntadas que cantaban sobre preocupaciones relacionadas con la playa, el amor y la velocidad, toda una subcultura de carácter juvenil que llegó a todos los ámbitos a comienzos de los sesenta. De los grupos instrumentales, recogidos en este recopilatorio de Capitol, se pueden escuchar los más representativos de aquella época, y que llegaron en algunos casos a lo alto de las listas de éxitos: Walk, Doin't Run, Let There Be Drum, Stick Shift, Raynchy, Ten Beat '65, Apache '65, Red River Rock o Brontosaurus Stomp. Pero no todo se quedaba en un estilo personal en el que destacaban las guitarras Fender, porque grupos y solistas también apañaban de aquí y allá, sobre todo rock and roll clásico, r&blues, soul y hasta canción latina. Ejemplos los hay en esta antología, y son las convenientemente surferizadas Memphis, I´ve Got Woman y Perfidia.

Canciones: Walk, Doin't Run. Memphis. Let There Be Drum. MacDonald's Cave. Stick Shift. Raynchy. You Can't Sit Down (Par two). Perfidia. Ten Beat '65. Apache '65. Red River Rock. Nut Rocker. The Green Mosquito. I've Got Woman. Walkin With Mr. Lee. Brontosaurus Stomp.

Músicos y solistas: The Ventures. Lonnie Mack. Sandy Nelson. The Piltdown Men. The Duals. Bill Justis. Phil Upchurch. Davie Allan & The Arrows. Johnny & The Hurricanes. B. Bumble & The Stingers. The Tune Rockers. Jimmy McGriff. Lee Allen & His Band.

Más portadas: Golden Graffiti Greats (1975), 50 Rock & Roll Greats (1979), 25 Years Of Rock 'n' Roll (1980), Surf Legends and Rumours. 1961-1964 (1989). Rock Instrumental: Classics Volume 1. The Fifties (1994), Rock Instrumental: Classics Volume 2. The Sixties (1994) y Cowabunga! The Surf Boix (1995).

Apunte: De las filas de la música surf vocal hay que destacar a los pioneros Jean & Dean y los clásicos Beach Boys.

Fantabulous Crime (La Fábrica Magnética) 1993Cool Jerks
Portada: fotografía de Javier Salas

Cool Jerks era un grupo de Torrejón de Ardoz (Madrid) que cubrió con dignidad su singular periplo dentro del soul hispano durante la década de 1990, etapa de la grabación de este disco en el que se incluyen 10 composiciones, una de ellas instrumental, firmadas por el alma mater del grupo Miguel Ángel Julián, una de las mejores voces de la escena musical de España. A él se unen los músicos de esta inolvidable banda, enm especial la sección de viento, que desde la primera canción de Fantabulous Crime, hasta el final, se adentran en el soul, el más racial y vitalista de los años sesenta, aunque también se sienten los pálpitos de otros estilos periféricos al anterior como gospel, blues, boogie, rock an roll y rhythm and blues. La fuerza de la propuesta de Cool Jerks, en sus mejores momentos, se aprecia en piezas como Kill My Wife, Out Of Date, Nobody Knows How I Feel Down y Run Away From Me, por citar las más ejemplares, aunque no hay que dejar de lado el lado tierno del grupo con las tórridas baladas Driver Of My Tram y Penny Whistle. Puestos a escuchar, hasta el instrumental Tinkuman suena directo y pasional.

Canciones: Fantabulous Crime. Kill My Wife. Nobody Knows. How I Feel Down Inside. Mercy (Get Next To You). Driver Of My Tram. Gotta Give Her Up. Pleasure Lies. Run Away From Me. Fantabulous Crimne. Peggy Whistle. Tinkuman.

