Cantigas de Santa María, Códice Calixtino e Martín Codax (Ruada) 1980
Grupo Universitario de Cámara de Compostela
Portada: diseño de Alberto Carpio

El Grupo Universitario de Cámara de Compostela se puso en marcha en Santiago en 1977 con la intención de investigar, interpretar y divulgar sobre todo partituras inéditas, línea en la que se enmarca este disco editado en 1980 con un libreto explicativo sobre algunas de las muestras de la primera literatura en gallego. Las Cantigas ed Santa María están más orientadas al ámbito musical que a la lectura. Representan las corrientes eclesiástica, provenzal y popular, además de ofrecer cierto exotismo debido a que instrumentistas árabes y judíos participaron a menudo en su ejecución musical, lo cual se puede comprobar durante la escucha de las partes incluidas en este disco en el que predomina una brillante y rigurosa interpretación instrumental, así como una valiosa aportación vocal. El canto relacionado con el camino de Santiago y las composiciones de dos trovadores: el gallego Martín Códax y el portugués Pedro Gonzalvez, ambos relacionados con las poesías de amor tan abundantes en los cancioneros medievales, completan este disco de acercamiento a una música desconocida del noroeste peninsular, grabación que tuvo continuidad en otras posteriores del mismo grupo, bajo la guía de Carlos Villanueva.

Composiciones: Cantigas ed Santa María. Ben sab'a que pod'e val, Maca ome per folía, Santa María, Strela do día, Con gran razón, Pagar ben pode, Quen omagen da Virgen, Miragres fremosos y Des oge mais quer. Códice Calixtino. Gratulantes velebremus festum, Annua Gaudia. Cántigas de amigo (Marín Códax). Ai, Deus, se sab'ora, Quantas sabedes amar amigo, Mandado hei comigo y Mia hirmana fremosa. Pedro Gonzalvez. Por Deus coitada vivo.

Músicos: Manuel Arias (flautas de pico), Carlos Villanueva (zanfonas, cítara y percusión), Xosé Carlos García (viola ed brazo y percusión), Miguel Ángel L. Fariña (violonchelo), Pilocha (contralto), Fernando Olbes (tenor), Francisco Luengo (cromormos, flauta tenor, ocarina, dulcimer y cornamusa) y Richard Bailey (óboe y chirimía).

Más portadas: La música en el Camino ed Santiago (1982), Trovadores y neotrovadores gallego portugueses (1986), In Itinere (1995) y A campá da lúa (2002).

Apunte: Dedicado a Ánxel Casal (1895-1936), en recuerdo de su trabajo como editor, truncado por el fascismo asesino.

El rastro (9)

 

Siniestro Total

Dro

1983

 

• Sexo chungo
• Me pica un huevo

4X10
1968

Music From Big Pink (Capitol) 1968
The Band
Portada: dibujo de Bob Dylan

The Band se estrenó discográficamente en 1968 con Music From Big Pink, título alusivo a la casa de Woodstock donde se concretaron las 11 canciones registradas para el primer elepé del grupo que durante tiempo acompañó a Bob Dylan y estuvo presente en las convulsiciones que afectaron al cambio del cantante de Duluth del folk al rock. El disco ofrece una de las características de The Band: la mezcla de estilos acordes con la música popular norteamericana, en especial rock and roll, folk, country, blues, soul y jazz. Esto no quiere decir que el quinteto se quedase estancado, al revés supo elaborar un complejo estilo reconocible que se percibe desde la primera a la última pieza del disco de estreno del grupo que en tres composiciones cuenta con la colaboración ed Bob Dylan, dos de ellas, clásicas del rock de los sesenta, en concreto This Wheel On Fire y I Shall Be Realesed, y una más en la línea ed Blonde On Blonde. No obstante, The Band brilla igual en todas las canciones que se han convertido en piezas claves ed la música americana atemporal. Ejemplos ello están en Caledonia Mission, The Weight o Lonesome Suzie.

Canciones: Tears Of Rage. To Kingdom Come. In A Station. Caledonia Mission. The Weight. We Can Talk. Long Black Vell. Chest Fever. Lonesome Suzie. This Wheels On Fire. I Sha Be Realesed.

Músicos: Robbie Robertson (guitarra, teclados y voz), Rick Danko (bajo, violín y voz), Levon Helm (batería, guitarra y voz), Garth Hudson (teclados y saxofón) y Richard Manuel (teclados, batería y voz).

Más portadas: Live At Watkins (1994), High On The Hog (1996), Jubilation (1998) y A Musical History (2005).

Apunte: El baterista de The Band continúa en activo con The Levon Helm Band, grupo que incluye hasta el mes de julio un calendario de actuaciones en Columbus, Filadelfia, Boston y Newport, entre otros lugares de Estados Unidos.

The Young Star (RCA Bluebird) 2002
Lena Horne
Portada: ilustración de Ruth Marten

Lena Horne (Brocklyn, 1917) se curtió como en el espectáculo como vedette en el Coton Club de New York antes de entrar con fuerza en la canción a comienzos de la década ed 1940 con su elegante voz que recondujo hacia el jazz mediante la interpretación de estándares como los recogidos en este disco pertenecientes a Cole Porter, Gershwin, Noel Coward, Duke Ellington, Harold Arden y Johnny Mercer, y grabados a comienzos de los años cuarenta. La crítica reconoce que, a pesar de poseer un registro moderado, Lena Horne lo enriquece por los matices tonales y por el manejo sutil de los elementos dramáticos. El disco se abre con el clásico Stormy Weather, título de la película que protagonizó como artista, otra de las facetas de la cantante, quien en las otras siete primeras piezas demuestra su registro jazzístico. Esta tendencia la dejaría de lado en otras interpretaciones como las tituladas Suddenly If's Spring, Do Nothin'm Till You Hear From Me y I´ll Be Around, más en la onda popular que Lena seguiría con la consiguiente evolución en años posteriores, lo cual no resta importancia a su carrera artística desarrollada en una difícil etapa de segregación racial.

