Blues Breakers (Decca Records) 1966
John Mayall & The Bluesbreakers
Portada: Decca

John Mayall (1933) forma parte desde hace muchos años de los ilustres bluesmen que con su altos y bajos ha sabido mantenerse fiel a un estilo esencial para la comprensión de la música popular del siglo XX. Desde los inicios de su carrera, Mayall apostó fuerte por el blues y se convirtió a la vez en el maestro de músicos de diferentes generaciones, sobre todo de las décadas de 1960 y 1970, principalmente en Gran Bretaña pero también en Estados Unidos. De su etapa británica, en plena efervescencia del pop, Mayall puso en marcha The Bluesbreakers, un marchamo de rigor y calidad a la hora de interpretar piezas de otros maestros del blues negro o del propio Mayall. Blues Breakers significó también el nacimiento de otro mito de la guitarra eléctrica, Eric Clapton, que como el resto de la banda realiza un trabajo por el que no pasa el tiempo. Versiones de piezas de Otis Rush, Freddie King, Robert Johnson, Luther Allison o Ray Charles, entre otros, indican que los británicos también disponen del soul necesario para que All Your Love, Hideway, What'd I Say y Parchman Farm mantenga la esencia primaria pero con renovado sonido en el que no faltan guiños al jazz, soul y r&b que contribuyeron al nacimiento del blues rock.

Canciones: Al Your Love. Hideway. Little Girl. Another Man. Double Crossin' Time. What'd I Say. Key To Love. Parchman Farm. Have You Heard. Ramblin' On My Mind. Steppin' Out. It Ain't Right.

Músicos: John Mayall (órgano, piano, armónica y voz), Eric Clapton (guitarra y voz), John McVie (bajo) y Hughie Flint (batería). John Almond (saxo barítono, en canción 5), Alan Skidmote (saxo tenor) y Dennis Healy (trompeta en canciones 7, 9 y 11).

Más portadas: The 1982 Reunion Concert (1982), 70 Th Birthday Concert (2003), Road Dogs (2005) y Live At The BBC (2007).

Apunte: John Mayall se mantiene en forma a sus 75 años como demuestra su condición de auténtico bluesman que mientras el cuerpo aguante continúa actuando por todo el mundo. En este año recorrerá América del Norte, América del Sur y Europa. En este último continente, en concreto en España, está previsto que toque a finales del mes de julio.

Philadelphia (Epic) 1993
Varios
Portada: cartel de la película

Cine y música forman un matrimonio sólido desde el nacimiento del primero, conocido popularmente como séptimo arte, pues salvo excepciones los dos se competran óptimamente para deleite de muchas personas que ven en las bandas sonoras de las películas una extensión disfrutable sin necesidad de ver el filme. También es verdad que algunas ciudades son más atractivas para directores que ven en ellas una fuente de inspiración y, por tanto, la posibilidad de trabajar más a gusto. No sé si eso le ocurrió al director de Philadelphia, Jonathan Demme que en la primera mitad de los noventa abordó la problemática de homosexualidad y sida desde un punto de vista melodrámatico. Se puede demostrar, sin embargo, que hubo otras filmaciones más creíbles que la que protagonizaron Tom Hanks, Dezel Washington, Antonio Banderas, Jason Robards y Mary Stenburgen. Pero en lo músical, Philadelphia ofrece una atractiva banda sonora que se abre con un Bruce Springteen callejeando por las calles de la ciudad que da nombre a la película. Menos roquero, más poético, con el fondo de teclados atmosféricos, para mí Streets Of Philadelphia es una de las mejores piezas de banda sonora, quizá porque Springteen suena menos al sonido que tiene acostumbrado a quienes disfrutan de su música, incluidos quienes en su día le concedieron el honor del oscar a la mejor canción de 1993. Del repertorio destacable, rompo una lanza también por Peter Gabriel por su Lovetown, Sade con la interpretación de la soulera Please Send Me Someone To Love, Spin Doctor por la creedenciana Have You Seen The Rain?, Indigo Girls por la relectura de I Don't Wanna Talk About It y Neil Young por Philadelphia, quien, sin embargo, sí suena a Neil Young sin desmerecer. No, no me olvido Maria Callas y La mamma morta, It's In Your Eyes de Paulette Washington y Precedent de Howard Shore. Toda la banda sonora es aprovechable, según gustos, y algunas de sus composiciones no dejan indiferente al espectador u oyente, porque, sin salirse de los canónes más ortodoxos de la composición musical cinematográfica de finales del siglo XX, emparentan de forma directa con la cultura popular, como pasa con la película.

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Canciones: Streets Of Philadelphia. Lovetown. It's In Your Eyes. Ibo Lele (Dreams Come True). Please Send Me Someone To Love. Have Your Seen The Rain?. I Don´t Wanna Talk About It. La Mamma Morta. Philadelphia. Precedent.

