Tomorrow The Green Grass (Columbia) 1995
The Jayhawks
Portada: fotografía de Marina Chavez

The Jayhawks es el nombre que enseguida se asocia a una de las formaciones más finas e inspiradas del country rock, americana o como se le quiera llamar a esa forma de encarar la música popular sin perder las raíces pero también sin que lo que se canta o toca parezca anacrónico. En esa dirección se movieron desde el principio, segunda mitad de la década de 1980, un grupo de jóvenes con base en Miniapolis que desde el primer momento se apuntó a los sonidos campestres alternativos con raíces en el folk, blues, rock and roll y pop sesentero. Bases electroaústicas, con predominio de guitarras, sin perder el tacto de otros instrumentos del country (steel, violín), compositores acertados y un majestuoso juego de voces hacen que los discos de The Jayhawks, en la mayoría de los casos, resulten un bálsamo para los sentidos. Eso le pasa a Tomorrow The Green Grass que dentro de ese territorio country rock se mueve a veces hasta saltar los límites para moverse en determinadas ocasiones en un territorio ecléctico repleto de buenas vibraciones. El disco se abre con el lastimero Blue y se cierra con el enérgico Ten Little Kids, dos piezas diferentes aunque con el sello inconfudible de la elegancia durante su ejecución, elegancia en el sentido de que las piezas entran por los oídos sin problemas para crear agradables sensaciones. Dentro de esas oscilaciones está el resto del repertorio donde destacan, entre otras, la también doliente Two Hearts, las eléctricas Miss Williams' Guitar, Real Light, Nothing Left To Borrow o Red's Song. Incluso resulta curioso escuchar como una canción de Grand Funk, Bad Time, adquiere nuevos matices. La cuarta entrega discográfica de The Jayhawks incluyó la entrada de una teclista que aporta su arte y voz para realzar el sonido de la banda como se puede apreciar en Over My Shoulder, una de las tantas piedras preciosas del joyero que es Tommorrow The Green Grass.

Canciones: Blue. I'd Run Away. Miss Williams' Guitar. Two Hearts. Real Light. Over My Shoulder. Bad Time. See Him On The Street. Nothing Left To Borrow. Ann Jane. Pray For Me. Red's Song. Ten Little Kids.

Músicos: Mark Olson (guitarras acústica, eléctrica y voz), Gary Louris (guitarras acústica, eléctrica y voz), Marc Perlman (bajo) y Karen Grotberg (piano, Wurlitzer y voz). Dom Heffington (batería), Benmont Tech (órgano), Greg Leese (pedal steel guitar), Lili Haydn (violín y viola), Tammy Rodgers (violín), Victoria Williams (voz en Ten Little Kids y Pay For Me), Swharleen Spiteri (voz), George Drakoulias (baritone guitar solo en Two Hearts) y Paul Buckmaster (arreglo de cuerdas en Blue).

Más portadas: The Jayhawks (1986), Blue Earth (1989), Hollywood Town Hall (1992), Sounds Of Lies (1997), Sound Of Lies (1997), Smile (2000), Rainy Day Music (2003) y Ready For The Flood (2009), de Mark Olson y Gary Louris.

Apunte: The Jayhawks como grupo ha regresado de la mano de Marc Olson, Gary Louris y Marck Perlman. Recientemente estuvieron actuando en España, el 29 de mayo en el XII Festival Internacional de los Pueblos, Territorios Sevilla, y el 30 de mayo en la convocatoria Primavera Sound que se desarrolló en Barcelona.

Los Grandes del Jazz 21 (Sarpe) 1980

Carmen McRae, Joe Pass, Larry Bunker, Ray Brown

Portada: Alberto Corazón

Carmen McRae (1920-1994) en su forma de cantar hay variedad de modulaciones, dramatismo y juego de inflexiones, segúnla crítica, donde se pueden encontrqar todas las reacciones humanas. La cantante nacida en el Harlem neoyorquino supo adaptarse muy bien al bop, "utilizando toda la escala de percepciones que la voz humana podía captar el mundo exterior, con sonidos aparentemente descompuestos e irregulares, pero en realidad proyectados hacia la meta que los booppers proponían: revolucionar la tradición del jazz sin romper totalmente los lazos con un pasado histórico". En este disco recopilatorio se ofrece la doble vertiente de Carmen a la hora de cantar. Por un lado, acompañada por una gran orquesta, caso de la de Dave Pell. De otro, con la presencia a su lado de un pequeño grupo de eficientes músicos. Para los seguidores de la cantante, "la fuerza del diálogo adquiere màs altas cotas cuando Carmen está acompañada por jazzmen como Joe Pass, Larry Bunker y Ray Brow, tres hombres de gran clase que proporcionan un tapete sonoro de gran eficacia rellando los vacíos que voluntariamente deja el canto, consiguiendo que el discurso siga con la misma intensidad". La grabación con el citado grupo corresponde al año 1973, en plena madurez de Carmen McRae.

Canciones: I Takes A Whole Lot Of Human Feeling. I Fall In Love Too Easily. Hey John, Where Arte The Words. Nice Work If You Can Get It. Staighten Up And Fly Right. Inside a Silent Tear. Imagination. The Right To Love. All The Things You're.

Músicos: Carmen McRae (voz), Dick Shreve (piano), Lary Bunker (vibráfono y percusión), Joe Pass (guitarra), Roy Brown (contrabajo), Frank Severino (batería). Orquesta dirigida por Dave Pell en Takes A Whole Lot Of Human Feeling y Hey John.

Más portadas: For Lady Day vol. 1 y 2 (1995), Dream Of Life (1998), Live At Bubba's (2000) y Live At Umbria Jazz (2001).

Apunte: De Carmen McRae hay un comentario en el post Tuesday, Febraury 12, 2008.