Canciones: Stormy Weather. What Is This Thing Called Love?. Ill Win (You're Blowin' Me No Good). The Man I Love. Where Or When?. I Got A Right To Sing The Blues. Mad About The Boy. Moanin' Low. As Long As I Live. I Ain't Got Nothin' But The Blues. I Didn' t Know About You. One For My Baby (And One More For The Road). Suddenly It's Spring. Do Nothin' Till You Hear From Me. I'll Be Around.

Músicos: Lena Horne (voz). Del 1 al 8, orquesta dirigida por Lou Bring, en Hollywood, diciembre de 1941. Del 9 al 12, orquesta dirigida por Horace Henderson en Hollywood en noviembre de 1944, con Illinois Jacquet (saxo tenor), Dave Barbour (guitarra), Lennie Hayton (piano) y Big Sid Catlett (batería). Del 13 al 15, grabados en enero de 1944, en lugar y con personal desconocidos.

Más portadas: The Exciting (1956), At The Waldorf Astoria (1957), It's Love (1962), Lovely Alive (1962), Lena Sing Your Request (1963), Lena & Gabor (1969) y Being Myself (1998).

Apunte: Lena Horne participó en varias películas, entre otras, Stormy Weather y Cabin In The Sky.

African Circle (Ensayo) 2000
Josep Vicent y Amsterdam Percussion Group
Portada: ilustración de Damiá Díaz

Josep Vicent (Altea, 1970) dirige The World Ochestra Of Jeunesses Musicales y el Amsterdam Percussion Group con claros planes de internacionalización de la música, es decir con la integración en los repertorios de de la primera formación de obras de todos los continentes. Entre sus trabajos, en esta ocasión con el Amsterdam Percussion Group, el músico levantino aprovecha para adentrarse en los ritmos africanos mediante la utilización de instrumentos populares del continente negro hasta el punto que la mayoría de las composiciones parecen recién salidas de algún poblado . Vicent aporta en este disco casi una hora de mùsica hinóptica en determinadas ocasiones, atmosférica en otras, y hasta sensual. Piezas como African Circlke, Monanem o Go Between demuestran que lo nuevo y lo viejo no desentonan y constituyen referencias de otras estilo de abordar la música enraizada con la tradición, con la vida.

Canciones: African Circle. Omphalo Centric Lecture. Monanem. Go Between. Akadinda. Ubangui Djembé.

Músicos: Josep Vicent (kalimba, djembé, campanas, sonajeros, cencerro latino, timbales, vibráfono, marimba, snare drum y voz), Lorenzo Ferrándiz (cecerros de vaca africanos, djembé, marimba, shaker, floor tom, pandereta brasileña, temple-blacks, maracas, campanas de madera y voces), Gustavo Gimeno (cabassa, djembé, bajo marimba, vibráfono, snare drum, hit hat, toms, anvil y castañuelas), Ali N'Diaye Rosé (bougarabous, djembé y recitado), Manel Ramada (marimba, bell-tree), Lucas Van Merwijk (bongos, congas, trom-toms, batería, percusión y voz), Wilbert Grotengurg (metales, simantras, thuder sheet, tam-tam, chinese toms, botellas y djembé), Mark Heldermans (timbales latinos, bongos, congas y claves), Arno Van Nieuwenhuizen (wood-blocks, splash symbal, timpanos sinfónicos, campanas tibetanas, ride cymbal, triángulo y sonidos de la jungla) y Herman Rieken (vibráfono, crash cymbal, concert bassdrum, güiro y campanas pequeñas).

Más portadas: Solo, Fin de siglo (1995). Con Amsterdam Percussion Group, Go Between (1987), Poet In New York (1994), Spatial Music (2003) y Realese (2003). Como director, A Journey Into Chaos (1998), Nocturnal Activities (1999), 50 JAAR (1999), Metropole Orchestra (2001) y España de dentro a fuera (2005).

Apunte: La película sobre el compositor valenciano Martin I Soler, estrenada este año y titulada Martini, incluye la banda sonora compuesta por Josep Vicent e interpretada por The World Orchestra. La gira de invierno de esa formación incluye España.

The Best Of Taste (Polydor) 2000Taste
Portada: fotografía de Jonh Minahin

Taste es el nombre del trío con el que el guitarrista irlandés Rory Gallagher (1948-1995) consiguió saltar a la fama como uno de los mejores representantes del blues rock británico. La corta pero fructífera etapa de Rory en el grupo Taste está recogida en tres elepés (1969-1971) y un sinnúmero de discos recopilatorios editados después de la disolución del grupo, como el que aquí comento, puesto a la venta un lustro después de la muerte de Gallagher. Bastante completa en lo relacionado con lo mejor de Taste y con 14 piezas representativas del trío, desde la primera canción, Blister On The Moon, todo un compendio de rock duro sin intermediarios, es decir directo y básico en la instrumentación, el grupo va dejando una muestra del mejor blues rock de cambio de década. Culaquiera de las piezas recogidas en el disco no tiene desperdicio, entre ellas la inolvidable On The Boards y It's Happened Before, It' ll Happen Again, en las que Rory Gallagher toca el saxo alto con sentimiento y en onda jazzística pausada en la primera -que dio título al segundo elepé del combo- y mas free en la segunda. El guitarrista irlandés nunca olvidó sus referentes musicales que estaban al otro lado del Atlántico cuando en su país existía y existe un fuerte componente nacionalista que incluye la música. Esto no quiere decir que Rory fuese ninguneado en su lugar de origen, al revés era idolatrado, al igual que sus canciones en la que había mucho del blues rural, Hail, I'm Moving On o Railway Gun, e intensos solos de guitarra eléctrica como los de las tres canciones en directo que cierran el disco, grabadas en el Festival de la Isla de Wight, pero también algún guiño al country: If The Day Was Any Longer, estilo que tampoco olvidó en su carrera en solitario.

Canciones: Blister On The Moon. Born On The Wrong Side Of Time. Leavin' Blues. Hail. Same Old Story. Catfish. I'm Moving On. Railway And Gun. Eat My Words. On The Boards. It's Happened Before, It's Happen Again. If The Day Was Any Longer. I Feel So Good. Sugar Mama. Sinner Boy.