Músicos: Miguel Ángel Julián (voz y coros), Txema Segura (guitarra y coros), Quique Eizaguirre (bajo y coros), Yayo Morales (batería, pandereta, congas y coros), Fernando de la Casa (órgano Hammond B-3, piano y coros), William Gibb (saxo tenor y saxo alto), Ove Larsson (trombón) y David Dfries (trompeta). Edith Salazar, Judith Clericurzio, Mary Jamison y Guillermo Antón (coros). Txuma Segura y Yayo Morales (arreglos de metal).

Más portadas: Cool Jerks (1990), Soul Teller (1991), Sweet & Wild (1992), Picture Of Her Soul (1993) y Soul To Waste (1996).

Apunte: El cantante Miguel Ángel Julián continua con su línea musical de apuesta por el soul con la banda Soul Tellers.

Chicago Blues Session! (L+R) 1979
Willie Mabon
Portada: fotografía de Willy Leiser

Willie Mabon (1925-1985) se consideraba un músico de blues y boogie woogie a los que imprimía cierto tono jazzístico cuando tocaba el piano. Cuando se puso a la venta este disco grabado en elk Odyssey Sound Studio de Chicago, en 1979, Willie Leiser opinaba sobre el pianista que su relajada forma de cantar suele estar cargada de intención y furia “que podían llegar a enloqucerte si su entega no consiguiera con tanta frecuencia desarmar y encantar al oyente”. En esta grabación el trabajo de las guitarras correponde al dúo formado por Hubert Sumlin y Eddie Taylor, de quienes destacan la técnica del bottleneck del segundo en Lonely Blues, mientras que el primero desarrolla atrayente fraseo en todo el disco. En el acompañamiento instrumental aparecen también dos veteranos del blues eléctrico Aron Burton (bajo) y Casey Jones (batería) que contribuyen con una excepcional sección rítmica al peculiar sonido de Mabon en una de sus giros artísticos en los últimos años de su carrera.

Canciones: Little Red Rooster. Lonely Blues. It’ s A Shame. Moanin’ Blues. Monday Woman (A Tribute To Jimmy Reed). Louise (A Tribute To Howlin’ Wolf). Seventh Son (Dedicated To Willie Dixon). I’ m Mad. A Change Is Gonna Come.

Músicos: Willie Mabon (vocal, piano y armónica de blues), Hubert Sumlin (guitarra en el lado izquierdo), Eddie Taylor (guitarra en el lado derecho), Aron Burton (bajo) y Casey Jones (batería).

Más portadas: Willie Mabon Is Back-Funky (1972), Cold Chilly Woman (1973), Come Back (1973), Live+Bell (1974), Shake That Thing (1975), Chicago Blues Hits (1976), I'm The Fixer (1980) y The Best Of Willie Mabon: I Don't Know (1995).

Apunte: Willie Mabon no ha figura en el olimpo de los músicos de blues, pero ha dejado canciones como I'm Mad o Seventh Son, que en los primeros años de la década de 1950 alcanzaron los primeros puestos de las listas de éxitos, y que por su sonido abrió abrió el camino hacia el rock and roll.

Bossa Nova. Cores do Brasil 0.03 (Nascente) 1991
Varios
Portada: fotografía de Peter Moss




Bossa Nova es uno de las ritmos más representativos de la música popular de Brasil del siglo XX, una amalgama de estilos que dieron como resultado un mestizaje de las culturas nativa, africana y europea en forma de singulares melodías. De la nueva forma musical de los años cincuenta del siglo pasado a la actual generación de cantantes de ambos sexos, han pasado bastantes décadas pero no en detrimento de la bossa que en este recopilatorio junta a los mejores autores y compositores, quienes tuvieron su mejor momento de difusión en la década de los sesenta, cuando traspasó fronteras e influyó incluso en el potente jazz norteamericano. En total son 21 canciones que interpretan desde el veterano Vinicius de Moraes al más joven entonces, en la década de los setenta, Dajvan, aunque no hay que perder de vista y oído la larga nómina de damas de la canción brasileña involucradas con la música popular de su país: Maria Creuza, Maria Bethania y Maria Medalha, que no son todos los que están, pero son suficientes para un acercamiento al valioso acervo musical de Brasil, que continúa renovándose con nuevas generaciones de músicos y cantantes que no olvidan que todo comenzó con piezas inamovibles hoy en su condición de clásicas. Por ejemplo, A felicidade, Garota de Ipanema o Canto de Ossanha, sonidos tan refrescantes hoy como en el momento de su creación.