Músicos y solistas: Bruce Springteen, Peter Gabriel, Paulette Washington, Ram, Sade, Spin Doctors, Indigo Girls, Maria Callas, Neil Young y Howard Shore.

Más portadas: De las bandas sonoras de películas del mismo año que Philadelphia. Carlitos' Way, La tapadera, El fugitivo, La edad de la inocencia, Lo que queda del día, El olor de la papaya, Belle Époque y Algo que recordar.

Apunte: La ciudad norteamericana de Filadelfia acoge desde 1995 el Philadlphia International Gay &b Lesbian Film Festival.

 
El rastro (8)

Generación 49

Belter

1969

1. O' espantallo
2. La Alfonsina
3. Poema da chispa
4. Belidas fiandeiras

Blues (Polydor) 1994
Jimi Hendrix
Portada: diseño y dirección artística de Richard Bull y Rob O' Connor

Jimi Hendrix (1942-1970) desde el día después de su prematura desaparición física se convirtió en esos muertos generadores de dinero que tanto abundan en el territorio del rock. Dentro de esa línea de exhumación de canciones muchas veces ya escuchadas, en 1994, se puso a la venta el disco blues , del que se anunciaba la inclusión de varias canciones inéditas. Jimi Hendrix, a pesar de las acusaciones de tirios y troyanos, no olvidó sus raíces que, por cierto, inspiraron algunas de sus memorables piezas, por ejemplo el contundente Red House, revisitado en este recopilatorio, que se nutre de la innovadora psicodelia de los sesenta. Hear My Train Coming, Voodo ChileBlues, Once I Had A Woman y Jelly son otros de los blues que desarrolla con su enérgico y rabioso guitarreo el músico de Seatle, quien se nutre además de la inspiración de otros colegas como Booker T. Jones y William Bell, Muddy Waters y Elmore James & Marshall Sehorn. Las anteriores y las de los músicos negros citados siguen los rastros dejados por bluesmen de las décadas de los 20,30, 40 y 50 del siglo pasado. El propio Hendrix no escapó a dicha influencia, pues si antes citaba el Red House, en el lado acústico está la primera versión de Hear My Train Coming, la que abre el cedé, donde, según los entendidos hay reminiscencias de Tommy Johnson, Skip James y John Lee Hooker.

Canciones: Hear My Train Comin' (acoustic). Born Under A Bad Sign. Red House. Catfisg Blues. Voodo Chile Blues. Mannish Boy. Once I Had A Woman. Bleending Heart. Jelly 2992. Electric Church Red House. Her My Train Comin' (electric).

Músicos: Jimi Hendrix (guitarras y voz). Acompañan al guitarrista zurdo los grupos Experience y Band Of Gypsys, Stevie Winwood (órgano) y Jack Casady (bajo), en Voodo Chile Blues, y otros músicos desconocidos.

Más portadas: Blue Wild Angel. Live At The Isle Of Wight (2002), The Rainbow Bridge Concert (2003), 20 Th Centuryt Masters: The Best Jimi Hendrix (2005) y Live At The Monterey (2007).

Apunte: En lo que va del año 2008, los discos recopilatorios de Jimi Hendrix puestos a la venta llegan casi a la veintena.

 

 

Estou vivindo no ceo (Nubenegra) 1995
Uxía
Portada: diseño de Poucatella

Uxía Senlle (1962) utiliza constantemente referencias de otras músicas para sus actuaciones en directo y en los discos que graba, hasta el punto de convertirse en una de las voces gallegas más conocida fuera de sus fronteras naturales. Su tercer disco en solitario, esta vez sin la compañía de la banda Na lúa, se puede considerar fronterizo porque aborda composiciones de Galicia y Portugal, dos geografías condenadas inexorablemente a entenderse. La cantante de Mos insiste en su predilección por la canción popular de la tierra natal, a la que aporta nuevas sonoridades, pues así lo demuestra con la pieza que abre el disco Alalá das mariñas, adaptada a una melodía armenia pero que también suena a música irlandesa y a las nuevas tendencias sonoras que tanto éxito tuvieron en la década de 1990. Igualmente la tradición se extiende a A laranxa, Voume eu, fermosa y Tua nai e meiga, que se hermanan con los cantos de la raia portuguesa. Las restantes composiciones son Green God, perteneciente a uno de los mejores poemarios del escritor luso Eugenio de Andrade; Verdes sao os campos, adaptación de versos de Camoes por el inolvidable Zeca Afonso; Aquí estas noites tan longas, recuperación de una canción de Quintas-Canella quien, a su vez, había recurrido al texto del trovador medieval Juiao Bolseiro, Canto de Nadal, del cancionero popular galego; Millo verde, canción tradicional de las más versioneadas tanto en Galicia como en Portugal, en esta ocasión con tono moruno. El disco se completa con Suite de Bembribre, Senhora do Almortao y Entre nós, que definen muy bien lo dicho al principio y sirven para comprobar la sabia versatilidad de Uxía, que en Estou viviendo no ceo estuvo acompañada por renombrados instrumentistas del folk y la música de cámara.