Músicos: Rory Gallagher (guitarras, saxo alto, armónica y voz), Richard McCracken (bajo) y John Wilson (batería).

Más portadas: Taste (1969), On The Boards (1970), Pop History Vol. 11 (1971) y Live At The Isle Of Wight (1972).

Apunte: Taste actuó en el Festival de Isla de Wight de 1970, momento que quedó registrado en un elepé puesto a la venta cuando el trío ya se había disuelto.

Na Lúa (Clave Records) 1985 reedición 1997
Na Lúa
Portada: diseño gráfico J. Balsa Infografía

Na Lúa constituyó una propuesta novedosa dentro del terreno del folk gallego de la década de 1980 con su primer disco grande en el que se recogían una de las características del grupo: la búsqueda de otros sonoridades que necesariamente no tenían que ser solamente las relacionadas con la entonces denominada música celta. Esto no quiere decir que el quinteto gallego renunciase a la rica tradición de las músicas de las Islas Británicas y Bretaña francesa, como se puede comprobar en más de una de las piezas, incluso en aquella que aborda ritmos portugueses, la titulada Dublín-Coimbra. No obstante hay más aciertos por parte del grupo en eso que se viene llamando desde hace años folk progresivo, es decir la utilización de instrumentos eléctricos, saxo, teclados y batería que se produce en la apertura del repertorio del disco, Espello na Lúa, donde el saxofón acompaña un momento a los demás instrumentos hasta concluir la pieza en claro homenaje a la tradición con la gaita gallega en primer plano hasta devuelve el inicial protagonismo al saxo. Por cierto, volviendo al citado instrumento de metal, una de las composiciones está dedicada a un músico de jazz, Perdido con Charlie Parker, una melodía en tono meláncolico donde lo moderno vuelve a dialogar con la tradición sin que ambas posturas pierdan en la confrontación. Lo mismo ocurre en aquellas donde lo popular se impone en los títulos: Danza de espadas sen nome, Regue/regeifa de Boedo y Danza das sete damas, entre otros. Y así para completar el enriquecido estilo de Na Lúa hay que citar igualmente la mirada más allá de los Pirineos, Bergette Saint Roch, con lo cual el grupo gallego no pudo hacer un mejor estreno discográfico.

Composiciones: Espello na Lúa. Dublín-Coimbra. Vértolas de maio. Danza de espadas sen nome. Bergette Saint Roch. Perdido con Charlie Parker. Regue/Regueifa de Boedo. Fonteliño. Ceo de algodón. Danza das sete damas. Danza do contrabando. Bailada da illa perdida.

Músicos: R. Pereiro Oliveira (bajo eléctrico), X.R. Paz Antón (laúd, cítara, teclados, melódica, batería y percusión), Darío González Moreira (guitarra acústica y eléctrica), Antón Rodríguez Martínez (gaita gallega, flauta travesera, saxo y flauta dulces) y Francisco Álvarez (violín mandolina, teclados y percusión).

Más portadas: A estrela de maio (1987), Ondas do mar de Vigo (1988), Contradanzas (1991), Peliqueiro (1994), Os tempos son chegados (1997), Feitizo (1999) y Fases da Lúa (2001).

Apunte: La portada del primer elepé de Na Lúa es diferente a la de la reedición en cedé de 1997 que aparece en este comentario.

Viejos conocidos

Ain't Enough Comin' In (This Way Up) 1994Otis Rush
Portada: fotografía de Steve Schapiro

Otis Rush (1935) es un veterano guitarrista de blues que continúa en activo después de más de seis décadas desde sus inicios profesionales. Ain´t Enough Comin' In puesto a la venta a comienzos de la década de 1990 es un disco de transición del bluesman que mantiene la esencia de su particular forma de tocar llena de matices y abierta a la heterodoxia. El haber figurado entre los que en la década de los cincuenta, que dieron aire fresco al blues que se hacía en los clubs de Chicago, no significa que Otis Rush viva de rentas porque su trabajo estaba en los noventa más de acuerdo con las actuaciones en directo que con los estudios de grabación. Sin embargo, hay que reconocer que la carrera del guitarrista nacido en la zona de Misisipi se puede justificar con varias canciones inolvidables, entre otras So many roads, y el disco Right Place,Wrong Time, en el que se incluía una sentida versión de Rainy Day In Georgia.

La pasión que pone Otis Rush al tocar la guitarra sigue siendo uno de sus mayores atractivos, don que se complementa con una voz carga de sentimiento, pero no hay que olvidar tampoco su labor de compositor, a pesar de que en esta grabación utiliza piezas de otros, 10 de las 12 recogidas en el compacto.

La primera composición constituye un pequeño homenaje a su paisano Albert King, de quien recupera Don't Burn Down The Bridge, muy en la línea del blues de Chicago, con esa guitarra punzante que caracteriza a los maestros del estilo citado. En esa, como en las demás versiones, hay que tener en cuenta que Otis no se limita a copiar un modelo porque aporta una vitalidad envidiable al blues que, por otra parte, que desprende un soul envolvente del que participan también la sección de ritmo, teclados e instrumentos de viento.

Otis Rush como persona con una larga trayectoria artística, que no olvida las raíces, no deja de lado aquellas músicas que le marcaron en un momento determinado de su vida, por lo que no es extraño que recurra a composiciones de Sam Cooke, Ray Charles o Percy Mayfield. Algunos de ellos, mejor dicho sus canciones, no corresponden al blues, pero de lo que se trata a la hora de interpretar es el sentimiento. Por poner un ejemplo de esa línea de trabajo se puede citar It's My Own Fault, una canción que confirma la influencia de BB King en el estilo de Rush.

El disco contiene asimismo Hmework, Ain't Enough Comin' In y As The Years Go Passing By, que confortan al aficionado para seguir con escuchando blues, más si hay personas que mantienen viva esa llama.

