Chamaleons (i.e. Music) 1998
Badi Assad
Portada: fotografía de Christine Alcino

Badi Assad (São João de Boa Vista, 1966) es una de las virtuosas de la guitarra en Brasil que supo en la década de 1990 llevar la música de ese amplio territorio por el mundo adelante al darle a sus composiciones una apertura hacia otros ritmos y colocarse como una aventajada intérprete y creadora de lo que se viene llamando world music, un heterogéneo estilo al que la virtuosa instrumentista aporta la atmósfera de la naturaleza de su país y la sensualidad implícita a la canción brasileña en género femenino. Chamaleons constituyó la entrada definitiva de Badi en el candelero internacional de la música popular al roderarse de músicos de reconocido caché en el ámbito de los festivales y circuitos de la música introspectiva, entre otros, Lee Ritenour o Jeff Scott Young. El disco se abre con Rhythms Of Thew World, una perfecta introducción a la versatilidad de Badi quien a veces se le nota un deje flamenco al rasgear la guitarra, además un indisimulado uso de la percusión. En la dirección de la world music con acento brasileño, la guitarrista y compositora, no duda en servirse de otros platos que considera sabrosos como los elaborados por Vital Farias, Milton Nascimento y George Harrison, en concreto Ai que saudade d'océ, Ponta de areia y While My Guitar Gently Weeps, que desprenden nuevas fragancias y en el caso de la tercera sirve para recordar al entonces recientemente desaparecido Michael Hedges, otro mago de la guitarra que seguramente inspiró a Badi, basta con escuchar Butterflie para reconocerlo. En cuanto a la línea vocal, la brasileña demuestra moverse a gusto en el inglés al que aporta una fonética sensual en Naked o Flowing...Into Formelessnes, labor que ha servido para la proyección mundial de la guitarrista, toda una artista llena de sensibilidad y buen gusto.

Canciones: Rhythms Of The World. Butterfly. Waves. Ai que saudade d' ocë. Naked. Maio maio. Rain Trance. Waterfall. Dolphins In The Blue Mist. Ponta de areia. While My Guitar Gently Weeps. Flowing...Into Formelsshess.

Músicos: Baddi Assad (guitarra, marimba, djenbe, wind, key chimes y voz), Jeff Scott Young (guitarra), Lee Ritenour (guitarra sintetizada), Abraham Laboriel (bajo acústico), Cassio Duarte (percusión), Alex Acuña (percusión), Steve Kent (digerido), Hilary Jones (batería), Caroly Osbourn (violín), Virginia Lee Frazier (viola), Stephani Fife (chelo), Viviana Guzman (flautas), Debby Holiday (voz) y Anddre Manga (voz).

Más portadas: Dança do tons (1989), Solo (1994), Juarez Moreira e Badi Assad (1995), Rhythms (1996), Echos of Brazil (1997), Three Guitars (2003), Dança das ondas (2003), Verde (2004), Ondas (2004) y Wonderland (2006).

Let's Get It On (Tamla Motown) 1973
Marvin Gaye
Portada: Fotografía de Jim Britt

Marvin Gaye (1939-1984), tras el éxito de sus dos anteriores álbumes cargados de referencias sociales y hasta políticas, vuelve a la música para el cuerpo sin descuidar el alma pero con una fuerte carga sexual que convierte a Let's Get It On en una de las principales referencias de la música negra de los setenta. La canción que da título al álbum ya advierte de esa descarga de libido a cien por hora y sin ningún tipo de prejuicio que se siente y palpa gracias a una instrumentación exquisita y la voz cambiante de Gaye que resalta sus falsetes cual orgasmos prolongados. Tal profusión de sexualidad desatada no está inventando nada sino recalcando una veta de la música popular negroamericana que tiene su origen en el blues, razón por la cual las ocho piezas del disco están marcadas por soul elegante, pop, smooth jazz, r&blues, doo woop y funk, estilos que Marvin Gaye adapta a su etapa de cantante seductor. En esa línea de pasión intensa están también la gimiente You Sure Love To Ball, Just To Keep You Satisfied, If Should Die Tonight o Distant Lover, canciones que crean tendencia en el soul de la primera mitad de los setenta y preparan el camino hacia los sonidos que llenarán de nuevo las pistas de baile durante las febriles noches de los sábados. Aunque tampoco desagrada ese guiño que Gaye realiza a sus comienzos de joven cantante de doo woop mediante Come Get This, ésta y el resto convierten el disco en una de las más refrescantes propuestas del soul en un tiempo de grandes autores de esa música que aportaron también elepés inmprescindibles al mencionado estilo.

Canciones: Let's Get It On. Please Stay (Once You Go Away). If I Should Die Tonight. Keep Gettin' It On. Come Get To This. Distant Lover. You Sure Love To Ball. Just To Keep You Satisfied.

Músicos: Marvin Gaye (piano y voz), Marvin Jenkins (piano), Joe Sample (piano), Melvin Ragin (guitarra), Louis Shelton (guitarra), David T. Walker (guitarra), Robert White (guitarra), Eddie Wills (guitarra), Ernie Watts (saxofón), Plas Johnson (saxofón), Madeline Ross (voz), Fred Ross (voz), Fredie Gorman (voz), Henry Dixon (voz), C.P. Spencer (voz), Wilton Felder (bajo), James Jamerson (bajo), Eddie Brown (batería y bongo), Bobbye Hall Porter (bongo), Paul Humphries (batería), Uriel Jones (batería), Victor Fieldman (vibes), Emil Richards (vibes) y Emil Richard (mallettes).

Más portadas: Midnight Lover (1982), Dream Of A Lifetime (1985), The Last Concert Tour (1991), Vulnerable (1997) y Live At The Copa (2005).

Apunte: Más información en este blog sobre Marvin Gaye, en el post s de Monday, December 5, 2005.

Dedicado a Rafael Molinero, Moli, el más sexi funk de la City.

