“Stray Cats” (Arista). Tres norteamericanos en el Reino Unido a comienzos de los ochenta, Brian Setzer, Lee Rocker y Slim Jim Phantom, devolvieron credibilidad al rockabilly que periódicamente aparecía y rápidamente se esfumaba, como había ocurrido con los grupos y solistas británicos y estadounidenses de los setenta. El trío de la zona de New York conquistó al público inglés por su rock and roll agresivo más acorde con la época en que desarrollaron su sonido que con el de bandas y cantantes revivalistas. Con un repertorio en el que incluyen piezas propias de los componentes de Stray Cats, el grupo enseguida llegó a los oídos del público europeo con su primer elepé homónimo (1981) en el que participó como productor el veterano roquero Dave Edmunds. Algunas de las canciones del disco se convertirán en himnos de los nuevos amantes del rockabilly, algo emparentado con el punk, la new wave y, por qué no, también con los añejos ídolos de la Sun Records (el primer Elvis, por ejemplo) o los iconos Eddie Cochran, Gene Vincent y Dorsey Burnette. “Runaway Boys”, “Rock This Town” o “Rumble in Brighton”, de la cosecha de los gatos desacarriados, son algunas de las canciones que han quedado como representativas del nuevo rockabilly. El diseño de la carpeta del disco en la que aparece fotografiado el trío pertenece a Malcom Garret.

Canciones “Runaway Boys”, “Fishnet Stockings”, “Ubangi Stomp”, “Jeannie, Jeannie, Jeannie”, “Storm the Embassy”, “Rock This Town”, “Rumble in Brighton”, “Stray Cat Strut”, “Crawl Up and Die”, “Double Talkin’ Baby”, “My One Desire” y “Wild Saxaphone”.

Músicos: Brian Setzer (voz y guitarra), Lee Rocker (contrabajo) y Slim Jim Phantom (batería). Gary Barnacle (saxofón).

Otras portadas: Gonna Ball (1982), Ran’t Rave (1982), Rock Therapy (1986) y Blast Off! (1989).

“Shaka Zulu” (Warner Bros). Ladysmith Black Mambazo era un grupo conocido en los ambientes musicales africanos por su estilo “a cappella” que recogía canciones de la tradición zulú. Bajo la dirección de Joseph Shabalala, el grupo estaba formado por 10 hombres que grabaron en 1987 el elepé “Shaka Zulu” en Estados Unidos, apadrinados y producidos por Paul Simon, quien ya había tenido contacto con los sudafricanos en concreto cuando el compositor, cantante y músico de New Jersey registró el disco “Graceland”. En una etapa de difusión de la música africana en los circuitos musicales europeos y americanos, Ladysmith Black Mambazo constituyeron una revelación, sobre todo, por su calidad y su mensaje conciliador cuando todavía en el país de origen de la banda existía el apartheid. Canciones tradicionales, otras sobre la vida cotidiana y alguna pieza en inglés, calaron hondo en crítica y público de varios continentes, hasta el punto de que este disco consiguió el premio Grammy en el apartado de música popular. Desde entonces el grupo forma parte de los grandes relacionados con la música tradicional. Además su labor se amplía a la colaboración con conocidos grupos y solistas, así como la aparición de sus voces en bandas sonoras de películas de cine. La carátula del primer elepé más internacional de Ladysmith Black Mambazo, y preludio de lo que se llamaría música étnica, es obra del artista Peter Barret.

Canciones: “Unomathemba”, “Hello My Baby”, “Golgotha”, “King of Kings”, “Lomhlaba Kawunoni (The Earth Never Gets Fat)”, “How Long?”, “Ikhaya Lamaqhawe (Home of the Heroes)”, “Yibo Labo (These Are the Guys)”, “Rain, Rain, Beautiful Rain” y “Wawusho Kubani? (Who Were You Talking to?)”

Voces: Ldysmith Black Mambazo. Todas las canciones fueron compuestas por Joseph Shabalala.

Otras portadas: Induku Kethu (1984), Ulwandle Oluncgwele (1985), Inala (1986), Journey of Dreams (1988) y Unthombo Wamazi (1988).