Canciones: Alalalá das mariñas. A laranxa. Voume eu, fermosa. Tua nai é meiga. Green god. Verdes sâo os campos. Aquestas noites tan longas. Canto de Nadal. Millo verde. Suite de Bembibre. Senhora do Almortao. Entre nós.

Músicos: Uxía (voz y pandeireta), Nacho Muñoz (teclados y timbal sampler), Quico Comesaña (arpa, mandola), Margarita Joukova (violonchelo), Carlos Castro (cencerros, rototôms, bombo, cunchas, colgantes, pratos, pandero, pandeireta, pandeira, derbuka, pandereta árabe, crótalos), Quim Fariña (violín), Júlio Pereira (guitarra acústica y maracas), Edita Shoulman (violín), Xosé Manuel Budiño (punteiros y gaita), Kepa Junkera (acordeón diatónico, trikitixa, acordeón diatónico vasco), Gema Corredera (voz moruna y coros) y Carlos Castro (tabla y efectos).

Más portadas: Foliada de marzo (1986), Entre cidades (1991), La sal de la vida (1997), Danza das areas (2000) y Eterno navegar (2008).

Apunte: El nuevo disco de Uxía, Eterno navegar, recoge 15 canciones que sirven a la cantante para ahondar en las relaciones entre diferentes culturas a ambos lados del océano Atlantico. El cedé, grabado en Portugal, cuenta con la presencia de músicos portugueses, gallegos, brasileños y africanos.

Tango pour deux guitares (ASPIC) 1995
Ciro Pérez y Vidal Rojas
Portada: fotografía de Josette Mimran

Roberto Grela (1913-1992) es para muchos el más importante guitarrista de tango argentino, afirmación que suscriben los también guitarristas Ciro Pérez y Vidal Rojas, quienes realizan un homenaje en Tango pour deux guitares mediante la grabación de 16 piezas. Ciro Pérez trabajó como instrumentista para Grela, quien introdujo en los ambientes del tango cuatro guitarristas y un bajo para acompañar la voz del grande Edmundo Rivero. Por su parte Vidal Rojas siempre se ha declarado un seguidor incondicional del maestro argentino. El disco comienza con A San Telmo, dedicado a uno de los barrios de Buenos Aires, composición del propio Grela que nació en dicho lugar, como lo son también Bien nuestro y A don Carlos de Buenos Aires, todos ellos representativos del tango, estilo en el que mejor se movía el guitarrista, aunque en este homenaje se encuentran otros ya universales: Ojos negros, Silbando, Flores Negra y Lor mareados, así como milongas y valses. Todos están llenos de vitalidad y pasión, pero inrterpretados con la técnica que necesita cualquier música popular que se precie, más si se trata de una de las más universales y aceptadas en todos los estamentos sociales.

Canciones: A San Telmo. Ojos negros. Palomita blanca. Te vas milonga. Pregonera. Silbando. Corralera. Bien nuestro. Don Carlos de Buenos Aires. En el pescante. Luna de arrabal. Flores negras. Adiós Pampa mía. Los mareados. De vuelta y media. Ausencia.

Músicos: Ciro Pérez (guitarra) y Vidal Rojas (guitarra).

Más portadas: Pa que bailen los muchachos -con Aníbal Troilo- (1962), La guitarra del tango (1964), Viejo baldío -con Edmundo Rivero- (1984) y Hombre de tango -con Leopoldo Federico- (1994).

Apunte: Roberto Grela acompañó con su guitarra a infinidad de artistas del tango, entre otros, además de los mencionados anteriormente, Héctor Mauré, Jorge Vidal, Osvaldo Cordó, Nelly Omar, Tito Reyes, Agustín Irusta y Alberto Podestá.

4x10

1968

Joni Mitchell (Reprise) 1968
Joni Mitchell
Portada: pintura de Joni Mitchell

Joni Mitchell (1943) ocupa un lugar destacado durante cinco décadas en el firmamento de las estrellas femeninas de la canción en su Canadá de origen y en los Estados Unidos donde reside desde los años 60 del siglo pasado, país este último donde se ha consagrado desde la salida de su primer elepé que aquí comento. Con un alto nivel a la hora de componer canciones, evolucionar y adaptarse a los tiempos que le han tocado vivir, Joni Mitchell llegó a California en plena eclosión de nuevas formas musicales y tras el correspondiente periplo por el circuito habitual del folk en la Costa Este. David Crosby se encargaría de la producción del estreno discográfico de Joni, quien con un escueto acompañamiento instrumental, muy en la línea del folk, desgrana sus historias no exentas de contenido literario, a lo que hay que añadir su singular voz. Michael From Mountains, Night In The City, Marcie y Song To A Seagull no pasan desapercibas y definen el estilo de la primera etapa de Joni Mitchell, en la que se convierte en una compositora requerida por otros personajes del rock y el pop, además de sentar las bases estilísticas de futuras cantautoras.