Vagabonds Of The Western World (Deram) 1973
Thin Lizzy
Portada: Jim Fitzpatrick

Thin Lizzy alcanzaba el status de banda de primera fila con su tercer elepé aupado por el sencillo Whisky In The Jar que no dejó de sonar en media Europa y llegó al número seis de los éxitos del Reino Unido en aquel 1973 dominado aún por el glam rock y una larga lista de grupos y cantantes horteras. Sin embargo, Phil Lynott (1949-1986) como líder indiscutible del trío irlandés tenía un visión más larga que muchos de los componentes de bandas que triunfaban entonces, también tenía más talento y orginalidad, aunque en Vagabonds Of The Western World todavía hay deudas con Jimi Hendrix y Cream, entre otros pesos pesados del rock sesentero de alargada sombra sobre generaciones como la del cantante y bajista. Blues, soul, rock y algo de funk se reparten por las ocho piezas de la tercera entrega de Thin Lizzy, donde brilla por su presencia la intución de Lynnot a la hora de componer, desde canciones con ramazalos de r&blues eléctrico de las mejores escuelas norteamericanas como la primera composición: Mama Nature Said, pero donde mejor se desarrolla la esencia de los Lizzy, imparable a partir de entonces, es en el acelerado guitarreo de The Rocker, Vagabond Of The Western o Gonna Creep Unp On You, aunque el resto del repertorio no tiene desperdicio, por ejemplo la hendrixiana Slow Blues, prueba de la apertura de miras de Phil para no estancarse en un soniquete, actitud que le ayudaría a convertir a su banda en una de las mejores referencias de rock duro de los setenta.

Canciones: Mama Nature Said. The Hero And The Madman. Slow Blues. The Rocker. Vagabond Of The Western World. Little Girl In Bloom. Gonna Creep Up On You. A Sonf For While I'm Away. Wisky In The Jar. Black Boys On The Corner. Randolph's Tango. Broken Dreams.

Músicos: Phil Lynnot (bajo, guitarra acústica y voz), Eric Bell (guitarras y voz) y Brian Downwy (batería y percusión). Jan Schenlhaas (órgano), Fiachra Trench (arreglos de cuerda), Peter Oxer, Goodfrey Salmon, Alan Sloan, Alan Merrick, Peter Poole e Ian MacKinnon (violines), Don McVay y Tony Harris (violas), Quentin William (chelo) y Paul Mosby (oboe).

Más portadas: Fighting (1975), Jailbreak (1976), Johnny The Fox (1976), Bad Reputation (1977), Live And Dangerous (1978), Black Rose: A Rock Legend (1980) y Chinatown (1981).

Apunte: En la edición de CD de 1991 se recuperaron las canciones que no aparecían en el elepé pero que sirvieron para los sencillos de promoción del grupo: Wisky In The Jar. Black Boys On The Corner. Randolph's Tango. Broken Dreams.

Red Dirt Girl (Resistencia) 2000
Emmylou Harris
Portada: fotografía de Michael Wilson

Emmylou Harris se destapó como una compositora eficiente en el disco Red Dirt Girl, grabación que suponía la entrada en el nuevo milenio de la veterana cantante de Alabama, quien con Red Dirt Girl obtendría un Grammy en el apartado del mejor álbum de folk, algo que sorprende cuando en dicho disco de tonalidades country se advierte la presencia de instrumentos programados sobre todo en lo relativo a la percusión. No obstante el cedé constituye un elemento a tener en cuenta en la larga lista de grabaciones de Emmylou Harris, quien contó con la colaboración de reconocidos compositores, músicos y estrellas del country y el rock, entre otros Guy Clark, Rodney Crowell, Buddy Miller, Julie Miller, Kate McGarrigle, Patti Scialfa o Bruce Sprinsteen. El resultado de tan generosa contribución a la causa de la cantante sureña se concreta en lo ya dicho: canciones de la cosecha de Emilou o coescritas con otros personajes que destilan talento a la hora de acercar sentimientos, unas veces con fondo melancólico, otras elegíaco y algunas trágicas, aunque tampoco falta la nostalgia de los tiempos idos. Esas referencias se encuentran en canciones como The Pearl, Tragedy, Red Dirt Girl, Bang The Drum Slowly, One Big Love, My Antonia o Boy From Tupelo, es decir entre las mejores del álbum.

Canciones: The Pearl. Michelangelo. I Don't Want to Talk About It Now. Tragedy. Red Dirt Girl. My Baby Needs a Shepherd. Bang the Drum Slowly. J'ai fait tout. One Big Love. Hour of Gold. My Antonia. Boy from Tupelo.

Músicos: Emmylou Harris (guitarras acústica y eléctrica y voz), Malcolm Burn (guitarra eléctrica, guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, bajo, pìano Fender Rhodes, dulcimer, bajo sintetizado, sintetizador, armónica, omnichord, pandereta, percusión, batería y caja programada), Ethan Johns (guitarra eléctrica, guitarra acústica, mandochelo, batería, percusión, omnichord y Ebow), Daryl Johnson (guitarra acústica, bajo, cjord bass, bass pedal, batería, percusión, snare drum y armonías vocales), Buddy Miller (guitarra eléctrica, pedal steel y mando guitar ) Jill Cunniff, (guitarra eléctrica, bajo y armonías vocales), Julie Miller (armonías vocales), Patti Scialfa (dueto vocal en 4), Bruce Springsteen (armonías vocales en 4), Renee Coman (bajo), Patty Griffin (armonías vocales 6 y 10), Kate McGarrigle, (piano, acordeón y armonías vocales), Jim Watts ( Fender Rhodes), John Deaderick (Fender Rhodes), Carlo Nuccio(batería) y Dave Matthews (dueto vocal en 11).

Más portadas: At The Ryman (1992), Cowgirl's Prayer (1993), Wrecking Ball (1995), Spyboy (1998), Stunmble Into Grace (2003), Real Live Roadrunning (2006) y All Intender To Be (2008).

Apunte: En este blog hay más información sobre discos de Emmylou Harris en los post: Wednesay, Febraury 7, 2007. Tuesday, Febraury 5, 2008.

A plena sombra (Cosecha Roja) 2000 
Cosecha Roja
Portada: fotografía de Xosé Lois Vázquez

Cosecha Roja ha escrito en una inolvidable y hermosa caligrafía musical dentro de las páginas del libro de pop rock atemporal de guitarras eléctricas que convierten un estilo en reconocible allá donde suene. En relación con este grupo ourensano, el otro día pude ver en el blog de Burgas Beat que Cosecha Roja se reunió para tocar en una actuación para celebrar los 20 años de la tienda de discos Peggy Records. Entonces recupero parte de lo escrito hace nueve años cuando salió A plena sombra, 300 ejemplares en cedé que se distribuía por correo para hacerlo llegar a los seguidores del grupo. Un apunte acústico, El mismo sol, abre el disco que ofrece al cuarteto con más acompañamiento instrumental que el tenido hasta entonces, al incluir vientos, teclados y hasta una marimba. Apoyo que sirvió para enriquecer y ensalzar las canciones de Cosecha Roja, una docena, de las cuales, la melancólica titulada Como la nube, pertenece a Magín Blanco, otro personaje básico del pop-rock gallego y fundador de La Rosa, trío que ya he comentado en este blog. Junto a la anterior, Maldito, Holgazanear, Tendrías que habernos visto, Seis días, Como la noche y Alicia G, ésta en gallego, constituyeron en su momento partes de un repertorio al que se vuelve con frecuencia por su frescura y actualidad casi una década después de su grabación, sonido que tiene continuidad en muchas bandas americanas e inglesas que no dudan en apoyarse en lo acústico y lo eléctrico, así como en canciones con sentido y lirismo a flor de piel. De aquella cosecha, hoy se puede escuchar al grupo Burgas Beat.