Canciones: Embola a bola. Samba do bencao. Chega a saudade. Mais um adeus. A felicidade. Para viver um grande amor. Para que digladiar. Desencontro. Samba de Veloso. Sao demais os perigos desta vida. Apelo. Canto de Ossanha. Na boca de beco. Voce abusu. Carolina. Garota de Ipanema. Corcovado. Morena flor. Marina. Paiol de polvora. Trocando em miudo. Katarina, Katarina.

Cantantes y músicos: Djavan, Vinicius de Moraes, Maria Creuza, Toquinho & Maria Medalha, Agostinho dos Santos, Jorge Ben, Chico Buarque & Toquinho, Zimbo Trio, Vinicius & Toquinho, Maria Bethania & Vinicius, Chico Buarque y Francia Hime.

Más portadas: De la misma colección Cores do Brasil están editados los discos titulados Vozes 0.01, Samba 0.02, Samba con jazz 0.04, Saudade 0.05 y Dança 0.06.

Apunte: Como complemento a los discos antes mencionados está la caja de cuatro cédes: Brasil, A Century of song: Um século de cançao (1995), donde se recogen diferentes estilos de la música brasileña del siglo XX, entre los que hay un generoso espacio para la bossa nova.

Celtrópolis (Clave Records) 1999

Alberto Conde Grupo

Portada: fotografía Ricardo Bará. Diseño y tratamiento digital de la imagen, J. Balsa Infografía

Alberto Conde consolida un estilo musical a partir de este disco al apostar por la fusión de los ritmos de Galicia con el jazz, pero dentro de un lenguaje universal que a nivel de composición impone el pianista. Tras A Lagoa dos Atlantes, Conde realizó un homenaje al litoral marino de Galicia mediante la combinación de las melodías tradicionales con el cosmopolitismo. Así al pìano, batería y bajo se suman otros instrumentos propios de la música popular gallega como gaitas, flautas, panderetas, panderos y violines, aunque también aparecen otros procedentes de diferentes culturas que forman parte de la denominada world music. Con semejante aporte instrumental no es extraño que la música de Conde se aproxime al folk pero desde un punto de vista diferente, matizado por el jazz que le inspira desde sus comienzos, incluso en las piezas más gallegas como Pequena suit o Mare Selenium.

Composiciones: Golfiños. Pontevella. Funky gaits. Pequena suit. A boar do comorán. Celtrópolis. Australia. Gaivotas. Mare Selenium Leviatán (demo dos mares). O navegar das baleas.

Músicos: Alberto Conde (piano), Kim García (bajo y darbuka), Andrés Rivas (batería, congas y bongos), Marcos Padrón (acordeón y percusiones), Xosé Luis Miguélez (gaitas, flautas traveseras, contralto y soprano), Marcos Campos (gaitas, flauta travesera, requinto y low whistles), Paco Juncal (violín), Aurora Filgueira (voces y panderetas), Luis Carballo (percusión, efectos, cántaro, djembé, pandero y pandereta), Silvia Costas (voces y panderetas).

Más portadas: Como Baio Ensemble, Paisaje (1985) y Diálogos (1990). Como Alberto Conde, A Lagoa dos atlantes (1997), Entremares (2004) y Andaina (2006).

Además: Las recientes actuaciones de Alberto Conde en Madrid se desarrollaron como trío, en el que además del pianista gallego se integran Baldo Martínez (contrabajo) y Nirankar Khalsa (batería y percusión).