Canciones: I Had A King. Michael From Mountains. Night In The City. Marcie. Nathan La Franeer. Sisotowbell Lane. The Dawntreader. The Pirate Of Penance. Song To A Seagull. Cactus Tree.

Músicos: Joni Mitchell (piano, guitarra y voz), Stephen Stills (bajo) y Lee Keefer (banshee).

Más portadas: Complete Geffen Recordings (2003), The Beginning Of Survival (2004), Dreamland (2004), Songs Of A Prairie Girl (2005) y Shine (2007).

Apunte: La admiración hacia Joni Mitchell motiva a menudo que sus canciones sean grabadas por diferentes músicos y cantantes. El pianista de jazz Herbie Hancok grabó el año pasado su personal homenaje a la cantautora canadiense con el título The River: The Joni Letters. El repertorio de 10 canciones incluye las voces de Norah Jones, Tina Turner, Corinne Bailey Rae, Luciana Souza, Leonard Cohen y la propia Mitchell.

Joni Mitchel y David Crosby en 1968. 

Teen Beat. Instrumental Rock 1957-1965 (Capitol/Hispavox) 1991
Varios
Portada: Starline

La música surf en el principio nació como una alternativa instrumental al rock and roll que en pocos Stick Shift. Raynchy. You Can't Sit Down (Par two). Perfidia. Ten Beat '65. Apache '65.años daría paso a miles de formaciones juveniles que además de guitarras y otros instrumentos aportaban voces bien conjuntadas que cantaban sobre preocupaciones relacionadas con la playa, el amor y la velocidad, toda una subcultura de carácter juvenil que llegó a todos los ámbitos a comienzos de los sesenta. De los grupos instrumentales, recogidos en este recopilatorio de Capitol, se pueden escuchar los más representativos de aquella época, y que llegaron en algunos casos a lo alto de las listas de éxitos: Walk, Doin't Run, Let There Be Drum, Stick Shift, Raynchy, Ten Beat '65, Apache '65, Red River Rock o Brontosaurus Stomp. Pero no todo se quedaba en un estilo personal en el que destacaban las guitarras Fender, porque grupos y solistas también apañaban de aquí y allá, sobre todo rock and roll clásico, r&blues, soul y hasta canción latina. Ejemplos los hay en esta antología, y son las convenientemente surferizadas Memphis, I´ve Got Woman y Perfidia.

Canciones: Walk, Doin't Run. Memphis. Let There Be Drum. MacDonald's Cave. Stick Shift. Raynchy. You Can't Sit Down (Par two). Perfidia. Ten Beat '65. Apache '65. Red River Rock. Nut Rocker. The Green Mosquito. I've Got Woman. Walkin With Mr. Lee. Brontosaurus Stomp.

Músicos y solistas: The Ventures. Lonnie Mack. Sandy Nelson. The Piltdown Men. The Duals. Bill Justis. Phil Upchurch. Davie Allan & The Arrows. Johnny & The Hurricanes. B. Bumble & The Stingers. The Tune Rockers. Jimmy McGriff. Lee Allen & His Band.

Más portadas: Golden Graffiti Greats (1975), 50 Rock & Roll Greats (1979), 25 Years Of Rock 'n' Roll (1980), Surf Legends and Rumours. 1961-1964 (1989). Rock Instrumental: Classics Volume 1. The Fifties (1994), Rock Instrumental: Classics Volume 2. The Sixties (1994) y Cowabunga! The Surf Boix (1995).

Apunte: De las filas de la música surf vocal hay que destacar a los pioneros Jean & Dean y los clásicos Beach Boys.

Fantabulous Crime (La Fábrica Magnética) 1993Cool Jerks
Portada: fotografía de Javier Salas

Cool Jerks era un grupo de Torrejón de Ardoz (Madrid) que cubrió con dignidad su singular periplo dentro del soul hispano durante la década de 1990, etapa de la grabación de este disco en el que se incluyen 10 composiciones, una de ellas instrumental, firmadas por el alma mater del grupo Miguel Ángel Julián, una de las mejores voces de la escena musical de España. A él se unen los músicos de esta inolvidable banda, enm especial la sección de viento, que desde la primera canción de Fantabulous Crime, hasta el final, se adentran en el soul, el más racial y vitalista de los años sesenta, aunque también se sienten los pálpitos de otros estilos periféricos al anterior como gospel, blues, boogie, rock an roll y rhythm and blues. La fuerza de la propuesta de Cool Jerks, en sus mejores momentos, se aprecia en piezas como Kill My Wife, Out Of Date, Nobody Knows How I Feel Down y Run Away From Me, por citar las más ejemplares, aunque no hay que dejar de lado el lado tierno del grupo con las tórridas baladas Driver Of My Tram y Penny Whistle. Puestos a escuchar, hasta el instrumental Tinkuman suena directo y pasional.