Canciones: El mismo sol. Nada que mirar. Maldito. Zulo. Holgazanear. Despedida. Seis días. Tendrías que habernos visto. Alicia G. Como la nube. Nadie te escucha. Todo va a cerrar.

Músicos: Carlos Rego (guitara y voz), Javier Doforno (guitarras), Antonio Rodríguez (bajo) y Aser Álvarez (batería y percusión). Mocho (teclados, 3,4,5,7,10,12), Ton Risco (marimba, 7) y percusiones (5,7). Monforte Horn Ensemble: José Pérez Arias Cheyene (trompeta), Carlos Diéguez Beltrán Charly (trombón) y Pablo Casal Villar (saxo tenor).

Más portadas: Nuevos caminos (1993) y Conducir despacio (1997).

Apunte: La discografía de Cosecha Roja incluye flexi disco, epé, sencillo y casete. De este último formato citado ofrezco la portada de Vacaciones permanentes.

Dedicado a tres Carlos, de Ourense: Carlos Rego y sus colegas de Cosecha, hoy Burgas Beat; Carlos, de Peggy Records; Carlos Domínguez Charly, bajista de Los Suaves, y lobo urbano de la FM. También dedicado a los xornalistas Luis Vázquez y Abelardo Vázquez, gracias a ellos pude hacer realidad el sueño de disponer de un espacio en la radio.

When The Eagle Flies (Island) 1974
Traffic
Portada: Martin Hughes

Traffic entraba ya en la recta final de su carrera cuando se grabó When The Eagle Flies, es decir el elepé que mantenía la continuidad dad en el esquema sonoro de los dos anteriores discos del grupo liderado por el tánden Steve Winwood y Jim Capaldi, quienes son los responsables una vez más de todas las composiciones. En esta ocasión la tendencia jazzística de la banda se dispersa a menudo hacia ámbitos como el rock como se puede comprobar en la apertura del disco: Something New, canción que también coquetea con el pop sobre todo en esos teclados atmosféricos y la reconocible voz de Winwood, aunque el grupo vuelve a las andadas de la improvisación en la siguiente pieza, el largo desarrollo de inspiración poética Dream Gerrard. En esta ocasión la voz de Winwood se acopla como un instrumento más que comparte la eficiencia de los restantes miembros del combo británico, en especial el saxofonista Chris Wood y el baterista Jim Capaldi, que en esa época colocan al grupo como una de las formaciones menos pesadas del progresivismo musical. Por lo demás, en el elepé brilla como canción propia de sencillo y destinada a ocupar un lugar destacado en las listas de éxitos, Walking In The Wind, composición que, sin duda, contribuyó a las exclentes ventas de When The Eagle Flies, aunque la crítica de la época no comulgase con el trabajo global de Traffic en el que iba a ser su último disco, aunque en los noventa se produjese una nueva reunión y elepé que pasó bastante desapercibido, pero era otros tiempos y otra historia. Graveyeard People, Memories Of Rock 'N' Rolla, Love y la canción que da título al disco cubren con solvencia el expediente aunque sin crear las adhesiones de otras épocas, lo cual es normal en una banda de solventes músicos que ya estaban preparando sus respectivos saltos al terreno de los solistas.

Canciones: Something New. Dream Gerrard. Graveyard People. Walking in the Wind. Memories of a Rock & Rolla. Love. When the Eagle Flies.

Músicos: Steve Winwood (órgano, piano, melotrón, teclados, guitarra y voz), Jim Capaldi (percusión, batería, teclados y voz), Rosko Gee (bajo), Rebop Kwaku Baah (percusión) y Chris Woood (flauta y saxofón).

Más portadas: The Last Great Traffic Jam (2005) y Pape Sleeve Box (2007).

Apunte: Más información sobre Traffic en este blog. Monday, July 24, 2006. Monday, Febraury 11, 2008.

20 años y un día (El Europeo) 2000
Suburbano
Portada: Sofía Méndez y Alberto Irles

Suburbano, mejor dicho Luis Mendo y Bernardo Fuster, los fundadores del mencionado grupo madrileño, se reunieron con amigos y músicos conocidos en el mítico Café de la Palma, para celebrar el veinte aniversario de fundación de la que fue una de las más refrescantes y profesionales propuestas del folk hispano en tiempos de cambios. La primera actuación de Suburbano se producía el 3 de mayo de 1979 en El Gayo Vallecano. Lo que en principio se orientó hacia música instrumental en la que tenían cabida lo clásico, lo popular, el folk, el jazz, el rock, entre otros sonidos, fue evolucionando, según el grupo iba cambiando también de componentes, excepto Mendo y Fuster, hacía ámbitos tan diversos como las bandas sonoras de películas o la canción de autor. Para recordar esa trayectoria, los padres del invento llamado Suburbano se reunieron 20 años y día después de su primera convocatoria ante el público para recrear algunas de las mejores composiciones desde un punto de vista simple, tal como se compusieron, como se encargaron de recordar Luis y Bernardo en las dos actuaciones que dieron origen a este disco. Hay que recordar que Fuster proviene de la canción más reivindicativa de los tiempos de dictadura, mientras que Mendo aparece desde los años setenta como colaborador con sus guitarras, mandolinas y otros instrumentos de cuerda en los mejores discos de los cantautores/as de la referida década y las posteriores. Mas el asunto no se quedó en la revisión de un catálogo más o menos agradable para quienes siguen a Suburbano, pues en el recordatorio estuvieron presentes cantautores de conocida trayectoria como Luis Eduardo Aute, Luis Pastor, Palbo Guerrero y Pedro Guerra, representativos de diferentes generaciones, quienes disfrutaron de la larga hora de interpretación de piezas como La tierra se mueve, Arde París, La mujer de tu vida. París-Tomboctú, Destino/San Andrés, Puerta de Alcalá, Alas de ángel, Amor sin fin, Los rincones del puerto o Makinavaja.