“Greatest Hits” (London). Al Green (1946) es uno de los mejores representantes del soul sureño de Estados Unidos. La calidez de su voz y su falsete inconfundibles, así como su inspiración para componer, constituyen los principales valores a nivel artístico de este cantante del estado de Arkansas. Después de algunos discos imprescindibles de la música negroamericana de los años setenta, Green grabó en 1975 un elepé de grandes éxitos en el que se incluían algunos clásicos del soul como “Let’ s Stay Togheter”, “Call Me” o “Here I Am”, resaltados por un excelente acompañamiento instrumental con predominio de metal y sección rítmica. Con el paso del tiempo Green se convertiría en reverendo, pero esto no influiría mucho en su música, porque con el nuevo siglo volvería a grabar discos con la misma fuerza de sus mejores tiempos. En este caso, los seguidores de la música con alma recuperaban a un cantante en la línea de los grandes Sam Cooke, Otis Reding y Marvin Gaye, desaparecidos trágicamente y demasiado pronto. La portada de este grandes éxitos de Al Green incluye una fotografía del cantante en plan sexy hecha por Bob Levy.

Canciones: “Tired of Being Alone”, “Call Me (Come Back Home)”, “I’m Still in Love With You”, “Here I Am (Come and Take Me)”, “How Can You Mend a Broken Heart”, “Let’s Stay Together”, “I Can't Get Next to You”, “You Ought to Be With Me”, “Look What You Done for Me” y “Let’s Get Married”.

Músicos: Al Green (voz solista), Michael Allen (piano), Charles Hodges (órgano y piano) Archie Turner (piano) Howard Grimes (batería), Leroy Hodges (bajo), Mabon “Teenie” Hodges (guitarra), Jack Hole (trombón), Al Jackson, Jr. (bongos, congas y batería), Wayne Jackson (trompeta), Ed Logan (saxo tenor), James Mitchell (saxo barítono The Memphis Strings (cuerda), Willie Mitchell (arreglos de cuerda), Andrew Love Tenor (vocal) y Charles Rhodes (vocal).

Otras portadas: Back Up Train (1967), Green is Blues (1970), Get’ s Next to You (1971), Let’ s Stay Together (1972), I’ m Still in Love (1972), Call Me (1973), Livin for You (1973), Truth N’ Time (1978), The Christmas Album (1983) y Soul Survivor (1987).

“The 5000 Spirits or the Layers of the Onion” (Elektra). The Incredible String Band, mejor dicho Robin Williamson y Mike Heron grababan en el año1967 su segundo disco grande como grupo. En plena época de la psicodelia, este grupo británico de base folk captó la esencia de músicas en teoría exóticas que combinaban con estilos cercanos al folk y blues. Los dos músicos demostraban un notable dominio de instrumentos hasta entonces poco utilizados y procedentes de Asia y África. Solo algunos grupos y solistas famosos se atrevían a experimentar con sitares, tablas y otros instrumentos de percusión desconocidos para la mayoría seguidores del pop de los años sesenta. Aunque este tipo de sonido se pondría de moda hasta el punto que cualquier grupo con aspiraciones incluía el instrumento de turno que más convenía. Sin embargo, The Incredible String Band demostró una calidad y buen gusto insuperables por otros combos ingleses, pues Williamson y Heron avanzaron siempre con una base en la mejor tradición musical de las Islas Británicas. El diseño y trabajo artístico de la portada fueron llevados a cabo por Simon & Marijike, muy influenciados por la psicodelia y la estética mística procedente de Asía.

Canciones: “Chinese White” , “No Sleep Blues”, “Painting Box”, “The Mad Hatter's Song”, “Little Cloud”, “The Eyes of Fate”, “Blues for the Muse”, “The Hedgehog's Song”, “First Girl I Loved”, “You Know What You Could Be”, “My Name Is Death”, “Gently Tender” y “Way Back in the 1960's” Williamson 3:08

Músicos: Mike Heron (bajo, guitarra, armónica, viento, teclados y voz), Robin Williamson (flauta, guitarra, violín, batería, teclados, sitar, tamboura, gimbri, tiambales y voz), Licorice McKecnie (violín y teclados), John Hopkins (piano) y Somar (tabla y sitar).

Otras portadas: The Incredible String Band (1966), The Hangman’s Daughter (1968), Wee Tam (1968), Changing Horses (1969), The Big Huge (1969) y Be Glod for the Song Has No Ending (1970).

“Take A Heart” (PRT-Zafiro). The Sorrows era un grupo formado por jóvenes de Coventry, Strafford y Aberdeen que representaba la faceta más dura del pop británico en su mejor etapa, cuando los grupos del Reino Unido, con The Beatles al frente, eran recibidos tanto en el resto de Europa como al otro lado del Atlántico como innovadores dentro de la música popular de los años 60. Los miembros de The Sorrows, muy influenciados por el rhytm and blues, demuestran en su primer elepé de 1965 una tendencia al rock duro que llegaría otros grupos y en décadas posteriores alcanzaría un éxito masivo, sobre todo a partir de los setenta con las primeras bandas de “heavy”. Directos, agresivos y con potentes “rifss” de guitarras, acompañados por la potente voz de Don Fardon, la banda británica no llegó a ocupar el puesto de otras formaciones más afortunadas y de características parecidas. Sin embargo, el paso del tiempo dio la razón al quinteto de que algo estaba haciendo bien, porque canciones como “Take A Herat” o “I Don’ t Wanna Be Free” contienen la esencia del rock imperecedero. La portada del disco incluye una fotografía anónima de un grupo poco prolífico pero que es recordado por los seguidores del pop británico más auténtico.

Canciones: “Baby”, “No No No No”, “Take A Herat”, “She’ s Got The Action”, “How Love Used To Be”, “Teenage Setter”, I Don’ t Wanna Be Free”, “Don’ t Sing No Sad Songs For Me”, “Cara-lin”, “Whe Should Get Along Fine”, “Come With Me” y “Let Me In”.

Músicos: Don Maughn “Fardon” (voz), Philip (Phil) Packham (bajo), Wez Price (guitarra), Philip (Pip) Witcher (guitarra) y Bruce Finley (batería).


Otras portadas: Olds Songs, New Songs (1967) y Pink Purple, Yellow and Red (1987).

“Not Fragile” (Mercury). Los hermanos Bachman formaron el grupo canadiense que llevaba su apellido, formación conocida por un particular sonido guitarrero que consiguió hasta la segunda mitad de los setenta varios éxitos dentro del ámbito de las bandas de rock duro de Norteamérica. Con el antecedente de haber participado con anterioridad en The Guess Who, Randy Bachman dejó este grupo para reorientar su carrera, lo cual consiguió tras unos años de trabajo semianónimo y con la formación de la Bachman Turner Overdrive. Desde su primer disco homónimo, el cuarteto ya encaminaba sus pasos al estilo que tan buena acogida tendría en América y Europa, donde los Bachman con cada elepé siempre conseguían una o dos piezas impactantes. Not Fragile corresponde al año 1974, y al escuchar el disco se comprueba por dónde iba el hard-rock norteamericano. Como era habitual, la canción más comercial en este álbum fue “You Ain’ t Seen Nothing Yet”, aunque otras no pasaron desapercibidas como “Rooll on Down the Highway”, porque B.T.O. era un grupo que en sus comienzos ofrecía elepés aprovechables en la mayoría de las composiciones que contenían. El diseño de la carpeta de “Not Fragile” corresponde a Joe Kotleba y la parte artística de la misma a Jim Ladwig.

Canciones: “Not Fragile”, “Rock Is My Life, and This Is My Song”, “Roll on Down the Highway”, “You Ain’t Seen Nothing Yet”, “Free Wheelin’”, “Sledgehammer”, “Blue Moanin’”, “Second Hand” y “Givin’ It All Away”

Músicos: Randy Bachman (guitarra y voz), Robbie Bachman (percusión y batería), Blair Thornton (guitarra y voz), Frank Trowbridge (guitarra) y C.F. Turner (bajo y voz).

Otras portadas: Bachman-Turner Overdrive (1972), Bachman-Turner Overdrive II (1973), Four Wheel Drive (1975), Head On (1976), Freeways (1977), Street Action (1978), Rock n’ Roll Nights (1979) y Bachman-Turner Overdrive (1984).

“Rosalía de Castro” (Movieplay). El segundo disco del cantante, músico y compositor berciano Amancio Prada (1949) está dedicado enteramente a los versos de la universal poetisa gallega Rosalía de Castro, de quien en su primer elepé incluyó dos canciones de acuerdo con versos de la ilustre escritora. Amancio Prada en aquellos años de cambio constituyó un soplo de aire fresco para la canción en gallego, idioma que adoptó justo en el momento que se iba a producir una nueva orientación en la música popular de Galicia, tras la aparición en los sesenta del movimiento “Voces Ceibes”. Prada consiguió no pasar desapercibido con este disco de larga duración en el que se incluyen algunos de los versos más conocidos de Rosalía, además del reconocimiento de los paisanos de la poetisa a una voz alófona que, sin embargo, con el tiempo ahondaría en otros autores de la lírica gallega mediante canciones. Textos melancólicos, pero llenos de vitalidad, y una escueta instrumentación consagraron a Prada como uno de los cantautores más creíbles de la segunda mitad de los setenta. La carátula del disco recoge los retratos de Rosalía de Castro y su admirador.

Canciones: “Campanas de Bastabales”, “¡Pra Habana!”, “Cando era tempo de inverno”, “Mais o que ben quixo un dia”, “A xusticia pola man”, “Vamos bebendo”, “Adios rios, adios fontes”, “Paseniño, paseniño”, “¿Quén non xime?”, “Ya que de la esperanza”, “¿Qué pasa ao redor de min?” y “Corre o vento, o rio pasa”.