Canciones: Fantabulous Crime. Kill My Wife. Nobody Knows. How I Feel Down Inside. Mercy (Get Next To You). Driver Of My Tram. Gotta Give Her Up. Pleasure Lies. Run Away From Me. Fantabulous Crimne. Peggy Whistle. Tinkuman.

Músicos: Miguel Ángel Julián (voz y coros), Txema Segura (guitarra y coros), Quique Eizaguirre (bajo y coros), Yayo Morales (batería, pandereta, congas y coros), Fernando de la Casa (órgano Hammond B-3, piano y coros), William Gibb (saxo tenor y saxo alto), Ove Larsson (trombón) y David Dfries (trompeta). Edith Salazar, Judith Clericurzio, Mary Jamison y Guillermo Antón (coros). Txuma Segura y Yayo Morales (arreglos de metal).

Más portadas: Cool Jerks (1990), Soul Teller (1991), Sweet & Wild (1992), Picture Of Her Soul (1993) y Soul To Waste (1996).

Apunte: El cantante Miguel Ángel Julián continua con su línea musical de apuesta por el soul con la banda Soul Tellers.

Chicago Blues Session! (L+R) 1979
Willie Mabon
Portada: fotografía de Willy Leiser

Willie Mabon (1925-1985) se consideraba un músico de blues y boogie woogie a los que imprimía cierto tono jazzístico cuando tocaba el piano. Cuando se puso a la venta este disco grabado en elk Odyssey Sound Studio de Chicago, en 1979, Willie Leiser opinaba sobre el pianista que su relajada forma de cantar suele estar cargada de intención y furia “que podían llegar a enloqucerte si su entega no consiguiera con tanta frecuencia desarmar y encantar al oyente”. En esta grabación el trabajo de las guitarras correponde al dúo formado por Hubert Sumlin y Eddie Taylor, de quienes destacan la técnica del bottleneck del segundo en Lonely Blues, mientras que el primero desarrolla atrayente fraseo en todo el disco. En el acompañamiento instrumental aparecen también dos veteranos del blues eléctrico Aron Burton (bajo) y Casey Jones (batería) que contribuyen con una excepcional sección rítmica al peculiar sonido de Mabon en una de sus giros artísticos en los últimos años de su carrera.

Canciones: Little Red Rooster. Lonely Blues. It’ s A Shame. Moanin’ Blues. Monday Woman (A Tribute To Jimmy Reed). Louise (A Tribute To Howlin’ Wolf). Seventh Son (Dedicated To Willie Dixon). I’ m Mad. A Change Is Gonna Come.

Músicos: Willie Mabon (vocal, piano y armónica de blues), Hubert Sumlin (guitarra en el lado izquierdo), Eddie Taylor (guitarra en el lado derecho), Aron Burton (bajo) y Casey Jones (batería).

Más portadas: Willie Mabon Is Back-Funky (1972), Cold Chilly Woman (1973), Come Back (1973), Live+Bell (1974), Shake That Thing (1975), Chicago Blues Hits (1976), I'm The Fixer (1980) y The Best Of Willie Mabon: I Don't Know (1995).

Apunte: Willie Mabon no ha figura en el olimpo de los músicos de blues, pero ha dejado canciones como I'm Mad o Seventh Son, que en los primeros años de la década de 1950 alcanzaron los primeros puestos de las listas de éxitos, y que por su sonido abrió abrió el camino hacia el rock and roll.

Bossa Nova. Cores do Brasil 0.03 (Nascente) 1991
Varios
Portada: fotografía de Peter Moss




Bossa Nova es uno de las ritmos más representativos de la música popular de Brasil del siglo XX, una amalgama de estilos que dieron como resultado un mestizaje de las culturas nativa, africana y europea en forma de singulares melodías. De la nueva forma musical de los años cincuenta del siglo pasado a la actual generación de cantantes de ambos sexos, han pasado bastantes décadas pero no en detrimento de la bossa que en este recopilatorio junta a los mejores autores y compositores, quienes tuvieron su mejor momento de difusión en la década de los sesenta, cuando traspasó fronteras e influyó incluso en el potente jazz norteamericano. En total son 21 canciones que interpretan desde el veterano Vinicius de Moraes al más joven entonces, en la década de los setenta, Dajvan, aunque no hay que perder de vista y oído la larga nómina de damas de la canción brasileña involucradas con la música popular de su país: Maria Creuza, Maria Bethania y Maria Medalha, que no son todos los que están, pero son suficientes para un acercamiento al valioso acervo musical de Brasil, que continúa renovándose con nuevas generaciones de músicos y cantantes que no olvidan que todo comenzó con piezas inamovibles hoy en su condición de clásicas. Por ejemplo, A felicidade, Garota de Ipanema o Canto de Ossanha, sonidos tan refrescantes hoy como en el momento de su creación.