Más portadas: Otis Rush. 1956-1958: His Cobra Recordings (1989), Live In Japan 1986 (1994), Live & Awesome (1996), Any Place I' m Going (1998), Good Uns (2002), All Your Love-Miss Loving: Live At The Wise Fools Pub Chicago (2005), Otis Rush Live And Concert From San Francisco (2006).

 

In Flight (Chrysalis) 1974
Alvin Lee & Co
Portada: diseño de Roger Lowe y fotografía de Terry O' Neill

Alvin Lee (1943) grabó un agradable disco doble de rock and roll justo en el momento que se deshacía el inolvidable cuarteto británico Ten Years After, de grato recuerdo para los seguidores del blues rock evolucionado que se hacía hasta bien entrados los años setenta en el Reino Unido. Grabado durante 1974 en el mítico Teatro Rainbow londinense, la hora y media larga de música se agradece por el tono que nunca decae gracias a la entrega y compenetración del grupo bajo la batuta del guitarrista británico, por cierto, bastante reconocido a ambos lados del océano Atlántico dada su habitual presencia en los principales escenarios del rock de los sesenta y comienzos de los setenta, incluidos macrofestivales como Woodstock o Wight. Con mayoría de composiciones del propio Lee, el disco también recoge algunos rocks del repertorio de Elvis Presley (Don't Be Cruel, Money Honey y Mystery Train), r&blues y algo de soul, muy bien interpretado tanto en lo musical como en las voces del coro acompañante de la banda.Got To Keep Moving, Going Through The Door, I'm Writing You a Letter, You Need Love Love, Let¡s Get Back, y Running Round son algunas de las piezas firmadas por Lee que suenan frescas, al igual que los tiempos lentos del blues Every Blues You've Ever Heard y la acústica All Life' s Trials.

Canciones: Got To Keep Moving. Going Through The Door. Don't Be Cruel. Money Honey. I'm Writing You A Letter. You Need Love Love Love. Freedom For The Stallion. Every Blues You've Ever Heard. All Life Trials. Intro. Let's Get Back. There's a Feeling. Running Round. Mystery Train. Slow Down. Keep A Knocking. How Many Times. I've Got Eyes For You Baby. I'm Writing You A Letter.

Músicos: Alvin Lee (guitarra y voz), Mel Collins (saxofón y flauta), Ian Wallace (batería), Tim Hinkley (teclados), Alan Spenner (bajo), Neil Hubbard (guitarra), Dylan Birch (voz), Frank Collins (voz) y Paddie McHugh (voz).

Más portadas: Pump Iron (1975), Let It Rock (1978), Free Fall (1980), RX5 (1981), Detroit Diesel (1986) y Zoom (1992).

Apunte: La edición remasterizada en cedé de In Flight incluye dos canciones más que no aparecieron en su día en el formato vinilo. Las piezas son Somebody Callin' Me y Put It In A Box. La primera de la gira promocional del disco In Flight y la segunda corresponde al año 1977.

Agardando que pase algo (Resistencia) 1996
Fía na roca
Portada: pintura Terminal, de Xoán M. Gruerreiro

Fía na roca forma parte de la generación de bandas de folk de Galicia que entraron en los ámbitos musical y discográfico a comienzos de la década de 1990. Procedentes de otras formaciones, entre otras Xorima -ya comentado su único elepé en este blog-, los miembros de Fía na roca demuestran su particular forma de entender la música con base tradicional a la que aportan algunos instrumentos eléctricos, piano, metales y ritmos de diferentes geografía. En Agardando que pase algo se aprecia además una orientación hacia el jazz muy interesante. La pieza titulada A Mesquita es una prueba de esa tendencia, como también lo es la utilización de percusiones varias en la composición que abre el disco, Sara, percusiones que orientalizan la pieza, prueba asimismo de la versatilidad del grupo gallego. Sus componentes no dudan en afrontar la tradición desde un punto de vista heteodoxo, por ejemplo en O afiador de Tella, Que sube a terra ou baixa o ceo, Trocante o Imbailabel, aunque también, puestos a interpretar, se atreven hasta con villancico (panxoliña) popular San Xosé e máis María, en la que Mini, de A Quenlla, canta y toca la zanfona al estilo de los antiguos músicos ambulantes.

Canciones: Sara. O afiador de Tella. A Mesquita. Des Oge Mais Quer. Que vaia ben. Ou sube a terra ou baixa o ceo. Trocante. Imbailabel. Dispensando. San Xosé e máis María.

Músicos: Xosé Ramón Vázquez (piano, teclados y acordeón), Xavier Bueno (gaita gallega, saxos soprano y tenor y low whistles), Carlos Castro (percusión, batería y marimba), Alfonso Morán (guitarra acústica y contrabajo), Juan Aguiar (violín), César Morais (bajo eléctrico), Xiao Rodríguez (mandolina), Roberto Santamarina (violín y viola), Pablo Pérez (bajo eléctrico), Xosé Luis Rivas “Mini” (zanfona y voz), Segundo Grandío (bajo eléctrico), Luis Delgado (oud), Jorge Beltrán (saxo alto), Ana Carmen y Leo Bueno (voces).

Más portadas: Fía na roca (1993), Contravento (2002), Dezx anos ao vivo (2004) y Vento vindo (2007).

Apunte: En la actualidad, forman parte de Fía na roca: Sonia Lebedynski, Carlos Castro, Roberto Rama, Giao Rodrigues, Xosé Ramón Vázquez, Roberto Santamarina y Xabier Olite. De abril a julio próximos actuará en Pontes de García Rodríguez, Pontevedra, Ourense, Burela, Gondomar, Cerceda, Santiago de Compos5ela y Palas de Rei.

