Cartas mariñas (Lyricon) 1992

Emilio Cao

Portada: Coro Acarreta

En Cartas mariñas, Emilio Cao realizó un sentido homenaje a uno de los mejores poetas gallegos del siglo XX, Manuel Antonio (1900-1930), otro rianxeiro universal que desarrolló su lírica en tiempos de vanguardias literarias. El arpista y compositor recurre al poemario de Catro a catro, de donde procede el inolvidable Sos, que dice: Fuimos quedándonos solos/el Mar el barco y nosotros./Nos robaron el Sol./El paquebote esmaltado/que cosía líneas de humo/ágiles cuadros sin marco... Con semejantes cargas de lírica y de imaginería visual, las composiciones adaptadas por Emilio Cao, en las que introduce producción propia, convierten el disco en un trabajo que enlaza con sonidos folk, rock, populares -muiñeira incluida-, electrónicos e incluso étnicos, como los de la primera pieza, Canción sen palabras, en la que suena el sitar de Juan Alberto Arteche junto con la guitarra eléctrica tocada por Xesús Pimentel, que dan tono de modernidad a la poesía del piloto de altura que fue Manuel Antonio. La flauta de Carlos Núñez eleva el tono de la singladura melancólica que es O cartafol do vento. Las restantes piezas ahondan en el contenido marino de los textos del poeta gallego, sobre todo en Praias perdidas, sin duda indispensables para comprender la evolución del folk gallego durante la década de 1990.

Canciones: Canción sen palabras. Inconsciente amor. O cartafol do vento. Domador do mar. Os cobados do barandal. Vigo está tan lonxe. Pequena estela nova. Sos. Novos portos. Adeus. Prais perdidas. Estreaba o horizonte.

Músicos: Emilio Cao (arpa, sinterizadores, zanfona, flauta, mandolina, percusiones y voz), Xesús Pimentel (guitarra eléctrica), Nando de la Casa (sintetizadores y percusión), Manuel Alonso (violín), Pablo San Pedro (acordeón en Sos), Leilia (voces y percusiones en Adeus), Carlos Núñez (flauta O cartafol do vento), Manolo Barreiro Paparolo (silbidos en Novos portos) y Juan Alberto Arteche (sitar en Canción sen palabras).

Más portadas: Fonte do araño (1977), A pedra do destino (1979), No manto da agua (1982) y Amiga alba e delgada (1986).

Manuel Antonio

Yambú (Fantasy) 1958

Mongo Santamaría y sus Ritmos Afro - Cubanos

Portada: desconocida

Mongo Santamaría (1922-2003), percusionista de Cuba que desarrolló gran parte de su carrera artística en Estados Unidos, fue fiel a sus raíces raciales y culturales como demuestra este elepé de finales de la década de 1950 cuando muchos músicos de la isla caribeña iban a fijar su nueva residencia en Nueva York. Santamaría recuperó viejos sonidos con el grupo Sus Ritmos Afro-Cubano, acompañado de un coro de cinco voces. En esa línea de rescate pero con el objetivo de divulgar la esencia de los ritmos latinos, el percusionista cubano y su grupo dan ritmo a la herencia africana con sus cueros, sobre todo en Yeye, Yambu y Longoito, una demostración de virtuosismo que se adentra en el componente mitológico de África llevado por los esclavos al otro lado del Atlántico. De la misma manera que Mongo Santamaría y sus músicos entran en su herencia más negra, también lo hacen en la correspondiente a la influencia latina, caso de la rumba español que muy pronto fue adoptada por los cubanos. De esa enriquecedora mezcla, en el disco se escuchan Congomel, Macunsere, Copnga Pa Gozar, Mi guagancó y Columbia. No obstante, donde se puede disfrutar de la esencia afrocubana de la música intemporal de Mongo Santamaría es en la pieza titulada Timbales & Bongo, cuyo título dice bastante de uno de los míticos músicos latinos que llegó a influir en músicos de otros estilos, como el rock.