Canciones: Embola a bola. Samba do bencao. Chega a saudade. Mais um adeus. A felicidade. Para viver um grande amor. Para que digladiar. Desencontro. Samba de Veloso. Sao demais os perigos desta vida. Apelo. Canto de Ossanha. Na boca de beco. Voce abusu. Carolina. Garota de Ipanema. Corcovado. Morena flor. Marina. Paiol de polvora. Trocando em miudo. Katarina, Katarina.

Cantantes y músicos: Djavan, Vinicius de Moraes, Maria Creuza, Toquinho & Maria Medalha, Agostinho dos Santos, Jorge Ben, Chico Buarque & Toquinho, Zimbo Trio, Vinicius & Toquinho, Maria Bethania & Vinicius, Chico Buarque y Francia Hime.

Más portadas: De la misma colección Cores do Brasil están editados los discos titulados Vozes 0.01, Samba 0.02, Samba con jazz 0.04, Saudade 0.05 y Dança 0.06.

Apunte: Como complemento a los discos antes mencionados está la caja de cuatro cédes: Brasil, A Century of song: Um século de cançao (1995), donde se recogen diferentes estilos de la música brasileña del siglo XX, entre los que hay un generoso espacio para la bossa nova.

Celtrópolis (Clave Records) 1999

Alberto Conde Grupo

Portada: fotografía Ricardo Bará. Diseño y tratamiento digital de la imagen, J. Balsa Infografía

Alberto Conde consolida un estilo musical a partir de este disco al apostar por la fusión de los ritmos de Galicia con el jazz, pero dentro de un lenguaje universal que a nivel de composición impone el pianista. Tras A Lagoa dos Atlantes, Conde realizó un homenaje al litoral marino de Galicia mediante la combinación de las melodías tradicionales con el cosmopolitismo. Así al pìano, batería y bajo se suman otros instrumentos propios de la música popular gallega como gaitas, flautas, panderetas, panderos y violines, aunque también aparecen otros procedentes de diferentes culturas que forman parte de la denominada world music. Con semejante aporte instrumental no es extraño que la música de Conde se aproxime al folk pero desde un punto de vista diferente, matizado por el jazz que le inspira desde sus comienzos, incluso en las piezas más gallegas como Pequena suit o Mare Selenium.

Composiciones: Golfiños. Pontevella. Funky gaits. Pequena suit. A boar do comorán. Celtrópolis. Australia. Gaivotas. Mare Selenium Leviatán (demo dos mares). O navegar das baleas.

Músicos: Alberto Conde (piano), Kim García (bajo y darbuka), Andrés Rivas (batería, congas y bongos), Marcos Padrón (acordeón y percusiones), Xosé Luis Miguélez (gaitas, flautas traveseras, contralto y soprano), Marcos Campos (gaitas, flauta travesera, requinto y low whistles), Paco Juncal (violín), Aurora Filgueira (voces y panderetas), Luis Carballo (percusión, efectos, cántaro, djembé, pandero y pandereta), Silvia Costas (voces y panderetas).

Más portadas: Como Baio Ensemble, Paisaje (1985) y Diálogos (1990). Como Alberto Conde, A Lagoa dos atlantes (1997), Entremares (2004) y Andaina (2006).

Además: Las recientes actuaciones de Alberto Conde en Madrid se desarrollaron como trío, en el que además del pianista gallego se integran Baldo Martínez (contrabajo) y Nirankar Khalsa (batería y percusión).

Modern Times (Arista) 1975
Al Stewart
Portada: Hipgnosis

Al Stewart (1945) prepara en su sexto elepé, Modern Times, el camino hacia el éxito que se producirá en los dos siguiente discos. El cantautor escocés realiza un excelente trabajo en el que como de costumbre se acompaña de un excelente plantel de músicos que apoyan las crónicas líricas de Stewart, quien a mediados de la década de los setenta se había convertido en una de la bazas fuertes de la canción de autor de las Islas Británicas. Su labor musical, por fin, se veía recompensada con la aceptación por el público no sólo de los círculos del folk rock del Reino Unido, pues algunas de las canciones de Modern Times hacen propaganda de este título, porque Al no duda en adornar sus letras con un sonido contemporáneo, plenamente setentero, que, sin renunciar a las guitarras acústicas, se adentra vehementemente en la electricidad apoyada por una sólida sección de ritmo, e incluso va más lejos cuando en alguna pieza aparecen arreglos orquestales, caso de la canción que da título al disco y lo cierra, donde se luce también el guitarrista Tim Renwick. De todas maneras, el Al Stewart de siempre se reconoce en canciones básicas como Carol, Not The One, Apple Cider Reconstitution y The Dark And The Rolling Sea, representativas de un cambio de rumbo musical, aunque el cantautor mire hacia atrás sin ira en Next Time, donde semeja que está acompañando a los inolvidables guitarristas de Pentangle.