Canciones: La tierra se mueve. Buscando un país. Arde París. La mujer de tu vida. París-Tomboctú. Suerte. Destino/San Andrés. Cielo abierto. Puerta de Alcalá. Alas de ángel. Amor sin fin., Los rincones del puerto. Rosa negra. Makinavaja.

Músicos: Luis Mendo (guitarra y coros), Bernardo Fuster (guitarra y voz), Elena Robles (bajo), Pino Sambataro (percusiones), Lorenzo Solano (saxos y flauta), Nacho Sáinz de Tejada (guitarra acústica), Clara Serrano (coros) y Susana Martins (coros). Participan en las voces Luis Eduardo Aute, Luis Pastor, Pablo Guerrero y Pedro Guerra.

Más portadas: Los delirios del pirata (2002), Sisa y Suburbano cantan a Vainica Doble (2006) y Piratería libertaria en el Caribe (2009).

Nuthin' Fancy (MCA) 1975
Lynyrd Skynyrd
Portada: fotografía Jim McCrary

Lynyrd Skynyrd se mantenía en la rama más dura del rock sureño cuando salió a la venta su tercer elepé, Nuthin' Fancy, característica que había quedado expuesta con creces en sus dos anteriores discos grandes. Bajo la producción de Al Kooper, y con tres guitarristas entre los soportes más vistosos de la banda de Jacksonville, basta con mirar los créditos de las canciones para ver que en la mayoría de ellas está el nombre del alguno de los tres guitarristas. De ellos, el más contundente, sin duda, Ed King, quien aporta la esencia del rock duro y continuista de los primeros elepés, sonido contundente sin concesiones en Saturday Night Special y Whiskey Rock-A-Roller, aunque hacia esa misma línea apuntan On The Hunt y I'm A Country Boy, de Allen Collins, otro de los guitarristas de Lynyrd Skynyrd. En todas las citadas, como en las restantes del disco, el cantante Ronnie Van Zant aporta su creatividad, la cual se adapta a los potentes solos de las guitarras eléctricas que a la instrumentación tradicional y acústica de las canciones en tempo lento. Estos también se prodigan en Nuthin' Fancy, adaptándose a la idiosincrasia de un grupo de rock sureño en auge que diversifica los estilos hacia sonidos típicamente norteamericanos blues, boogie y country, entre los más recurridos, y que se aprecian en Railroard Song, Am I Losin', Made In The Sade o Cheatin' Woman, que dan consistencia a un elepé considerado más pulido que sus predecesores y, por tanto, no tan duro, aunque desde mi punto de vista es uno de discos favoritos de la mejor formación de Lynyrd Skynyrd.

Canciones: Saturday Night Special. Cheatin' Woman. Railroad Song. I'm a Country Boy. On the Hunt. Am I Losin'. Made in the Shade. Whiskey Rock-A-Roller.

Músicos: Ronnie Van Zant (voz), Allen Collins (guitarras), Ed King (guitarras), Gary Rossington (guitarras), Billy Powell (teclados), Leon Wilkeson (bajo) y Artimus Pyle (batería y percusión). Barry Harwood (dobro y mandolina), Jimmy Hall (armónica), David Foster (piano) y Bobbye Hall (percusión).

Más portadas: Then And Now (2000), Thyrty (2003) y Lynyrd Skynyrd Live (2006).

 

El rastro (32)

Los Tamara

Zafiro

1964

• Allá, allá

• Galicia terra nosa

• El amor

• Mashed Potato Time

Anniversay Special Volume One (CBS)
The Earl Scruggs Revue
Portada: Slick Lawson

Earl Scruggs (Shelby-Corolina del Norte, 1924) está considerado un virtuoso del banjo de cinco cuerdas, instrumento que domina desde su infancia y que le ha servido para desarrollar una prodigiosa carrera artística desde los años cuarenta. En 1975 con motivo de su 30 aniversario en el mundo del espectáculo se grabó un especial donde colaboraron cantantes y músicos de diferentes edades, estilos y lugares, incluidos dos hijos de Earl, que ocuparían mucho espacio a la hora de citarlos a todos. En un ambiente de compañerismo, jovialidad y alegría por lo que se puede apreciar visto el variopinto repertorio del álbum, el banjista deja espacio a otros músicos a los que acompaña con su toque personal, inspirado y virtuoso que se acomoda a los singulares arreglos, a veces, de conocidas canciones y algún instrumental, como The Swimming Song, Gospel Ship, Royal Majesty, Son To Woody, Passing Through o Leeker Street Rag. Bluegrass, folk, rock y mucho country constituyen los puntos de confluencia de las 10 composiciones de este disco especial, una demostración o suposición, por lo que suena, de que las estrellas cuando coinciden en el mismo espacio no buscan el choque sino que se ceden el paso.

Canciones y Músicos: Cara A. 1. Banjo Man. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs – banjo. Jim Messina guitarras eléctrica y acústica. Kenny Loggins –percusión. Rusty Young – dobro y steel guitar. Jim Keltner – batería. Voces –Jim Messina, Kenny Loggins, Gary Scruggs. 2. The Swimming Song. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico y percusión. Randy Scruggs – guitarra acústica, slide guitar, frail banjo y percusión. Reggie Young – guitarra eléctrica. David Briggs – piano. Kenny Buttrey – batería. Doug Kershaw – violín. Voz – Loudon Wainwright III. 3. Gospel Ship. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs –bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarras eléctricas y acústicas. Reggie Young – guitarra eléctrica. David Briggs – piano. Kenny Buttrey – batería. Voces– Earl Scruggs, Gary Scruggs, Randy Scruggs, Joan Baez, Johnny Cash, Loudon Wainwright III, Michael Murphey. 4. I've Got My Mojo Working. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs -guitarras eléctricas y slide. Roger McGuinn – guitarra eléctrica de 12 cuerdas. Alvin Lee – guitarra eléctrica. Billy Joel – piano. Willie Hall – batería. Voces – Gary Scruggs, Bonnie Bramlett, Waylon Jennings. 5. Bleeker Street Rag. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs –bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarra acústica. Roger McGuinn – guitarra eléctrica de 12 cuerdas. Alvin Lee – guitarra eléctrica. Charlie Daniels – guitarra eléctrica. Reggie Young – guitarra eléctrica. Leon Pendarvis –órgano. Billy Joel –piano. Willie Hall – batería. Ron Cornelius – guitarra eléctrica.

