“Nacha Pop” (Hispavox). El cuarteto madrileño Nacha Pop es sin duda uno de los mejores grupos de la música pop de los años ochenta en España que tras los iniciales comienzos en actuaciones, pone a la venta un elepé con una docena de canciones, algunas de ellas clásicas de aquella época, de la movida, según denominación de representantes de medios de comunicación. “Chica de ayer” y “Nadie puede parar” son auténticos himnos de su tiempo, que, a su vez, confirman las excelentes dotes para la composición del cantante y guitarrista Antonio Vega y también de Nacho G. Vega, quienes facturan a la vez una música dinámica. Una prueba son las piezas “Antes de que salga el sol” y “Eres tan triste”, representativas de un pop fresco y con mucho empuje, basado en guitarras limpias. Desde este primer disco grande, se pone de manifiesto el talento de Antonio Vega a la hora de crear canciones cargadas, en la mayoría de los casos, de melancolía, pero no como pose sino como algo sentido, es decir con sensibilidad. La carpeta de este elepé de estreno incluye en la portada una fotografía con los cuatro miembros del grupo, realizada por Juan Ramón Yuste.

Canciones: “Antes de que salga el sol”, “Lloviendo en la ciudad”, “Déjame algo”, “Chica de ayer”, “Sol del Caribe”, “50 Pop”, “Nadie puede parar”, “Cita con el rock and roll”, “Circo”, “Eres tan triste”, “Miedo al terror” y “Mujer de cristal”.

Músicos: Antonio Vega (guitarra y voz), Nacho G. Vega (guitarra y voz), Carlos Pascow (bajo) y Ñete (batería). Teddy Bautista (teclados).

Otras portadas: Buena disposición (1982), Más números, otras letras (1983), Dibujos animados (1985) y El momento (1987).

“The Year Of The Cat” (Arista). El escocés Al Stewart alcanza la cima de las listas de éxitos musicales con este año del gato (1976), después de bastante tiempo de buscar un hueco en el mundo del rock británico. Con un sonido entre acústico y eléctrico suave, de acuerdo con el folk británico de mediados de los sesenta, Al Stewart mantiene lo mejor de sí mediante canciones impactantes, entre otras la que da título al elepé y “On The Border”. Melodías deliciosas e instrumentación precisa con la presencia de instrumentos un tanto originales como el violín y el saxo, a los que se añaden arreglos de cuerda nada pretenciosos. Stewart no desprende tampoco de su faceta de cantautor, la cual adquiere una proyección más universal al adaptarse al eficaz acompañamiento musical protagonizado por relevantes instrumentistas. Destacan los guitarristas Peter White y Tim Renwick; los teclistas, Peter Wood y Don Lobster, y el violinista Bobby Bruce, quienes sobresalen en “Lord Greenville”, “Midas Shadow”, “San In Your Shoes”, “Broadway Hotel” o “One Stage befote”, en las cuales se nota la inspiración y el saber hacer musical de Al Stewart. La portada del disco constituye otro de los deliciosos trabajos de diseño del colectivo Hipgnosis, habitual en los discos de los años setenta del cantante escocés.

Canciones: “Lord Grenville”, “On the Border, “Midas Shadow”, “Sand In Your Shoes”, “If It Doesn’t Come Naturally”, “Leave It”, “Flying Sorcery”, “Broadway Hotel”, “One Stage Before” y “Year Of The Cat”.

Músicos: Al Stewart (guitarra, teclados y voz), Peter White (guitarra y teclados), Tim Renwick (guitarra), Peter Wood (teclados), Stuart Elliot (percusión, batería y voz), George Ford (bajo), Bobby Bruce (violin), Graham Smith (armónica), Marion Driscoll (percusión y triángulo), Phil Kenzie (saxofón), Don Lobster (teclados), David Pack (voz), John G. Perry (voz), Andrew Powell (cuerdas y arreglos de cuerdas) yTony Rivers & The Castaways (coros).

Otras portadas: Bedsitter Images (1967), Love Chronicles (1969), Orange (1972), Past, Present and Future (1974), Modern Times (1975), Time Passages (1978), Russians & Americans (1984) y Last Days of the Century Enigma (1988).

“Then Play On” (Reprise). Fleetwood Mac, tres guitarristas, un bajista y un percusionista en 1969, año de grabación de este elepé, orienta su música hacia direcciones distintas, además de colaborar por otro lado con músicos negros de Norteamérica para practicar el blues que esta banda tiene como bandera desde sus primeros años de formación. El líder Peter Green compone canciones y deja también a sus compañeros que se abran a un público variopinto emparentado con el pop en proceso de cambios durante el último año de la década de los sesenta. En este sentido, el también guitarrista de la banda, Danny Kirwan aporta cinco composiciones que van desde el ritmo caribeño de “Coming Your” Way” a la balada “Although The Sun Is Shining”. Por su parte, Peter Green, además de blues, “Show-Biz Blues, “Underway” y “Rattlesnake Shake”, incluye en otras “Closing My Eyes”, “Before The Beginning” y “O Well”, esta última una canción de casi nueve minutos en la que se relevan guitarras eléctricas y acústicas hasta llegar a un punto que semeja música clásica. El resto del elepé se completa con piezas“Searching For Madge”, “Fightinf for Madge” o “Like Crying”, que con el tiempo demuestran que “The Play On” se tiene merecido el puesto de álbum más recordado de los primeros Fleetwood Mac, luego vendrían los tiempos de “Rumours”, pero esa es otra parte diferente de la historia del grupo británico. La portada del disco se adorna con una pintura de Maxwell Armfield

Canciones: “Coming Your Way”, “Closing My Eyes”, “Showbiz Blues”, “My Dream”, “Underway”, “Oh Well”, “Although the Sun Is Shining”, “Rattlesnake Shake”, “Searching For Madge”, “Fighting for Madge”, “When You Say”, “Like Crying” y “Before the Beginning”.

Músicos: Peter Green (guitarra y voz), Danny Kirwan (guitarra y voz), Jeremy Spencer (guitarra y voz), John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería).

Otras portadas: Peter Green’ s Fleetwood Mac (1968), Mr. Wonderful (1968), English Rose (1969), Pious Bir Of Good O Men (1969), Blues Jam in Chicago (1969), Kill House (1970), Future Game (1971), Greatest Hits (1971) y Bare Trees (1972).

“Outlandos d’ Amour” (A&M). Disco de estreno del trio The Police, dos ingleses y un norteamericano que revolucionan la escena musical británica de finales de los setenta y comienzos de los ochenta, con su singular militancia en sonidos que van desde el punk a la nueva ola, pasando por el reggae. Estilo este último del que van a sacar mucho provecho en sus primeros álbumes, principalmente en el de presentación (1978), donde aparecen algunos clásicos que determinados críticos han incluido en el apartado de reggae blanco: “So Lonely” y “Can’t Stand Losing You”. En general, el grupo demuestra una profesionalidad por encima de la media de otros grupos de aquellos años de ebullición dentro de la música pop. La experiencia en distintas bandas, la buena producción y la capacidad para escribir canciones con gancho, pero que se entienden, son los principales poderes del trío que no renuncia al rock directo y básico. Pruebas de este último se concretan en los títulos “Next to You”, “Peanuts” y “Truth Hits Everybody”, aunque “The Police” brilla con fuerza también en tiempos más lentos, caso de la inolvidable “Roxanne”, y hasta se atreve con registros exóticos como “Masoko Tanga”. Los miembros del grupo aparecen en la portada mediante una fotografía de Janette Beckman. El diseño corresponde a Les May y Michael Ross se encarga de la dirección artística.

Canciones: “Next to You”, “So Lonely”, “Roxanne”, “Hole in My Life”, “Peanuts”, “Can’t Stand Losing You”, “Truth Hits Everybody”, “Born in the 50’s”, “Be My Girl” y “Masoko Tanga”.

Músicos: Sting (bajo y voz), Stewart Copeland (batería y voz) y Andy Summers (guitarra y voz).

Otras portadas: Regatta de Blanc (1979), Zenyatta Mondatta (1980) y Ghost In The Machine (1981).