Canciones: Carol. Sirens Of Titan. What's Going On?. Not the One. Next Time. Apple Cider Reconstitution. The Dark And the Rolling Sea. Modern Times. Swallow Wind. A Sense Of Deja Vu. Willie the King.

Músicos: Al Stewart (guitarras y voz), Dave Ellis (guitarra), Simon Nico (guitarra), Tim Renwick (guitarra), Stuart Cowell (guitarra y dobro), Isaac Guillory (guitarra), Peter Wingfield (guitarra), Peter Wood:( teclados y acordeón), Graham Smith (armónica), George Ford (bajo), Peter Moss (bajo), Barry De Souza (batería), Gerry Conway (batería), Tony Carr (percusión), Chas Mills, Brian Bennett y Neil Lancaster (coros) , Alan Parsons (arreglos de cuerda) y Andrew Powelll (arreglos de cuerda).

Más portadas: Rhymes In Rooms (1992), Famous Last Words (1993), Between The Wars (1975), Down In The Cellar (2000), Time Passages Live (2002) y Beach Full Of Shells (2005).

Apunte: La edición en cedé correspondiente a 2005 de Modern Times incluye tres composiciones más Sweallod Wind, A Sense Déjà Vu y Willie The King. Por su parte, el veterano Al Stewart se encuentra en la actualidad de gira por Norteámerica, que se ha iniciado en Canmadá y continuará por varias ciudades de Estados Unidos hasta el mes de agosto.

Complete Recorded Works. Volume 2 16 December 1935 to 12 November 1936 (RST Records) 1991
Memphis Minnie
Portada: archivo Blues Document


Memphis Minnie (1897-1973) es el nombre artístico de Lizzi Douglas una de las mejores artistas de blues femenino que contribuyó durante la década de 1930 a la evolución de dicho estilo, en Estados Unidos, al fusionar elementos rurales con urbanos, como se puede comprobar en el legado dejado por la cantante y guitarrista en forma de canciones que se han convertido por derecho propio en clásicas del blues. En este disco recopilatorio de grabaciones realizadas entre finales de 1935 y noviembre de 1936, Memphis Minnie ofrece un repertorio en el que se nota desde la presencia de piezas destinadas al baile, con acompañamiento de piano y algún instrumento de viento, principalmente trompeta y saxofón, o simplmente blues rural en el que alcanza su máxima expresión la guitarra acústica, instrumento que Memphis Minnie dominaba desde joven. Fiel al espíritu del blues, Memphis Minnie despliega igualmente en sus canciones la instensidad propia de un estilo crudo y directo, donde el lirismo es sustituido por la intensidad. En esa línea están canciones como Ice Man, Hoodoo Lady, I'm Gamblin' Woman, I' m A Bad Luck Woman, Caught Me Wrong Again, Black Cat Blues, Good Morning, Man You Won' t Give Me No Money o If You See My Rooster, representativas de la madurez artística de la considerada reina del blues del Delta.

Canciones: Biting Blug Blues. Minnie's Lonesome Song. You Ain' t Done Nothing To Me. Ain't Nobody Home But Me (take 1). Ain't Nobody Home But Me (take 2). New Orleans Stop Time (Bumble Bee Slim & Memphis Minnie). Ice Man. Hodoo Lady. My Strange Man. I'm A Gamblin' Woman. I' m A Bad Luck Woman. Caught Me Wrong Again. Black Cat Blues (take 1). Black Cat Blues (take 2). Good Morning. Man You Won' t You No More. Out In The Cold. Dragging My Heart Around. Moonshine. It's Hard To Be Mistreated. Haunted House (take 1). Haunted House (take 2).

Músicos: Memphis Minnie (guitarra y voz), Black Bob (piano), probablemente Bill Settles (saxo barítono), Buble Bee Slim (voz), posiblemente Little Son Joe (segunda guitarra), Mr. Sheiks (trompeta) y algunos músicos desconocidos.

Más portadas: Complete Record Works Volume 1 (1935), Volume 3 (1937), Volume 4 (1938-1939), Volume 5 (1940-1941), Memphis Minnie And Kansas Joe, Volume 1 (1929-1930), Volume 2 (1930-1931), Volume 3 (1931-1932) y Volume 4 (1933-1934).

Apunte: Memphis Minnie, en la etapa anterior a las canciones de este recopilatorio, había desarrollado una carrera de éxito junto su marido de entonces, el también guitarrista, Kansas Joe, con el pasó sin grandes problemas el retroceso discográfico producido por la Depresión de 1929 que afectó de sobremanera al blues.