Cara B. 1. Harley. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarras acústica y eléctrica. Steve Scruggs – piano eléctrico. Pete Drake – steel. Teddy Irwin – guitarra. Shane Keister – piano. Jody Maphis – batería. Voz –Randy Scruggs. Coros –Gary Scruggs. 2. Rollin' In My Dreams. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarra eléctrica. Roger McGuinn – guitarra eléctrica de 12 cuerdas. Larry Gatlin – guitarra acústica. Reggie Young – guitarra eléctrica. Leon Pendarvis –piano. Bob Johnston – órgano. Willie Hall – batería. Voz – Gary Scruggs. Coros –Dan Fogelberg. 3. Third Rate Romance. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs –bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarras eléctrica y acústica. Reggie Young– guitarra eléctrica. Leon Pendarvis – órgano. Billy Joel – piano. Tim Wipperman – trompeta. Willie Hall – batería. Ron Cornelius – guitarra eléctrica. Voz – Gary Scruggs. Coros–Bonnie Bramlett, Pointer Sisters. 4. Instrumental In D Minor. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico y percusión. Randy Scruggs – guitarras eléctrica y acústica y percusión. Jody Maphis – percussion. 5. Step Out Of Line. Earl Scruggs – banjo. Gary Scruggs – bajo eléctrico. Randy Scruggs – guitarras eléctrica y acústico. Alvin Lee –guitarra eléctrica. George McCorkle –guitarra eléctrica. Charlie Daniel –guitarra eléctrica. Reggie Young – violín. Jack Lee – órgano. Shane Keister –piano. Tim Wipperman –trompeta. Jerry Eubanks –saxofón. Willie Hall-batería. Voz –Gary Scruggs. Coros –Milon LeFevre, Alvin Lee, Charlie Daniel.

Más portadas: Live At Kansas State (1972), The Earl Scruggs Revue Voilume II (1976), Live! From Austin City Limits (1977), The Complete Mercury Recordings Flatt & Scruggs (2002), The Three Pickers (2003) y The Esential Earl Scruggs (2004).

Cabo do mundo (Warner) 1999
Luar Na Lubre
Portada: pintura de Urbano Lugrís




Luar Na Lubre, con su quinto disco, confirmaba hace diez años que era una de las formaciones más importantes de Galicia en lo tocante a la música con base en la tradición de su tierra, aunque sea el mar uno de los principales elementos inspiradores de las piezas que llenan Cabo do mundo, toda una declaración identitaria de una geografía que no se queda en un final de la tierra sino que se abre a otras culturas. Netamente acústico, desde las partes cantadas a las instrumentales, con la inclusión, eso sí, de efectos sonoros que crean un clima apropiado para percibir ese litoral al que dedican el larga duración, Cabo do mundo confirmó a Luar Na Lubre fuera de las fronteras gallegas como una banda con muchas posibilidades. En este sentido, hay que recordar que con el disco llegaron los tiempos de los reconocimientos: Chove en Santiago, texto en gallego de García Lorca, premio a la mejor canción en gallego, mientras que el disco en su conjunto recibe el galardón al mejor de nuevas músicas. No obstante, produce una satisfación agradable el traspaso que Luar Na Lubre hace de la vieja canción británica Scarborough Fair, popularizada en los sesenta por Simón y Garfunkel, que centra su argumento en el amor y el santuario de San Andrés de Teixido bajo el título Romeiro ao lonxe, donde la voz de Rosa Cedrón suena evocadora como ese mar que bate contra los acantilados de la Costa da Morte, que también de vida. Cantiga do berce insiste en la faceta cantarina del grupo que de esta manera recupera una de las piezas más representativas de Fuxan Os Ventos y ofrece la ternura que contiene el canto de cuna de la madre al hijo. Heicho de dar, ahonda más en el canto popular, como así pasa también con Nau y Herba de namorar. En estas dos hay que resaltar la presencia del grupo de voces Faltriqueira que contribuye al aire alegre y festivo de ambas composiciones. Y en lo tocante a los instrumentales, se puede citar Crunia Maris, Canteixeire y Sereas, piezas subrayan la vocación atlántica de Luar Na Lubre.

Composiciones: Crunia Maris. Chove en Santiago. Raqueiros. Devanceiros. Nau. Romeiro ao lonxe. Canteixieire. Cantiga de berce. O trebón. Sereas. Heicho de dar. De ruada. 

Músicos: Rosa Cedrón (violonchelo y voz), Daniel Sisto (guitarra acústica), Xulio Varela (bouzouki, teompa y percusiones), Patxi Bermúdez (bodhram y tambor gallego), Xavier Ferreiro (percusiones latinas, africanas y efectos), Xavier Cedón (violín), Xan Cerqueiro (flautas), Bieito Romero (gaitas gallegas, acordón diatónico y zanfona). Colaboradores. Erick Riggler (uillean pipe),Elias Garcia (bouzouki), Fernando Largo (arpa céltica), Marcos Represas (clarinete), Fernando Villar (teclados e timbales), Enrique Sequero (voz) y Faltriqueira (voces y coros). 

Más portadas: Ao vivo CD/DVD (2009). 

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It's The Moonglows (Chess) 1958

The Moonglows

Portada: Don Bronstein

The Moonglows están asociados al talento de Harvey Fuqua (Louisville-Kentucky, 1929), un polifacético artista que dio sus primeros pasos como guitarrista de los míticos Ink Spots, precursores del doo-woop y otros estilos comerciales de la música negramericana. Desde 1951, primero como cuarteto y luego ya como quinteto, The Moonglows se convirtieron en figuras con presencia constante en las listas de r&blues, gracias a sus cálidas voces no exentas de virtuosismo a la hora de transportar a melodías sobre el amor, canciones que llegaban hondo al corazón de los adolescentes de los cincuenta y, de paso, facilitaban el crecimiento de casas discográficas regentadas por negros. En 1958 salía el álbum It's The Moonglows, que recoge composiciones que van desde 1956 a 1958, entre las que figura su más notable éxito a nivel de ventas, Ten Commadments Of Love, donde queda demostrado lo dicho anteriormente sobre la excelente conjunción vocal del grupo. A ella hay que añadir otras piezas representativas del típico y tópico doo-woop, acaramelado a veces, meláncolico otras, pero atractivo en el fondo, como Love Is A River, Penny Arcade, Sweeter Than Words, Cold Feet o la versión del multiversioneado éxito Blue Vevet. The Moonglows suavizaron el r&blues y lograron colarse en el territorio del pop blanco, incluso a comienzos de los sesenta en el otro lado del Atlántico, un grupo de jóvenes de Liverpool, realizaba una parodia del doo-woop más rancio mediante You'll Mine, lo cual dejaba claro que dicho estilo había sido importante -basta para escuchar la banda sonoro de cualquier película ambientada en los años cincuenta para descubrir melodías de los grupos vocales más importantes de la época- y sirvió, a su vez, para encunbrar el en teoría más consistente soul.