Barrio Negro (Nuevos Medios) 1991
Tomatito
Portada: fotografía de Mario Pacheco

Jose Fernández Torres Tomatito (1958) grababa su segundo disco grande tras cuatro años de silencio como solista, tiempo en el que fue guitarrista de la última etapa del cantaor Camarón de la Isla. Barrio negro comienza con la cancíon que da título al disco, una rumba más bien urbana con saxo, trompeta y fiscornio, entre otros instrumentos no necesariamente flamencos. La segunda canción es La voz del tiempo, con el inconfundible rajo de Camarón, quien ya había colaborado en el primer disco de su guitarrista. Los aires festeros de las dos primeras piezas continúan en Canaílla (alegrías) A mi tío El Niño Miguel (bulerías) y Caminillo viejos (tangos). El guitarrista almeriense se adentra además en los cantes de ida y vuelta con una colombiana, Armonía del Romañe, en la que se escucha el virtuoso toque del bajo eléctrico a cargo de Carles Benavent. El cedé se completa con la jondura de la taranta titulada Callejón de las canteras, que resalta la sensibilidad y técnica de Tomatito, quien en su segunda grabación se notaba más suelto que en su disco de presentación como solista.

Composiciones: Barrio negro. La voz del tiempo. Cañailla. Armonía del Romañe. A Mi tío El Niño Miguel. Caminillo viejo. Callejón de las canteras.

Músicos: Tomatito (guitarra), Juan Carmona (guitarra, coros, pitos y palmas), Antonio Carmona (percusión, palmas, coros, pitos), Antonio Torres (coros, pitos, palmas), Antonio Ramos (bajo), Andrés Bedó (piano), Francisco Ibañez (trompeta y fiscornio), Valentín Álvarez (saxo), Antonio Humanes (coros), Camarón (voz en 2), Indalecio Torres (baile en 3) y Carles Benavent (bajo).

Más portadas: Rosas de amor (1987), Guitarra gitana (1997), Spain (2000), Paseo de los castaños (2001), Agua dulce (2004) y Spain Again (2004).

Apunte: Las colaboraciones de Tomatito con músicos de jazz incluyen la grabación de dos discos con el pianista Michel Camilo, en concreto los ya mencionados Spain y Spain Again. El primero fue galardonado con un premio Grammy.

Live...Again (Blue Note) 1995
Don PullenPortada: Portratit Of Don Pullen, de Ritchard Rodriguez

Don Pullen (1941-1995) fue pianista con diferentes representantes del jazz moderno, Charles Mingus o George Adams, entre otros, antes de realizar una brillante carrera en solitario que solamente truncó la muerte. En el Festival de Jazz de Montreaux de 1993 se realizó la grabación del que sería su disco póstumo, puesto a la venta tras su muerte y representativo de la que se denomina su etapa africana brasileña. La actuación recogida en el disco en directo incluye la presencia de músicos de distintas nacionalidades: brasileño, senegalés, panameño, que resaltan sonidos contagiosos como bossas, capoeiras y percusiones africanas. La larga pieza de apertura Yabino Spring va en esa línea de fusión donde el piano limpio y rápido, de contagioso ritmo, conecta a la perfección con las percusiones, bajo, saxo y voz tribal. El sentido homenaje al que fue compañero durante muchos años lleva el título de A George, We Hardly Knew Ya, otra larga ejecución plena de sentimiento, melancolía y calidez. Tras el recuerdo y lamento por el amigo desaparecido, Pullen se adentra otra vez en la conexión de Africa con Brasil mediante las composiciones Capoeira, Kele Mou Bana y Aseeko! (Get Up And Dance!) que evidencian la constante búsqueda del pianista de jazz inquieto que sabe aprovechar la comunicación con otros ritmos en teoría diferentes pero que se benifician cuando dialogan entre sí.

Composiciones: Yebino Spring. Ah George, We Hardly Knew Ya. Capoeira. Kele Mou Bana. Aseeko! (Get UP And Dance!).

Músicos: Don Pullen (piano), Carlos Ward (saxofón alto), Nilson Matta (vajo), J. T. Lewis (batería) y Mor Thiam (djembe, tabula, rainsticks, campana de viento y vox en 4 y 5).

Más portadas: Piano Solo (1975), Healyng Force (1976), Evidence Of Things Unseen (1984), Keele Mou Bana (1992), Ode To Life (1993) y Live...Again (1995).

Apunte: El sello discográfico Mosaic dispone de una selección de diferentes etapas de la carrera musical del pianista de Virginia en tres cedés de edición limitada y titulada Mosaic Select: Don Pullen.

Specials (2 Tone) 1979
The Specials
Portada: Chalkie Davies y Carol Starr

The Specials, de Coventry, con su estética de rudes boys, sorprendieron en la escena musical inglesa con su enérgico sonido basado en el ska de Jamaica de los sesenta, es decir antes de la consolidación del reggae como ritmo más representativo de la mencionada isla. Coetáneos del punk, The Specials constituían la vanguardia de una juventud agresiva en especial contra el gobierno británico y antirracista, dos negros y cinco blancos les cantaron las cuarenta a quienes llevaron al inevitable declive al Reino Unido. Bajo la producción de Elvis Costello, The Specials enseguida se convirtieron en la referencia de otras muchas bandas que abundaron por Europa a finales de los setenta y comienzos de los ochenta. Los de Coventry tomaron el relevo del punk con su provocador sonido que cambiaba el sinuoso ritmo del ska por un tono más potente gracias a la guitarra eléctrica y un menor protagonismo de los metales, aunque nunca faltasen como se pone de manifiesto en A Message To You Rudy, banda sonora de la primera hornada de grupos skatalíticos de las Islas Británicas, como también lo son buena parte de las piezas del disco grande de estreno de los Specials. Nite Klub, Concrete Jungle, Monkey Man o Too Much Too Young son algo más que versiones que capturan la esencia de un sonido añejo.

Canciones: A Message To You Rudy. Do The Dog. It's Up to You. Nite Klub. Doesn't Make It Alright. "Concrete Jungle. Too Hot. Monkey Man. Dawning of A) New Era. Blank Expression. Stupid Marriage. Too Much Too Young. Little Bitch. You're Wondering Now.

Músicos: Terry Hall (voz), Neville Staples (voz), Lynval Golding (guitarra rítmica y voz), Roddy Radiaton (guitarra, canción 6), Jerry Dammers (teclados), Sir Horace Gentleman (bajo), John Bradbury (batería), Dick Cuthell (metales), Rico Rodríguez (trombón) y Chrissie Hynde (voz).