Will O' The Wisp (Shelter) 1975
Leon Russell
Portada: ilustración de Gailard Sartain

Leon Russell (1942) se ha convertido en uno de los mitos vivientes del rock que cuenta con un amplio historial como reputado músico de sesión para conocidos grupos y solistas como Gary Lewis & The Playboys, The Ronettes, Righteous Brothers, The Byrds, Ike & Tina Turner, Badfinger, Frank Sinatra, Herb Alpert, B.B. King, Eric Clapton, George Harrison, Rita Coolidge, Joe Cocker y Bob Dylan, entre otros. Sin embargo, Leon Russell a partir de la década de los setenta comenzó a grabar discos con su nombre, entre los que figura Will O' The Wisp, un álbum en el que el músico y compositor de Oklahoma apuesta por los ritmos del soul, gospel y funk, así como por una experimentación musical con predominio de sintetizador, entonces -a mediados de la década de l970- un artilugio muy representativo del rock progresivo. Estas claves, sin embargo, salvo composiciones concretas, como el instrumental que abre el elepé, no hacen desaparecer el característico sonido de Leon Russell que se escucha mejor en las canciones de raíz negra Make You Fell Good, Stay Away From Sad Song, Back To The Island, Bluebird, Laying Right Here In Heaven y Lady Blue, es decir casi todo, y donde también hay que destacar los coros de la cantante Mary McCreary, en aquellos tiempos esposa de Leon, y músicos habituales del círculo de Russell como J. J. Cale, Steve Cropper o Carl Raddle. Del resto del material hay que resaltar los guiños al rock and roll (Make You Fell Good) y pop (My Father's Shoes o Down On Deep River), quizás representativas de la respuesta norteamericana al también pianista, triunfador y británico, Elton John.

Canciones: Will O' The Wisp (instrumental). Little Hideway. Make Your Feel Good. Can' t Get Over Losing You. My Father's Shoes. Stay Away From Sad Songs. Back To The Island. Down On Deep River. Bluebird. Laying Right Here In Heaven. Lady Blue.

Músicos: Leon Russell (órgano, sintetizador teclados, clavinete, guitarras acústica y eléctrica, slide guitar, piano, guica, bajo y voz), Mary McCreary (teclados, percusión y voz), J.J. Cale (guitarra eléctrica), Steve Cropper (guitarra eléctrica), Bobby Manuel (guitarra eléctrica), Patrick Tommy Allsup (guitarras eléctrica y acústica), Donald Duck Dunn (bajo), Moon Calhoum (batería), Teddy Jack (batería), Ambrose Campbell (batería y percusión), Masako Hirayama (flauta japonesa de madera), Patrick Henderson (órgano y percusión)), Don Preston (guitarra), Carl Radle (bajo), Carl Himmel (batería y percusión), Jim Horn (saxofón), Al Jakson Jr. (batería y percusión) y Jim Keltner (batería y percusión).

Más portadas: Leon Russell (1970), Asylum Choir II (1971), Leon Russell And The Shelter People (1971), Carney (1972), Hank Wilson's Back (1972), Leon Live (1975), Wedding Album (1976), Hank Wilson vol. 2 (1984), Anything Can Happen (1992), Hank Wilson Vol. 3: Legend In Muy Time (1998), Moonlight & Love Songs (2002) y Angel In Disguise (2007).

Apunte: Leon Rusell continúa más vivo que nunca con seis largas décadas a las espaldas. Como muestra, esos tres botones lanzados este año en formato cedé: Almost Piano, Bad Country y In Your Dreams. Además el músico y compositor se atreve con las actuaciones en directo que se anuncian en su página web.

Canal Strteet Jazz Band (CFE) 1982
Canal Street Jazz Band
Portada: diseño de Salvador Prior

Canal Street Jazz Band cogió el nombre de la célebre calle de Nueva Orleans que parte en dos la ciudad y centro estratégico de la difusión del jazz en sus comienzos. Fundado en 1967, con sede en Madrid es uno de los grupos animadores de la escena del jazz más tradicional principalmente en los diferentes clubes de Madrid dedicados a dicha música, como Whisky Jazz, Balboa Jazz y el más reciente Populart. En su primer larga duración, Canal Street Jazz Band ofrece un variado repertorio de estilos desde el dixieland al sonido de Chicago, es decir el jazz rancio pero no por ello entusiasta y alegre que se nutre de piezas de Duke Ellington, W.C. Handy, S. Willians y J.P. Johnson, entre otros. Con un sonido dinámico y cargado de clasicismo alegre, el combo madrileño recoge el legado de una música centenaria para reinterpretarla sin que pierda actualidad. Como testimonio de esta labor se pueden escuchar con deleite Royal Garden Blues, Creole Love Call, Saint Louis Blues, Charleston o Sweet Georgia Brown.

Composiciones: Royal Garden Blues. Aint't Misbehavin'. Ory's Creole Trombone. Creole Love Call. Avalon. Basin Sreet Blues. That's Plenty. Saint Louis Blues. Mood Indigo. I've Found A New Baby. