“El maldito viento” (WEA). La Unión era en 1985 uno de los grupos posteriores a la movida musical de comienzos de los ochenta que había saboreado las mieles de éxito masivo y el reconocimiento mediático, un año antes, gracias a una canción de referencias literarias, en concreto a Boris Vian. Pero después de “Lobo hombre en París”, canción incluida en “Mil siluetas”, de la que también había video clip, el grupo madrileño entraba en el estudio de grabación, bajo la producción de Nacho Cano, para poner en circulación nueve canciones que pasaron desapercibidas. Lo que había ganado el conjunto en experiencia lo había perdido en comercialidad, lo cual en el negocio de la música no se perdona y, por tanto, “El maldito viento” entraría en la lista de los discos prescindibles. Sin embargo, esto último es muy relativo, porque, sin ser una obra maestra, que apenas las hay en el rock, pop, jazz, folk y demás músicas populares, incluso en la intocable clásica, algunas canciones se salvan de la quema que tan acostumbrados están a alimentar los inquisidores musicales desde sus púlpitos de serios medios de comunicación. “Altos y frondosos”, “La cantante” y “El maldito viento”, por ejemplo, mantienen esa atractiva compostura que los miembros de La Unión saben imponer siempre en cada uno de los discos que periódicamente graban, aunque sea en pequeñas dosis. La sugerente portada de Javier de JUan ahonda en la línea del cómic de autores de trazo limpio que tanto abundaron en los ochenta.

Canciones: “Altos y frondosos”, “Entre flores raras”, “La máquina del tiempo”, “El tiempo en un espejo”, “A solas”, “Los placeres de los amantes”, “La cantante”, “Un día feliz” y “El maldito viento”.

Músicos: Rafa Sánchez (cantante), Mario Martínez (guitarra), Iñigo Zabala (teclados) y Luis Bolín (bajo).

Otras portadas: 4X4 (1987), Vivir al este del Edén (1988), Tentación (1990), Tren de largo recorrido (1992) y Psycofunkster aut lait (1993).

Living With The Law (CBS/SONY). Estreno discográfico del tejano Chris Withley (1960-2005) con una docena de composiciones propias y dentro de estilos como el blues, el rock, el folk y el country, aunque el guitarrista produce al interpretarlas una atmósfera distinta a lo que se puede esperar de piezas basadas en sonidos tradicionales. El músico tejano entraba de lleno en lo que con posteridad se denominaría “americana”, un cajón de sastre en el que se mezclan todos esos estilos antes mencionados pero desde una perspectiva nueva. No es extraño que el vinilo “Living With The Law” se convirtiese en 1991 en toda una sorpresa cuya mejor promoción fue el boca a boca, a pesar de estar grabado en una de las poderosas compañías discográficas de comienzos de los noventa. Withley, además de compositor, demostraba en su disco de estreno que dominaba los instrumentos de cuerda y los adaptaba a su particular forma de entender la música y escribir canciones. La portada del larga duración es de Timothy White que retrata a Chris en una pose de neotrovador country-folk-rock que se colaba por la puerta grande en un singular universo donde abundan las estrellas, algunas de ellas ya desparecidas, como el propio guitarrista de Houston, muerto prematuramente en 2005 cuando tenía mucho que ofrecer.

Canciones: “Excerpt”, “Living With The Law”, “Big Sky Country”, “Kick The Stones”, “Make The Dirt Stick”, “Poison Girl”, “Dust Radio”, “Phone Call From Leawenworth”, “I Forget You Everyday”, “Long Way Around”, “Look What Love Has Done” y “Bordertown”.

Músicos: Chris Whitley (voz, guitarras acústica y eléctrica y bajo), Ronald Jones (batería), Daryl Jonson (bajo), Hill Dillon (guitarra y pedal steel), Malcolm Burn (teclados y pandereta), Meter Conway (armónica), Alan Gavaert (bajo), Daniel Lanois (guitarra), Deni Bonet (viola) y Daniel Withley (guitarra).

Otras portadas: Dinc Of Ectasy (1995), Terra Incognita (1997) y Dirt Floor (1998).

A Love Supreme (Impulse). Este disco grabado por John Coltrane en 1964 forma parte de su etapa de búsqueda de nuevas direcciones para el jazz que había elegido como forma de expresión universal. En esta ocasión, bajo el influjo de un sentido misticismo y en plena madurez, uno de los saxofonistas más geniales de todos los tiempos dejó para la posteridad esta bella suite en la que participan tres de los mejores acompañantes que tuvo Coltrane en su corta vida. Subidas y bajadas, protagonismo de todos los instrumentistas, y un saxo tendente a la improvisación y al blues, constituyen algunas de las características de la música grabada en este disco. Sobre él abunda mucha literatura, también hay libros especializados que explican todos los pormenores de esta obra suprema, pero lo mejor es adentrase en ella y escuchar los 33 minutos de sus tres partes, porque se ha convertido en la obra de referencia del hombre inquieto en constante lucha y búsqueda de la innovación que fue Coltrane. La sobria carátula en blanco y negro es una fotografía firmada por Joe Alper y Lee Tanner que capta el semblante del músico ensimismado con sus pensamientos.

Canciones: “Part I> Acknowledgement", "Part II> Resolution", "Part III> Pursuance y "Part IV Psalm".

Músicos: Coltrane (saxo tenor), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bajo) y Elvin Jones (batería).

Otras portadas: Lush Life (1957), Coltrane (1957), Blue Train (1957), Giant Steps (1959), Impressions (1961), John Coltrane and Jonny Hartman (1963), Live At The Village Again!” (1966) y The Gentle Side Of John Coltrane (1974).

“Searching For The Young Soul Rebels” (EMI). Desde la ciudad de Birmingham saltaron a la fama unos jóvenes aficionados al soul cuando en el Reino Unido comenzaban a decaer estilos como el punk y el ska. Otra vez la música negra arraigó en nuevos músicos británicos que consideraron un excelente vivero para sus aspiraciones artísticas las viejas grabaciones de sellos como Atlantic, Stax o Ace. De esta hornada fueron los componentes del grupo Dexys Midnight Runners que tras curtirse en los escenarios de su lugar de origen, y sacar algunos sencillos, se estrenaron en 1980 con el LP “Searching For The Youngs Rebels” donde no disimulaban las influencias de gentes como Geno Washington, un cantante americano afincado en el Reino Unido que triunfó en los años sesenta, y a quien dedicaban una canción. Cuando parecía que el soul languidecía tras la postura acomodaticia adoptada por la mayoría de las figuras vivas, los Dexys aportaban credibilidad con su sección de viento y cantante peleón. Con sus atuendos de marineros a punto embarcarse, incluidos gorros, chaquetones y bolsas de viaje, el grupo inglés pronto cambiaría de dirección, porque en la siguiente grabación, aunque el soul siguiese presente, pero difuminado, el compromiso sería con un estilo más folkie, con violín incluido. La portada diseñada para su primer disco por Peter Barrett incluye la fotografía de una escena costumbrista de los años setenta.

Canciones: “Burn It Down”, “Tell Me When My Light Turns Green”, “The Teams That Meet In Caffs” , “I’m Just Looking”, “Geno” , “Seven Days Too Long”, “I Couldn’t Help If I Tried”, “Thankfully Not Living In Yorkshire It Doesn't Apply”, “Keep It”, “Love Part One” y “There, There, My Dear”.

Músicos: Kevin Rowland (cantante), Pete Saunders (órgano y piano), Kevin Archer (guitarra y voz), Pete Williams (bajo), Big Kim Paterson (trombón), Jeff Blythe (saxofón), Steve Spooner (saxo alto), Stoker (batería) y Andy Leek (órgano).

Otras portadas: Too-Rye-Ay (1982) y Don’t Stand Me Down (1985).

O Berro Seco (Ruada). Segundo disco del grupo gallego Milladoiro, formación considerada internacionalmente como una las mejores de su estilo. Ha pasado sin problemas la barrera del cuarto de siglo de actividad, tanto sobre los escenarios más diversos de todo el mundo como en los estudios de grabación de los que salieron algunos de los discos básicos de la música gallega de base popular del siglo XX. “O Berro Seco”, grabado entre los meses de abril y mayo de 1981 en Madrid, fue en su día un larga duración esperado, porque Milladoiro que en su anterior “A Galicia de Maeloc” ya había causado admiración de crítica y público fuera de las fronteras de su lugar de origen. En esta segunda entrega, se sirve del homenaje al folclorista Saturnino Cuiñas para desarrollar un repertorio tradicional en el que también se incluyen incursiones en otras músicas (escocesa e irlandesa). El título del disco es explicado por Milladoiro de la siguiente manera: “En la capilla de San Fiz en la parroquia de Casullas, a la salida de misa los hombres agachados se cogían las manos al tiempo que sus figuras se levantaban, las voces se juntaban en un grito que poco a poco iba creciendo hasta terminar en un solo chillido roto de golpe por la orden de Saturnino. Este grito que simboliza la unión de muchos hombres en un mismo esfuerzo recibió como bautizo el nombre de O Berro Seco”. La portada del disco tuvo como dibujante y diseñador a Xosé María Piñeiro, quien se sirvió de la imagen de un viejo zanfonista ambulante y de simbología céltica.

Canciones: “O Berro Seco”, “A cruz da vella”, “Fisterra”, “Muiñeira vella de Mordomo”, “Na cova da barxa”, “Unha noite no santo cristo”, “Polca dos campaneiros”, “Caraveliño colorado”, “A furoca” y “Brincadeiro”.

Músicos: Michel Canada, Rodrigo Romaní, Antón Seoane, Xosé V. Ferreiros, Nando Casal, Moncho García y Manuel Arias. Instrumentos que tocan: gaitas de Galicia, Irlanda y Nothumberland, mandolina, castañuelas, timbales, tin whistley, cromorno, tambor, bodhram, flautas traversa y de pico, violín, arpa, guitarra acústica, zanfona, acordeón, piano y darbuka.

Otras portadas: A Galicia de Maeloc (1979), Milladoiro 3 (1982), Solfafría (1984), Galicia no Pais das Maravillas (1986), Castellum Honesti (1989) y A xeometría da alma.

Bless Its Pointed Little Head (RCA). Jefferson Airplane ponía en circulación su quinto disco grande en el año 1969, grabado en directo en los escenarios de los Fillmore East y West, es decir los simbólicos auditorios de ambas costas estadounidenses (en las ciudades de San Francisco y Nueva York). Este sería el primero de sus álbumes oficiales en vivo, aunque el entonces sexteto era bastante receptivo a tocar tanto en espacios abiertos como cerrados, por lo cual ya estaba curtido en este tipo de actuaciones. En Bless Its Pointed Little Head, la banda de San Francisco se encuentra en uno de sus mejores momentos. Tras la correspondiente etapa psicodélica, el grupo recurre a un repertorio variado pero con un enfoque más roquero en el que destacan el dúo Kaukonen-Casady, guitarra y bajo, respectivamente, aunque el resto del combo también aporta su grano de arena a estas grabaciones de finales de los sesenta que demuestran el potencial de la Jefferson cuando de tocar en grandes auditorios se trataba. Abundan las composiciones de los miembros del grupo, entre otras, las emblemáticas, Somebody to love y Plastic Fantastic Lover, pero además hay una pieza de blues tradicional y composiciones de Donovan y Fred Neil, cantautores respectivamente británico y estadounidense que tuvieron una excelente acogida entre las bandas más ácidas de la California sesentera. Las canciones se alargan en relación con los originales en parte por la consolidación de los componentes de Jefferson Airplane como sólidos instrumentistas, aunque también de acuerdo con la tendencia de entonces entre algunos grupos de prolongar sus conciertos ante unos seguidores inquebrantables, caso de la banda Grateful Dead, también del área de San Francisco. La portada en blanco y negro de este disco en directo muestra una impactante fotografía de Jim Smircich que presenta a Casady supuestamente ebrio, sentado a la mesa y agarrado a una botella de vino. En la contraportada, aparece retratado todo el grupo en un momento de pasada por el consumo de otras sustancias que no eran precisamente bebidas alcohólicas de las bodegas de Sonoma o Napa.

Canciones: Clergy, 3/5 of a Mile in 10 Seconds, Somebody to Love, Fat Angel, Rock Me Baby, The Other Side of This Life, It's No Secret, Plastic Fantastic Lover, Turn Out the Lights y Bear Melt.

Músicos: Grace Slick (voz y teclados), Marty Balin (voz y guitarra), Jorma Kaukonen (guitarra y voz), Paul Kantner (guitarra y voz), Jack Casady (bajo) y Spencer Dryden (batería).

Otras portadas: Surrealistic Pillow (1967), Afther Bathing at Baxters (1967), Croen of Creation (1968), Volunteers (1969), Thirty Seconds Over Winterland (1973), Early Flight (1974) y Flight Log (1977).

“Face to Face” (Pye). The Kinks es una de las bandas de primera fila del pop inglés que mejor ha aguantado el paso del tiempo, hasta el punto de que sus líderes, los hermanos Davies, continúan creando canciones en el siglo XXI. En 1966, después de una carrera discográfica plena de éxitos y sólidas canciones, entre las que figuran algunas clásicas del rock, el entonces cuarteto decidió dar un cambio de rumbo que se notó hasta en la psicodélica carátula de “Face to Face”. Este disco es el punto de partida de una nueva forma de componer de Ray Davies, quien se adelanta a las obras conceptuales que tanto abundan en las grabaciones de The Kinks. Como pasaría en sucesivas grabaciones, las piezas están cargadas de ironía y ácidos comentarios sobre la sociedad británica de entonces vista por el atento espectador que era y es Ray Davies, a quien no se le escapa el más pequeño detalle del que puede hacer una historia que luego canta a los cuatro vientos. Esta labor musical se puede comprobar en la prolífica y variada discografía de The Kinks, así como en sus interesantes actuaciones en directo fruto de sus giras por todo el mundo.

Canciones: “Party Line”, “Rosie Won't You Please Come”, “Dandy”, “Too Much on My Mind”, “Session Man”, “Rainy Day in June”, “A House in the Country”, “Holiday in Waikiki”, “Most Exclusive Residence for Sale”, “Fancy”, “Little Miss Queen of Darkness”, “You’ re Lookin’ Fine”, “Sunny Afternoon” y “I’ll Remember”.

Músicos: Dave Davies (guitarra, armónica, teclados y voz), Ray Davies (guitarra y voz), Mick Avory (batería), Meter Quafie (bajo) y Nicky Hopkins (piano). Arreglos: Dave y Ray Davies.

Otras portadas: Kinda Kinks (1965), The Kink Kontroversy (1965), Arthur (Or the Decline and fall of the British Empire) (1969), Muswell Hillbillies (1971), Schoolboys in Disgrace (1975), Misfists (1978), One for the Road (1980) y Word of Mouth (1984).

La estrella del alba (Movieplay). El madrileño Hilario Camacho grababa en 1976 su tercer disco en compañía de un excelente conjunto de músicos que entraban en los planes de nueva orientación artística del cantante. Camacho integrante de la llamada “La nueva canción en castellano”, a mediados de los setenta iba por libre y cada vez más alejado de la anquilosada canción protesta, cuya permanencia comenzó a diluirse tras la entrada de la democracia. Esto se nota en “La estrella del alba”, donde hay tres piezas instrumentales, mientras que las cantadas suelen ser en determinados casos de largo desarrollo para dar entrada a músicos de conocida solvencia y, por otra parte, habituales en los círculos de la progresía madrileña. Sonidos acústicos, jazz, pop, rock y ritmos latinoamericanos se combinan sin problema en uno de los mejores discos de Hilario Camacho. La portada del larga duración corresponde a Benito y Máximo Moreno, conocidos por sus obras para carátulas de otros artistas del sello Movieplay, todo un estandarte de la música moderna de aquellos años setenta, donde no faltaban desde el cantautor solitario, el flamenco, los solistas, la música latinoamericana, bandas de diferentes regiones o los combos de rock sinfónico.

Canciones: La estrella del alba, Claros sentimientos, Soledad y silencio, La casa del pozo, Mis pies pisan la roca, mi cabeza sobre nubes va flotando, Arquitecto de sueños, Señora de ojos tristes, Guapachosa, María, El paseo del atardecer

Músicos: Hilario Camacho (guitarra acústica y voz), Jorge “Flaco” Barral (bajo, voz y guitarra acústica), Toni López (guitarra eléctrica), Fernando Bermúdez (batería y percusión), Jorge Pardo (saxo soprano), Pedro Guerrero (mandolina), Ana Martínez (voz) y Daniela Estévez (voz).


Otras portadas: A pesar de todo (1973), De paso (1975), Subir subir (1983) y Gran ciudad 1986).

G.P. ” (Reprise). Primer disco en solitario de Gram Parsons, por algún tiempo miembro de The Byrds, cuando comenzaban su andadura country rock, y a la que el músico nacido en Florida contribuyó con su creatividad a flor de piel en el inmejorabe “Sweetheart of the Rodeo”. La fotografia de Barry Beinstein y diseño de Viki Hodgerts para Camouflage Productions presentan a un joven Parsons relajado y, seguramente, muy estimulado por el country en cuanto a lo musical, pero en lo privado más orientado a la autodestrucción del slogan roquero: sexo, drogas y rock and roll. A pesar que el disco de Parsons, que también voló alto con The Flying Burrito Brothers, entra en la línea del country purista, escuchado hoy día mantiene la frescura de “outlaw” autodestructivo que Gram imponía a su v ida, como otros muchos más que circulaban por la ruta del country heterodoxo. En el terreno artístico, sin embargo, se rodeaba de excelentes músicos en la onda vaquera pero amigos del rock, muchos de ellos, reputados instrumentistas de sesión que grabaron con los mejores del género. De Parsons hay otro disco en solitario donde se escucha la voz de su compañera Emmylou Harris. La muerte anunciada y prematura de Gram a los 26 años de edad sirvió para recuperar su trabajo musical y, por tanto, convertir al compositor y músico en otro de los mártires del rock, generador de ganancias a las discográficas que siempre de forma periódica encuentran algún material inédito con el que engatusar a los seguidores de este tipo de ilustres desaparecidos . El primer disco de Gram Parsons en solitario constituye un hito que tuvo influencia sobre muchos músicos y cantantes de décadas posteriores. Así entre sus primeros admiradores están The Rolling Stones, que ya habían demostrado su aproximación al country más evolucionado en “Leet it bleed” y en “Sticky fingers”.

Canciones: “Still feeling blue”, “We’ll sweep out the ashes in the morning”, “A song for you”, “Streets of Baltimore”, “She”, “That’ s all it took”, “The new soft shoe”, “Kiss the children”, “Cry one more time”, “How much I’ ve lied” y “Big mouth blues”.

Músicos: John Conrad (bajo), Ronnie Tutt, John Guerin y Sam Goldstein (batería), Glen D. Hardin (piano y órgano), James Burton y Barry Tashian (guitarras), James Burton (dobro), Al Perkins y Buddy Emmons (violín), Byron Berline (violín), Alan Munde (banjo), Hal Battiste (saxo barítono), Gram Parsons, Barry Tashian y Emmylou Harris (voces en “Kiss the children”).

Otras portadas: Grievous Angel (1973), Sleeps Nights (1976) y The Early Years (1979).

“School's Out” (Warner). Disco que lanzaría a la fama a Alice Cooper y su grupo, una banda de rock espectáculo que se apuntaría a la moda glam imperante en 1972. Músicos desde la adolescencia los miembros de este grupo establecido en California y liderado por Alice Cooper, sosias de Vincent Damon Fournier, natural de Detroit, se encontraron en sus comienzos, hacia finales de los sesenta, con el freak por excelencia Frank Zappa que no dudo en apadrinarlos en sus primeras grabaciones. Pero sería pocos años después cuando Alice Cooper se conviertiría en una figura mediática de la época con continuas apariciones en cine y televisión, así como en las revistas de música pop. Pero, dejando de lado maquillajes, mallas y serpientes de gran tamaño, el grupo de Alice Cooper en la etapa de “Se acabó la escuela” era una banda creíble por su agresivo estilo no exento de frases lapidarias y provocadoras recreaciones de lo cotidiano más oculto, pero que estaba y sigue estando a la vuelta de la esquina. La canción “School's out” se convirtió en uno de los himnos gamberros de la década de los setenta y un éxito de ventas que con el paso del tiempo no ha perdido su poder de provocación motivado por el desquiciado sonido de las guitarras y la voz de ultratumba de Alice Cooper. El diseño de la portada fue todo un acierto de Wilkes & Braun Inc al llegar en forma de viejo y marcado pupitre que al abrirse mostraba los objetos habituales de los escolares menos aplicados de la clase. Seguramente, Alice Cooper era uno de ellos que esperaría con inquietud el sonido liberador del timbre anunciador del final del horario escolar.

Canciones: “School’s Out”, “Luney Tune”, “Gutter Cat vs. The Jets”, “Street Fight”, “Blue Turk”, “My Stars”, “Public Animal #9”, “Alma Mater”y “Grand Finale”.

Músicos: Alice Cooper (cantante), Glen Buxton (guitarra), Michael Bruce (guitarra), Dennis Dunaway (bajo), Neal Smith (batería) y Ryan Gains (guitarra).

Otras portadas: Easy Action (1969), Love It the Death (1971), Killer (1971), Billion Dollar Babies (1973), Welcome to My Nightmare (1975), From the Inside (1978) y Trash (1985).

 Meet The Temptations (Tamla Motown). Primer larga duración de The Temptations, uno de los grupos de primera división de la discográfica Tamla Motown, como fueron también The Miracles, The Supremes, Four Tops o The Marvelettes. Después de seguir la senda habitual de las bandas vocales surgidas a finales de la década de los 50 en torno al doo-woop y el gospel, y tras la grabación de los sencillos de rigor, The Temptations entraban con buen pie en el terreno de las listas de éxitos discográficos tras la salida al mercado de su estreno en el formato de 33 revoluciones por minuto en el año 1964. El LP recoge una docena de canciones en las que destacan sin duda las voces diferenciadas de cada uno de los cinco miembros del grupos, quienes producían excelentes armonías donde tenían cabida desde baladas a canciones más ásperas a nivel literario, aunque también los componentes de The Temptations estaban dotados físicamente para aguantar el directo de las continuas giras que realizaban por cientos de escenarios de ciudades de Estados Unidos.

Canciones: “The way you o the things you do”, “I want a love i can see”, “Dream come trae”, “Paradise”, “May i have this dance”, “Isn’ t she pretty”, “Just leg me know”, “Your wonderful love”, “The further you look, the less you see”, “Check yourself”, “Slow down heart” y “Farewell my love”.

Miembros: Melvin Franklin, Eddie Kendricks, Paul Williams, Otis Williams y David Ruffin.

Otras portadas: The Temptations With it Would Rain (1968), Cloud Nine (1969), Puzzle People (1969),All Direction (1972), Masterpiece (1973), House Party (1975) y Wing of Love (1976).

The Honeycombs (Pye). En pleno apogeo de la beatlemanía y el asalto a las listas de éxito por parte de los grupos británicos, en 1964 aparece un quinteto atípico, The Honeycombs, producido por el lunático Joe Meck (autor del éxito instrumental “Telstar”, de The Tornados) que suena a pop de guitarras limpias, voces sin estridencias, coros ajustados y algún teclado. The Honeycombs en la primera mitad de los sesenta era uno de los muchos grupos en busca de un lugar preferente en el entonces cambiante mercado discográfico, donde su paso sería fugaz aunque con un sencillo de oro “Have i the right?”, número en junio de 1964 en la lista de éxitos del Reino Unido. Sin embargo, las buenas formas de este quinteto con mujer a la batería incluida no impidieron que al poco tiempo la banda quedase en el olvido ante la avidez de un público cada vez más abierto a otras propuestas alejadas del denominado beat inglés. A comienzos de los ochenta se reeditaría el primer disco de The Honeycombs, cuya portada era un referente estético para los cientos de grupos que tras el revulsivo del punk apostaban por las canciones de no más de tres minutos.

Canciones: “Colour slide”, “Once you know”, “Without you it is night”, “That? S the way”, “I want to be free”, “How the mighty have fallen”, “Have I the right?”, “Justa a face in the crowd”, “Nice while it lasted”, “Me from you”, “Lesie Snne””, “Shés too way out”, “Ain’ t necessarily sso” y “This too shall pass away”.

Músicos: Denis D’ell (cantante), Allan Ward (guitarra), Martin Murray (guitarra rítmica), John Lantreee (bajo) y Money Lantree (batería).

Otras portadas: Here are the Honeycombs (1964) y All Systems Go (1965).

The London Howlin’ Wolf Sessions (Chess). El bluesman Howlin’ Wolf viajó a comienzo de los setenta a Londres para grabar unas sesiones discográficas con jóvenes músicos ingleses que admiraban su estilo. Howlin’ Wolf ya había sido bien recibido en el Viejo Continente, como pasó con otros músicos negroamericanos (Big Bill Broonzy, Sonny Boy Williamsom II, Muddy Waters, Memphis Slim, Champion Jack Dupree, Big Mama Thornton, Bo Diddley o Chuck Berry). El viejo “lobo” estuvo muy bien acompañado por reconocidos músicos de rock que en sus comienzos tuvieron como enciclopedia el blues. El resultado fueron varias canciones del propio cantante, guitarrista y armonicista de Misisipi que entonces tenía 60 años y presentaba un claro deterioro físico que un lustro después le llevaría a la tumba. A pesar de todo, el disco presenta algunas piezas interesantes y un cuidado apoyo instrumental, que no evitan que las sesiones londinenses pierdan en la comparación con otros discos más frescos a pesar de haber sido grabados casi 20 años atrás. La portada del disco sin embargo ofrece un inspirado trabajo gráfico en el que se puede identificar a Howlin’ Wolf en compañía de sus admiradores británicos sentados en una conocida plaza de Londres.

Canciones: “I Ain't Superstitious”, “Sittin' On Top Of The World”, “Built For Comfort”, “The Red Rooster (Rehearsal)”, “The Read Rooster”, “Highway 49”, “Cause Of It All”, “Poor Boy”, “Commit A Crime”, “Wang Dang Doodle”, “Do The Do”, “Worried About My Baby”, “Rockin’ Daddy”, “What A Woman!” y “Who's Been Talking?”.

Músicos: Howlin’ Wolf (voz, guitarra acústica guitar y armónica), Eric Clapton (guitarra), Hubert Sumlin (guitarra); Jeffrey M. Carp (armónica), Joe Miller, Jordan Sandke y Dennis Lansing (sección de viento), Steve Winwood (piano y órgano), Ian Stewart, Lafayette Leake, Phil Upchurch y John Simon (teclados), Bill Wyman y Klaus Voorman (bajo); Ringo Starr (batería) y Charlie Watts (batería y percusión).

Otras portadas: Moanin’ in the Moonlight (1959), Rockin’ chair (1962), The Legendary Sun Performers (1977) y Chester Bunertt A/K/A Howlin’ Wolf (1982).

Survival (Capitol Records). El grupo Grand Funk Railroad se encontraba en 1971 en su mejor etapa con una formación básica: guitarra, bajo y batería, que tan buenos resultados había dado a la industría discográfica con formaciones como Experiencie de Jimi Hendrix, Cream, ZZ Top o Taste. Sin embargo el  combo de Michigan, liderado por Mark Farner, no llegaba al virtuosismo de los guitarristas de los conjuntos antes citados, pero poco importaba, pues a comienzos de la década de los setenta, GFR vendía millones de discos y llenaba grandes auditorios en su país de origen. La portada ideada por su productor Ferry Knight definía muy bien el rock troglodita de Gran Funk cuyos miembros aparecen fotografiados como cavernícolas en su guarida. La música de este tercer disco del entonces trío, un año después entraría el teclista Craig Frost, mantuvo la línea de anteriores grabaciones, es decir rock duro sin grandes alardes instrumentales, mediante piezas compuestas por Mark Farner, excepto las versiones de “Feelin’ Alraigth”, de David Mason, y “Gimme Shelter”, de Jagger y Richard. Ambas canciones eran habituales en las actuaciones en directo de Gran Funk Railroard, uno de los grupos pioneros de rock duro.

Canciones: “Country Road”, “All You’ ve Got is Money”, “Comfort Me”, “Feelin’ Alright”, “I Want Freedom”, “I Can Feel Him in the Morning” y “Gimme Shelter”.

Músicos: Mark Farner (guitarra, armónica y voz), Mel Schacher (bajo) y Don Brewer (batería).

Otras portadas: Live album (1970), E Pluribus Funk (1971), We’re an American Band (1973), Caught in the act (1975) y Bosnia (1997).

Ram Jam (Epic Records). El cuarteto Ram Jam comenzó su corta andadura discográfica durante el año 1977 en New York cuando en esta ciudad se estaba asentando otra renovación generacional en el rock por parte de bandas procedentes del punk y la nueva ola. Sin embargo, Ram Jam con su éxito “Black Betty” insistía en el trillado estilo del rock duro a la americana que entonces comenzaba a decaer, salvo algunas excepciones. El primer disco que lleva el nombre del grupo ofrece una excelente colección de canciones entre el “hard”, el blues rock y la influencias de los Rolling más auténticos. Los componentes del cuarteto afincado en New York estaban curtidos en el ambiente musical, algunos de los miembros llegaron a grabar en los sesenta en grupos incluidos en la moda psicodélica y el soul, pero todo eso quedaba muy lejano en el tiempo. Ram Jam se puso en marcha con su canción estrella basada en una composición de Leadbelly que llegó a los discos más vendidos de las listas de éxitos. El cuarteto volvió a grabar pero el segundo disco sirvió solo para cerrar su efímero ciclo a pesar de las buenas intenciones de sus miembros que quedaron marcados por la machacona pero eficaz “Black Betty. La portada del disco corresponde a Stanilaw Zagorski, un polifacético artista que dio una ambientación entre onírica y fantástica a la carátula.

Canciones: “Black Betty”, “Let It All out, Keep Your Hands on the Wheel”, “Right on the Money”, “All For The Love of Rock 'N Roll”, “404”, “High Steppin’, “Overloaded”, “Hey Boogie Woman” y “Too Bad on Your Birthday”.

Músicos: Peter Charles (batería), Bill Bartlett (guitarra y voz), Howie Blauvelt (bajo y voz) y Myke Scavone (cantante y percusión).

Otras portadas: Portrait of the Artist As a Young Ram (1978).

A Maid in Bedlam (Guimbarda). El guitarrista británico John Renbourn tras sus experiencias en el grupo Pentangle, en solitario y a dúo con su colega Bert Jansch, decidió organizar un nuevo grupo con cuatro personas más, entre ellas su compañera de anteriores experiencias musicales, la excelente cantante Jacquie McShee. En la segunda mitad de la década de los 70 nacía en el Reino Unido The John Renbourn Group con un singular planteamiento musical por parte del guitarrista londinense a la hora de componer, a pesar de incluir alguna que otra pieza tradicional. Guitarras acústicas, flautas, violín y percusión india constituían las novedades de este disco grabado en 1977, una agradable sorpresa para los seguidores de la música folk de las Islas Británicas. En esta ocasión el prolífico Renbourn acierta plenamente en su acercamiento al mestizaje musical que se percibe en “A Maid in Bedlam”, donde la voz solista de Jackie MsShee es una de las partes destacadas del disco, sin menospreciar a los restantes integrantes del grupo. La portada en la línea de mezcla de pinturas barroca, simbolista y victoriana pertenece a Graves y Colin Dresner.

Canciones: “Black Waterside”, “Nacht Tanz / Schaeffertanz”, “A Maid in Bedlam”, “Gypsy Dance/Jews Dance”, “John Barleycorn”, “Reynardine”, “My Johnny Was A Shoemaker”, “Death and the Lady”, “The Battle of Augrham/ In A Line” y “Talk About Suffering”.

Músicos: John Renbourn (guitarras y voz), Tony Roberts (flauta, oboe, piccolo y voz), Jacqui MsShee (cantante), Sue Draheim (violin y voz) y Keshav Sathe (tabla y finger cymbals).

Otros portadas: Faro Annie (1971), The Black Balloom (1979), The Enchanted Gardem (1980), Live in America (1980) y Ships of fools (1988).

Trópicos (Edigsa). Sexto disco del uruguayo Daniel Viglietti que fue grabado en Cuba por el cantautor con el Gupo de Experimentación Sonora del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos en 1973. La cara A del larga duración incluye cinco canciones de compositores brasileños (Chico Buarque, Augusto Boal, Edu Lobo y Gianfrancesco Guarneri) y la cara B recoge cinco composiciones de representantes de la nova trova cubana: Noel Nicola, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés. Trópicos constituye sin lugar a duda uno de los mejores discos de canción de autor de su tiempo tanto por los textos como por la música, motivos por los cuales se ha convertido en un clásico de la canción latinoamericana. Un disco que con los años no pierde vigencia, al revés gana en actualidad por esos textos sinceros que buscan la claridad de ese sol pintado en la carátula de Trópicos del que decía Daniel: “Sol que toca las heridas, las risas, la mano que acaricia y la mano que golpea, la pobreza que lucha y la riqueza que oprime. Cruzando los trópicos, las nubes, los árboles, nada lo detiene. Ni la noche, por cerrada, por larga que sea. El sol en nuestros ojos, nuestros ojos en la luz, siempre buscando la claridad. El escritor uruguayo Mario Benedetti afirmaba sobre su compatriota en relación con este disco: “En el texto de Trópicos, Viglietti lo dice acerca del sol; pero también sus propias canciones buscan la claridad, quizá por eso, como ese mismo sol del trópico, tocan también todas las heridas”. El diseño gráfico de ese sol tan omnipresente en Trópicos corresponde Miguel Bresciano.

Canciones: “Dios le pague”, “Yo vivo en un tiempo de guerra”, “Acalanto”, “Upa negrito”, “Comienzo el día”, “Existen”, “Canción del elegido”, “Pobre del cantor” y “Un hombre se levanta”.

Músicos: Leo Browner (dirección), Carlos F. Averhof (flauta, saxos soprano y tenor), Genaro García (flauta), Ana Besa (oboe), Lucas de la Guardia (clarinete), Pablo Menéndez (guitarra eléctrica y trombón), Chappotin (trompeta), Sergio Vitier (guitarra), Emiliano Salvador (piano y órgano), Eduardo Ramos (bajo eléctrico), Leo Pimentel (batería), Norberto (percusión) y Conjunto Vocal de Experimentación Sonora.

Otras portadas: Canciones folklóricas y seis impresiones para canto y guitarra (1963), Hombres de nuestra tierra (1965), Canto Libre (1970), Por ellos canto (1984), A dos voces (1985) y Esdrújulo (1993).

Boogie With Canned Heat (Liberty). Segundo disco del grupo Canned Heat con el cual gana adeptos no sólo entre los seguidores del blues eléctrico y boogie sino también entre los aficionados al rock psicodélico. Una prueba de ese rock ácido tan aclamado en los sesenta es la canción "Marie Laveau", del guitarrista Henry Vestine (1944-1997). En algo se tenía que notar su paso por las "Madres del invento" de Zappa. Sin renegar del estilo que siempre adoraron, los componentes de Canned Heat no se limitaron a versiones de clásicos porque demostraron que, además de músicos, eran compositores. En este álbum, la mayoría de las piezas pertenecen a Hite, Wilson, Taylor y demás miembros del entonces quinteto, aunque entre las ajenas está recogida una versión de “On The Road Again”, quizá la más famosa en toda la carrera de Canned Heat, y todo un himno de la generación de Woodstock, en cuyo festival tocaron Hite y compañía como anteriormente hicieron en el también histórico de Monterrey en plena explosión de la contracultura. La colorista portada de la compañía discográfica Liberty en España fue sustituida por una sugerente y simbólica composición en blanco y negro alusiva al nombre del grupo, editada por United Artists Records, que era la contraportada de la carátula original de Liberty.

Canciones: “Evil Woman”, “My Crime”, “On The Road”, “World In A Jug”, “Turpentine Moan”, “Whisky Headed Woman nº 2”, “Amphetamine Annie”, “An Owl Song”, “Marie Laveau” y “Fried Hockey Boogie”.

Músicos: Alan “Blind Owl” Wilson (guitarra, armónica y voz), Larry “The Mole” Taylor (bajo), Henry “Sunflower” Vestine (guitarra), Aldolfo "Fito" Dela Parra (batería), and Bob “The Bear” Hite (cantante). Colabora: Sunnyland Slim (piano en “Turpentine Moan”).

Otras portadas: Future blues (1970), Live in Europe (1971), Historical figures and ancient heads (1972), One More Rivers Cross (1974) y Live at Topanga Corral (1976).



Hound Dog Taylor and the Houserockers (Alligator). Nacido en el estado de Misisipi, Hound Taylor (1917-1975), grabó su primer disco en 1971 cuando llevaba 35 años de músico profesional principalmente en la zona de Chicago. Con un sonido diferente a otros bluesmen, quizá más cercano a Elmore James por la utilización del slide y una singular forma de distorsionar los sonidos que sacaba de su guitarra, el veterano músico y cantante constituyó una sorpresa en el ámbito del blues con su presentación discográfica titulada “Hound Dog Taylor and the Houserockers”. La grabación incluyó 12 piezas, todas compuestas por Taylor, quien atrajo hacia su figura a personas poco receptivas al blues de siempre. Una prueba de su particular estilo está en la primera canción del disco “She’ es gone”. La fotografía de Meter Amft de la portada en tono sepia quizá signifique un homenaje a los pioneros del blues y una demostración del carácter alegre de Taylor. El mejor legado del instrumentista está presente en varias canciones intemporales que se escuchan con deleite muchos años después de su grabación. El reconocimiento tardío al guitarrista de la Telecaster no fue en vano.

Canciones: “She’s Gone Taylor”, “Walking the Ceiling”, “Held My Baby Last Night”, “Taylor’s Rock”, “It’s Alright Taylor”, “Phillips’ Theme”, “Wild About You Baby”, “I Just Can’t Make It”, “It Hurts Me Too”, “44 Blues”, “Give Me Back My Wig” y “55th Street Boogie”.

Músicos: Hound Dog Taylor (guitarra, slide guitarra y voz), Brewer Phillips (segunda guitarra) y Ted Harvey (batería).

Otras portadas: Natural Boogie (1973) y Beware the dog (1974).

Preflyte (Columbia). En 1973 se ponía la venta el disco Preflyte, un recopilatorio de material grabado por The Byrds en la etapa que el grupo se llamaba The Beefeaters (1964). Algunas de las canciones luego se incluirían en el primer disco oficial “Mr. Tambourine Man”. Preflyte ofrece un repertorio basado en el folk rock predominante de la escena musical californiana, aderezado con influencias del beat británico. “Rubber Soul”, de The Beatles, puede ser un ejemplo de lo que gustaba a McGuinn y compañía, aunque también en esta etapa inicial ya se atrevían a realizar versiones electrificadas de piezas de Bob Dylan como “Mr. Tambourine Man”, un hábito que continuó en el periplo musical de The Byrds hasta su disolución en los primeros años de la década de 1970. La portada de Preflyte ofrece un dibujo Barry Smith en la onda de Alex Raymond, padre de Flash Gordon, y de los héroes de Marvel. No hay que olvidar que The Byrds siempre fueron muy aficionados a incluir en sus canciones referencias al espacio: “Eigh miles”, “Mr. Spacemen o “Fifth Dimension”. En 1973 escuché “You showed me” en el programa radiofónico “Vuelo 605”, de Ángel Álvarez, luego vendrían “Mr. Tambourine Man”, “Here whitout you”, “I knew I’d want you”… Desde entonces “los pájaros” ocupan un lugar preferente en mi discoteca.

Canciones: “You showed me”, “Here whitout you”, “She has a way”, “The reason why”, “For me again”, “Boston”, “You movin”, “The airport song”, “You won’t have to cry”, “I knew I’d want you” y “Mr. Tambourine Man”.

Músicos: Roger McGuinn (guitarra y voz), Gene Clark (percussion y voz), David Crosby (guitarra y voz), Chris Hillman (bajo) y Michael Clarke (batería).

Otras portadas: Mr. Tambourine (1965), “Fifth Dimension (1966), Sweetheart of rodeo (1968), The Best of The Byrds (1972), The Byrds (1973) y The Byrds play Dylan (1980).

Suburbano (Guimbarda). El after punk estaba preparando el camino a la movida madrileña en la capital de España, donde, por otra parte, en el popular barrio de Vallecas un grupo de músicos sacaba al mercado su primer disco en 1979. Suburbano contaba en sus filas con gente curtida en toda clase de movimientos musicales y bastante concienciada políticamente. El disco formaba parte del inigualable sello discográfico Guimbarda, todo un reto que durante años ofreció lo mejor de la música popular de todo el mundo. Uno de sus descubrimientos fue este grupo madrileño que con el tiempo, a pesar de los cambios constantes en su formación, se convertiría en referencia de buena música, hasta el punto de acompañar a cantautores, componer bandas musicales para películas y participar en conciertos a favor de diferentes causas. Luis Mendo y Bernardo Fuster continúan en el siglo XXI con su grupo, adaptándose a los tiempos pero sin perder la compostura de su evidente calidad y buen gusto. El disco aparecía reseñado en el catálogo del primer aniversario de Guimbarda de la siguiente forma: “Primer disco de este nuevo grupo folk surgido en Madrid. Guitarras acústicas y eléctricas, violín, mandolina, flautas y percusiones son los instrumentos utilizados para sacar a flote melodías y danzas de distintos lugares así como composiciones propias”. La carátula del disco incluye un cuadro de Luis Eduardo Aute, a quien los miembros de Suburbano arroparon en varios discos y actuaciones en directo.

Canciones: “La muñeca pelona”, “Canción del silencio”, “Bailando bajo la mesa”, “El azul en tu pelo”, “La ventana”, “Carmen la Portuguesa”, “El baile de las ratas” y “La romería de San Andrés de Teixido”.

Músicos: Bernando Feurriegel Fuster (percusiones y voz), Michel Lacomba (flauta piccolo, bajo y voz), Rafael Puerta mandolina y violín), Luis Mendo (guitarra acústica y voz) y Lorenzo Solano (flauta, saxo soprano). Colaboran Luis Pastor, Luis Eduardo Aute, Quintín Cabrera, María Luisa de la Cruz y Jacinto.

Otras portadas: Marismas (1980), Danzas rotas (1982), Fugitivos (1993) y Ya no puedo parar (1994).
 

6&12 String Guitar (Tacoma). Veinteañero aún Leo Kottke presentaba en 1972 su tercer disco poniéndole el título de sus instrumentos musicales preferidos. Tres décadas después es un virtuoso que con los años se ha ganado el respeto de los amantes de la música con raíces tradicionales. Sin duda, en esta grabación Kottke recoge influencias de gentes del folk, blues, ragtime, jazz y country, aunque el guitarrista demuestra una personalidad inquieta avalada por la mayoría de los títulos que compuso para este álbum instrumental. 6&12 String Guitar es la evidencia de la consolidación del prolífico prolífico artista de Athens que eligió para la portada en blanco y negro el dibujo de un armadillo. Se agradece la inclusión de las notas escritas por el guitarrista para la contraportada, donde también comenta el origen de cada una de las 14 piezas. La carátula en España, disco que compré en los años 70 detrás de la Gran Vía madrileña, es diferente al predominar los colores amarillo y el rojo anaranjado. El dibujo del animal cambia y desmejora al ser una pobre imitación del original. Por último, como recalca el instrumentista: "Lo único que queda por decir es que la voz de Kottke no aparece en este álbum. Solo su guitarra".

Canciones: “The Driving of the Year Nail”, “The Last of the Arkansas Greyhounds”, “Ojo” , “Crow River Waltz”, “The Sailor’s Grave on the Prairie”, “Vaseline Machine Gun”, “Jack Fig”, “Watermelon”, “Jesu, Joy of Man's Desiring”, “The Fisherman”, “The Tennessee Toad”, “Busted Bicycle”, “The Brain of the Purple Mountain” y “Coolidge Rising Kottke”.

Músicos: Leo Kottke (guitarras de seis y doce cuerdas).

Otras portadas: Green House (1972), My feet are smiling (1973), Ice water (1974), Leo Kottke (1976) y Peculiaroso (1991).

 

Malo (Warner Bros.). Estreno en 1972 de la banda chicana Malo, liderada por el guitarrista Jorge Santana, que forma parte del movimiento musical con base en los ritmos latinos tan en boga en la primera mitad de los setenta, aunque sin dejar de lado rock, soul y otros estilos populares para artistas mestizos muy comprometidos en la búsqueda de sus raíces. Basta con echar una mirada a los títulos de este larga duración, Suavecito, Pana o Nena para saber en que dirección va el sonido de este numeroso grupo. Excelente trabajo de Malo que complementaba la labor de otras bandas parecidas que se movían por California, en concreto el área de San Francisco, como “Santana” y “Tower of Power”. Mucha percusión, sección de viento y como no guitarras encendidas para composiciones donde se colaban textos en español, todo un logro en el mercado americano. En aquella época, al otro lado de la costa estadounidense, también triunfaban los músicos adscritos al movimiento generado por el sello Fania que grababa discos de conocidos artistas latinoamericanos. La carátula del primer LP de Malo incluye una pintura del artista mexicano de origen español Jesús Enrique Helguera, conocido también como cartelista de la zona republicana durante la guerra civil española.

Canciones: “Pana”, “Just Say Goodbye”, “Café”, “Nena”, “Suavecito” y “Peace”.

Músicos: Jorge Santana (guitarra), Abel Zarate (guitarra y voz), Areclio García Jr. (cantante), Pablo Tellez (bajo), Richard Spremich (batería), Richard Kermode (teclados), Luis Gasca (trompeta, fluegelhorn y voz) y Roy Murray (trompeta, trombón, flauta y saxofón soprano). Colaboradores: Coke Escovedo (timbales), Víctor Pantoja (congas y bongos) y Richard Bean (timbales y voz).

Otras portadas: Dos (1972), Evolution (1973) y Ascensión (1974).

Moving Waves (Polydor). El segundo disco de Focus convertiría al grupo en una de las formaciones representativas del rock progresivo de los años setenta, sobre todo por el trabajo de su teclista y flautista Thijs Van Leer, quien con su peculiar voz y excelentes combinaciones de rock, jazz y música clásica daría forma a canciones inolvidables como “Hocus Pocus”, todo un himno de los setenta que abre la cara A de “Moving Waves”. Otro de los músicos básicos de esta formación holandesa era el guitarrista Jan Akkerman. A partir de esta grabación en cuya cara B se incluía una larga composición de algo más de 22 minutos, divida en cuatro partes, el cuarteto comenzaría un rápido ascenso al estrellato en competencia con diferentes combos que se movían en la corriente del denominado rock sinfónico. La carrera de Focus se desarrolló principalmente en el Reino Unido, donde fue grabado “Moving Waves, y desde donde fue lanzado al circuito internacional de giras por varios continentes. Tras seis años de trabajo, discos de estudio y en directo, actuaciones y colaboraciones con otros músicos, algunos de los componentes de Focus abandonarían, aunque en la mejor etapa del cuarteto, tanto Van Leer como Akkerman grabaron varios discos en solitario en los que demostraban sus inquietudes musicales y sus ganas de tocar material que no tenía cabida dentro de la formación. La portada con un fondo impactante corresponde Terence Ibbot. Focus tocó en 1974 en el Teatro Monumental de Madrid, actuación que seguí en los incómodos asientos del viejo recinto de la calle Atocha. A los pocos días de este encuentro con la banda holandesa compraba el disco “Hamburger Concerto”, uno de los mis preferidos dentro del llamado rock progresivo, como lo es también “Moving Waves”.

Canciones: “Hocus Pocus”, “Le Clochard”, “Janis”, “Moving Waves”, “ Focus II” y
“Eruption : a) “Orfeus-Answer-Orfeus”, b) “Answer-Pupilla-Tommy”, c) “Answer-The bridge”, d) “Euridice-Dayglow-Endless Road”, e) “Answer-Orfeus-Euridice”.

Músicos: Thijs Van Leer (órgano, harmonium, melotron, flautas alta y soprano, piano y voz), Jan Akkerman (guitarras eléctica y acustica y bajo), Cyriel Havermans (bajo y voz) y Pierre Van der Linden (batería).

Otras portadas: Focus III (1972), Live at The Rainbow (1973), Hamburger Concerto (1974) y Mother Focus (1975).
 

The Blasters (Slash Records). El grupo de los hermanos Alvin veía en las tiendas su segundo disco The Blasters (1981), el mismo nombre del quinteto que a comienzos de esa década constituyó una de las agradables sorpresas dentro de la escena musical californiana. La banda hundía sus raíces en la rica tradición de la música popular estadounidense: rock and roll, blues, jazz y country. Con tan efectivo bagaje, The Blasters consiguieron la excelente grabación que ha quedado como uno de los hitos del rock de los ochenta, muy por encima de los discos de docenas de bandas y solistas que habían apovechado la pasajera moda de imitar el sonido de la Sun Records. La portada del vinilo recoge la fuerza del grupo en directo representada por la cara contraída y sudorosa del cantante y guitarrista Phil Alvin, dibujada por Gustav Alsina. Su estilo se mantiene fresco con el paso del tiempo, incluso forma parte de rock con raíces que ha entrado fuerte en las preferencias musicales de un importante sector del público del siglo XXI, además de contar con un notable apoyo mediático. A pesar de la perecedera fama y los cambios, los Alvin han superado modas y continúan con su estilo de siempre, es decir sudando sobre el escenario y cantando canciones relacionadas con historias creíbles de carreteras, chicas, despedidas y emisoras de radios.

Canciones: “Marie, Marie”, “I'm Shakin'”, “Border Radio”, “American Music”, “So Long Baby Goodbye”, “Hollywood Bed”, “Never No More Blues”, “This Is It, Highway 61”, “I Love You So” y “Stop the Clock”.

Músicos: Phil Alvin( guitarra, armónica y voz), Dave Alvin(guitarra), John Bazz (bajo), Bill Bateman (batería), Gene Taylor ( piano), Lee Allen (saxofón) y Steve Berlin (saxofón).

Otras portadas: American Music (1980), Over There (1982) y Non Fiction (1983).

Silencio (Movieplay). En 1970 salía el larga duración titulado Silencio, del cantautor alicantino Adolfo Celdrán (1943), que incluía composiciones propias y otras, la mayoría, con textos de Jesús López Pacheco, Carlos Álvarez, Nicolás Guillén, León Felipe y B. Brecht. Dentro de la militante línea de lo que entonces se llamaba la nueva canción en castellano, Silencio rompía un poco la inercia de austeridad musical de dicho movimiento al incluir la colaboración en los arreglos y dirección de orquesta del argentino Carlos Montero, quien consiguió que el disco obtuviera el reconocimiento de la crítica musical. La portada recoge la obra “La reja” y el interior “Cinco minutos”, del pintor y grabador valenciano Juan Genovés (1930). La carátula corresponde a la etapa en que el artista levantino afincado en Madrid representa a multitudes acosadas, huyendo, muy en consonancia con el oscuro y opresivo ambiente del año que salió el disco de Celdrán, un hombre comprometido con la democracia en tiempos de dictadura, lo cual le causó muchos problemas a la hora de actuar, como pasó con otros colegas (Elisa Serna, Luis Pastor, Pablo Guerrero, Julia León, Enrique Morente…). Adolfo Celdrán continúa desarrollando las actividades de cantante y compositor, pero también hay que destacar sus facetas de productor de documentales, autor de obras dramáticas y escritor de poemas.

Canciones: A la voz de un pueblo, Canción de la novia del pescador, La cruzada de los niños, Doña María, ¡Qué pena!, La mala pesca, El sastre de Ulm, Canción de las 6 de la mañana, Canción del pescador, Canción bailable y Una canción.

Músicos: Adolfo Celdrán (guitarra y voz) y Carlos Montero (director de la orquesta).

Otras portadas: 4.444 veces, por ejemplo (1975), Al borde del precipicio (1976), Denegado (1977) y Homenaje a las víctimas del franquismo (1987). Bajo este último título se agrupan 4 discos de larga duración, donde intervienen intelectuales, artistas, cantantes y músicos de diferentes generaciones, entre ellos Celdrán.

Quah (Grunt). Disco de estreno en solitario del guitarrista Jorma Kaukonen, quien por aquel año 1974 ya estaba fuera de Jefferson Airplane , pero activo en Hot Tuna junto a su colega el bajista Jack Casady. Este primer disco de presentación, eminentemente acústico, se nutre de canciones tradicionales y blues, así como alguna composición de Tom Hobson, cantante que acompaña a Kaukonen en esta aventura en solitario. El guitarrista ya demostró desde sus comienzos artísticos interés por la utilización de instrumentos acústicos. El segundo disco de Jefferson Airplane, el mítico Surrealistic Pillow, contiene "Embryonic Journey", un instrumental que figura entre los clásicos del rock. Con anterioridad a comienzos de los sesenta se movió por la bahía de San Francisco como guitarrista acústico, incluso llegó a acompañar a una jovencísima Janis Joplin muy influenciada por el blues clásico. La portada del disco corresponde a la entonces esposa de Jorma, la artista sueca Lena Margareta Pettersson. La primera canción que escuché de Quah fue "Genesis", una de mis preferidas de todos los estilos, y que aparecía en el recopilatorio "Flight Log (1966-1976)". Con el paso del tiempo, tras mucho tiempo de búsqueda, pude conseguir en formato vinilo el primer larga duración de Kaukonen.

Canciones: "Genesis", I' ll be all right", "Song for the North Star", "I' ll Let You Know Before I Leave", "Flyng Clouds", "Another Man Done Gone", "I Am the Light of the world", "Police Dog Blues", "Blue Prelude", "Sweet Hawaiian Sunshine" y "Hamar Promenade".

Músicos: Jorma Kaukonen (guitarra y voz) y Tom Hobson (voz).

Otras portadas: Magic, live (1985), Too Hot to Handle (1985), Embryonic Journey (1994) y Too Many Years (1998).

Workingman’ s Dead (Warner). Quinto disco del grupo Grateful Dead que se adentra en un sonido más cercano al country mediante la utilización de instrumentos acústicos para canciones relativamente cortas en comparación con las ácidas improvisaciones de la banda en directo. El disco sale en mayo de 1970 y se convierte en uno de los más aclamados por la crítica y el público. Las emisoras de FM de aquella época descubrieron un excelente filón de canciones para emitirlas a través de las ondas, entre otras “Cumberland Blues”, utilizada a menudo en el repertorio en directo de la banda californiana. Esta pieza abre el disco de la gira por el Viejo Continente recogida en el doble “Europe’ 72”. En la composición colabora el habitual escritor de canciones para los Dead, Robert Hunter. La portada un tono sepia parece sacada de una escena del Oeste y pertenece al colectivo Mouse Studios. Jerry García y su gente grabarían en noviembre del mismo año “American Beauty”, más o menos en la misma línea que el disco anterior. No hay que olvidar que García siempre estuvo muy ligado a la música tradicional norteamericana, sobre todo al country, folk y bluegrass, como demostró en varios grupos en los que participó: “New Riders and the Purple Sage”, “Old & in the Way” y “Jerry García Acustic Band”, así como en sus discos en solitario y colaboraciones con músicos de diferentes estilos. Jerry, además de guitarrista creativo, tenía un particular estilo de tocar el pedal steel, incluso en discos que nada tenían que ver con el country, como “Blows Against the Empire”, de Paul Katner & Jefferson Starship, donde interviene en la canción “Have you seen the stars tonite”.

Canciones:“ Uncle John’s Band”, “High Time”, “Dire Wolf”, “New Speedway Boogie”, “Cumberland Blues”, “Black Peter”, “Easy Wind Hunter” y “Casey Jones”.

Músicos: Jerry García (guitar, pedal steel, piano y voz), Phil Lesh (bajo, guitarra, piano y voz), Bob Weir (guitarra y voz), Pig Pen (Ron McKernan) (armónica y voz), Mickey Hart (percussion) y Bill Kreutzmann (batería).

Otras portadas: Aoxomoxoa (1969), American Beauty (1970), Skeletons from the closet (1974), Blues for Allah (1975), Shakedow street (1978) y Deat set (1981).

 Slade Alive! (Polydor). Tercer disco de Slade, un grupo británico que en la década de los setenta vendió millones de sencillos que ocuparon los primeros puestos de las listas de éxito. Pero antes de su entrada triunfal en el reino del glam rock, donde llegaron a estar por encima de David Bowie, T. Rex o Sweet, habían transitado por el territorio de los "hooligans" de cabeza rapada. De su inicial etapa es este disco en directo, uno de los mejores del rock, sin duda, aunque sepa a poco su repertorio de siete canciones que se abre con el "Hear me calling", de Alvin Lee, líder en su día de la banda bluesy Ten Years After. Con un público entregado, el sonido sucio de Slade nada tiene que envidiar a otros grupos roqueros aclamados por la crítica. Se agradece además la voz cazallera del patillero guitarrista Noddy Holder. La reproducción sobre fondo rojo de la fotografía de Chris Walter demuestra la entrega del grupo sobre el escenario. Sonido básico e instrumentación ajustada, que en este Alive tenía como percusionista al público seguidor de este combo, con el tiempo encumbrado entre los más vendedores. Sus componentes mantuvieron ese halo de gamberros sin domar, a pesar de las lentejuelas y cambios de look posteriores. Sólo tres canciones de este disco en directo están firmadas por el cuarteto, el resto, además de la mencionada que inicia la actuación, son versiones dignamente interpretadas y para saltar hasta caerse, bueno la primera es un poco más lenta que las demás:"Darling be home soon", de Lovin Spoonful, compuesta por John Sebastian; "Get down with it", de Bobby Marchan", y "Born to be wild", popularizada por Steppenwoolf e incluida en la banda sonora de "Easy rider". Slade Alive! es un disco que no faltaba a comienzos de los setenta en cualquier fiesta para danzar, mover la melena y sudar, pues como decía más o menos un cantautor de la época: "bailar es bueno para el corazón y se fortalece la musculatura entera". Lo que hice a menudo con mis amigos Josechu, Feli, Moli y José Ángel.

Canciones: "Hear me calling", "In like a shot from my gun", "Darling be home soon", "Know who you are", "Keep on rocking", "Get down with it" y "Born to be wild".

Músicos: Noddy Holder (guitarra y cantante), Dave Hill (guitarra y voces), Jimmy Lea (bajo y voces) y Don Powell (batería).

Otras portadas: Slayed? (1972), Slade in flame (1974), Nobody' s fool (1976), Till deaf do us part (1981) y Keep your hands off my power (1984).

“Cantamos” (Epic-CBS). Séptimo disco del entonces cuarteto Poco, distribuido en 1975, para alegría de los seguidores de esta banda creada en Los Ángeles en 1968 por músicos procedentes de Buffalo Springfield (Richie Furay y Jim Messina). Este larga duración apareció en una época que otras bandas aprovecharon la veta comercial del country rock para convertirse en vendedores millonarios de discos, caso de The Eagles, cuyo bajista Randy Meisner estuvo en la primera formación de Poco. En Cantamos, el grupo mantiene su esencia musical aunque repetitiva con canciones de instrumentación acústica, otras más roqueras y algunas con orquestación, que pasarán desapercibidas para el público en general pero no para sus seguidores de siempre, quienes destacan las armonías vocales del combo, algo que no se le puede negar sobre todo cuando estaba Timothy B. Schmidt, con el tiempo miembro también de “las águilas”. El diseño y la ilustración de la carátula corresponden a Phil Hartmann, que incluye a los cuatro músicos en la trastienda de un añejo saloom del Oeste americano, donde ensayan canciones con instrumentos acústicos. Una original portada, pues para poder apreciarla al completo hay que sacarla de una carpeta adornado con dibujos indios.

Canciones: “Sagebrush Serenade”, “Susannah”, “Whatever Happened to Your Smile”, “High and Dry”, “Another Time Around”, “One Horse Blue”, “Western Waterloo”, “Bitter Blue” y “All the Ways”.

Músicos: Rusty Young (guitarra acústica, guitarra eléctrica, mandolina, dobro, banjo y pedal steel), Timothy B. Schmidt (bajo y voces), Paul Cotton (guitarras acústica y eléctrica y voces) y George Grantham (batería, percussion y voces).

Otras portadas: Pickin’ Up the pieces (1969), Deliverin’ (1971), From the Inside (1971) y Rose of Cimarron (1976).