 

Tom Petty And The Heartbreakers (MCA) 1976 Tom Petty And The Heartbreakers
Portada: fotografía de Ed Caraeff

Tom Petty (1950) se ganó desde su primer elepé la reputación de roquero ambicioso con visión para tocar y componer en la línea de los grandes a los que demuestra admirar sin complejos en su presentación discográfica, entre otros Bob Dylan, Roger McGuinn, Van Morrison o Bruce Springteen, de los cuales se encuentran referencias en las 10 canciones de la carta de presentación de Petty, quien también no descarta el rock and roll primigenio de los años 50 que se percibe en las composiciones más cañeras: Rockin' Around (With You), Anything That's Rock 'n' Roll y Strangered In The Night. Aunque el repertorio de Tom también se pliega al pop más brillante, teñido de ritmos nuevaolero y coros sesenteros como en la inolvidable American Girl, que recuerda a los mejores Byrds. El r&blues y el country, entre otros estilos próximos al cantante y compositor rubio de Florida, tienen cabida en el álbum con los Heartbreakers. El primero en onda rollingstoniana se escucha en Breakdown y Hometown Blues, mientras que las melodías campestres parten de Mistery Man, a las que se añaden el tempo lento titulado Luna y las springteniana The Wild One, Forever y Fooled Again (I Don't Like It).

Canciones: Rockin' Around (With You). Breakdown. Hometown Blues. The Wild One, Forever. Anything That's Rock 'n' Roll. Strangered In The Night. Fooled Again (I Don't Like It). Mystery Man. Luna. American Girl.

Músicos: Tom Petty (guitarras, teclados y voz), Mike Campbell (guitarras), Benmont Tench (piano y órgano), Stan Lynch (batería y teclados), Ron Blair (bajo y chelo). Phyl Seymour (coros), Jeff Jourard (guitarra en Breakdown), Jim Gordon (batería en Strangered In The Night), Enoiry Gordy (bajo en Strangered In The Night), Duck Dun (bajo en Hometown Blues), Randall Marsh (batería en Hometown Blues) y Charlie Sousa (saxofón en Hometown Blues).

Más portadas: Wild flower (1994), Song And Music Fron Shes The One (1996), Eho (1999), Highway Companion (2006) y Greatest Hits (2008).

Apunte: De Tom Petty se puede leer más en el post fechado en Monday, February 19, 2007.

The Complete Aladdin And Imperial Recordings (Capitol Blues) 1996
Pee Wee Crayton
Portada: ilustración de Joe Ciardello

Pee Wee Crayton (1914-1985) pertenece a la generación de guitarristas tejanos de blues que llevaron una vida viajera en la que no faltó el reconocimiento del público y la crítica, en especial durante la década de 1940. En los años cincuenta, principalmente entre 1954 y 1955, Pee Wee Crayton grabó para el sello Aladdin e Imperial una veintena de canciones en la mayoría de los casos compuestas por el guitarrista de Tejas, mientras que el resto del repertorio, además de firmadas por varios autores, cuenta con la presencia de piezas de D. Bartholomew, quien pone ese sonido cercano al r&blues criollo de Nueva Orleans. Escueto en sus solos pero atractivo en el toque, Pee Wee demostró ser un guitarrista cálido que igual abordaba un acelerado r&blues como canciones cercanas al swing que en determinados casos semejaban a artistas como T-Bone Walker o Fats Domino, pero Pee demuestra que tiene dentro el blues y no es imitador de otras figuras y amigos. Whes It Rain It Pours es una muestra de las mejores esencias musicales del teajo, a la que sigue la canción Daybreak de esencia latina sobre todo con los bongos acompañando a la tórrida guitarra de Pee. Una guitarra que apunta maneras de rock and roll venidero, sino basta escuchar Do Unto Others, para señalar semejanza con alguna canción de éxito de los sesenta, patrón que se repite en You Know-Yeah y Runnin' Wild. No obstante la sinuosa voz de Pee Crayton se adapta a la perfección a ese toque de Nueva Orleans con piano peleón que se escucha en buena parte del repertorio, eso sí unas veces con más swing cargado de vientos y otras hacia el r&blues, pues la versatilidad de Pee le acercó a colaborar con orquestas de jazz. De esa labor ecléctica quedan algunos canciones que siguen vigentes como representativas del r&blues de los cincuenta: Wimn-O, Eyes Full Of Tears, My Idea About You, Don' t Break My Heart, Yours Truly o Blues Before Dawn, pruebas más que suficientes de la versatilidad del tejano en aquellos años cincuenta que allanaron el camino al futuro rock and roll.

Canciones:When It Rains It Pours. Daybreak. Win-O. Do Unte Others. Every Dog Has His Day. Hurry, Hurry. Eyes Full Of Tears. I Need Your Love. You Know-Yeah. Runnin' Wild. My Idea About You. I Got News For You. Baby Don't You Cry. Don't Break My Heart. Wondering Why. Yours Truly. I Must Go On. Be Faithful. Blues Before Dawn. Don't Go.

Músicos: PeeWee Crayton (guitarra y voz), Maxwell Davis Orchestra (incluye piano, saxo tenor, bajo, batería y bongo), Wendell Duconge (saxo alto), Clarence Hall (saxo tenor), Herb Hardesty (saxo tenor), Salvador Doucette (piano), Frank Fields (bajo), Cornelius Coleman (batería), Dave Bartholomew (trompeta), Clarence Ford (saxos tenor y barítono) y grupo vocal desconocido.

Más portadas: Blues In My Heart (1957), Thing I Used To Do (1970), Rocking Down On Central Avenue (1982) y Early Hour Blues (1999).

 Iron Maiden (EMI) 1980

Iron Maiden

Portada: ilustración de Derek Riggs

Iron Maiden con su primer elepé homónimo puso la primera piedra del heavy metal que iba a renovarse con la década de los ochenta y, a la vez, crear nuevos apartados del rock más duro que se practicaba en las Islas Británicas. En esa onda hard, con algún tic punk, por ejemplo, en la canción que abre el disco, Prowler, un auténtico himno para los seguidores del grupo británico. Dos ardientes guitarras de acelerados solos, una potente sección rítmica y la voz entre bronca y cavernosa del cantante, eran las señas de identidad más destacables de Iron Maiden en sus comienzos, cuando aún su sonido se nota que no está pulido, pero resulta impactante para quienes disfrutan del heavy. Rock que tiene sus mejores momentos en canciones como Sanctuary, Running Free, Phanton Of TheOpera, Trnasilvania (instrumental), Charlottte The Harlot o Iron Maiden. El reinado de la doncella de hierro comenzaba con un elepé que aún hoy está considerado como uno de los mejores del combo inglés que, a pesar de los cambios, iniciará hasta finales de los ochenta un envidiable ascenso a la cumbre de las bandas más vendedoras de discos y seguidas en sus actuaciones en directo en diferentes continentes.

Canciones: Prowler. Sanctuary. Remember Tomorrow. Running Free. Phantom Of The Opera. Transylvania. Strange World. Charlotte The Harlot. Iron Maiden.

Músicos: Paul Di' Anno (voz), Dennis Straton (guitarra y voz), Dave Murray (guitarraI Steve Harris (bajo y voz) y Clive Burr (batería).

Más portadas: Killers (1981), The Number Of The Beast (1982), Piece Of Mind (1983), Powerslave (1984), Live After Death (1985), Somewhere For Time (1986), Seventh Son Of A Seventh Son (1988).

Apunte: En la edición en cedé de 1998 se incluyen como novedades algunos retoques a la carátula original que dentro de su feísmo aparece más sofisticado el dibujo, incluido Eddie The Head, la verdadera mascota del grupo y sus fans . En lo tocante a lo musical se incluyen dos videos grabados en directo de las canciones Iron Maiden y Phantom Of The Opera.

El rastro 

Dúo Dinámico

La Voz de su amo
1962

• Bailando el twist
• Perdóname
• ¿Dime por qué?
• Me gusta el twist

The Chess Sessions (Zafiro) 1988

The Flamingos

Portada: Chess/Checker

The Flamingos pertenecen a los grupos de doo woop con nombre de animales plumíferos que iniciaron su vuelo a comienzos de la década de los cincuenta con un estilo característico dentro de los conjuntos vocales que prepararon el camino al r&blues y soul. Con unas insuperables armonías vocales, The Flamingos pasaron por el sello discográfico Chess, dentro de la marca subsidiaria Checker, aportaron canciones de esas que escuchan en películas de las que luego sólo recordamos las escenas en las que sonaron voces tan excelsas, algo que era innato al quinteto de Chicago. Entre 1955 y 1956 se encuentran las piezas clave para entender la magnitud de las canciones de The Flamingos, cuyos miembros interpretaban unas melodías cargadas de lirismo y apoyadas a menudo por un elegante acompañamiento musical en el que se perciben rastros de jazz, blues, r&blues, soul, gospel, es decir lo más popular de la música negroamericana de la década de 1950. En el recopilatorio de la etapa de Chess, en total 16 canciones, se pueden elegir las dos vertientes definitorias del grupo, ninguna de ellas está de más, es decir la más rítmica con canciones como I'll Be Home, Shilly Dilly, Chickie Um Bah, Chick A Boom (Thats My Baby) y Found A New Baby; pero donde dejan el resto los cinco cantantes es en las melodías de tempo lento, por ejemplo, Dream Of A Lifetime, Ko Ko Mo, I Kiss From Your Lips, Whispering Stars, The Vow, Stolen Love o Would I Be Crying (If I Were Lying To You), algunas de ellas joyas de la música abrieron la senda a otros cantantes, por ejemplo, los de la Tamla Motown.

Canciones: I'll Be Home. I Really Don´t Want To Know. Dream Of A Lifetime. Ko Ko Mo. Whispering Stars. On My Merry Way. The Vow. Would I Be Crying. A Kiss From Your Lips. Shilly Dilly. Stolen Love. Chickie Um Bah. Nobody's Love. Chicka Boom (Thats My Baby). If I Could Love You. I Found A New Baby.

Componentes: J.C. Carey, Doug McClure, Victor Brown, Sidney Hall y Flip Thomas.

Más portadas: Flamingo Serenade (1959), The Flamingos (1959) y Requestfully Your (1960).

Eyes Open (A&M) 2006

Snow Patrol

Portada: Mat Maitland with Richard Andrews at Big Active

Snow Patrol es una banda norirlandesa y escocesa que en un década de andadura reúne todos elementos que la convierten en envidable pues partiendo de la escena indie ha llegado al club de los grupos de ventas millonarias de discos, como ha pasado con su cuarto larga duración Eyes Open, algunas de cuyas canciones trascendieron más allá del ámbito musical al ser incluidas en dos series televisivas de Estados Unidos. Se trata de las piezas Chasing Cars, Make This Go On Forever y Open Your Eyes. Las tres canciones citadas resumen muy bien el triunfante sonido de Eyes Open, pop rock estilizado en el que no faltan pasajes épicos o tonos intimistas, creados desde el propio combo británico, una variada oferta que se capta en otras canciones de Eyes Open como You're All I Have, Hands Open, Shut Your Eyes, You Could Be Happy, Headlights On Dark Roads y The Finisl Line.

Canciones: You're All I Have. Hands Open. Chasing Cars. Shut Your Eyes. It's Beginning To Get to Me. You Could Be Happy. Make This Go On Forever. Set The Fire To The Third Bar. Headlights On Dark Roads. Open Your Eyes. The Finish Line.

Músicos: Gary Lighbody (guitarra y voz), Nathan Connolly (guitarra y voz), Paul Wilson (bajo y voz), Tom Simpson (teclados) y Jonny Quinn (batería).

Más portadas: Songs For Polarbears (1998), When It's All Over We Still Have To Clear Up (2001), Final Straw (2004), Live And Acoustic At Park Avenue (205)-EP y A Hundred Millions Suns (2008).

Apunte: En el cedé con canciones extra se incluyen los títulos: -, In My Arms y Warmer Climate.

-

Singles A's & B's (Emi) 1977

The Pretty Things

Portada: Cream

The Pretty Things, como otras formaciones británicas de su tiempo, brillaron por su sentido r&blues que les llevó a competir con otras ilustres bandas de la segunda mitad de los sesenta. Sin embargo, a pesar de excelente carrera discográfica en el ámbito de la música con raíces negras, Pretty Things decidió apostar por la psicodelia que en 1967 dominaba buena parte de la música pop del Reino Unido. De esa etapa son las 13 canciones recogidas en este recopilatorio cuya cara A ofrece grabaciones en mono, mientras que la B incluye piezas en estéreo. El repertorio corresponde a la época que va de 1967 a 1971, con especial hincapié en el material correspondiente a los discos S.F. Sorrow y Parachute, en determinados casos se pueden escuchar canciones hechas para sencillos que sirvieron para la promoción de los álbumes citados como, por ejemplo, Talkin' About The Good Times o Walking Through My Dreams, a las que se añaden otras composiciones que no pasaron desaparcibidas en su tiempo, casos de Mr. Evasion, The Good Mr. Square, Blue Serge Blues, October 26 o Stone-Hearted Mama, en las que a los preponderantes sonidos ácidos hay que añadir orientaciones hacia el rock duro.

Canciones: Defecting Grey. Mr. Evasión. Talkin About The Good Times. Walking Through My Dreams. Private Sorrow. Balloon Burning. The Good Mr. Square. Blue Serge Blues. October 26. Cold Stone. Summer Time. Circus Mind. Stone-Hearted Mama.

Músicos: Phil May (voz), Dick Taylor (guitarra y voz), John Povey – (órgano, sitar, percusión y voz), Wally Allen (bajo, guitarra, instrumentos de vientos, piano y voz), Skip Alan (batería) y John Charles Alder (batería).

Más portadas: Emotions (1967), S.F. Sorrow (1968), Parachute (1970) y Freeway Madness (1972).

4x10

1969

The Gilded Palace Of Sin

The Flying Burrito Brothers

Portada: fotografía de Barry Feinstein

The Flying Burrito Brothers se estrenaban discográficamente con el lanzamiento en 1969 del elepé The Gilded Palace Of Sin, título honorífico dentro del apartado de grandes obras del country rock de todos los tiempos. La grabación del disco reunió a dos ex miembros de The Byrds, que ya habían realizado incursiones en dicha banda, en otras o bien en solitario, mediante la utilización los sonidos campestres pero desde un punto de vista diferente a lo que se venía haciendo desde la ortodoxia con capital en Nashville. Gram Parson y Chris Hillman a finales de los sesenta se mantuvieron fieles a la música desarrollada en Sweetheart Of Rodeo, cuando militaban en The Byrds, pero sin la tutela del pájaro Roger McGuinn y, por tanto, con mayores probabilidades de dar rienda suelta a las canciones que desde hacía tiempo componían de cara a una grabación. Así que con total independencia y en la tranquila comunidad de Topanga Canyon se fueron gestando las canciones de The Gilded Palace Of Sin, para al final constituir el  material del primer disco de larga duración de la nueva banda The Flying Burrito Brothers, que contaba también Sneaky Pete y Chris Etheridge. Una vez completado el combo con otros músicos ocasionales, que se encargaron de la batería, el resultado no pudo ser mejor en cuanto a creatividad y buen hacer musical, lo cual no se tradujo sin embargo en grandes ventas, pero el tiempo se ha encargado en situarlo definitivamente entre los discos que más han influido en diferentes generaciones que se han acercado al country rock desde un punto de vista abierto. Desde Christine's Tune A Hippie Boy, sin dejar de escuchar Do Right Woman, Dark End Of The Street; Hot Burrito#1 o Do You Know How It Feels, se puede seguir la senda de sonidos como el folk, soul, gospel, rock and roll y psicodelia, entre otros, que hacen causa común con el country, estilo que adquirirá a partir de entonces un componente mestizo que llegará a ser la seña de identidad de muchos y celebrados grupos y solistas de las décadas siguientes.

Canciones: Christine's Tune. Sin City. Do Right Woman. Dark End Of The Street. My Uncle. Wheels. Juanita. Hot Burrito#1. Hot Burrito #2. Do You Know How It Feels. Hippie Boy.

Músicos: Gram Parsons (guitarra, piano, órgano y voz), Chris Hillman (guitarra, mandolina y voz), Sneaky Pete Kleinow (pedal steel guitar) y Chris Ethridge (bajo y piano). Jon Corneal (batería 1, 3, 4, 5, 7), Popeye Phillips (batería 8, 9, 11), Eddie Hoh (batería 2, 10) y Sam Goldstein (batería 6).

Más portadas: Burrito Deluxe (1970), The Flying Burrito Brothers (1971), Last Of The Red Hot Burritos (1972), Flying Again (1975) y Airborne (1976).

Apunte: En 1997 salió en formato cedé con los dos primeros discos de los burrito, cuya portada es la que ilustra este post. Para complementar la información de este disco, se pueden mirar los post sobre Sweetheart Of The Rodeo y Gram Parsons. Saturday, May 27, 2006. Tuesday, November 7, 2006.

"Negatif" (Virgin)
Benjamin Biolay
Portada: fotografía de Craig McDean

Benjamin Biolay (Villefranche-sur-Saône; 20 de enero de 1973) se ha consolidado como cantautor francés con vocación universal como demostró en sus prometedores comienzos a comienzos del tercer milenio.El salto se produjo con "Negatif", fechado en 2003 y doble cedé con un total de 21 canciones, donde hizo depliegue de sus dotes de compositor y músico ambicioso que igual le pega al jazz como a la chanson française, aunque también advierte de su adoración por artistas de culto como Serge Gainsbourg. El doble CD no tiene desperdicio cuando los tiempos que corren no están para partos múltiples, menos en la canción cada vez más escasa de savia nueva para crearla. Pero ese no es el caso de Biolay, quien se apoya en guitarras acústicas y piano, aunque también en programaciones que sabe aprovechar para darle el aire que prefiere para sus composiciones. De ello no hay duda desde la primera canción, Billy Bob a raison, cuyo tono intimista está contaminado por el country del dobro omnipresente que suena durante los cuatro largos minutos de la aprovechada composición, a la que sigue el inequívoco homenaje a la chanson de siempre: Le pénombre des Pays-Bass, que, aunque de ubicación geográfica foránea, traslada al plat pays de Brel. Biolay, aunque repite mirada hacia atrás en Je ne t'ai pas aimé, donde la voz de Chiara Mastrioniani resulta de lo más sugestiva, a veces apuesta por ritmos bailables dentro de un orden: Chaise à Tokyo, Little Darlin' o Bain de sang, cuando no lo hace por un pop sofisticado que se acerca al rock progresivo mediante el instrumental Billy Bob a toujours raisons, pero el doble cedé da para más por lo que su escucha ofrece la posibilidad del descubrimiento agradable de melodías intemporales. En fin, que "Negatif" merece la pena el tiempo de escucha que habitualmente no se dedica de un tirón a los discos dobles, pues hasta en las canciones más desesperanzadoras resulta atractivo, por lo cual no es extraño que Biolay represente el compositor favoritos de algunas estrellas veteranas y nuevas de la canción francesa.

Canciones: CD1. Billy Bob a Raison.. Pénombre de Pays-Bas. Hors la Vie. Nuits Blanches. Chaise À Tokyo. Je ne t'ai pas aimé. Little Darlin'. De Lendemains Qui Chantent. Chère Inconnue. Glory Hole. La vanité. Négative Folk Song/Boîte à musique. Négatif. Exsangue. CD 2. Dérive des Continents. Dernier souper au château. Insulaires. Chambre. Holland Spring. Bain de Sang. Billy Bob a Toujours Raison.

Músicos: Benjamin Biolay (piano, teclados, percusión, programaciones, guitarras, bajo, armónica, wurlitzer y voz), Nicolas Fiszman (guitarras y dobro), Éric Sauviat (guitarras y dobro), Deniss Benarrosh (batería y percusión), Chiara Mastrionani (coros), Théodore Bundy (bajo), Denis Benarrosh (batería), Ghislaine Benaddallah, Florent Bremont, Karen Brunon, Christophe Morin, Floriane Bonanni, Frederic Kret, Christophe Briquet, Mathilde y Sébastien Levy (cuerdas), Laurent Venery (contrabajo y bajo eléctrico), DJ Reyy Ouwehand (bajo, teclados y programaciones), Erwin Autrique (programación), David Maurin (rimshot), Yannick Fonderie (programaciones y teclados), Michel Amsellem (teclados y celesta), Iva Frühlingova & Coralie Clément (coros), Julien Benetau (percusiones), Martine Buyens (clarinete), Martine Buyens (hautbois y cuerno inglés), Jean Michel Charnier (clarinete), Laurence Dubar (flauta), Denis-Pierre Gustin (flauta travesera), Ivo Hadermann (cureno), Luc Loubry (bajo), Bram Nolf (hautbois), Elvire Shabon (basson) y Katrinen Vintioen (cureno).

Más portadas: Rose Kennedy (2002), Clara et moi (BSO) 2004, Home (2004), À l'origine (2005) y Trash Yéyé (2007).

Super 8 (RCA) 1994

Los Planetas

Portada: Javier Aramburu

Los Planetas se convierten en el mejor grupo de la escena indie española tras la salida de su primer larga duración titulado Super 8, donde el cuarteto granadino descarga su arrolladora potencia musical entre noise, psicodelia y power pop, de guitarras distorsionadas, pero siempre sustentada en unas letras introspectivas en las que tienen amplia cabida el desencanto, el sexo, las drogas, entre otros asuntos que enseguida llaman la atención de público y crítica hasta el punto de convertir a la banda en la principal del ámbito alternativo. Esas líneas instrumentales y líricas se advierten ya desde la primera pieza del disco, De viaje, ejemplo de canción en onda lisérgica acelerada que no se baja hasta el final del repertorio grabado en Super 8. El acierto de Los Planetas está en ofrecer un sonido con personalidad y hasta novedoso dentro de los esquemas indies hispanos, propuesta la de los granadinos que se hace más efectiva cuando suenan auténticos hitos del rock de los noventa como Qué puedo hacer, Si está bien, 10.000, Jesús, Rey sombra o Desorden, donde las electricidad desaforada y ácida a menudo da cabida en ocasiones a selectas melodías.

Canciones: De viaje. Qué puedo hacer. Si está bien. 10.000. Jesús. Estos últimos días. Brigitte. Rey sombra. Desorden. La caja del diablo.

Músicos: J (guitarra y voz), Florent Muñoz (guitarra y voz), May Oliver (bajo) y Paco Rodríguez (batería). Javier Losada (Hammond en Desorden), Chema Animal Pérez (percusión en 10.000, Desorden y Rey sombra).

Más portadas: Pop (1996), Una semana en el motor de un autobús (1998), Unidad de desplazamiento (2000), Encuentros con entidades (2002), Los Planetas contra la ley de la gravedad (2004) y La leyenda del espacio (2007).

Apunte: En la edición en soporte CD de 1995 se incluye además el sencillo con las canciones Nuevas sensaciones, La casa y Desorden.

Live Bullet (Capitol) 1976

Bob Seger & The Silver Bullet Band

Portada: fotografía de Robert Markliwitz

Bob Seger (Detroit, 1945) con The Silver Bullet Band daba el salto hacia el estrellato de primera al grabar Live Bullet, un doble elepé grabado durante las dos sesiones que el cantante, guitarrista y compositor norteamericano y su banda ofrecieron en el Cobo Hall de la ciudad de Detroit (Michigan), punto de referencia de rock duro en que tienen cabida ilustres bandas y solistas, entre otros el propio Bob Seger, quien en su doble en directo desarrolla su potente rock and roll contaminado por otros ritmos como r&blues y soul. Esa influencia de la música negra se capta en cualquiera de las 14 canciones registradas en el live, sobre todo en la primera que sirve de presentación: Nutbusch City Limits, un trallazo de hard soul que antes habían popularizado Ike & Tina Turner. Bajo el cobijo de una eficiente banda, a la ayuda en la guitarra eléctrica y piano, Bob Seger recurre a un repertorio donde él es el principal protagonista, excepto en la ya mencionada primera pieza y I've Been Working, de Van Morrison, Bo Diddley, del desaparecido guitarrista, y Leit It Rock, del veterano Chuck Berry, que enlazan con U.M.C., Ramblin' Gamblin' Man, Heavy Music, Katmandu, Lookin' Back y Get Out Of Denver, en lo que a rock duro se refiere. Por otra parte, están los tiempos medios y lentos que han convertido a Seger en un brillante cantautor. Basta con escuchar Travelin' Man, Beautiful Loser, Jody Girl o Turn The Page, que oxigenaron el rock  de la segunda mitad de los setenta en Estados Unidos, justo cuando ya se estaba produciendo en las grandes ciudades un cambio de orientación y generacional en lo que a música se refería.

Canciones: Nutbush City Limits. Travelin' Man. Beautiful Loser. Jody Girl. I've Been Working (Van Morrison). Turn the Page. U.M.C. Bo Diddley. Ramblin' Gamblin' Man. Heavy Music. Katmandu. Lookin' Back. Get out of Denver. Let It Rock.

Músicos: Bob Seger (guitarra, piano y voz), Dres Abbott (guitarra y voz), Robyn Robbins (órgano, clavinete, melotrón y piano), Alto Reed (saxos alto, barítono y tenor, percusión y voz), Chris Campbell (bajo y voz) y Charlie Allen Martin (batería y voz).

Más portadas: Elepés de las décadas de 1960 y 1970, pertenecientes a tres etapas de Bob Seger. Ramblin' Gamblin' Man (1969), Noah (1969), Mongrel (1970), Bran'd New Morning (1971), Smokin' O.P' s (1972), Back in 72' (1973), Seven (1974), Beautiful Loser (1975), Night Moves (1976) y Stranger In Town (1978).

Apunte: El disco más reciente de Bob Seger lleva el título de Face The Promise (2006).

True Love Waits Volume Two (Matinée Recordings) 2003

The Pines

Portada: Jimmy

The Pines es el dúo británico formado por Pamela Berry y Joe Brooker que se estrenó en el sello californiano Matinée con un CD de cinco canciones representativas de un pop exquisito, tanto en las voces como en la instrumentación, grabadas en Londres, pero que adquieren tras la primera escucha el atractivo de un sonido intemporal. Guitarras limpias y voces dulces y nada estridentes constituyen la base sonora de True Love Waits Volume Two que se abre con la canción a capella titulada Unagrammatical, donde la frescura vocal de Pamela y Joe se esparce por el aire como un elemento natural más de ese ambiente relajado que se percibe mientras suena la melodía. El intimismo es una nota característica de todo el repertorio del escueto CD que ofrece en Anita O' Day, además de un homenaje a la inolvidable cantante, todo un compendio de amorosa compenetración de voz y música que traslada a un espacio entre romántico y calma. En una dirección similar suenan Marie Claire, Familiar y The Rest, composiciones compuestas desde el corazón para describir acontecimiento sencillos no exentos de belleza y melancolía. Casi veinte minutos de intimismo musical para acompañar horas de dulce modorra después de tiempo tormentoso entre sonoridades de brit pop e indie.

Canciones: Ungrammatical. Anita O' Day. Marie Claire. Familiar. The Rest.

Músicos: Pamela Berry (guitarra acústica, teclados, percusión y voz)) y Joe Brooker (guitarras, percusión y voz).

Más portadas: It's Been A While 2007

Chamaleons (i.e. Music) 1998
Badi Assad
Portada: fotografía de Christine Alcino

Badi Assad (São João de Boa Vista, 1966) es una de las virtuosas de la guitarra en Brasil que supo en la década de 1990 llevar la música de ese amplio territorio por el mundo adelante al darle a sus composiciones una apertura hacia otros ritmos y colocarse como una aventajada intérprete y creadora de lo que se viene llamando world music, un heterogéneo estilo al que la virtuosa instrumentista aporta la atmósfera de la naturaleza de su país y la sensualidad implícita a la canción brasileña en género femenino. Chamaleons constituyó la entrada definitiva de Badi en el candelero internacional de la música popular al roderarse de músicos de reconocido caché en el ámbito de los festivales y circuitos de la música introspectiva, entre otros, Lee Ritenour o Jeff Scott Young. El disco se abre con Rhythms Of Thew World, una perfecta introducción a la versatilidad de Badi quien a veces se le nota un deje flamenco al rasgear la guitarra, además un indisimulado uso de la percusión. En la dirección de la world music con acento brasileño, la guitarrista y compositora, no duda en servirse de otros platos que considera sabrosos como los elaborados por Vital Farias, Milton Nascimento y George Harrison, en concreto Ai que saudade d'océ, Ponta de areia y While My Guitar Gently Weeps, que desprenden nuevas fragancias y en el caso de la tercera sirve para recordar al entonces recientemente desaparecido Michael Hedges, otro mago de la guitarra que seguramente inspiró a Badi, basta con escuchar Butterflie para reconocerlo. En cuanto a la línea vocal, la brasileña demuestra moverse a gusto en el inglés al que aporta una fonética sensual en Naked o Flowing...Into Formelessnes, labor que ha servido para la proyección mundial de la guitarrista, toda una artista llena de sensibilidad y buen gusto.

Canciones: Rhythms Of The World. Butterfly. Waves. Ai que saudade d' ocë. Naked. Maio maio. Rain Trance. Waterfall. Dolphins In The Blue Mist. Ponta de areia. While My Guitar Gently Weeps. Flowing...Into Formelsshess.

Músicos: Baddi Assad (guitarra, marimba, djenbe, wind, key chimes y voz), Jeff Scott Young (guitarra), Lee Ritenour (guitarra sintetizada), Abraham Laboriel (bajo acústico), Cassio Duarte (percusión), Alex Acuña (percusión), Steve Kent (digerido), Hilary Jones (batería), Caroly Osbourn (violín), Virginia Lee Frazier (viola), Stephani Fife (chelo), Viviana Guzman (flautas), Debby Holiday (voz) y Anddre Manga (voz).

Más portadas: Dança do tons (1989), Solo (1994), Juarez Moreira e Badi Assad (1995), Rhythms (1996), Echos of Brazil (1997), Three Guitars (2003), Dança das ondas (2003), Verde (2004), Ondas (2004) y Wonderland (2006).

Let's Get It On (Tamla Motown) 1973
Marvin Gaye
Portada: Fotografía de Jim Britt

Marvin Gaye (1939-1984), tras el éxito de sus dos anteriores álbumes cargados de referencias sociales y hasta políticas, vuelve a la música para el cuerpo sin descuidar el alma pero con una fuerte carga sexual que convierte a Let's Get It On en una de las principales referencias de la música negra de los setenta. La canción que da título al álbum ya advierte de esa descarga de libido a cien por hora y sin ningún tipo de prejuicio que se siente y palpa gracias a una instrumentación exquisita y la voz cambiante de Gaye que resalta sus falsetes cual orgasmos prolongados. Tal profusión de sexualidad desatada no está inventando nada sino recalcando una veta de la música popular negroamericana que tiene su origen en el blues, razón por la cual las ocho piezas del disco están marcadas por soul elegante, pop, smooth jazz, r&blues, doo woop y funk, estilos que Marvin Gaye adapta a su etapa de cantante seductor. En esa línea de pasión intensa están también la gimiente You Sure Love To Ball, Just To Keep You Satisfied, If Should Die Tonight o Distant Lover, canciones que crean tendencia en el soul de la primera mitad de los setenta y preparan el camino hacia los sonidos que llenarán de nuevo las pistas de baile durante las febriles noches de los sábados. Aunque tampoco desagrada ese guiño que Gaye realiza a sus comienzos de joven cantante de doo woop mediante Come Get This, ésta y el resto convierten el disco en una de las más refrescantes propuestas del soul en un tiempo de grandes autores de esa música que aportaron también elepés inmprescindibles al mencionado estilo.

Canciones: Let's Get It On. Please Stay (Once You Go Away). If I Should Die Tonight. Keep Gettin' It On. Come Get To This. Distant Lover. You Sure Love To Ball. Just To Keep You Satisfied.

Músicos: Marvin Gaye (piano y voz), Marvin Jenkins (piano), Joe Sample (piano), Melvin Ragin (guitarra), Louis Shelton (guitarra), David T. Walker (guitarra), Robert White (guitarra), Eddie Wills (guitarra), Ernie Watts (saxofón), Plas Johnson (saxofón), Madeline Ross (voz), Fred Ross (voz), Fredie Gorman (voz), Henry Dixon (voz), C.P. Spencer (voz), Wilton Felder (bajo), James Jamerson (bajo), Eddie Brown (batería y bongo), Bobbye Hall Porter (bongo), Paul Humphries (batería), Uriel Jones (batería), Victor Fieldman (vibes), Emil Richards (vibes) y Emil Richard (mallettes).

Más portadas: Midnight Lover (1982), Dream Of A Lifetime (1985), The Last Concert Tour (1991), Vulnerable (1997) y Live At The Copa (2005).

Apunte: Más información en este blog sobre Marvin Gaye, en el post s de Monday, December 5, 2005.

Dedicado a Rafael Molinero, Moli, el más sexi funk de la City.

Vagabonds Of The Western World (Deram) 1973
Thin Lizzy
Portada: Jim Fitzpatrick

Thin Lizzy alcanzaba el status de banda de primera fila con su tercer elepé aupado por el sencillo Whisky In The Jar que no dejó de sonar en media Europa y llegó al número seis de los éxitos del Reino Unido en aquel 1973 dominado aún por el glam rock y una larga lista de grupos y cantantes horteras. Sin embargo, Phil Lynott (1949-1986) como líder indiscutible del trío irlandés tenía un visión más larga que muchos de los componentes de bandas que triunfaban entonces, también tenía más talento y orginalidad, aunque en Vagabonds Of The Western World todavía hay deudas con Jimi Hendrix y Cream, entre otros pesos pesados del rock sesentero de alargada sombra sobre generaciones como la del cantante y bajista. Blues, soul, rock y algo de funk se reparten por las ocho piezas de la tercera entrega de Thin Lizzy, donde brilla por su presencia la intución de Lynnot a la hora de componer, desde canciones con ramazalos de r&blues eléctrico de las mejores escuelas norteamericanas como la primera composición: Mama Nature Said, pero donde mejor se desarrolla la esencia de los Lizzy, imparable a partir de entonces, es en el acelerado guitarreo de The Rocker, Vagabond Of The Western o Gonna Creep Unp On You, aunque el resto del repertorio no tiene desperdicio, por ejemplo la hendrixiana Slow Blues, prueba de la apertura de miras de Phil para no estancarse en un soniquete, actitud que le ayudaría a convertir a su banda en una de las mejores referencias de rock duro de los setenta.

Canciones: Mama Nature Said. The Hero And The Madman. Slow Blues. The Rocker. Vagabond Of The Western World. Little Girl In Bloom. Gonna Creep Up On You. A Sonf For While I'm Away. Wisky In The Jar. Black Boys On The Corner. Randolph's Tango. Broken Dreams.

Músicos: Phil Lynnot (bajo, guitarra acústica y voz), Eric Bell (guitarras y voz) y Brian Downwy (batería y percusión). Jan Schenlhaas (órgano), Fiachra Trench (arreglos de cuerda), Peter Oxer, Goodfrey Salmon, Alan Sloan, Alan Merrick, Peter Poole e Ian MacKinnon (violines), Don McVay y Tony Harris (violas), Quentin William (chelo) y Paul Mosby (oboe).

Más portadas: Fighting (1975), Jailbreak (1976), Johnny The Fox (1976), Bad Reputation (1977), Live And Dangerous (1978), Black Rose: A Rock Legend (1980) y Chinatown (1981).

Apunte: En la edición de CD de 1991 se recuperaron las canciones que no aparecían en el elepé pero que sirvieron para los sencillos de promoción del grupo: Wisky In The Jar. Black Boys On The Corner. Randolph's Tango. Broken Dreams.

Red Dirt Girl (Resistencia) 2000
Emmylou Harris
Portada: fotografía de Michael Wilson

Emmylou Harris se destapó como una compositora eficiente en el disco Red Dirt Girl, grabación que suponía la entrada en el nuevo milenio de la veterana cantante de Alabama, quien con Red Dirt Girl obtendría un Grammy en el apartado del mejor álbum de folk, algo que sorprende cuando en dicho disco de tonalidades country se advierte la presencia de instrumentos programados sobre todo en lo relativo a la percusión. No obstante el cedé constituye un elemento a tener en cuenta en la larga lista de grabaciones de Emmylou Harris, quien contó con la colaboración de reconocidos compositores, músicos y estrellas del country y el rock, entre otros Guy Clark, Rodney Crowell, Buddy Miller, Julie Miller, Kate McGarrigle, Patti Scialfa o Bruce Sprinsteen. El resultado de tan generosa contribución a la causa de la cantante sureña se concreta en lo ya dicho: canciones de la cosecha de Emilou o coescritas con otros personajes que destilan talento a la hora de acercar sentimientos, unas veces con fondo melancólico, otras elegíaco y algunas trágicas, aunque tampoco falta la nostalgia de los tiempos idos. Esas referencias se encuentran en canciones como The Pearl, Tragedy, Red Dirt Girl, Bang The Drum Slowly, One Big Love, My Antonia o Boy From Tupelo, es decir entre las mejores del álbum.

Canciones: The Pearl. Michelangelo. I Don't Want to Talk About It Now. Tragedy. Red Dirt Girl. My Baby Needs a Shepherd. Bang the Drum Slowly. J'ai fait tout. One Big Love. Hour of Gold. My Antonia. Boy from Tupelo.

Músicos: Emmylou Harris (guitarras acústica y eléctrica y voz), Malcolm Burn (guitarra eléctrica, guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, bajo, pìano Fender Rhodes, dulcimer, bajo sintetizado, sintetizador, armónica, omnichord, pandereta, percusión, batería y caja programada), Ethan Johns (guitarra eléctrica, guitarra acústica, mandochelo, batería, percusión, omnichord y Ebow), Daryl Johnson (guitarra acústica, bajo, cjord bass, bass pedal, batería, percusión, snare drum y armonías vocales), Buddy Miller (guitarra eléctrica, pedal steel y mando guitar ) Jill Cunniff, (guitarra eléctrica, bajo y armonías vocales), Julie Miller (armonías vocales), Patti Scialfa (dueto vocal en 4), Bruce Springsteen (armonías vocales en 4), Renee Coman (bajo), Patty Griffin (armonías vocales 6 y 10), Kate McGarrigle, (piano, acordeón y armonías vocales), Jim Watts ( Fender Rhodes), John Deaderick (Fender Rhodes), Carlo Nuccio(batería) y Dave Matthews (dueto vocal en 11).

Más portadas: At The Ryman (1992), Cowgirl's Prayer (1993), Wrecking Ball (1995), Spyboy (1998), Stunmble Into Grace (2003), Real Live Roadrunning (2006) y All Intender To Be (2008).

Apunte: En este blog hay más información sobre discos de Emmylou Harris en los post: Wednesay, Febraury 7, 2007. Tuesday, Febraury 5, 2008.

A plena sombra (Cosecha Roja) 2000 
Cosecha Roja
Portada: fotografía de Xosé Lois Vázquez

Cosecha Roja ha escrito en una inolvidable y hermosa caligrafía musical dentro de las páginas del libro de pop rock atemporal de guitarras eléctricas que convierten un estilo en reconocible allá donde suene. En relación con este grupo ourensano, el otro día pude ver en el blog de Burgas Beat que Cosecha Roja se reunió para tocar en una actuación para celebrar los 20 años de la tienda de discos Peggy Records. Entonces recupero parte de lo escrito hace nueve años cuando salió A plena sombra, 300 ejemplares en cedé que se distribuía por correo para hacerlo llegar a los seguidores del grupo. Un apunte acústico, El mismo sol, abre el disco que ofrece al cuarteto con más acompañamiento instrumental que el tenido hasta entonces, al incluir vientos, teclados y hasta una marimba. Apoyo que sirvió para enriquecer y ensalzar las canciones de Cosecha Roja, una docena, de las cuales, la melancólica titulada Como la nube, pertenece a Magín Blanco, otro personaje básico del pop-rock gallego y fundador de La Rosa, trío que ya he comentado en este blog. Junto a la anterior, Maldito, Holgazanear, Tendrías que habernos visto, Seis días, Como la noche y Alicia G, ésta en gallego, constituyeron en su momento partes de un repertorio al que se vuelve con frecuencia por su frescura y actualidad casi una década después de su grabación, sonido que tiene continuidad en muchas bandas americanas e inglesas que no dudan en apoyarse en lo acústico y lo eléctrico, así como en canciones con sentido y lirismo a flor de piel. De aquella cosecha, hoy se puede escuchar al grupo Burgas Beat.

Canciones: El mismo sol. Nada que mirar. Maldito. Zulo. Holgazanear. Despedida. Seis días. Tendrías que habernos visto. Alicia G. Como la nube. Nadie te escucha. Todo va a cerrar.

Músicos: Carlos Rego (guitara y voz), Javier Doforno (guitarras), Antonio Rodríguez (bajo) y Aser Álvarez (batería y percusión). Mocho (teclados, 3,4,5,7,10,12), Ton Risco (marimba, 7) y percusiones (5,7). Monforte Horn Ensemble: José Pérez Arias Cheyene (trompeta), Carlos Diéguez Beltrán Charly (trombón) y Pablo Casal Villar (saxo tenor).

Más portadas: Nuevos caminos (1993) y Conducir despacio (1997).

Apunte: La discografía de Cosecha Roja incluye flexi disco, epé, sencillo y casete. De este último formato citado ofrezco la portada de Vacaciones permanentes.

Dedicado a tres Carlos, de Ourense: Carlos Rego y sus colegas de Cosecha, hoy Burgas Beat; Carlos, de Peggy Records; Carlos Domínguez Charly, bajista de Los Suaves, y lobo urbano de la FM. También dedicado a los xornalistas Luis Vázquez y Abelardo Vázquez, gracias a ellos pude hacer realidad el sueño de disponer de un espacio en la radio.

When The Eagle Flies (Island) 1974
Traffic
Portada: Martin Hughes

Traffic entraba ya en la recta final de su carrera cuando se grabó When The Eagle Flies, es decir el elepé que mantenía la continuidad dad en el esquema sonoro de los dos anteriores discos del grupo liderado por el tánden Steve Winwood y Jim Capaldi, quienes son los responsables una vez más de todas las composiciones. En esta ocasión la tendencia jazzística de la banda se dispersa a menudo hacia ámbitos como el rock como se puede comprobar en la apertura del disco: Something New, canción que también coquetea con el pop sobre todo en esos teclados atmosféricos y la reconocible voz de Winwood, aunque el grupo vuelve a las andadas de la improvisación en la siguiente pieza, el largo desarrollo de inspiración poética Dream Gerrard. En esta ocasión la voz de Winwood se acopla como un instrumento más que comparte la eficiencia de los restantes miembros del combo británico, en especial el saxofonista Chris Wood y el baterista Jim Capaldi, que en esa época colocan al grupo como una de las formaciones menos pesadas del progresivismo musical. Por lo demás, en el elepé brilla como canción propia de sencillo y destinada a ocupar un lugar destacado en las listas de éxitos, Walking In The Wind, composición que, sin duda, contribuyó a las exclentes ventas de When The Eagle Flies, aunque la crítica de la época no comulgase con el trabajo global de Traffic en el que iba a ser su último disco, aunque en los noventa se produjese una nueva reunión y elepé que pasó bastante desapercibido, pero era otros tiempos y otra historia. Graveyeard People, Memories Of Rock 'N' Rolla, Love y la canción que da título al disco cubren con solvencia el expediente aunque sin crear las adhesiones de otras épocas, lo cual es normal en una banda de solventes músicos que ya estaban preparando sus respectivos saltos al terreno de los solistas.

Canciones: Something New. Dream Gerrard. Graveyard People. Walking in the Wind. Memories of a Rock & Rolla. Love. When the Eagle Flies.

Músicos: Steve Winwood (órgano, piano, melotrón, teclados, guitarra y voz), Jim Capaldi (percusión, batería, teclados y voz), Rosko Gee (bajo), Rebop Kwaku Baah (percusión) y Chris Woood (flauta y saxofón).

Más portadas: The Last Great Traffic Jam (2005) y Pape Sleeve Box (2007).

Apunte: Más información sobre Traffic en este blog. Monday, July 24, 2006. Monday, Febraury 11, 2008.