Canciones: Love Is A River. Blue Velvet. This Is Love. When I'm With You. I'll Stop Wanting You. Don' t Say Goodbye. Ten Commandments Of Love. Kiss Me Baby. Penny Arvade. Mean Old Blues. Sweeter Than Words. Cold Fet.

Miembros del grupo: (1951-1958): Harvey Fuqua, Bobby Lester, Alexander "Pete" Graves, Prentiss Barnes y Billy Johnson.

Más portadas: The Moonglows (1964), The Return Of Moonglows (1970), On Stage (1991) y Blue Velvet: The Ultimate Collection (1993).

Dream (United Artist Records) 1975
The Nitty Gritty Dirt Band
Portada: Dean O. Torrence Kittyhawk Graphics

The Nitty Gritty Dirt Band, banda puntera de la primera generación de grupos que practicaban el country rock en los lejanos años sesenta, apuntaba hacia nuevas direcciones cuando los componentes de dicho combo grabaron Dream, sin duda un disco que no pasa inadvertido dentro de las diferentes añadas discográficas de la marca Nitty Gritty, especialista en el refinamiento y el buen gusto a la hora de elaborar sonidos armoniosos y de acuerdo con la tradición musical blanca de Norteamérica. Grabado en estudio, con cuidada producción y la presencia de algunos santones del rock de entonces, léase Leon Russell, The Nitty Gritty Dirt Band se hace esperar mediante experimentalismos sonoros en las primeras piezas, plagadas de efectos sonoros relacionados con la naturaleza, que, sin embargo, destapan esencias del campo con la entrada de los primeros banjos, mandolinas, guitarras acústicas y armónicas, que, a su vez, dan un pequeño protagonismo a las gaitas escocesas y el canto de los pájaros que despiden Battle Of New Orleans. Una vez en el meollo del disco, los miembros de The Nitty Gritty Dirt Band recalcan que también están puestos en el country rock de guitarras eléctricas, como se puede percibir en Bayou Jubille, línea que, por cierto, queda abierta para sucesivas composiciones, propias y ajenas, del elástico compendioque presenta Dream, entre ellas están Hey Good Lookin' -Sí, la de Hank Williams, electrificada y con la deliciosa e incontestable garganta privilegiada de Linda Ronstadt-, Mother Of Love, The Moon Of Love y Joshua Come Home, está última más evocadora de playas con palmeras que montes con abetos. En Dream destacan asimismo dos canciones de medio tempo, Ripplin' Waters y la clásica (All I Have To Do Is) Dream, en su día popularizada por los hermanos Everly, cuyo recuerdo queda difuminado por la excelente relectura de la Nitty, que también se atreve con el bluegrass ortodoxo en Sally Was A Goodun y con el flamenco tocando un palo muy popio de instrumento de cuerda, una malagueña, pero interpretada con banjo.

Composiciones: Winterwhite. Raleigh-Durham Reel. Battle of New Orleans. Bayou Jubilee. Sally Was A Goodun. Hey Good Lookin. Classical Banjo I. Malaguena. Classical Banjo II. Daddy Was A Sailor. Sleeping On The Beach. Santa Monica Pier. Rippling Waters. All I Have To Do Is Dream. Mother Of Love. The Moon Just Turned Blue. Gotta Travel On. Joshua Come Home. Solstice. Symphonion Montage.

Músicos: John McEuen ( guitarra, banjo, violín, mandolina steel guitar y voz), Jeff Hanna (guitarra, batería y voz), Jimmy Ibbotson (guitarra, bajo, teclados, batería y voz), Les Thompson (bajo, guitarra y voz), Leon Russell (piano, teclados, sintetizador, batería, campanas, gourd y voz), Linda Ronstadt (voz), Gary Busey (batería, timbales, campanas y cencerro), Paul Harris (teclados), Alice McEuen (coros), Kae McEuen (coros), Jim Ratts (coros), Mary McCreary (coros) y Mary Stevens (coros).

Más portadas: Acoustic (1994), Bang!Bang!Bang! (1999), Will The Circle Be Unbroken: The Triology Box Set (2003), Dirt On The Strings (2004) y Welcome To Woody Creek (2004).

Apunte: De The Nitty Gritty Dirt Band aparece en este blog el post con fecha Monday, June 11, 2007.

Que me parta un un rayo (WEA) 2002
Edición Coleccionistas
Christina y Los Subterráneos
Portada: fotografía de Alberto García Alix

Christina Rosenvige (Madrid, 1964) iniciaba por fin su carrera como roquera con el disco titulado Que me parta un rayo (1991), una vuelta de tuerca en el resorte musical de la polifacética hispano-danesa, quien contó con la colaboración de un eficiente plantel músicos, bajo el nombre de Los Subterráneos, que contribuyó al éxito del disco tanto en España como en Latinoamérica. Christina deja atrás su línea más suave y pop y se atreve con las letras que hablan del lado salvaje, de amores no correspondidos, desencanto o relaciones frágiles, un paseo por un universo muy roquero que ofrece interesantes paradas. Tú por mí, 1.000 pedazos, Pulgas en el corazón, Señorita, Tengo una pistola, Las suelas de mis botas, Alguien que cuide de mí y Al fin sola, al fin, son algunos de las referencia que llevan a la conclusión de que Christina no era una advenediza en el territorio del rock, pues en el repertorio se nota claras influencias de Lour Reed, Bob Dylan, Neil Young, el rock con raíces (americana), el tex mex e incluso la canción de autor en clave intimista. Un estreno prometedor de Christina que sirvió para consolidar su ansiada faceta de roquera.

Canciones: Tú por mí. 1.000 pedazos. Pulgas en el corazón. Señorita. Yo no soy tu ángel. Voy en un coche. Ni una maldita florecita. Tengo una pistola. Las duelas de mis botas. Alguien que cuide de mí.

Músicos: Christina Rosenvige (voz), Jaime Asúa (guitarra eléctrica, guitarra acústica y coros), Pancho Varona (guitarra, eléctrica, guitarra acústica y coros), Antonio García de Diego (guitarra eléctrica, guitarra acústica, teclados y coros), José Nodar (bajo y coros), Óscar Quesada (batería y pandereta), Juan Luis Giménez (guitarra acústica), Alejo Stivel (coros en Ni una maldita florecita), Álvaro Urquijo (guitarra eléctrica en Tú por mí y guitarra acústica en Ni una maldita florecita), Antonio Calero (batería en Alguien que cuide de mí), Begoña Larrañaga (acordeón en Señorita).