Composiciones: Yeye. Congobel. Macunsere. Timbales & Bongo. Yambu. Bricamo. Langoito. Conga Pa Gozar. Mi Guagancó. Columbia.

Músicos: Mongo Santamaría (conga, bongos y percusión), Modesto Durán (conga y percusión), Francisco Aguabella (conga y prcusión), Carlos Vidal (conga y percusión) y Pablo Mozo (percusión). Al McKibbon, Francisco Aguabella, Mercedes Hernández, Israel del Pino y Willie Bobo (coros).

Más portadas: Afro Cuban Drums (1955), Mongo (1959), ¡Sabroso! (1960), Watermelon Man (1962), Mongo Introduces La Lupe (1963), Mongo At The Village Gate (1964), Mongo's Way (1970), Boogalo (1973), Afro-Indio (1975), Fuego (1976), Sofrito (1976) Drums and Chants (1978), Red Hot (1979) e Images (1980).

Canterburied Sounds. Volume 1 (Voiceprint) 1998

Varios

Portada: pintura de Leslie Hopper

La ciudad de Canterbury fue en los primeros años de los sesenta el lugar de asentamiento de jóvenes incorformistas entre los que se encontraba un buen número de músicos que lejos del pop que lo invadía todo se pusieron a indagar en el free jazz, la vanguardia musical y otros estilos en teoría alejados del sistema de producción discográfica. En una onda libertaria, las primeras grabaciones del denominado sonido Canterbury se escuchan como piezas artesanales, a veces caóticas, otras más accesibles, pues hay que pensar que la improvisación no era ajena a gentes como los componentes de Caravan, Robert Wyatt, Brian Hooper, Wilde Flowers, Mike Ratledge y Zobe, grupos y solistas que formaban parte del auténtico núcleo de la citada escuela musical, de la que saldrán formaciones interesantes como Shoft Machine, entre otras, que durante los sesenta del siglo pasado contribuyeron a que la psicodelia se asentase como un sonido menos marginal y propiciaron también el sinfonismo ecléctico de la década siguiente. Esta pequeña antología de una docena de canciones resulta una curiosidad a tener en cuenta por las sorpresas que contiene desde primeras canciones de Ccaravan (Feelin', Reelin', Squealin') a prehistóricas maquetas de Robert Wyatt, Brian Hooper, Hugh Hooper y Mike Ratledge, algunas bajo la influencia de luminarias del jazz como Telonius Monk, aunque también se pueden escuchar alguna pieza roquera como el You Really Got Me, a cargo de los inclasificables Wilde Flowers, punto de partida de futuros estrellas del rock progresivo -Kevin Ayers y Richar Sinclair, entre otros-, o el estandar Summertime, revisitado por los miembros de la citada Caravan.

Composiciones: Feelin' , Reelin', Squealin'. Mummi. Da-Da-Dee/Bolivar Blues. Orientasian. You Really Got Me. Thinking Of You Baby. Man In A Deaf Corner. If Ever Leave You. Stop Me & Play One. Piano Standards I. Belsize Parked. Summertime.

Músicos: Caravan. Robert Wyatt & Brian Hopper. Mike Ratledge and Robert Wyatt. Wilde Flowers. Brian & Hugh Hopper, Mike Ratledge and Robert Wyatt. Zobe. Robert Wyatt plus A Guitarist. Mike Ratledge. Brian & Hugh Hopper & Robert Wyatt.

Más portadas: Canterburied Sounds. Volumes 2, 3 y 4 (1998) y Canterbury Tales-Nuggets From The Psychedelic Underground (2001).

Apunte: En la primera mitada de la década de los setenta, la naciente Virgin acogió a grupos y solistas procedentes del Canterbury Sound. Para más información, leed el post sobre Las Cosas del Virgin Sound, en este blog.

El rastro

Dead Kennedys

Edigsa

1981

• Matad a los pobres
• Vivas Las Vegas

Variaciones (Hispavox) 1971

Módulos

Portada: fotografía de W. Bass

Módulos demostraban en su segundo larga duración que no era grupo de discos sencillos de temporada. El cuarteto madrileño aireó el pop español de los setenta con una instrumentación propia convincente que remarcaba unos teclados en onda progresiva y guitarra limpia pero punzante por momentos, todo apoyado por una eficiente sección de ritmo que igual ofrecía composiciones impactantes como Adiós al ayer o Sólo tú, destinadas a subir en las listas de éxitos plagadas de canciones comerciales, que incursiones en sonidos más complejos. El poderío del grupo daba para atreverse con pasajes más largos que igual ahondaban en las posibilidades de la versión de un clásico de Simon & Garfunkel, El sonido del silencio, que una composición del cuarteto con aspiración a competir con el en teoría rock de calidad foráneo que todo lo invadía en aquellos comienzos de la década de 1970, caso de la canción Un nuevo día. Entre las dos opciones se enmarcan otras patentes del conjunto: Quiero olvidar, En mis sueños o Quisiera conseguir, en cuya creación participaban todos los miembros del grupo, quienes en el segundo elepé superaban la media de otras formaciones encumbradas de la época.

Canciones: Un nuevo día. Adiós al ayer. Sólo tú. El bandolero. Quiero olvidar. El sonido del silencio. En mis sueños. Juan. Quisiera conseguir.

Músicos: José Robles Rodríguez (voz, guitarra solista y percusión), Tomás Bohórquez Nieto (órgano Hammond, piano eléctrico melotrón, sintetizador moog, oboe, trompa, acordeón y triángulo), Juan Antonio García Reyzábal (batería, violín, piano y guitarra) y Emilio Bueno Flores (bajo y contrabajo).

Más portadas: Realidad (1970), Plenitud (1972), Módulos 4 (1974) y Módulos (1978).

David Johansen And The Harry Smiths (Chesky Records) 2000 

David Johansen 

Portada: slow Heart studio 

David Johansen (1950), el que fuera cantante de los New York Dolls, demuestra una especial habilidad para adaptarse a los tiempos que corren pero sin perder su personalidad ecléctica. De esa singularidad surgió David Johansen And The Harry Smiths, una formación de repertorio escorado hacia el blues y el country más rural, estilos que sirvieron para constatar por dónde iban y van las preferencias del cantante neoyorquino cuando mira hacia atrás sin perder el presente. El primer disco de Johansen con The Harry Smiths incluye 13 canciones, 50 minutos de música, que ofrecen versiones renovadas de Muddy Waters, Lightnin' Hopkins y Mississipi John Hurt, en lo que atañe al blues, así como varias piezas de autores desconocidos y una versión de la dylaniana: Delia. Todas las canciones tradicionales incluidas en el disco, desde James Alley Blues a Richland Woman, resultan creíbles en instrumentación y voz, pues mantienen ese ritmo hinóptico que sale de lo hondo del alma, algo que era innato a los trovadores de las encrucijadas de caminos de las primeras décadas del siglo XX en Estados Unidos.

Canciones: James Alley Blues. Darling, Do You Remember Me. Delia. Little Geneva. Well, I've Beeb To Memphis. Katie Mae. Old Dog Blue. Somebody Buy Me A Drink. Poor Boy Blues. On The Wall. Don't Start Me Talking. Oh Death. Richland Woman.

Músicos: David Johansen (guitarra, armónica y voz), Brian Koonin (guitarra y mandolina), Larry Salzman (guitarra y banjo), Kermit Driscoll (bajo y didgerido) y Joe Baron (percusión).

Más portadas: Shaker (2002) y Hubert Sumlin & David Johansen (2004).

Apunte: Durante una década David Johansen grabó y actuó en directo como Buster Poindexter. De esa etapa son los discos titulados: Buster Poindexter (1987), Buster Goes Berserk (1989), Buster's Happy Hour (1994) y Buster's Spanish Rocketship (1997).

Live in Madrid (Imposible Records) 1986

The Barracudas

Portada: Pedro Juanas

La banda anglocanadiense “The Barracudas” realizó varias actuaciones en Madrid en 1984, que fueron grabadas por una unidad móvil facilitada por un grupo de entusiastas españoles del rock and roll sin aditivos, quienes se encargaron de la edición dos años después de un elepé con 15 canciones representativas de los tres primeros discos del grupo. The Barracudas en directo ofrecía un estilo muy garajero con incursiones en la psicodelia y otros estilos de básicos del rock de los sesenta, con amplio protagonismo de las guitarras eléctricas y potente sección rítmica. Uno de los miembros de esta formación, el estadounidense Chris Wilson llegó a tocar en los míticos Flamin Groovies, lo cual dice mucho del estilo del entonces quinteto a punto de separarse, pero con muchos seguidores en Europa, sobre todo en Francia y España, además del Reino Unido, donde calaron hondo hasta el punto de que sus. Clásicos como You’re Gonna Miss Me, Codine, Chimes Of Freedom y Fortunate Son, se mezclan con piezas típicas de The Barracudas para tocar en directo: Bad News, Dealing With Today, Pieces Broken, We’re Living In Violent Times o I Can’ t Pretend.

Canciones: Grammar Of Misery, Bad News, This Ain’t My Time, Dealing With Today, You’ ve Come A Long Way, Pieces Broken, You’ re Gonna Miss Me, We’ re Living In Violent Times, Codine, I Ain’ t No Miracle Worker, Elevent Hourt, Barracuda, Chimes Of Freedom, I Can’ t Pretend y Fortunate Son.

Músicos: Robin Wills (guitarra y voz), Jeremy Gluck (voz), Jim Dikson (bajo y voz), Chris Wilson (guitarra y voz) y Mark Sheppard (batería).


Más portadas:  Drop Out (1981), Mean Time (1983) y Endeavour To Persevere (1984).

Quan l’aigua es queixa (RCA) 1979

Raimon

Portada: pintura de Joan Miró

El cantante de Xativa (Valencia) Raimon despide la década de los setenta con una grabación que demuestra la versatilidad de este hombre comprometido con la vida, la cual trata de explicarla mediante el uso atinado de la palabra en catalán, a veces puesta gracias a su inspiración y en otras ocasiones recurriendo a poetas como Ausias March y Salvador Espriú. Quan l’aigua es queixa sale a la venta en el año 1979 con una producción que se desvía del tópico de cantautor escueto a nivel instrumental. Orquesta, secciones de metales y cuerda, guitarras, flauta y piano acompañan la docena de textos elegidos por Raimon para este elepé. Como siempre la mirada del cantante es la vista de sus semejantes que tienen recuerdos (Perqué ningú no em contará el seus somnis), que se mueven de acuerdo con el ritmo de la ciudad (Al matins a ciutat), que sufren la soledad existencial (Fou un infant), padecen la injusticia (No el conexía de res) o simplemente reconocen la importancia de la amistad (Andreu, amigo). Raimon no se olvida de cantarle al amor y a la libertad en On és lo lloc on ma pensa repose y Nous cants de llibertad, respectivamente de Ausias March y Espriu, tan reales como las anteriores y llenas de sentimiento.

Canciones: Als matins a ciutat. L’última llum d’estiu. Un sol consell.No el coneixia de res. Nous cants de llibertat.I beg your pardon.Fou un infant. Perquè ningú no em contarà els seus somnis. Andreu, amic. I després de creure tant. Si em demanau lo greu turment que pas. On és lo lloc on ma pensa repose.

Músicos: Raimon (voz), Manuel Camp (piano, arreglos y dirección musical), Xavier Cubedo (contrabajo), Albert Cubero (guitarras), Santi Arisa (batería), Rafael Grimal (flauta, saxofón y clarinete), Ricard Roda (clarinete bajo), Domènec Segú (oboe), Josep M. Brotons (flauta, flauta baja y secciones de metal y cuerda).

Más portadas: Raimon a l’Olympia (1966), Cançons de la roda del temps (1966), Per destruir aquelle qui l’ha desert (1970), En vivo (1972), A Víctor Jara (1974), Campus de Bellaterra (1974), El recital de Madrid (1976) y Entre la nota i el so (1984).

Guitar Album (PDI Lands) 1985

Doc & Merle Watson

Portada: John Zielinski

El guitarrista y cantante invidente Doc  Watson (1923-2012)(1949-1985) volvía a grabar con su hijo Merle (1949-1985) un disco grande en diciembre de 1982 en los estudios Scruggs Sound de Nashville. En aquella ocasión, el álbum se centraba en las guitarras acústica pero con presencia de otros instrumentos de la música tradicional de los Estados Unidos. Banjo, mandolina, violín y armónica aportan la esencia campestre a la versatilidad del dúo familiar que resuelve con brillantez sus incursiones en otros estilos populares como el swing, la polka y el vals. La misma voluntad de artesanos musicales se evidencia en piezas cercanas al blues, ragtime y bluegrass que realzan asimismo la compenetración de padre e hijo cuando tocan sus respectivas guitarras. Todo el contenido del elepé constituye esencial para empaparse de melodías intemporales que ganan en virtuosismo gracias a Doc y Merle. Entre ellas Talking To Casey, Black Pine Waltz, Guitar Polka, Going To Chicago Blues, Black Mountain Rag, Cotton Row, Twinkley Twinkley y Gonna Lay Down My Old Guitar. 

Canciones: Sheeps In The Meadow/Stoney Fork. Talking To Casey. Liza/Lady Be Good. Black Pine Waltz. Guitar Polka. Going To Chicago Blues. Black Mountain Rag. Cotton Row. John Henry/Worried Blues. Twinke Twinkle. Take Me Out To Te Ballgame. Gonna Lay Down My Old Guitar.

Músicos: Doc Watson (guitarra, armónica y vocal), Merle Watson (guitarra y slide guitar), T Michael Coleman (bajo y guitarra en Cotton Row y armónica vocal), Mark O’ Connor (violín y mandolina) y Pat McInerney (percusión).

Más portadas: Doc & Merle Watson (1967), Live & Pickin’ (1979), Red Rocking Chair (1981) y Down South (1984).

The First And The Last (Statik Records)

New Race

Portada: Bob King, Mike Gethen y Marc Christowski

Durante los meses de abril y mayo de 1981, tres miembros de la banda australiana Radio Birdman, junto al guitarrista de The Stooges, Ron Asheton, y el baterista de MC5, Dennis Thompson, realizaron varias actuaciones en diferentes escenarios –Selina’s, Sgt. Peppers, Manly Vale Hotel y Crystal Ballroom-, bajo el nombre de New Race. La juventud de los australianos y la veteranía de los estadounidenses no supusieron ningún obstáculo a la hora de tocar en directo, como se puede apreciar en este elepé de dicha formación, en cuyos surcos queda clara la militancia roquera del quinteto. Cryng Sun, Haunted Road, Sad TV, Looking At You, November 22, 1963, Gotta Keep Moving o Columbia representan el rock acelerado y potente en el que confluyen los ritmos de las bandas más desquiciadas de Detroit, el hard de la costa Este norteamericana, el rock de garaje y el punk de finales de los setenta.

Canciones: Crying Sun. Haunted Road. Sad TV. Breaks My Heart. Looking At You. November 22, 1963. Alone In The End Zone. Love Kills. Gotta Keep Moving. Columbia.

Músicos: Ron Asheton (guitarra), Warwick Gilbert (bajo), Denis Tek (guitarra y voz), Dennis Thompson (batería y voz) Rob Younger (voz). Chris Masuak (guitarra en Columbia y Looking At You) y Clyde Bramley (voz en Crying Sun, Haunted Road y Columbia).

Más portadas: New Race (The First To Pay -1989- y The Second Wave -1999-). Radio Birdman (Radios Appear -1978- y Living Eyes -1981).

High Land, Hard Rain (Nuevos Medios) 1983

Aztec Camera

Portada: David Band

El cuarteto de Glasgow (Escocia) Aztec Camera estrena su primer elepé en el año1983 dentro del cambiante panorama musical del Reino Unido y con la ventaja de contar con un líder de talento, Roddy Frame, compositor sensible y singular guitarrista que aporta un sonido entre acústico e intimista a las canciones de su disco de presentación. En él destacan las composiciones tituladas Obvilious, The Bugle Sounds Again, Lost Outside The Tunnel y Queen’s Tattoos, que ponen de manifiesto el ingenio y el interés por parte de la banda desde un punto de vista innovador para levantar el ánimo de una música pop alicaída en la primera mitad de los ochenta. Exquisitos toques de guitarras mezclados con sonoridades soul, funk y psicodelia constituyen la estructura musical de High Land, Hard Rain, un disco de referencia del mejor pop de comienzos de la década de 1980.

Canciones: Oblivious. The Boy Wonders. Walk Out To Winter. The Bugle Sounds Again. We Could Send Letters. Pillar To Post. Realese. Lost Outside The Tunnel. Back On Board. Down The Dip.

Músicos: Roddy Frame (guitarra, armónica y voz), Campbell Owens(bajo), Bernie Clarke (órgano y piano) y Dave Ruffy (batería y percusión).

Más portadas: Knife (1984), Aztec Camera (1985), Love (1987) y New, Live And Rare (1988).

De todo corazón (Factoría) 2003

Pedro Ruy-Blas

Portada: fotografía de Fernando Suárez

Pedro Ruy-Blas (1949, Madrid) recordaba a Santiago Alcanda, en relación con el disco De todo corazón: “Lo quería llamar Spanish Harlem porque es un disco muy negro de canciones clásicas de siempre, auténticos estándar de la música en España, melodías que reposan en el inconsciente colectivo de cuatro o cinco generaciones de españoles. Y sólo he pretendido extraerles el poquito de blues que pueda haber dentro de ellas pero sin forzarlas, sin melismas que exageren su fondo blusero. Es un disco de cantante de jazz con estándares a lo americano, hecho con músicos que sienten, como yo, que el jazz es una forma de vivir y viven con respeto a ese principio”. En total, son 11 canciones que van desde el número 1 de los sesenta Black is black al más reciente La puerta de Alcalá, pasando por Alma, corazón y vida, Sixteen Tons, Mediterráneo, Cuando la vi o Mona Lisa. Pedro consigue con su inmejorable voz trasmitir todo el sentimiento del cantante que se esfuerza para comunicar la belleza que se puede sacar a la letra de una canción.

Canciones: Amar y vivir. Black is black. Mediterráneo. 16 Toneladas/Sixteen Tons. Alma, corazón y vida. Eres diferente. Cuando la ví. Tú, mi delirio. Get on your knees. Mona Lisa. La puerta de Alcalá.

Músicos: Pedro Ruy-Blas (voz), Horacio Icasto (piano y dirección musical), Víctor Merlo (contrabajo), Noah Shaye (batería), Jorge Pardo (saxo tenor, 1), Bob Sands (saxo tenor, 4,7 y 9) y Matthew L. Simon (fiscornio, 8 y 9).

Más portadas: Luna llena (1975), Dolores (1976), Asa-Nisi-Masa (1978), La puerta abierta (1978), Madre ciudad (1984), Teatro, circo y variedades (1998) y Ample (2008).

Apunte: Pedro Ruy-Blas ha intervenido como cantante en los musicales Jesucristo Superestar, Los Miserables, La bella Helena, La maja de Goya y Cats.