Más portadas: More Specials (1980), In The Studio (1984) y Guilty 'Til Proved Innocent ! (1998).

Apunte: Dance Craze es el título de un documental de 1980 que recoge a los artistas más representativos del sello discográfico 2 Tone y del ska británico. Un disco con el mismo título recoge 15 canciones del total incluido en la filmación.

JULY DRISCOLL, BRIAN AUGER & THE TRINITY

Streetnoise (Polydor) 1969
Julie Driscoll, Brian Auger & The Trinity
Portada: Ralph Steadman

Julie Driscoll (1947) y Brian Auger (1939) formaron un dúo musical que demostró una especial atracción por jazz, blues, r&b, soul, pop y psicodelia, estilos que aparecen distribuidos en el repertorio de este disco doble y demostrativo de la potencia del teclista y el savoir faire de la cantante. Streetnoise, a pesar de su grabación en 1969, representa el naciente rock progresivo que iba a tener su máximo esplendor en la década de los setenta. Driscoll, Auger y Trinity se adhieren a la fusión bien conducida por los teclados de Brian, quien aprovecha la ocasión para meter sus composiciones instrumentales y algunas cantadas de alto contenido jazzístico preñado de r&b. Tropic Capricorn, Ellis Island, Finally Found You Out y Looking In The Eye Of The World son algunos de los ejemplos de la influencia de la música negra sobre el pianista británico. Por su parte Julie Driscoll aporta varias piezas que resaltan su a veces apasionada, otras más profunda voz, como se comprueba en la reivindicativa Czeshoslovaquia, A Word About Colour o Vauxhall To Lambert Bridge, menos escoradas hacia el sonido omnipresente de los teclados de Auger. Por otra parte, se recogieron varias versiones de Nina Simone, The Doors y Laura Nyro, entre otros mitos de la música popular, así como la reinterpretación de Flesh Failures (Let The Sunshine In), exitosa canción del musical Hair. Aunque, lo dicho, Streetnoise es un álbum muy de su época, lleva muy bien los años y se mantiene con dignidad.

Canciones: Tropic Of Capricorn. Czechosolvaquia. Take Me To The Water. A Word About Colour. Light My Fire. Indian Rope Man. When I Was Young. Flesh Failures (Left The Sunshine In). Ellis Island. In Search Of The Sun. Finally Found You Out. Looking In The Eye Of The World. Vauxhall To Lamberth Bridge. All Blues. I've Got Life. Save The Country.

Músicos: Brian Auger (órgano, piano, piano eléctrico y voz), Juli Driscoll (guitarra acústica y voz), Clive Thacker (batería y percusión), Dave Ambrose (guitarra acústica, bajo y voz).
Más portadas: Open (1967), Jools & Brian (1969), Biran Auger's Oblicion Express (1971), 1969 (1971), Second Wind (1972), Closer To It! (1973), Straight Ahead (1974), Reinforcementes (1975), Encore (1978) y Keys To The Heart (1987).

Más portadas: Tanto de Julie Driscoll como Brian Auger, Open (1967), Definitely What! (1968), Jools & Brian (1969), Brian Auger's Obvilion Express (1971), 1969 (1971), Second Wind (1972), Closer To It! (1973), Straight Ahead (1974), Reinforcements (1975), Enconre (1978) y Keys To The Heart (1987).

Apunte: En la actualidad, tanto Julie Driscoll como Brian Auger continúan cada uno por su lado en proyectos musicales. El teclista mantiene el grupo Oblivion Express y la cantante suele actuar con su esposo Keith Tippet.

Roger McGuinn (CBS) 1973
Roger McGuinn
Portada: Columbia

Roger McGuinn (1942) encaró el año 1973 con su primer disco en solitario pero muy bien acompañado por conocidos músicos, entre otros los miembros de The Byrds originales, grupo que en ese año se disolvía tras una reunión con elepé incluido que no tuvo la acogida esperada por los miembros originales de la mítica formación californiana. El elepé de Roger McGuinn recibió sin embargo muy buenas críticas, incluso muchos años después de su grabación. Se puede afirmar sin temor a equivocarse que es una de las mejores grabaciones de McGuinn en su etapa como solista reafirmada mediante un sonido versátil pero sin perder el country rock en el que tanto se inspiró el cantante y guitarrista de Chicago. La primera canción del elepé entra en una reconocible línea dylaniana, tanto que el propio Bob toca la armónica en Restless, más folk que country, es decir acústica y abierta a los matices nasales de la voz de McGuinn, admirador de toda la vida del cantante de Duluth. El aleteo de los pájaros se percibe en la siguiente pieza, My New Woman, donde se escucha con claridad la inconfundible voz de David Crosby y la del resto de The Byrds, como en los mejores tiempos, junto a un coltraniano saxo. La tercera canción, Lost My Drivn' Wheel, sirve para adentrase en el estilo eléctrico de resaltona Rickenbacker que McGuinn ha mantenido a lo largo de su larga carrera discográfica. La huella de Roger se distingue en la mayoría de sus grabaciones y comparecencias en directo. El resto del material de disco apunta hacia los Beach Boys (Draggin´), el country supersónico (Time Cube), la canción religiosa negra (Stone), country rock (Bag Full Of Money y The Water Is Wide), Blues (Hanoi Hannah), influencias música europea (Heave Away) y de los ritmos étnicos (M´Linda). Todo el repertorio está bien ejecutado por sus acompañantes, lo cual convierte a este disco en una obligada escucha para quien admire a The Byrds y sus secuelas musicales.

Canciones: I'm So Restless. My New Woman. Lost My Drivin' Wheel. Draggin'. Time Cube. Bag Full Of Money. Hannoi Hannah. Stone. Heave Away. M' Linda. The Water Is Wide.

Músicos: Roger McGuinn (guitarras, banjo, moog y voz), Jerry Cole (guitarra), Spooner Oldhan (teclados), Chris Ethridge (bajo), Hal Blaine (batería), Gene Clark (voz), Michael Clarke (batería), David Crosby (guitarra y voz), Chris Hillman (bajo), Bob Dylan (armónica), Budy Emmons (steel guitar), Jim Gordon (bajo), John Guerin (batería, Bruce Johnston (piano), Jimmy Joyce (voz), Charles Lloyd (saxofón), Relaine Spoanky McFarlane (voz), Lelan Sklar (bajo) y David Vaught.

Más portadas: Peace Of You (1974), Roger McGuinn Band (1975), Cardiff Rose (1976), Thunderbyrd (1977), Back From Rio (1991), Born To Rock & Roll (1991), Live From Mars (1996), Treasures From The Folk Den (2001) y The Folk Den Project (2005).

Apunte: El más reciente disco de larga duración de Roger MgGuinn es el titulado Live From Spain, grabado en el año 2004 en la ciudad de Vitoria. La grabación reúne 21 canciones, la mayoría perteneciente al repertorio de diferentes etapas de The Byrds.

Blues Breakers (Decca Records) 1966
John Mayall & The Bluesbreakers
Portada: Decca

John Mayall (1933) forma parte desde hace muchos años de los ilustres bluesmen que con su altos y bajos ha sabido mantenerse fiel a un estilo esencial para la comprensión de la música popular del siglo XX. Desde los inicios de su carrera, Mayall apostó fuerte por el blues y se convirtió a la vez en el maestro de músicos de diferentes generaciones, sobre todo de las décadas de 1960 y 1970, principalmente en Gran Bretaña pero también en Estados Unidos. De su etapa británica, en plena efervescencia del pop, Mayall puso en marcha The Bluesbreakers, un marchamo de rigor y calidad a la hora de interpretar piezas de otros maestros del blues negro o del propio Mayall. Blues Breakers significó también el nacimiento de otro mito de la guitarra eléctrica, Eric Clapton, que como el resto de la banda realiza un trabajo por el que no pasa el tiempo. Versiones de piezas de Otis Rush, Freddie King, Robert Johnson, Luther Allison o Ray Charles, entre otros, indican que los británicos también disponen del soul necesario para que All Your Love, Hideway, What'd I Say y Parchman Farm mantenga la esencia primaria pero con renovado sonido en el que no faltan guiños al jazz, soul y r&b que contribuyeron al nacimiento del blues rock.

Canciones: Al Your Love. Hideway. Little Girl. Another Man. Double Crossin' Time. What'd I Say. Key To Love. Parchman Farm. Have You Heard. Ramblin' On My Mind. Steppin' Out. It Ain't Right.

Músicos: John Mayall (órgano, piano, armónica y voz), Eric Clapton (guitarra y voz), John McVie (bajo) y Hughie Flint (batería). John Almond (saxo barítono, en canción 5), Alan Skidmote (saxo tenor) y Dennis Healy (trompeta en canciones 7, 9 y 11).

Más portadas: The 1982 Reunion Concert (1982), 70 Th Birthday Concert (2003), Road Dogs (2005) y Live At The BBC (2007).

Apunte: John Mayall se mantiene en forma a sus 75 años como demuestra su condición de auténtico bluesman que mientras el cuerpo aguante continúa actuando por todo el mundo. En este año recorrerá América del Norte, América del Sur y Europa. En este último continente, en concreto en España, está previsto que toque a finales del mes de julio.

Philadelphia (Epic) 1993
Varios
Portada: cartel de la película

Cine y música forman un matrimonio sólido desde el nacimiento del primero, conocido popularmente como séptimo arte, pues salvo excepciones los dos se competran óptimamente para deleite de muchas personas que ven en las bandas sonoras de las películas una extensión disfrutable sin necesidad de ver el filme. También es verdad que algunas ciudades son más atractivas para directores que ven en ellas una fuente de inspiración y, por tanto, la posibilidad de trabajar más a gusto. No sé si eso le ocurrió al director de Philadelphia, Jonathan Demme que en la primera mitad de los noventa abordó la problemática de homosexualidad y sida desde un punto de vista melodrámatico. Se puede demostrar, sin embargo, que hubo otras filmaciones más creíbles que la que protagonizaron Tom Hanks, Dezel Washington, Antonio Banderas, Jason Robards y Mary Stenburgen. Pero en lo músical, Philadelphia ofrece una atractiva banda sonora que se abre con un Bruce Springteen callejeando por las calles de la ciudad que da nombre a la película. Menos roquero, más poético, con el fondo de teclados atmosféricos, para mí Streets Of Philadelphia es una de las mejores piezas de banda sonora, quizá porque Springteen suena menos al sonido que tiene acostumbrado a quienes disfrutan de su música, incluidos quienes en su día le concedieron el honor del oscar a la mejor canción de 1993. Del repertorio destacable, rompo una lanza también por Peter Gabriel por su Lovetown, Sade con la interpretación de la soulera Please Send Me Someone To Love, Spin Doctor por la creedenciana Have You Seen The Rain?, Indigo Girls por la relectura de I Don't Wanna Talk About It y Neil Young por Philadelphia, quien, sin embargo, sí suena a Neil Young sin desmerecer. No, no me olvido Maria Callas y La mamma morta, It's In Your Eyes de Paulette Washington y Precedent de Howard Shore. Toda la banda sonora es aprovechable, según gustos, y algunas de sus composiciones no dejan indiferente al espectador u oyente, porque, sin salirse de los canónes más ortodoxos de la composición musical cinematográfica de finales del siglo XX, emparentan de forma directa con la cultura popular, como pasa con la película.

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Canciones: Streets Of Philadelphia. Lovetown. It's In Your Eyes. Ibo Lele (Dreams Come True). Please Send Me Someone To Love. Have Your Seen The Rain?. I Don´t Wanna Talk About It. La Mamma Morta. Philadelphia. Precedent.

Músicos y solistas: Bruce Springteen, Peter Gabriel, Paulette Washington, Ram, Sade, Spin Doctors, Indigo Girls, Maria Callas, Neil Young y Howard Shore.

Más portadas: De las bandas sonoras de películas del mismo año que Philadelphia. Carlitos' Way, La tapadera, El fugitivo, La edad de la inocencia, Lo que queda del día, El olor de la papaya, Belle Époque y Algo que recordar.

Apunte: La ciudad norteamericana de Filadelfia acoge desde 1995 el Philadlphia International Gay &b Lesbian Film Festival.

 
El rastro (8)

Generación 49

Belter

1969

1. O' espantallo
2. La Alfonsina
3. Poema da chispa
4. Belidas fiandeiras

Blues (Polydor) 1994
Jimi Hendrix
Portada: diseño y dirección artística de Richard Bull y Rob O' Connor

Jimi Hendrix (1942-1970) desde el día después de su prematura desaparición física se convirtió en esos muertos generadores de dinero que tanto abundan en el territorio del rock. Dentro de esa línea de exhumación de canciones muchas veces ya escuchadas, en 1994, se puso a la venta el disco blues , del que se anunciaba la inclusión de varias canciones inéditas. Jimi Hendrix, a pesar de las acusaciones de tirios y troyanos, no olvidó sus raíces que, por cierto, inspiraron algunas de sus memorables piezas, por ejemplo el contundente Red House, revisitado en este recopilatorio, que se nutre de la innovadora psicodelia de los sesenta. Hear My Train Coming, Voodo ChileBlues, Once I Had A Woman y Jelly son otros de los blues que desarrolla con su enérgico y rabioso guitarreo el músico de Seatle, quien se nutre además de la inspiración de otros colegas como Booker T. Jones y William Bell, Muddy Waters y Elmore James & Marshall Sehorn. Las anteriores y las de los músicos negros citados siguen los rastros dejados por bluesmen de las décadas de los 20,30, 40 y 50 del siglo pasado. El propio Hendrix no escapó a dicha influencia, pues si antes citaba el Red House, en el lado acústico está la primera versión de Hear My Train Coming, la que abre el cedé, donde, según los entendidos hay reminiscencias de Tommy Johnson, Skip James y John Lee Hooker.

Canciones: Hear My Train Comin' (acoustic). Born Under A Bad Sign. Red House. Catfisg Blues. Voodo Chile Blues. Mannish Boy. Once I Had A Woman. Bleending Heart. Jelly 2992. Electric Church Red House. Her My Train Comin' (electric).

Músicos: Jimi Hendrix (guitarras y voz). Acompañan al guitarrista zurdo los grupos Experience y Band Of Gypsys, Stevie Winwood (órgano) y Jack Casady (bajo), en Voodo Chile Blues, y otros músicos desconocidos.

Más portadas: Blue Wild Angel. Live At The Isle Of Wight (2002), The Rainbow Bridge Concert (2003), 20 Th Centuryt Masters: The Best Jimi Hendrix (2005) y Live At The Monterey (2007).

Apunte: En lo que va del año 2008, los discos recopilatorios de Jimi Hendrix puestos a la venta llegan casi a la veintena.

 

 

Estou vivindo no ceo (Nubenegra) 1995
Uxía
Portada: diseño de Poucatella

Uxía Senlle (1962) utiliza constantemente referencias de otras músicas para sus actuaciones en directo y en los discos que graba, hasta el punto de convertirse en una de las voces gallegas más conocida fuera de sus fronteras naturales. Su tercer disco en solitario, esta vez sin la compañía de la banda Na lúa, se puede considerar fronterizo porque aborda composiciones de Galicia y Portugal, dos geografías condenadas inexorablemente a entenderse. La cantante de Mos insiste en su predilección por la canción popular de la tierra natal, a la que aporta nuevas sonoridades, pues así lo demuestra con la pieza que abre el disco Alalá das mariñas, adaptada a una melodía armenia pero que también suena a música irlandesa y a las nuevas tendencias sonoras que tanto éxito tuvieron en la década de 1990. Igualmente la tradición se extiende a A laranxa, Voume eu, fermosa y Tua nai e meiga, que se hermanan con los cantos de la raia portuguesa. Las restantes composiciones son Green God, perteneciente a uno de los mejores poemarios del escritor luso Eugenio de Andrade; Verdes sao os campos, adaptación de versos de Camoes por el inolvidable Zeca Afonso; Aquí estas noites tan longas, recuperación de una canción de Quintas-Canella quien, a su vez, había recurrido al texto del trovador medieval Juiao Bolseiro, Canto de Nadal, del cancionero popular galego; Millo verde, canción tradicional de las más versioneadas tanto en Galicia como en Portugal, en esta ocasión con tono moruno. El disco se completa con Suite de Bembribre, Senhora do Almortao y Entre nós, que definen muy bien lo dicho al principio y sirven para comprobar la sabia versatilidad de Uxía, que en Estou viviendo no ceo estuvo acompañada por renombrados instrumentistas del folk y la música de cámara.

Canciones: Alalalá das mariñas. A laranxa. Voume eu, fermosa. Tua nai é meiga. Green god. Verdes sâo os campos. Aquestas noites tan longas. Canto de Nadal. Millo verde. Suite de Bembibre. Senhora do Almortao. Entre nós.

Músicos: Uxía (voz y pandeireta), Nacho Muñoz (teclados y timbal sampler), Quico Comesaña (arpa, mandola), Margarita Joukova (violonchelo), Carlos Castro (cencerros, rototôms, bombo, cunchas, colgantes, pratos, pandero, pandeireta, pandeira, derbuka, pandereta árabe, crótalos), Quim Fariña (violín), Júlio Pereira (guitarra acústica y maracas), Edita Shoulman (violín), Xosé Manuel Budiño (punteiros y gaita), Kepa Junkera (acordeón diatónico, trikitixa, acordeón diatónico vasco), Gema Corredera (voz moruna y coros) y Carlos Castro (tabla y efectos).

Más portadas: Foliada de marzo (1986), Entre cidades (1991), La sal de la vida (1997), Danza das areas (2000) y Eterno navegar (2008).

Apunte: El nuevo disco de Uxía, Eterno navegar, recoge 15 canciones que sirven a la cantante para ahondar en las relaciones entre diferentes culturas a ambos lados del océano Atlantico. El cedé, grabado en Portugal, cuenta con la presencia de músicos portugueses, gallegos, brasileños y africanos.