Más portadas: Cristina y Los Subterráneos: En vivo Madrid (1993) ny Mi pequeño animal (1994). En solitario: Cerrado (1997), Flores raras (1998), Frozen pool (2001), Foreign land (2002), Continental 62 (2006), Verano fatal (2007) -con Nacho Vegas- y Tu labio superior (2008).

Apunte: La edición limitada, remasterizada y para coleccionistas, a modo de disco CD-libro, usado para el comentario en este post, incluye las canciones extra: 1.000 pedazos, Tú por mí, Pulgas en el corazón, Alguien que cuide de mí y Al fin sola, al fin.La mayoría son versiones acústicas de los originales.

Fotografía de Dudley Reed

Coleccionables

Portadas retro de grupos pop de España (1984-1992)

• Modelos------------------------Éxitos (Twins) 1984
• Danza Invisble------------------Música de contrabando (Twins) 1986
• La Brigada Lincoln--------------La Brigada Lincoln (Bris Records) 1986
• Os Resentidos-------------------Fracaso tropical (Gasa) 1988
• Un pingüino en mi ascensor-----El balneario (Dro) 1988
• Aerolíneas Federales------------Échame sifón (Dro) 1988
• Hombres G----------------------Historia del bikini (Twins) 1992

Running Wild Blues (Charly) 2006
Little Milton
Portada: archivo Sun Records

Litlle Milton (1934-2005) es uno de esos músicos de largo recorrido que no hizo otra cosas desde su adolescencia que buscar un lugar dentro del blues, el r&blues y el soul, lo cual le sirvió no para alcanzar el estatuto de estrella de primera fila, pero sí para desarrollar un amplio repertorio que ha quedado recogido en diferentes sellos discográficos y actuaciones en directo hasta poco antes de su muerte. Running Wild Blues es el título de un recopilatorio que contiene un total de 27 piezas, algunas tomas alternativas y rarezas, grabadas en el carimástico y sureño estudio Sun, cuando Sam Phillips aún no se había decidido del todo por otros estilos populares de la música blanca. Un jovencísimo Little Milton demuestra que en aquel tiempo, entre 1953 y 1954, estaba labrándose un futuro y trabajando un currículo para competir en un cada vez más dificultoso mercado discográfico. Con tino, buena ejecución a la hora de tocar la guitarra y acertada elección de las canciones que él mismo compone, Little Milton, con la inestimable colaboración de Ike Turner, se adentra por el camino de un blues urbano que se mueve entre las influencias de figuras entonces en alza como Elmore James y B.B.King, en cuanto al blues, pero igualmente tiene maneras del r&blues mestizo de Fats Domino y el blues soul de Bobby Blue Bland. Basta con escuchar, entre el amplio catálogo de Running Wild Blues, canciones como Feed Body To The Fishes, Playing The Boogie Woogie, Cryng In The Courthouse, Homesick For My Baby, Sh'es My Queen o Standing At The Station.

Canciones: Feed My Body To The Fishes (with Willie Love). Nelson Street Blues (with Willie Love). V-8 Ford (with Willie Love). Beggin’ My Baby. Somebody Told Me. If You Love Me, Baby. Alone And Blue. Looking For My Baby. Homesick For My Baby. I Love My Baby. If Crying Would Help Me. Untitled. Running Wild Blues. She's My Queen. Re-Beat. Oo-Wee, Bab. I'll See You Some Sweet Day. I Want You Baby. Playing The Boogie. Come On, Baby. Carry My Business On (with Houston Boines). Standing In the Courthouse Crying (with Houston Boines). Standing At the Station (with Houston Boines). I Love My Baby Lookin' For My Baby (Rode That Train All Night Long) (Alternate Take). If You Love Me (Alternate Take). Homesick For My Baby (Alternate Take).

Músicos: Little Milton (guitarra y voz), Ike Turner (piano), Lonnie Hayes (batería), Jesse Knight (bajo), Cleophas Johnson (bajo), Willie Sims (batería), Houston Boynes (armónica), C.W. Tate (saxo tenor) y Lawrence Taylor (saxo alto).

Más portadas: We're Gonna Make It (1965), Sings Big Blues (1968), Grits Ain't Groceries [live] (1970), If Walls Could Talk (1970), What It Is (1973), Montreux Festival (1974), Tin Pan Alley (1975), Friend Of Mine (1976), Walkin' The Back Streets (1981), The Blues Is Alright (1982), Age Ain't Nothin' But A Number (1983), Playing For Keeps (1984), Movin' To The Country (1987), Annie Mae's Cafe (1987), I Will Survive (1988), Too Much Pain (1990), Reality (1991), Who's Cheating Who (1992), I'm a Gambler (1994), Live at Westville Prison (1995), Cheatin' Habit (1996), For Real (1998),Welcome to Little Milton (1999), Blues in the Night (2000), Guitar Man (2002), Think of Me (2005) y Live at the North Atlantic Blues Festival (2006).

Apunte: Little Milton también grabó para los prestigiosos sellos discográficos Chess y Stax.

Navegando la noche (Ariola 1988)
Amancio Prada
Portada: Javier Utray

Amancio Prada (Dehesas-León, 1949) tuvo a bien colaborar con el periodista y escritor Manuel Vicent (Villavieja-Castellón 1936) sobre una serie de colaboraciones que éste había escrito a modo de columnas en la prensa diaria. De esta manera el cantautor daba un salto cualitativo en su labor discográfica al no recurrir a escritura poética de autores en castellano o en gallego. El resultado del trabajo creativo a dúo entre Prada y Vicente fue la grabación del disco titulado Navegando la noche, donde, como dije anteriormente, el cantautor deja de lado sus habituales melodías de un corte un tanto tradicional para adentrarse en canción urbana que retrata el devenir cotidiano de personas y objetos en la ciudad, ya sea de noche o día, que están envueltos en historias protagonizadas también por la soledad, la muerte, la droga dura, la juventud perdida o el desamor, todo bajo un fondo musical que no tiene nada que ver con el habitual sonido acústico tan propio de los cantautores de los setenta. Guitarras, eléctricas, teclados, saxo y hasta sintetizadores contribuyen a que Amancio Prada adquiera un tono más cercano a las historias que cuenta que a la voz un tanto mística a que tiene acostumbrado a su público. Caballo blanco, Rey de tu viente, Vieja dama, Semáforo o Almohada son algunas de las piezas de referencia de Navegando la noche, cuyo inicial éxito contribuyó a que Prada y Vicent realizasen una gira por diferentes escenarios con el material literario del disco, donde se demuestra que periodismo y canción no se llevan mal cuando hay sensibilidad y compenetración por medio.