Músicos: Amancio Prada (voz y guitarra) y Eduardo Gattinoni (violoncelo).

Otras portadas: Vida e morte (1974), Caravel de caraveles (1976), Cántico espiritual (1977), Canciones de amor y celda (1979), Lelia Doura (1980), De la mano del aire (1984), Sonetos del amor oscuro (1986), A dama e o cabaleiro (1987) y Navegando la noche (1988).

“Stephen Stills” (Atlantic). Primer disco en solitario del tejano de nacimiento Stephen Stills que se puso a la venta en el año 1970, dedicado a Jimi Hendrix, el guitarrista que tocó en una de las piezas incluidas en este elepé “Old Times Good Times”. Con 25 años, Stills era un aventajado músico del rock tras su paso por varios grupos de fama en los sesenta y la colaboración en discos con otros instrumentistas de calidad. El estreno discográfico de Stephen resultó inmejorable, entre otros motivos, porque en diez canciones resume todas las influencias recibidas por el guitarrista hasta entonces. Además contó con la presencia de míticos personajes de la música rock asentados en la mayoría de los casos en California. El elepé recoge folk, blues, jazz, espiritual negro, rock y algún tímido apunte caribeño en las percusiones. La canción que abre el disco se grabaría de nuevo en directo con Crosby, Stills, Nash and Young, donde el tejano continuaría tocando mientras iba sacando otros discos en solitario. La fotografía de la portada del disco, donde aparece un Stephen Stills en pose folkie, fue realizada por el inimitable Henry Diltz.

Canciones: “Love the One You’re”, “Do for the Others” , “Church (Part of Someone)”, “Old Times Good Times”, “Go Back Home”, “Sit Yourself Down”, “To a Flame, Black Queen”, “Cherokee” y “We Are Not Helpless”.

Músicos: Stephen Stills (guitarra, órgano, Bajo, percusión, teclados, “drums steel” y voz), Jimi Hendrix (guitarra), Eric Clapton (guitarra), Booker T. Jones (órgano, teclados y voz), Calvin “Fuzzy” Samuels (bajo), John Barbata (batería), Richard Hayward (batería), Conrad Isadore (batería), Dallas Taylor (batería), Jeff Whittaker (conga), Sidney George (flautas y viento), Priscilla Coolidge, Rita Coolidge, David Crosby, Cass Elliot, Priscilla Jones, Claudia Lanier, Shirley Matthews, Graham Nash, Judith Powell, John Sebastian, Larry Steele Vocals, Liza Strike y Tony Wilson (voces).

Otras portadas: Stephen Stills (1971), Manassas (1972), Down on the road (1973), Stills (1975), Live (1975), Illegal Stills (1976), Thoroughafare Gap (1978), Rigth by you (1984) y Stills Alone (1991).

Asfalto (Chapa Records). Dentro de los grupos madrileños que comenzaron su andadura musical en los años setenta, Asfalto es, sin duda, uno de los que ha dejado grato recuerdo por su dedicación al rock tanto en directo como mediante la grabación de discos de larga duración. De los elepés no se puede pasar por alto el primero del grupo  que lleva su nombre. Con un sonido entre rock progresivo y pop de calidad, cuando cantar en español era una arriesgada aventura, Asfalto tuvo continuidad durante unos años con la lógica evolución hacía otros ritmos. De su primer larga duración (1978) quedan un buen número de canciones representativas del mejor del rock de los setenta. “Capitán Trueno”, “Ser urbano” y “Días de escuela”, por ejemplo, sonaron con fuerza en las efemes de las radios en plena transición democrática, reafirmando las posibilidades del rock nativo frente a la invasión anglosajona. Música directa sin caer en excesos del progresismo dominante de comienzos de los años setenta y textos comprometidos con la realidad, esparcen la esencia de la primera y mejor formación de Asfalto. La portada futurista, muy en la onda del cómic artístico de moda en aquellos tiempos, es una ilustración de Félix Bronchado.

Canciones: Ya está bien, Capitán Trueno, Ser urbano, Días de escuela, Todos los días, Quiero irme-La huida, Rocinante, La isla del amor y Emigrante.

Músicos: Lele Laina (guitarra eléctrica y voz), Julio Castejón (guitarra eléctrica y voz), José L. Jiménez (bajo y voz) y Enrique Cajide (batería).

Otras portadas: Al otro lado (1978), Ahora (1979), Déjalo así (1982), Más que una intención (1983), Cronophobia (1984) y Corredor de fondo (1986).

Canción: Capitán Trueno