Amor de hermano (Dros East West) 1996 

Los Coyotes 

Portada: Víctor Aparicio y Pocateja 

Los Coyotes surgieron en Madrid a finales de los años setenta con una apuesta por el rock and roll primario para con posteridad evolucionar hacia un estilo propio difícil de definir pero que, por cierto, constituyó el punto de partida del tan manido sonido latino. El combo de Víctor Abundancia tuvo suficiente personalidad para apostar por rumbas, salsa, calipso y otras sonoridades caribeñas en tiempos de posmodernidad. De todo eso hay en este cedé recopilatorio de 17 canciones que van de 1983 a 1991, es decir desde el rockabilly de Muévete, de la primera etapa, a la canción de crooner Aguas bravas. De esta última decía su creador: "Meterse, subido a una piragua, en un paso difícil de un río de montaña provoca la misma sensación que meterme en ciertos asuntos en los que interviene el amor. Miedo". En el medio están, sin duda, piezas con garra, divertidas, bailables, costumbristas y satíricas. Lo mejor para comprobarlo es escuchar 300 kilos, 100 guitarras, La calientes noches del barrio, las chicas de las revistas guarras, De color de rosa, Esta noche me voy a bailar, Corazón de reloj y El mono.

Canciones: Muévete. 300 kilos. Fiesta salvaje. 100 guitarras La estación del amor. Las calientes noches del barrio. Razas. Las chicas de las revistas guarras. De color de rosa. Lo que dice Mari. Esta noche me voy a bailar. El típico español. Corazón de reloj. Tu mejor desayuno. El mono. Aguas bravas.

Músicos: De la primera época Víctor Abundancia (voz y guitarra), Fernando Gilabert (contrabajo), Nano del Valle (batería), Carlos Torero (batería y percusión), Ramón Godes (guitarras y sinetizador), Celestino Albizu (batería), Luis Carlos Esteban (programaciones), Javier Coble (sintetizadores) y Luis Lamas (guitarras). Colaboradores de aquel tiempo. Ulises Montero (saxos), Julián Hernández (guitarra española y ukelele), Collán Manzano (palmas y coros), Fernando Velasco (piano), Mari Paz Guillén (marimba), Olvido Gara, Carmen Madeirolas, Ester García, Teresa Panadero y Jeny (voces), Roberto Timaná (percusiones) y Yolanda Serrano (coros).

Más portadas: Mujer y sentimiento (1985), Las calientes noches del barrio (1987), De color de rosa (1988), Puro semental (1989), Tocando sus éxitos (1991) y 300 Kg (2004). Víctor Coyote: Lo bueno, dentro (1995), Lucha de migajas (2000), ¿A qué viene ahora silbar? (2004), Dos años luz y cuarto (2011).

Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus (Epic) 1970

Spirit

Portada: fotografía de Ira Cohen 

Spirit representa brillantemente a la segunda generación de bandas de la Costa Oeste de Estados Unidos que resumía la evolución de la psicodelia hacia un rock progresivo de gran predicamento en la década de los setenta, y del que se alimentaron figuras representativas de aquellos años, por ejemplo, David Bowie y T. Rex, en el Reino Unido, y Steely Dan, en Norteamérica. Consumados instrumentistas, tanto los más veteranos, como los jóvenes, Ed Cassidy y Randy California, respectivamente, los componentes de Spirit crearon un estilo inclasificable de variadas referencias: folk, blues, rock, jazz, soul, entre otras formas que configuraron ese todo innovador recogido en Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus, un álbum con un atractivo especial a 42 años de su grabación. Varias canciones han quedado como hitos del rock estadounidense durante el cambio de década como Nature’s Way, Animal Zoo, Mr. Skin, Space Child y Morning Will Come, que además de éxito pusieron muy alto el listón del grupo, que, por cierto, no volvería a repetir una grabación tan acertada.

Canciones: Prelude – Nothin’ To Hide. Nature’s Way. Animal Zoo. Love Has Found a Way. Why Can't I Be Free?. Mr. Skin. Space Child. When I Touch You. Street Worm. Life Has Just Begun. Morning Will Come. Soldier.

Músicos: Randy California (guitarra y voz), Ed Cassidy (batería y percusión), Jay Ferguson (voz y percusión), Joh Locke (teclados) y Mark Andes (bajo y voz).

Más portadas: Spirit (1968), The Family That Plays Togheter (196), Feedback (1972), Spirit Of 76 (1975), Farther Along (1976), Future Games (1977), Adventures Of Kaptain Kopter & Commander Cassidy in Potatoland (1981), The Thirteen Dream (1984), Rupture In The Chambers (1989).

Apunte: La version de 1996 en disco compacto de Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus registra además las canciones extra Rougher Road, Animal Zoo (versión mono para sencillo), Morning Will Come (altenativa mono mix) y Red Light Roll On.

En recuerdo de Ed Cassidy

A Weekend With Jane (Matinée Recordings) 2003

Pale Sunday

Portada:

Disco en formato EP de presentación del entonces trío brasileño del área de Sao Paulo, Pale Sunday, que demuestra una acertada sintonía con el pop de siempre tamizado por ese toque indie que no va mucho más allá de la estructura musical en la que se integran guitarras, sección rítmica, algo de cuerda y voces muy aprovechadas, principalmente. Un poco más de 13 minutos repartidos en el repertorio donde nada sobra y que devuelve la credibilidad a una música en teoría intrascendente pero que está destinada a ocupar mucho tiempo en las escuchas de quienes prefieren las distancias cortas en sus preferencias musicales.

Canciones: A Weekend With Jane. Go Ahead. Today. The Girl With Sunny Smile.

Músicos: Luiz Gustavo (bajo y voz), Sineval Almeida (guitarra) y Fabricio Cantoni (guitarra).

Más portadas: Summertime? (2005), Shooting Star (2010) y The Fake Stories About You And Me (2012).

Greetings From L.A. (WB) 1972
Tim Buckley
Portada: Cal Schenkel

Tim Buckley con el séptimo álbum Greetings from L.A., tres años antes de su temprana muerte, daba un cambio de dirección musical y a favor de los ritmos característicos del r&blues, el soul, el funk y el jazz, géneros que acompañaba excelentemente con su voz carnal, pues el cantante la utilizaba como un instrumento más que iba contando experiencias de una sexualidad exacerbada, lo cual se aprecia en la mayoría del corto pero intenso repertorio de Greetings from L.A. Lo dicho, la pose más musical de Buckley se adapta a la presencia de variados instrumentos, sobre todo de cuerda y metal, que hacen del disco una de las mejores grabaciones de la última etapa de Tim, quien aprieta el fuelle y sale airoso en su lucha por alejarse de la cargada atmósfera en que se encontraba el rock en la primera mitad de la década de 1970. De esa búsqueda, sale airoso hasta el punto de dar un sentido nuevo a su obra musical. Del disco, inspirado en la megaurbe californiana, quedan algunas piezas incuestionable y de rara belleza como Sweet Surrender, Get On Top, Devil Eyes, Honk Kong Bar o Make It Right.

Canciones: Move With Me. Get on Top. Sweet Surrender. Nighthawkin. Devil Eyes. Hong Kong Bar. Make It Right.

Músicos:Tim Buckley (guitarra y voz), Lee Underwood (guitarra y teclados), Joe Falsia (guitarra), Reinhold Press (bajo), Chuck Rainey (bajo), Kevin Kelly (órgano y piano), Harry Hyams (viola), Ralph Schaeffer (viola), Louis Kievman (violín), Robert Konrad (violín y guitarra), William Kurash (violín), Jesse Ehrlich(chelo), Paul Norros (saxofón), Eugene Siegel (saxofón), Jerry Goldstein (percusión y arreglos), Carter Collins (congas) y Ed Greene (batería).

Más portadas: Dream Letter: Live In London 1968 (1990), Live At The Trobadour 1969 (1994), Honeyman-Live 1973 (1995), The Dream Belong To Me. Rare And Unrealeased 1968-1973 (201) y Morning Glory: The Tim Buckley Anthology (2001).