Canciones: Caballo blanco. Novia de leche. Rey de tu vientre. Mariposa. Tengo en el pecho una jaula. Otoño. Vieja dama. Semáforo. Almohada.

Músicos: Amancio Prada (voz), Javier de Juan (batería y percusion), Manuel Aguilar (bajo eléctrico), Rodrigo (guitarras acústicas y eléctricas), Juan Giralt (piano y teclados), Ritchie Rauet (programación de sintetizadores), Tito Duarte (saxo soprano), Juan Cerro (guitarra española en Caballo blanco y Almohada) y H. Kriales, E. Sánchez, E, Szcij y E. Correa (Cuarteto de cuerda).

Más portadas: Trovadores, místicos y románticos (1991), Cántico espiritual (1991), Emboscados (1994), Rosas a Rosalía (1997), Tres poetas en el Círculo (1998), De mar e terra (1999), Escrito está (201), Canciones del alma (2002), Sonetos y canciones de Federico García Lorca (2004), Hasta otro día, Chicho (2005), Rosalía siempre (2005), Zamora (2006) y Concierto de amor vivo (2007).

Apunte: De Amancio Prada hay un comentario en este blog con fecha. Tuesday, October 3, 2006.

BBC Sessions (RCA) 1999
Rory Gallagher
Portada: fotografía de Gary Heery

Rory Gallagher (1948-1995) forma parte desde hace mucho tiempo del rico legado musical de la emisora radiofónica BBC, hasta el punto que, como ha pasado con otros artistas, se ha editado un doble cedé -en este caso póstumo- de las sesiones auspiciadas por la British Broadcasting Corporation y supervisadas por Donal Gallagher, hermano de Rory. Del cantante, compositor y guitarrista irlandés hay poco que añadir en este blog, pero no puedo resistirme al encanto de este disco doble que recoge canciones de un periodo de tiempo que va de 1971 a 1986. Como no, Rory está en su mejor salsa en directo, que es el sonido que recopila el primer CD: un total de 10 piezas que responde al típico repertorio de Gallagher, es decir blues de la tradición y de reconocidos bluesmen, así como canciones propias de Rory, caso de Calling Card, que abre el amplio recopilatorio y representativa canción, mira por donde, de uno de sus mejores álbumes en estudio. En el disco de estudio están presentes grabaciones de 1971, 1972 y 1973, excepto la versión de When My Babe She Left Me, de 1986, única pieza de la década de los ochenta registrada en el doble cedé. Al igual que en el directo, Rory Gallagher no deja de lado su entrega e insiste en lo que mejor sabe hacer blues rock potente, eléctrico y con solos nada apabullantes, ni pretenciosos, más bien naturales, pero con mucho sentimiento que hacen del guitarrista uno de los ejemplos del rock atemporal que, sin ser vendedor de millones de discos, mantiene una legión de seguidores por todo el mundo.

Canciones: CD1 (In Concert). Calling Card. What In The World. Jacknife Beat. Country Mile. Got My Mojo Working. Garbage Man. Roberta. Used To Be. I Take What I Want. Cruise On Out. CD 2 (Studio). Race The Breeze. Hands Off. Crest Of A Wave. Feel So Bad. For The Last Time. It Takes Time. Seventh Son Of A Seventh Son. Daughter Of The Everglades. They Don't Make Them Like You. Tore Down. When My Baby She Left Me. Hoodoo Man.

Músicos: Rory Gallagher (guitarra, armónica y voz), Gerry McAvoy (bajo), Lou Martin (teclados). In concert. Rod deAth (batería 1-9), Ted McKenna (batería 10). Studio. Wilgar Campbell -(batería, 5,6,10 y 12), Rod deAth (batería, 1-4 y 7-9) y Brendan O'Neil (batería 11).

Más portadas: Meeting The G-Man (2003), Live At Montreux (2003) y The Esential (2008).

Apunte: En este blog se encuenta más información sobre Rory Gallagher en los post. Thursday, June 1, 2006. Sunday, June 18, 2006. Tuesday, October 23, 2007. Thursday, April 17, 2008. Thursday, November 13, 2008. Thursday, Febraury 26, 2009.

Good (Geffen Records) 1990
Sonic Youth
Portada: ilustración de Raymond Pettibon

Sonic Youth se internaba en la década de los noventa con cambio de discográfica y, por consiguiente, con entrada por la puerta grande en el universo del rock desde su postulado alternativo al que no renuncia en uno de los discos más intensos de la banda neoyorquina, con permiso del emblemático Draydem Nation. Ruido, guitarras distorsionadas y voces desquiciadas constituyen los elementos que definen a Goo como una de las grabaciones más difundidas de Sonic Youth, que se hizo ejemplar gracias a piezas entre las que se pueden citar Dirty Boots, Tunic, Disappearer o Kool Thing, las cuales, sin menosprecio de las restantes, representan la quintaesencia del sonido más asequible de Sonic Youth, aunque en algunas canciones el noise apabulla, pero hay que pensar que así era el sonido de algunos grupos indies que marcaban pautas entonces.

Canciones: Dirty Boots. Tunic. Mary-Christ. Kool Thing.Mote. My Friend Goo. Disappearer. Mildred Pierce. Cinderella's Big Score. Scooter + Jinx. Titanium Exposé.

Músicos: Thurston Moore (guitarra y voz), Lee Ranaldo (guitarra y voz), Kim Gordon (bajo y voz) y Steve Shelley (batería). J Mascis (voz 2,5 y 6), Don Fleming (voz adicional en 1 y 7) y Chuck D. (voz en Kool Thing).

Más portadas: Sonic Youth (1981), Confusion Is Sex (1983), Sonic Death (1984), Bad Moon Rising (1985), EVOL (1986), Sister (1987), Daydream Nation (1988), Dirty (1992), Experimental Jet Set, Trash and No Star (1994), Washing Machine (1995), A Thousand Leaves (1998), SYR4: Goodbye 20th Century (1999), NYC Ghosts & Flowers (2000), Murray Street ( 2002), Sonic Nurse (2004), Rather Ripped (2006) y The Eternal (2009).

Apunte: La edición de lujo de Goo, de 2005, ofrece un total de 31 canciones recogidas en dos discos en formato CD.