“Area Code 615” (Polydor). El country tiene en la segunda mitad de la década de los sesenta un excelente auge gracias a que distintos solistas y grupos de rock demuestran un especial interés hacia esta música con raíces para interpretarla fielmente, reinterpretarla o bien para mezclarla con otros ritmos. Bob Dylan, Joan Baez, Jonhy Cash, Waylon Jennings, Kris Kristoffeson, The Byrds o Poco son algunos de los nombres que aparecen en la larga lista de artistas que no renuncian a la búsqueda de sus raíces en la música popular blanca de Estados Unidos. Igual hicieron destacados músicos de estudio residentes en la zona de Nashville (Tennessee) en 1969, conocidos por participar en la grabación de numerosos discos de famosos y famosas, hábito con el que continúan cuatro décadas después de la grabación de este “Area Code 615”, mismo nombre que eligieron los virtuosos instrumentistas. Su estreno discográfico queda como una deliciosa muestra de elegante ejecución de composiciones propias y ajenas. Destacan entre las segundas tres piezas de The Beatles (“Hey Jude”, “Lady Madonna” y Get Back”, una de Otis Redding “I’ve Been Living You” y otra de Bob Dylan “Just Like Woman”). Este último había grabado algunos de sus discos con la participación de miembros de esta superbanda que representa el mejor country rock también en las composiciones propias, en las que se combinan sin complejos instrumentos tradicionales (violín, steel, piano, armónica, banjo y dobro) con guitarras eléctricas, bajo, órgano y batería. Los miembros del grupo aparecen fotografiados en la portada por Bob Cato.

Canciones: “Southern Comfort”, “I’ve Been Loving You”, “Hey Jude”, “Nashville 9 - NY 1”, “Lady Madonna”, “Ruby”, “Crazy Arms”, “Get Back”, “Why Ask Why”, “Lil’ Maggie”, “Classical Gas” y “Just Like a Woman”.

Músicos: Kenneth A. Buttrey Drums (batería), Mac Gayden (guitarra), Ken Lauber (piano), Charlie McCoy (armónica), Wayne Moss (bajo y guitarra), Weldon Myrick (guitarra y steel guitar), Norbert Putnam (bajo), Buddy Spicher (violín), David Briggs (piano) y Bobby Thompson (banjo y teclados).The Goodlettsville (sexteto de cuerda).

Otras portadas: A Trip In The Country (1970).

“Pet Sounds” (Capitol Records). El contenido de este elepé consigue saltar las barreras generacionales y mantenerse como uno de los que más influye en músicos de diferentes ámbitos, hasta el punto de figurar entre los tres primeros discos de la música pop del siglo XX. “Pet Sounds”, grabado en 1966, con gran despliegue de músicos profesionales y orquestación al estilo de Phil Spector, incluye por mayoría absoluta composiciones de Brian Wilson, quien en sus anteriores álbumes ya dio muestras de buscar otras alternativas al sonido alegre y surfero de su grupo. Algo de rock, apuntes de folk, baladas intimistas y juegos de voces ejemplares, constituyen las principales garantías de este trabajado elepé de estudio. Para siempre quedan canciones como “Wouldn’t It Be Nice”, “You Still Believe In Me”, “I’m Waiting For The Day”, “Sloop John B”, “God Only Knows”, “I Know There’s An Answer”, “Here Today” y “I Just Wasn’t Made For These Times”. Considerado el antecesor del “Sgt. Pepper’ s Lonely Hearts Club Band, grabado en 1967 por los británicos The Beatles, “Pet Sounds” en el año de su lanzamiento no obtuvo el reconocimiento del público, pero con el tiempo se ha ido colocando entre las grabaciones fundamentales en la evolución del pop. La portada del elepé ofrece una fotografía de The Beach Boys, en el zoológico de San Diego (California), hecha por George Jerman.

Canciones: “Wouldn’t It Be Nice”, “You Still Believe In Me”, “That’s Not Me, Don’t Talk (Put Your Head On My Shoulder)”, “I’m Waiting For The Day”, “Let’s Go Away For A While”, “Sloop John B”, “God Only Knows”, “I Know There’s An Answer”, “Here Today”, “I Just Wasn’t Made For These Times”, “Pet Sounds” y “Caroline No”.

Músicos: Brian Wilson (órgano, guitarra, piano, teclados, voz y arreglos), Carl Wilson (guitarra y voz), Dennis Wilson (batería y voz), Mike Love (voz) y Alan Jardine (voz).
Arnold Belnick (violin), Chuck Berghofer (string bass), Hal Blaine (bongo, tambor y batería), Norman Botnick (viola), Glen Campbell (guitarra), Frank Capp (percusión, glockenspiel, campanas, tambor y vibrafono), Al Casey (guitarra), Roy Caton (trompeta), Jerry Cole (guitarra), Gary Coleman (bongos y tambor)] Mike Deasy Sr. (guitarra), Al DeLory (órgano y piano), Joseph DiFiore (viola), Justin DiTullio (violonchelo), Steve Douglas (clarinete, flauta y saxofón), Saxophone, Sax (Tenor), Jesse Erlich (violonchelo), Carl Fortina (acordeón), Ritchie Frost (percusión y batería), James Getzoff (violin), Jim Gordon (percusión y batería), Bill Green (flauta, percusión y saxofón), Leonard Hartman (clarinete, clarinete bajo y “horn (english)”, Jim Horn (flauta, Saxo tenor y saxo baritono), Paul Horn (saxo tenor), Harry Hyams (viola), Jules Jacob (flauta), Plas Johnson (percusión y saxofón), Carol Kaye (bajo), Barney Kessel (guitarra y mandolina), Bobby Klein (saxo tenor), Larry Knechtel (órgano), William Kurash (violín), Frank Marocco (acordeón), Gail Martin (trombón), Nick Martinis (batería), Terry Melcher (pandereta y voz), Bruce Johnston (voz), Mike Melvoin (“harpsichord”), Jay Migliori (clarinete, flauta, clarinete bajo y saxofón), Tommy Morgan (armónica), Jack Nimitz (saxo barítono), Bill Pitman (guitarra), Ray Pohlman (guitarra, mandolina y bajo), Don Randi (piano), Jerome Reisler (violin), Lyle Ritz (ukulele y “string bass), Alan Robinson (“french horn”), Joseph Saxon (violonchelo), Ralph Schaeffer (violín), Sid Sharp (violín), Billy Strange (guitarras), Ernie Tack (trombón bajo), Tommy Tedesco (guitarra acústica), Darrel Terwilliger (viola), Julius Wechter (tambor, marimba y percusión latina ), Jerry Williams (percusión) y Tibor Zelig (violin).

Otras portadas: Surfin’ Safari (1962), Surfín’ USA (1963), Surfer Girl (1963), All Summer Long (1964), Today (1965), Summer Days (And Summer Nights) (1965), Smiley Smile (1967), Friendo (1968), 20/20 (1969), Surf’ s Up (1971), Carl And Te Passions So Tough (1972), Holland (1973), The Beach Boys In Concert (live) (1973), 20 Golden Greats (1976), Love You (1977) y Keepin’ The Summer Alive (1980).

“Shake Your Money Maker” (Def American). El quinteto de Atlanta (Georgia), “The Black Crowes” comenzaba su andadura discográfica con un elepé en el que se ponía de manifiesto que en la década de los noventa tenía cabida el rock and roll duro, que, sin ser heavy, mantenía desde los años sesenta la atención de admiradores de diferentes edades. Los componentes de los “cuervos negros”, a pesar de su juventud, realizaron un excelente trabajo en su debut discográfico. Todas las composiciones, excepto una versión de Otis Redding, pertenecen a los hermanos Robinson, cantante y uno de los guitarristas respectivamente, quienes se adentran con fuerza en el espíritu del rock genuino de The Rolling Stones, Faces, Humble Pie, Aerosmith o The Allman Brothers Band. Boggie, hard, soul, blues-rock y rock and roll en estado puro, atizado por guitarras potentes y sinuosas, sección de ritmo machacona y teclados sureños (El ex-Allman, Chuck Leavel, toca los teclados en el disco), constituyen la base sonora de la banda. El repertorio incluye canciones que impactaron en su tiempo: “Twice as Hard”, “Jealous Again”, “Hard to Handle” y “She Talks to Angels”, entre otras, las cuales sirvieron para dar a conocer al grupo a nivel mundial como una de las grandes esperanzas del rock and roll. El diseño de la portada corresponde a Alan Forbes Artwork, con fotografía de Ruth Leitman.


Canciones: “Twice as Hard”, “Jealous Again”, “Sister Luck”, “Could I've Been So Blind”, “Seeing Things”, “Hard to Handle” Redding 3:08, “Thick N’ Thin”, “She Talks to Angels”, “Struttin’ Blues” y “Stare It Cold”.


Músicos: Chris Robinson (cantante), Young Rich Robinson (guitarra), Jeff Cease (guitarra), Johnny Colt Bass y Steve Gorman (batería y percusión). Chuck Leavell (órgano y piano), Brendan O’ Brien (varios instrumentos) y Laura Creamer (coros).


Otras portadas: Amorica (1994).

Al Alba (Ariola). La madrileña Rosa León con el tercer elepé en solitario mantiene su colaboración con Luis Eduardo Aute, de quien incluye la canción que da título a este disco y relacionada con los últimos fusilamientos del régimen de Franco. Rosa forma parte de las cantantes que comenzaron su andadura discográfica en la primera mitad de los setenta recogiendo las composiciones de otros autores, como del citado Aute o de la escritora argentina María Elena Walsh. De ella grabó para este disco Canción de cuna para un gobernante. La excelente voz de Rosa, llena de matices, que en este álbum está dominada por un tono melancólico, va desgranando los versos de diferentes escritores, poetas y cantautores, de acuerdo con la producción realizada por el escritor gaditano José María Caballero Bonald, que utilizó un acompañamiento musical predominantemente de orquesta. Rosa León va relatando penas, tiempos pasados que no fueron mejores, homenajes a poetas (Antonio Machado y Pablo Neruda) y recuerdos de amores. A los compositores mencionados hay que añadir los nombres de Jesús Munárriz, Aníbal Nazoa, Juan Carlos Núñez, Carlos Álvarez, José Luis García Sánchez, Jaime Gil Biedma y Caballero Bonald. La parte artística del disco se completa con una carátula consistente en un montaje fotográfico, sin firma de autor, en el que aparecen la cantante y un amanecer.

Canciones: Al alba, Hemos viajado juntos, Punto y raya, Alguna vez, Pétalo (A Pablo Neruda), Canción de cuna para un gobernante, Qué va a quedar de estos días, Era, Mañana de ayer, de hoy y La palabra más tuya (A Antonio Machado).

Músicos: Rosa León (voz), César Gentili (arreglos y dirección musical) y José María Caballero Bonald (producción).

Otras portadas: De alguna manera (1973), Cuentopos (1974), Oído por ahí (1976), Tiempo al tiempo (1978), Canciones para niños (1983), Amigas Mías (1986), Canciones para niños (1988), Paloma desesperada (1989) y ¡Ay Amor! (1992).

“Tres Hombres” (Warner Bros). La línea de los grandes tríos de música rock enlaza en Tejas con el grupo ZZ Top, que en sus comienzos orienta su repertorio hacia el blues. No hay que olvidar que el estado de la estrella solitaria es cuna de conocidos bluesmen y blueswomen (Blind Lemon Jefferson, Mance Libscomp, Ligntnin’ Hopkins, Jimmi Rodgers, T-Bone Walter, Big Mama Torton, Freddie King, Johnny Winter o Steve Rai Vaughan). Algunos de estos y de otros ilustres guitarristas, sin duda, inspiran a los miembros de ZZTop, quienes en su tercer larga duración de 1973 ofrecen un sonido fuerte sin apenas concesiones a los largos solos de guitarra tan en boga entre los militantes del blues-rock. “Tres Hombres” constituye una de las mejores grabaciones en estudio de los”zetas” cuando no se habían dejado crecer las barbas que les caracterizan desde hace años. El álbum recoge mucho blues, pero también hay boggie y rock duro que resaltan la afilada guitarra de Gibbons y la contundente sección de ritmo de Hill y Beard. Sin embargo, a pesar de la excelente colección de canciones todas compuestas por el trío, la más conocido es “La Grange”, muy inclinada hacia blues electrificado de John Lee Hocker. La carpeta diseñada por Bill Narum se completa con fotografías hechas por Galen Scout.

Canciones: “Waitin’ For The Bus”, “Jesus Just Left Chicago”, “Beer Drinkers & Hell Raisers”, “Master Of Sparks”, “Hot, Blue And Righteous”, “Move Me On Down The Line”, “Precious And Grace”, “La Grange”, “Shiek” y “Have You Heard?”.

Músicos: Billy Gibbons (guitarra), Dusty Hill (bajo) y Frank Beard (batería).

Otras portadas: ZZ Top’s First Album (1970), Rio Grande Mud (1972), Fandango! (1975), Tejas (1976), The Best of ZZ Top (1977), Degüello (1979), El Loco (1981), Eliminator (1983) y Afterburner (1985).

“Rockin’n At The Hops” (Zafiro). Chuck Berry, el auténtico padre del rock and roll, tiene sus raíces en el blues como se puede apreciar en este elepé grabado entre los años 1959 y 1960, en el cual el guitarrista, cantante y compositor negro, nacido el 15 de febrero de 1926 en San José California, expresa su sentimiento de bluesman eléctrico en el mejor sentido de la palabra, como los grandes de dicho estilo. “Worried Life Blues”, “Confessin’ The Blues” y “Driftin’ Blues” son los ejemplos más claros de la base musical de Chuck Berry, quien gracias al dominio que tiene de la guitarra puede sacarle notas que nada tienen que envidiar a las de los bluesmen más reconocidos. Chuck ofrece además en este disco rock and roll clásico “Bye, Bye Johnny” y “I Got To Find My Baby”, de su propia cosecha, el segundo con saxofón incluido, pero también en composiciones de otros músicos se muestra seguro al interpretar la música popular más rompedora de mediados de los cincuenta. Éstas son “Down The Road A Piece”, “Childood Sweetheart” y “Let It Rock” La influencia de otros géneros más bailables y livianos, que preparan el camino al pop de los sesenta, se aprecia en “Too Pooped To Pop” y “Broken Arrow”. Pero también hay un instrumental titulado “Mad Lad”, adelanto del “surf” que unos años después popularizarán grupos de músicos blancos. La portada del elepé es obrade Vartan y DZN. The Design Group.

Canciones: “Bye, Bye Johnny”, “Worried Life Blues”, “Down The Road A Piece”, “Confessin’ The Blues”, “Too Pooped To Pop”, “Mad Lad”, “I Got To Find My Baby”, “Betty Jean”, “Childhood Sweetheart”, “Broken Arrow”, “Driftin’ Blues” y “Let It Rock”.

Músicos: Chuck Berry (guitarra y voz), Johnny Jhonson (piano), Willie Dixon (bajo), Matt Murphy (guitarra), Eddie Hardy (batería), Fred Below (batería), L.C. Davis (saxo), saxofonista desconocido en las canciones “Too Pooped To Pop”, “I Got To Find My Baby” y Driftin’ Blues”. Vocalista desconocido en “Betty Jean”, “Childhood Sweetheart”, “Broken Arrow”, “Driftin’ Blues”.

Otras portadas: Rock Rock Rock (1957), After School Session (1958), One Dozen Berrys (1958), Chuck Berry Is On Top (1959), New Juke-Box Hits (1961), Chuck Berry On Stage (1963), Chuck Berry In London (1965), Fresh Berry’ s (1965), Berry In Memphis (1967), From St. Louie To Frisco (1968), Back Home (1970), The London Chuck Berry Sessions (1972), Chuck Berry 75 (1975) y Hail! Hail! Rock And Roll (1987).

“Siniestro Total” (Dro). Primer elepé del grupo de Vigo Siniestro Total, cuarteto de punk y una de las alternativas periféricas de principios de los años ochenta a la movida madrileña. Iconoclastas y nihilistas en sus textos para canciones de no más de dos minutos, Siniestro Total consiguió atraer el público menos ortodoxo del rock and roll, de ahí que su elepé de estreno“Cuando se come aquí”, editado en 1982 y grabado en la entonces independiente Dro, fuera aclamado como una de las grabaciones más representativas de la década de los 80. En total fueron 15 canciones de títulos graciosos que describen rápidamente problemas sexuales, odio al movimiento de las flores, burlas a los nuevos dictadores, situaciones surrealistas en las geografías más exóticas o la locura de la vida. En lo referente a la música, no hay grandes alardes, sencillamente se trata de divertirse. La carátula del elepé también entra en la órbita de lo incorregible al ofrecer a los miembros del grupo como si fueran los cuatro hermanos Dalton del cómic francés Lucky Lucke, pero dibujados por Óscar Mariné.

Canciones: “Todos los ahorcados mueren empalmados”, “Ponte en mi lugar”, “El cobrador loco”, “Fuera las manos chinas del Vietnam socialista”, “Las tetas de mi novia”, “La revista”, “Matar jipis en las Cíes”, “Hoy voy a asesinarte”, “Los esqueletos no tienen pilila”, “Juegas al Palé”, “Los chochos voladores”, “Los mártires de Uganda”,
“(Aunque esté en el frenopático) Te tiraré del ático”, “Nocilla, ¡qué merendilla!” y “Ayatolah!”.

Músicos: Julián Hernandez (batería y coros), Miguel Costas (guitarra y coros) y German Coppini (voz). Arreglos de cuerda en “Nocilla, ¡qué merendilla¡”: A.R. Reixa; solo de bombardino en “Las tetas de mi novia”: M.M. Romón, y marimbas africanas en “Los mártires de Uganda”: P. Pofuentes.

Otras portadas: El regreso (1983), Menos mal que nos queda Portugal (1984), Bailaré sobre tu tumba (1985), De Hoy no pasa (1987), Me gusta como andas (1988) y En beneficio de todos (1990).

“People Like Us” (EMI-Odeón). El cuarteto mixto The Mamas & The Papas se reunía en el año 1971 para grabar este elepé que no iba a tener continuidad, con lo cual el grupo sería recordado como lo que fue siempre una formación autora de canciones suaves, con buenas melodías vocales. Esto último se puede apreciar en el disco que Mama Cass, Michelle Phillips, Denny Doherty y John Phillips intentaron colocar en las listas de éxitos como los grabados un lustro atrás. Sin embargo, a comienzos de los setenta cada uno de los componentes de “mamás” y “papás” estaba más ocupados en la búsqueda de una orientación individual a sus respectivas carreras artísticas que en trabajos colectivos, tal como se podía comprobar en los casos de Mama Cass y John Phillips, los que más temprano demostraron su continuidad en la música, pero cada uno por su lado. “People Like Us”, disco de compromiso, para tantear la reunión y giras promocionales del cuarteto, incluye algunas canciones que recuerdan la etapa más inspirada del grupo: “People Like Us”, “Step Out”, “Grasshopper”, “Snowqueen of Texas, “Pearl” y “Wanna Be a Star. La composición en la mayoría de los casos corre a cargo de John Phillips, quien no logra en esta ocasión llegar a un público masivo como antaño. El sueño californiano se había terminado. La carátula del disco presenta a los cuatro miembros del grupo fotografiados por Henry Diltz.

Canciones: “People Like Us”, Pacific Coast Highway”, Snowqueen of Texas, Shooting Star, Step Out, Lady Genevieve, No Dough, European Blueboy, Pearl, I Wanna Be a Star, Grasshopper y Blueberries for Breakfast,

Músicos: Mama Cass (voz), Michelle Phillips (voz), Denny Doherty (voz), John Phillips (teclados y voz), Donald Peake(guitarra), Louie Shelto (guitarra), David T. Walker (guitarra), Joe Sample (teclados), Clarencie McDonald (teclados), Gary Coleman (pandereta, drums (steel) campanas, vibráfono y shaker), Ed Greene (batería), Bobbye Hall (conga, pandereta, shaker y cabasa), Jim Horn (flauta y saxofón), Tony Newton (bajo) y Earl Palmer (batería).

Otras portadas: If You Can BelieveYour Eyes And Ears (1966), The Mamas & The Papas (1966), Deliver (1967), The Papas & The Mamas (1970) y 20 Golden Hits (1973).

“Sailor” (Capitol Records). El área de San Francisco fue escenario en la segunda mitad de los sesenta de la presencia de nuevas bandas de rock que conectaban con la psicodelia y el denominado rock ácido. Entre dichas formaciones, estaba The Steve Miller Band que llevaba el nombre de su líder y principal guitarrista, un joven de 23 años, pero todo un veterano en la música junto a su compañero el también guitarrista Boz Scaggs. Sin renunciar a los estilos en boga, el grupo de Steve orientaba buena parte de su repertorio hacia el blues, pero desde un punto de vista heterodoxo. Esta predilección por la música norteamericana con raíces incluía la revisión de piezas de clásicos como Jimmy Reed (“You’ re So Fine”) o de negros más jóvenes que el bluesman citado, caso de Johny “Guitar” Watson, cuando no era conocido todavía por su apodo, de quien interpretaba en “Sailor” la canción “Gangster of Love”. El disco, segundo de la cosecha de la banda de Steve, se abrió con una introducción psicodélica muy en la onda de ese estilo promocionado hasta la saciedad en aquel año de 1968. Hay una sensible declaración de amor como “Dear Mary”, pero predomina el rock de afilados solos de guitarra: “My Friend”, “Living in the U.S.A.” o “Dime-A-Dance Romance”. Steve Miller seguiría con su particular visión de mestizaje musical sin el éxito de sus dos primeros elepés hasta la siguiente década cuando alcance el éxito de ventas. La portada de “Sailor” está firmada por el fotógrafo Tom Weir.

Canciones: “Song for Our Ancestors”, “Dear Mary” , My Friend”, “Living in the U.S.A.”, “Quicksilver Girl”, “Lucky Man”, “Gangster of Love”, “You’re So Fine”, “Overdrive” y “Dime-A-Dance Romance”,

Músicos: Steve Miller (guitarras, armónica, sintetizador, teclados y voz), Boz Scaggs (guitarra y voz), Jim Peterman (teclados), Lonnie Turner (bajo y guitarra) y Tim Davis (batería y voz).

Otras portadas: Children of the Future (1968), Brave New World (1969), Number 5 (1970), The Jocker (1973), Fly Like an Eagle (1976), Book of Dreams (1977), Circle of Love (1981), Abracadabra (1982) y Born 2B Blue (1988).

“Careful” (Capitol Records). La nueva ola musical azotó con igual intensidad la costa Este y Oeste de Estados Unidos, lugares en los que a partir de la segunda mitad de los años setenta surgieron centenares de grupos y solistas con aspiraciones a subir al olimpo de las estrellas de la música popular. De la zona próxima al Océano Pacífico, en concreto de la ciudad de Los Ángeles, lugar de origen de muchos de los combos militantes en el punk y otros movimientos alternativos del rock y el pop, procedían The Motels, una guitarrista y cantante, junto a cuatro experimentados instrumentistas. Esta formación conoció la fama gracias a canciones de elaborado pop-rock como el que abre el disco, la titulada “Danger”, con saxofón incluido, u otras como “Bonjour Baby” y “Days Are OK (But the Nights Were Made for Love)”. Melodías acertadas para voz femenina, solos de guitarras calculados, teclados y saxofón nada apabullantes, así como una eficaz sección de ritmo, constituyen los cimientos sobre los que se asienta el sonido de “Careful”, segundo elepé de The Motels, que resulta más elaborado que el disco de estreno del quinteto californiano. Uno de sus poderes estaba en su líder Martha Davis, también compositora, que resultaba creíble incluso en las canciones menos complacientes. La carpeta del disco está adornada con una ilustración de Duggie Fields.

Canciones: “Danger”, “Envy, Careful”, “Bonjour Baby”, “Party Professionals”, “Days Are OK (But the Nights Were Made for Love)”, “Cry Baby”, “Whose Problem?”, “People, Places and Things” y “Slow Town “.

Músicos: Martha Davis (guitarra y voz), Martin Jourad (teclados y saxofón), Michel Goodroe (bajo), Brian Glascok (batería y percusión) y Tim McGovern (guitarra).

Otras portadas: The Motels (1979), All four one (1982), Little Robbers (1983) y Shock (1985).

“Empty Glass” (Atco). Aclamado por diferentes generaciones como uno de los guitarristas más carismáticos del rock, el inglés Pete Townshend, miembro fundador de The Who, comenzaba la década de los ochenta con la evidencia de encontrarse en una situación complicada tras la muerte en 1978 del baterista Keith Moon, compañero de grupo, el cambio en los gustos musicales de los jóvenes y la decadencia creativa del legendario cuarteto británico. Pete para olvidar sus problemas, vuelve a retomar su carrera en solitario en 1980 con la grabación en Nueva York del disco “Empty Glass”, donde se puede decir que mantiene una línea parecida a lo que hacía entonces con los reformados Who. La canción que abre el disco “Rouge Boys” está dedicada a The Sex Pistols, entre otras personas, y demuestra que cuando se lo propone Townshend saca la energía que le caracteriza, aunque también se adentra en la melancolía “I Am an Animal” o en el pop convencional mediante piezas como “Keep on Working”. Los salvajes solos de guitarra de Pete no aparecen por ningún lado, aunque su dominio del instrumento es notorio, y son sustituidos por los teclados, lo cual le da un tono amable a este tercer elepé de Townshend, quien a veces recupera el tono más grandilocuente de su banda en los casos de “Cat’ s in the Cupboard” y “Empty Glass”. El diseño de la carátula del elepé está firmado por Bob Carlos Clarke.

Canciones: “Rough Boys”, “I Am an Animal”, “And I Moved, Let My Love Open the Door”, “Jools and Jim”, “Keep on Working”, “Cat’s in the Cupboard”, “A Little Is Enough”, “Empty Glass” y “Gonna Get Ya”.

Músicos: Pete Townshend (guitarra, sintetizador, teclados y voz), James Asher (batería), Mark Brzezicki (batería), Raphael Budd (metal), John “Rabbit” Bundrick (teclados), Tony Butler (bajo), Peter Hope-Evans (armónica), Kenney Jones (batería) y Simon Phillips (batería).

Otras portadas: Who Came First (1972), Rough Mix (1977), All The Best Cowboy, Have Chinesse Eyes (1982), White City. A Novel (1985), Pete Towashed’s Deep En Live! (1986).

“It Don’t Bother Me” (Earmark). El escocés Bert Jansch es uno de los guitarristas acústicos más influyentes en el ámbito del rock, tal como reconocen clásicos de este estilo como Donovan, Jimi Page o Neil Young, quienes en su juventud escucharon los valorados discos de Bert, entre ellos, seguro, este segundo elepé en solitario titulado “It Don’ t Brother Me”. Jansch lanzó a finales de 1965 un total de 14 canciones, todas compuestas por el guitarrista, menos una. La única ajena es “Lucky Thirteen”, de John Renbourn, guitarrista, amigo y compañero en Pentangle, una de las principales bandas del folk británico de los sesenta. El segundo larga duración destaca por la depurada técnica de Jansch para interpretar canciones de orientación folk, baladas intimistas, alguno que otro sentido blues y hasta una canción de connotaciones políticas: “Anti-Apartheid”. También se aprecia la influencia de la música tradicional estadounidense en “900 Miles”, pieza que interpretó al banjo. Quince años después de la edición de este disco, Bert Jansch realizó versiones nuevas de la piezas “Ring-A-Ding Bird” y “As The Day Grows Longer Now”, que fueron incluidas en el álbum “Sketches”. El diseño de la portada es original de Brian Shuel, que utiliza una fotografía hecha al guitarrista.

Canciones: “On My Babe”, “Ring-A-Ding Bird”, “Tinker’s Blues”, “Anti Apartheid”, “The Wheel”, “A Man I’d Rather Be”, “My Lover”, “It Don't Bother Me”, “Harvest Your Thoughts Of Love”, “Lucky Thirteen”, “As The Day Grows Longer Now”, “So Long (Been on the Road So Long)”, “Want My Daddy Now” y “900 Miles”,

Músicos: Bert Jansh (guitarra acústica, banjo y voz) y John Rebourn (guitarra acústica en “My Lover” y “Lucky Thirteen”.

Otras portadas: Bert Jansch (1965), Jack Orion (1966, Nicola (1967), Birthday Blues (1969), Rosemary Lane (1971), Moonshine (1973), L.A. Turnaround (1974), Santa Barbara Honeymoon (1975), Rare Conundrum (1977), Avocet (1979), Thirthen Down (1980), Heartbreak (1982), Front the Outside (1985), Leather Launderette (1989), Sketches (1990) y The Ornament Tree (1990).

“Vallecas” (Movieplay). Extremeño de nacimiento, vecino de la popular Vallecas, Luis Pastor, es el cantante insobornable que ha sabido evolucionar desde sus comienzos, en la década de los setenta, sin perder la esencia del cronista del tiempo que le toca vivir y sin caer en la autocomplacencia de la estrella de brillo efímero. En 1976 dedicaba un disco a su barriada de adopción, “Vallecas”, toda una ciudad en la gran capital, punto de partida de muchas luchas por la libertad. Con el apoyo en textos de diferentes escritores, como Jesús López Pacheco, León Felipe, Octavio Paz y Mario Benedetti, Luis le canta a la primavera, a los exiliados, al proletariado, al amor en tiempos de guerra, pero también pone música en compañía de un grupo de amigos, entre los que figuran los portugueses Fausto y Vitorino, así como destacados instrumentistas de jazz y rock y cantantes imprescindibles como Elisa Serna y Pablo Guerrero. Con semejante plantel de colaboradores no es de extrañar que “Vallecas” vaya más allá del disco de autor encorsetado en un estilo oportunista, al contrario varias de la canciones del elepé mantienen su frescura porque, como se decía en la presentación del disco, “los cantos, a veces, han de arañar los huesos y es correcto. La realidad lo hace”. Eso hace cualquiera de las piezas grabadas para “Vallecas”, desde la inicial “Coro de la primavera” a la que cierra el álbum: “Vamos juntos”. La carátula del elepé recoge un dibujo de Pedro Sánchez.

Canciones: “Coro de la primavera”, “Dos canciones para un gesto”, “Canción del exilio”, “Quisiera ser un verso manchado”, “Cancioneta”, “Vengan a ver”, “Nanas”, “Amar es combatir”, “Villancico para Rafael Alberti” y “Vamos juntos”.

Músicos: Luis Pastor (guitarras acústica y española, efectos y voz), Jean Pierre Torlois (guitarras acústica y eléctrica, mandolina y autoarpa), Carlos Llorente (flauta y percusión), Miguel Ángel Chastang (contrabajo y bajo eléctrico), Vitorino (acordeón, adufe, piano y voz), Fausto (percusión, palmas y voz), Elisa Serna (voz y palmas), Pablo Guerrero (voz y palmas) y Francis Maniglia (voz y palmas).

Otras portadas: Fidelidad (1975), Nacimos para ser libres, Amanecer (1981), Coplas del ciego (1983), Nada es real (1985), Por la luna de tu cuerpo (1986) y Agua abril (1988).

“Pedaços” (EMI-Odeon). La cantante Simone se convirtió en una de las más firmes representantes femeninas de la música popular brasileña al ser reconocida fuera de su lugar de origen, en los países de habla hispana por la canción “Começar de Novo”, compuesta por Ivan Lins y Vítor Martins, que formaba parte de la telenovela “Malú mujer”, y a nivel internacional por “Sob Medida, de Chico Buarque, de la banda sonora de la película “República dos Assasinos”, dirigida por Miguel Faria. Pero en el disco, editado en 1979, la cantante de Bahía afincada en Sao Paulo recurrió también a piezas escritas por otros reconocidos compositores de Brasil: Milton Nascimento, Fátima Guedes o Sueli Guedes, quienes pusieron letras a ritmos que representaban el movimiento de la bossa nova y la “saudade” del choro, aunque aparecen además alguna canción estandar y baladas de orientación pop, todas ellas reforzadas por el trabajo de un nutrido grupo de instrumentistas y cantantes de ambos sexos que aportan el mestizaje de una de las músicas más representativas del continente sudamericano. El diseño de la carpeta del elepé corresponde a Noguchi con fotografía de Fernando Carvalho.

Canciones: “Começar de Novo”, “Sob Medida”, “Povo da Raça Brasil”, “Condenados”, “Cordilheira”, “Outra Vez”, “Vento Nordeste”, “Saindo de Mim”, “Tô Voltando”, “Itamarandiba” y “Pedaço de Mim”.

Músicos: Gilson Peranzzetta (pianos acústico y eléctrico, órgano, sino y acordeón), Ivani Sabino (bajo), Jamil Joanes (bajo), Alemao (Olmir Strocker) (guitarra), Helio Delmiro (guitarra), Chico Batera (percusión), Alceu de Almeida Reis (cello), Nelson Ayres (piano Yamaha, piano eléctrico), William Caram (batería), Chico Betera (bongo), Pinduca (marimba), Roberto Sion (saxo alto), Serginho (saxo alto, marimba y flauta), Milton Nascimento (violao), Robertinho Silva (batería, caixa, surdo y agogô), Ubiratan (xéquere y tumbadora), Zéluiz, Marcio Lott, Ronaldo, Roberto, Toninho, Martizinha, Regininha, Regina y Luna (coro), Franco (voz), Copinha (flauta en sol), Jorginho (flauta en sol), Celso Woltzenlogel (flauta bajo), Braz Limongi (oboe), Maiton (piano, saxo soprano y voz), Toninho (cuerdas, violao, flauta y voz), Helio Delmiro (violao), Danilo Caimmy (flauta bajo, solo), Alceu (cavaquinho), Luna (tamborin), Elizeu (tamborin), Godinho (surdo), Marçal (cuica), Ed Maciel (trombón), Elizeu (agogó) y Franklin (voz). Orquesta de cuerdas: Pareshi (Spala), Vidal, Walter Hack, Carlos Eduardo Hack, Lana, Francisco Perrotta, Piersanti, Luiz Carlos, Astrogildo, Marcelo Pompeu, Wilson Teodoro y Virgílio Arraes (violines).Violas: Penteado, Stephany, Nelson Macedo y Nathércia. Cellos: Watson, Alceu, Iura y Bariola.

Otras portadas: Simone (1973), Quatro paredes (1974), Gotas d’Agua (1975), Face a Face (1977), Cigarra (1978), Amar (1981), Corpo e alma (1982), Desejos (1984), Vicio (1987) y Seduçao (1988).

“Tommy” (Polydor). El cuarteto británico The Who afrontaba la década de los setenta con la salida al mercado en mayo de 1969 del disco doble “Tommy”, primera ópera rock del grupo, género musical que se podía llevar al directo, como quedó demostrado en el festival de Woodstock, donde fue presentada una de sus piezas, en concreto “We re Not Gonna Take It”, lo cual confirmó una vez más el éxito de la banda inglesa en Estados Unidos, cuyas actuaciones constituían la afirmación de un espectáculo intenso presidido por una música dura y la sincronización de los cuatro componentes del combo. A partir de su puesta en venta, “Tommy” adquirió el marchamo de la mejor ópera rock hasta entonces, con la consiguiente trascendencia a otros ámbitos. Así la historia escrita por el guitarrista Pete Townshed, sobre un ser ciego, sordo y mudo que recupera sus sentido en la edad adulta hasta convertirse en mago del pinball y guía espiritual, consigue la carta de seriedad al ser grabada en septiembre de 1971 en versión sinfónica con la Orquesta Sinfónica de Londres. Después vendrían sus adaptaciones al teatro y al cine. De la película se encargaría Ken Russell que sería estrenada en 1975 y de la que también habría banda sonora diferenciada del disco original. De este quedaron para la posteridad roquera algunas canciones como “I’m free”, “The Acid Queen” o“Pimball Wizard”, es decir las que mejor se adaptan al formato pop de no más de cuatro minutos de duración, aunque también se incluyen pasajes largos: “Underture”, instrumental de cerca de diez minutos. El disco doble a pesar de su unidad como álbum conceptual recuerda que a The Who como un grupo influido por diferentes estilos musicales que se perciben en su ópera y con los que llevaban conviviendo desde su formación a comienzos de los sesenta, desde rhythm blues a elaborado pop. El diseño e ilustración de la portada están firmados por Mike McInnerney.

Canciones: “Overture”, “It’s a Boy”, “1921”, “Amazing Journey”, “Sparks”, “The Hawker”, “Christmas”, “Cousin Kevin”, “The Acid Queen”, “Underture”, “Do You Think It’s Alright?”, “Fiddle About”, “Pinball Wizard”, “There’s a Doctor”, “Go to the Mirror!”, “Tommy, Can You Hear Me?”, “Smash the Mirror”, “Sensation”, “Miracle Cure”, “Sally Simpson”, “I’m Free”,“Welcome”, “Tommy's Holiday Camp” y “We’re Not Gonna Take It”.

Músicos: Roger Daltrey (armónica y voz), Pete Townshend (guitarra, tecaldos y voz), John Entwistle (bajo, teclados y voz) y Keith Moon (batería y voz).

Otras portadas: My Generation (1965), A Quick One (1966), The Who Sell Out (1967), Magic Bus (1968), Live at Leeds (1970), Who’ s Next (1971), Meaty Bigand Bouncy (1971), Quadrophenia (1973), The Who by Numbers (1975), Who Are You (1978) y The Kids Are Alright (1979).

“Running on Empty” (Asylum Records). Disco en directo de Jackson Browne con material grabado en actuaciones, detrás del escenario y en el autobús de los músicos en gira, según el compositor y cantante norteamericano, que a partir de este elepé comenzó a ser más conocido, en parte por la vieja canción “Stay” del grupo Maurice Williams and The Zodiacs, que volvió a ser éxito de ventas en 1977 gracias a la versión que incluía la voz en falsete de David Lindley, multiinstrumentista y colaborador habitual de Browne, como la mayoría de los participantes en el primer disco oficial en vivo de Jakson. Tras unos primeros elepés en estudio de gran calidad que lo encumbraron entre los cantantes-compositores de culto, Browne realizó una gira por Estados Unidos de la que recogió una parte mínima de las canciones utilizadas en vivo, la mayoría composiciones propias, aunque aparezcan algunas foráneas como la ya mencionada “Stay” y “Cocaine”, del bluesman Reverendo Gary David. Los cortes primero y tercero de la cara A, “Running on Empty” y “You Love the Thunder”,“sirven en primer lugar para dar nombre y ofrecer un estilo más roquero en comparación con el intimismo típico del Jackson Browne de grabaciones como “For Everyman” o “Late for the Sky”. Tampoco faltan guiños al country-rock en alza de mediados de los setenta, estilo que se confirma también como uno de los preferidos por Browne para este disco en directo. Violines, steel guitar y guitarras acústicas, son los instrumentos que apoyan composiciones de aire campestre y folk que trascienden fuera del ámbito de los especialistas en géneros musicales para llegar a un público variado, lo cual consiguió un Jackson Browne más asequible a partir de “Running on Empty”. Joel Bernstein firma el montaje fotográfico utilizado para adornar la carpeta del disco.

Canciones: “Running on Empty”, “The Road”, “You Love the Thunder”,“Shaky Town”, “Love Needs a Heart”,“Nothing but Time”,“The Load-Out” y “Stay”.

Músicos: Jackson Browne (guitarra, piano, teclados y voz), David Lindley (violin, guitarra, steel guitar, lap steel guitar y voz), Craig Doerge (teclados), Jon Douglas Haywood (bajo y voz), Dani “Kootch” Kortchmar (guitarra, percusión y voz), Rus Kunkel (batería y percusión), Leland Sklar (bajo), Joel Bernstein (voz) y Rosemary Butler (voz).

Otras portadas: Jackson Browne (1972), For Everyman (1973), Late fo the Sky (1974), The Pretender (1976), Lawyers in Love (1983), Lives in the Balance (1986) y World in Motion (1980).

“Bluesmen 2” (Guimbarda). Blues grabado en la penintenciaría de Angola en el Estado de Luisiana (Estados Unidos), en fechas sin concretar, pero que puede ser a comienzos de los sesenta. Henry Oster recogió blues en estado puro, interpretado por hombres privados de la libertad y que cumplen condena en una cárcel granja del sur de Norteamérica. El disco es un excelente documento de la tradición musical negroamericana, que en el caso de los cantantes y músicos encarcelados también sigue los patrones del blues, es decir adaptar viejas canciones a sus experiencias. En el caso de las 13 canciones incluidas en este recopilatorio, la mayoría está relacionada con la falta de libertad, el desarraigo y la temática sexual, pero con una fuerte carga de crudeza que impone su recogida en un lugar en el que faltan los medios sofisticados de grabación para pulir un estilo que no lo necesita en casos como los de estos reclusos cantantes instrumentistas, quienes se expresan de mejor o peor manera, aunque con sinceridad. “Penitentiary blues”, Ball on chain for me”, “Lonesome blues”, “Standing at the Greyhound bus station”, “Rock me mama” y “Tell me pretty baby” muestran la otra cara de los bluesmen más marginales que necesitan la música como terapia o como forma de comunicarse. La carpeta del disco ofrece la imagen sin firma de una escena habitual de un lugar de trabajo para los reclusos negros.

Canciones: “Duckin’ and dodging”, “My baby got to go”, “Penitentiary blues”, “Lonesome blues”, “They’ll miss when I’ m gone”, “Rock me mama”, “Boll weevil blues”, “Hard headed woman”, “Standing at the Greyhound bus station”, “Tell me pretty baby”, “Ball an chain for me”, “Bad luck blues” y “Going to my old used to be”.

Músicos: Hogman Maxey, John Henry, Otis Webster, Guitar Welch, J. Butcher y The Cool Cats.

Otras portadas: Angola Prison Worksongs (1959).

“Ti, Galiza” (Ariola). El lugués de O Valadouro, Miro Casabella, con una década de trabajo musical, incluida su presencia en el movimiento Voces Ceibes, grababa en octubre de 1976 su primer elepé en solitario dedicado a su tierra y paisanos. Las canciones del disco con arreglos y dirección musical de José María Branco y Luis Pedro Faro, incluye asimismo instrumentación popular, gaitas y zanfona, que realza la galleguidad de este trabajo, donde la música se apoya en textos de conocidos autores gallegos. Xosé Manuel Casado, Ramón Cabanillas, Celso Emilio Ferreiro, Luis Pimentel, Uxío Novoneyra y Xavier Costa, cuando no es el autor el que presenta un texto propio o la adaptación de alguna estrofa popular. Las letras de las canciones de los citados escritores de diferentes generaciones representan una tendencia social muy en la línea del trabajo de Miro Casabella, implicado a mediados de los setenta, como ya había hecho con anterioridad, en la búsqueda de la normalización de la lengua y cultura gallegas. Esta tendencia resalta sobre todo en canciones recitadas como la que da el título al elepé o “Comenzo de canto” en las que se evidencia la reivindicación nacionalista. La cubierta del disco representa el grabado “Son moitos anos de estar no potro…compañeiros”, de Enrique Ortiz Alonso.

Canciones: “O meu pai”, “A maleta”, “A gran muralla”, “María Soliña”, “Anacos”, Ti, Galiza”, “Canzón para que un neno non durma”, “Goethe”, “O mariscal”, “Comenzo de canto” y “A bandeira”.

Músicos: Miro Casabella (zanfona y voz), Luis Pedro Faro (flautas del renacimiento caja y percusión), Xosé Casal (gaita), Miguel López (gaita), José María Branco (órgano Hammond y zanfona) y Anxeles Rubial (voz).

Otras portadas: Treboada (1979).

“Water Bearer” (Bronze Records). Sally Olfield sorprendió con su primer elepé en solitario grabado en 1978 en el que se incluía la popular canción “Mirrors”, pero el disco iba más allá de la grabación coyuntural destinada a la lista de éxitos. Sally, hermana de otros músicos, entre los que destaca Mike Olfield, quien colabora en el larga duración de estreno, demuestra ser una excelente instrumentista y una sensible compositora que se atreve a la adaptación musical de obras literarias, como algunas de las más épicas de J.R.R. Tolkien, antes del éxito cinematográfico alcanzado por el “Señor de los anillos” tres décadas después. “Water Bearer” ofrece una cara con una pieza de larga duración “Song of the Quendi”, llena de sensibilidad, instrumentación copiosa y voces anelicales, que culmina con la pegadiza pero atractiva “Mirrors”. La segunda cara se aproxima más al pop y al rock pero se agradece la presencia, además de teclados de toda clase, de instrumentos propios de lo que luego se denominaría “world music”. La portada del elepé recoge una vaporosa fotografía de Paul Wakefield, que se adelanta a la estética de la “new age”.

Canciones: “Water Bearer”, “Songs of the Quendi: Night Theme/Ring Theme/Wam Pum Song/Nenya/Land of the Sun”, “Mirrors”, “Weaver”, “Night of the Hunter’s Moon”, “Child of Allah”, “Song of the Bow”, “Fire and Honey” y “Song of the Healer”.

Músicos: Sally Oldfield (guitarras acústica, eléctrica y española mandolina, marimba, tubaphone, glockenspiel, pipe organ, percusión, teclados, viento, arreglos y voz), Mike Oldfield (mandolina), Brian Burrows (saxo tenor y voz), Herbie Flowers(double bass), Tim Weather (percusión y cymbals), Jean Price (arpa), Frank Ricotti (percusión, cabassa, bongos, vibrafono y Trevor Spencer (percusión y batería).

Otras portadas: Easy (1979), Celebration (1980), Femme (1987) y Collection (1988).

“Teaser and the Firecat” (A&M). Este disco de Cat Stevens corresponde a la mejor etapa artística del cantante y compositor británico, cuando su particular estilo se encontraba asentado gracias a sus dos anteriores álbumes, respectivamente “Mona Bon Jakon” y Tea for the Tillerman”, algunas de cuyas canciones se difundieron con éxito fuera del Reino Unido. En 1971, “Teaser and the Firecat” convierte a Cat Stevens en uno de los compositores más populares de habla inglesa, entre otros motivos por piezas fundamentales de su obra como “Rubylove”, “Morning Has Broken”, “Moonshadow” y “Peace Train”, que se han convertido en clásicos del pop de los setenta. Con un ajustado acompañamiento musical en el que destacan las guitarras acústicas, piano y coros vocales, algún que otro instrumento exótico, caso del bouzouki griego de “Rubylove”, complementan las sensibles e intimistas canciones no exentas de calidad incluidas en “Teaser and the Firecat”. La carátula del disco, como ocurre con otras de elepés de Cat Stevens, presenta una ilustración del propio cantante, quien también acierta en esta faceta artística.

Canciones: “The Wind”, “Rubylove”, “If I Laugh”, “Changes IV”, “How Can I Tell You”, “Tuesday’s Dead”, “Morning Has Broken”, “Bitterblue”, “Moonshadow” y “Peace Train”.

Músicos: Cat Stevens (guitarra, teclados y voz), Alun Davies (guitarra), Rick Wakeman (piano), Harvey Burns (batería), Gerry Conway (batería y voz), Angelos Hatzipavli (bouzouki), Andreas Toumazis (bouzouki), Larry Steele (bajo y conga) y Del Newman (cuerdas).

Otras portadas: Matthew & Son (1967), Mona Bone Jakon (1970), Tea for the Tillerman (1970), Catch Bull at Four (1972), Foreigner (1973), Buddha and the Chocolate Box (1974), Izitso (1977) y Back to Earth (1978).

“Manassas” (Atlantic). El guitarrista tejano Stephen Stills era conocido suficientemente a comienzos de los años setenta como para que cualquiera de sus grabaciones generase interés entre los asiduos del mundo del rock. Con un espectacular currículum, Stills puso en marcha un proyecto musical bajo el evocador nombre de Manassas, banda en la que militaban miembros de The Byrds, Flyng and Burrito Brothers, Dillards y reputados músicos de sesión, algunos de los cuales era acompañantes de la otra superbanda en la que tocaba Stephen: Crosby, Stills, Nash and Young. El debut discográfico de “Manasas” se produce en el año 1972 con el doble elepé homónimo que está divido en cuatro partes, en las que se evidencia la excelente comunicación entre los miembros del grupo para desarrollar con pericia y sensibilidad todas las composiciones incluidas en las cuatro caras de los dos discos. El primero recoge piezas enmarcadas en estilos como el rock, música caribeña (principalmente la percusión), bluegras y country, mientras que el segundo disco está dedicado al folk-rock, blues y rock. En total 16 canciones muy aprovechables para transitar por un sonido que ahonda en la evolución del rock de los años setenta. La carpeta del disco está adornada con una fotografía del septeto, hecha por Ira H. Wexler.

Canciones: “Song Of Love”, “Rock And Roll Grazies”, “Cuban Bluegrass”, “Jet Se (Sigh)”, “Anyway”, “Bath Of Us (Bound To Lose)”, “Fallen Eagle”, “Jesus Gave Love Away For Free”, “Colorado”, “So Begings The Task”, “Hide It So Deep”, “Don’ t Look At My Shadow”, “It Doesn’t Matter”, “Jhonny’s Garden”, “Bound To Fall”, “How Far”, “We Move Around”, “The Love Gangster”, “What To Do”, “Right Now”, “Treasure (Take One)” y “Blues Man”.

Músicos: Stephen Stills (voz, guitarras eléctrica y acústica y teclados), Al Perkins (guitarra, steel guitar y voz), Chris Hillman (guitarra, mandolina y voz), Joe Lala (timbales, conga, percusión y voz), Calvin “Fuzzy” Samuel (bajo), Paul Taylor (teclados), Dallas Taylor (batería), Jerry Aiello (teclados), Byron Berline (violin), Roger Bush (bajo acústico), Bill Wyman (bajo) y Sidney George (armónica).

Otras portadas: Down the Road (1973).

“Life’s A Riot With Spy Vs Spy” (Utility). El británico Billy Bragg con sus veintitantos años a cuestas se presentaba en 1983 con un mini elepé que anunciaba la línea a seguir por este trovador izquierdista en la línea de los cantautores más combativos surgidos en la década de los treinta. En esta ocasión la hipotética arma era una guitarra eléctrica a la que Billy sacaba sonidos poco condescendientes con las melodías, pues de lo que se trataba era de narrar las miserias de un presunto estado de bienestar en declive, desde el punto de vista de un joven de izquierdas que apostaba por la independencia frente a las grandes compañías discográficas. Era la etapa de la primera ministro Margaret Tatcher, del paro, el consumismo desaforado, las ilusiones perdidas de una juventud que no levanta cabeza, el militarismo, el amor traumático y otras grandes y pequeñas cosas que Bragg va describiendo en las ocho canciones de su debut discográfico, de su estilo poco pulido pero directo. El diseño de la carpeta del disco corresponde a la línea artística utilizada por Go! Discs.

Canciones: “The Milkman Of Human Kindness”, “To Have And To Have Not”, “Richard”, “A New England”, “The Man In The Iron Mask”, “The Busy Girl Buys Beauty” y “Lovers Town Revisited”.

Músicos: Billy Bragg (guitarra eléctrica y voz).

Otras portadas: Talking With the Taxman About Poetry (1986), Workers Playtime (1988), The Internationale (1990) y Don’ t Try This At Home (1991).

“Tomorrow” (WEA). El trompetista sudafricano Hugh Masekela, junto al grupo Kalahari, grabó en la ciudad de Londres en 1986 el elepé titulado “Tomorrow”, que se abría con la canción “Bring Back Home”, alusiva a la liberación y vuelta a casa del líder de la mayoría negra de Sudáfrica Nelson Mandela. En la segunda mitad de los ochenta, la música africana había obtenido un notable reconocimiento a nivel internacional, principalmente en Europa, de ahí que muchos grupos y solistas de diferentes países del continente negro pudiesen dar salida a sus obras y promocionarlas por todo el mundo. Además, conocidas estrellas del pop, como Paul Simon, grabaron con formaciones africanas, que de esta manera fueron conocidas fuera de sus lugares de origen. Hugh Masekela, sin embargo, era un veterano trompetista que ya había tenido éxito desde comienzos de los sesenta tanto en Sudáfrica como en América y Europa, al representar entonces las figuras emergentes del jazz periférico. En “Tomorrow”, Masekela está acompañado de músicos africanos que facilitan el sonido “beat” sudafricano de este disco, principalmente en las canciones con lengua nativa como la reivindicativa y ya mencionada “Bring Back Home”, “Mayibuye” y “Ke Bale”. Por otra parte, las piezas cantadas en inglés recogen el multiculturalismo de Masekela y sus acompañantes, quienes no dudan en aproximarse a otros sonidos, por ejemplo, jazz-rock, funk y música caribeña, todos ellos con el fondo de unos coros muy africanos. El diseño de la carpeta del disco corresponde a Johnny String, Bill Lovelady, Kenni & Tony, quienes se apoyaron en una fotografía de Carolina Irwin y John Ross.

Canciones: “Bring Back Home”, “Mayibuye”, “Kebale”, “London Fog”, “Everybody’s Standing Up”, “Bird On The Wing”, “Somethng For Nothing” y “Serengeti”.

Músicos: Hugh Masekela (voz, flugelhorn, trompeta y percusión). Kalahari: John B. “Longwe” Selolwame (guitarras y voz), Mopati “Bully” Tsienyane (batería y voz), Banjo T Mosele (guitarra rítmica), Michael Timothy (teclados y sintetizador), Francis Fuster (congas y percusión), Aubrei Oaki (bajo) y Sonti Mndebele (voz). Músicos adicionales: Don Freeman (teclados, sintetizador, bajo, saxo y flauta), Bill Lovelady (guitarras acústica y eléctrica), Richard Stevens (batería), Clive “Mayuyu” Mngaza (batería) Michael Osapanin (trombón) y Mark Millington (saxo tenor). Voces adicionales: Tu Nokwe, Tsepo Tshola, Patricia Knight y Beverly Skeele

Otras portadas: Trumpet Africane (1962), The Casting Impression of Ooga Booga (1966), Grr (1966), The Promise of a Future (1968), I Am Not Afraid (1973), The Boy’s Doin’ It (1975) y Techno Bush (1984).

“The Live Adventures of Michael Bloomfield & Al Kooper” (Columbia). Dos de los instrumentistas más carismáticos de los sesenta, el guitarrista Michael Bloomfield y el teclista Al Kooper se volvían a unir en septiembre de 1968 para protagonizar unas actuaciones en el legendario Fillmore West de San Francisco, que iban a quedar recogidas en un disco doble en el que también aparecen otros artistas conocidos como Carlos Santana y Paul Simon. De este último se incluye “The 59th Street Bridge Song”, una versión muy en la onda del rock que se desarrollaba en la bahía de San Francisco, pero esta canción no es la única que toma prestada el dúo. Dentro de esa línea participativa y de compartir experiencias se pueden escuchar “I Wonder Who”, “The Weight”, “That’ s All Right” o “Green Onions”. El resto del repertorio incluido en este álbum sirve para comprobar el sonido en directo con sus aciertos y fallos de dos grandes del rock de los sesenta que ya habían coincidido juntos en alguno de los discos de Bob Dylan y actuaciones en directo del mismo. La carátula del disco recoge el retrato realizado a los Bloomfield y Koper por Norman Rockwell (1894-1978), uno de los grandes pintores e ilustradores norteamericanos del siglo XX.

Canciones: “Opening Speech”, “The 59th Street Bridge Song”, “I Wonder Who”, “Her Holy Modal Highness”, “The Weight”, “Mary Ann”, “Together ‘Til The End Of Time”, “That’s All Right”, “Green Onions”, “Opening Speech”, “Sonny Boy Williamson”, “No More Lonely Nights”, “Dear Mr. Fantasy”, “Don’t Throw Your Love” y “Finale–Refugee”.

Músicos: Michael Bloomfield (guitarra eléctrica), John Kahn (bajo), Al Kooper (guitarra eléctrica, teclados y voz), Carlos Santana (guitarra) y Paul Simon (voz).

Otras portadas: Supersession (1968).

“Barrabás” (RCA). El ex baterista de Los Brincos y compositor, Fernando Arbex (1941-2003) ponía en marcha un grupo a comienzos de los setenta en Madrid, después de varios intentos de reorientar su carrera fuera de la influencia del pop que tantos éxitos le había dado. Con Barrabás, Arbex consiguió ya con su primer disco un sonido más cercano a los ritmos caribeños reconducidos por la industria discográfica y la música negroamericana más bailable de entonces, principalmente el funk. El debut del grupo madrileño en 1972 constituye sin duda un acierto porque varias canciones consiguen en aquellos años de cambios musicales el reconocimiento del público y de los programadores de las emisoras de radio dedicadas a la promoción musical. Entre las piezas que han permanecido a pesar del paso del tiempo están “Wild Safari” y“Woman”, aunque entre el resto del repertorio se encuentran otras opciones interesantes: “Cheer Up” o “Rock and Roll Everybody”, que destacan por la frescura del sonido comercial de Barrabás, que en pocos años se convertiría en uno de los grupos españoles más vendedor de discos y en pionero del denominado sonido latino. La portada del disco no aparece firmada, aunque Salvador Domínguez en el libro titulado “Bienvenido Mr. Rock…” escribe que el diseño de la carátula corresponde al cantautor y artista plástico Luis Eduardo Aute.

Canciones: “Wild Safari”, “Try and Try”, “Only for Men”, “Never in This World”, Woman”, “Cheer Up”, “Rock and Roll Everybody” y “Chicco”.

Músicos: Fernando Arbex (batería y voz), Juan Vidal (piano y piano), Miguel Morales (guitarra acústica, bajo y voz), Ricky Morales (guitarra y voz), Ernesto “Tito” Duarte (saxofón, flauta, percusión y voz) e Iñaki Egaña (voz y bajo).

Otras portadas: Power (1973), Soltad a Barrabás (1974), Heart of the city (1975), Watch Out (1976), Bestial (1982), Piel de Barrabás (1982) y Forbidden (1984).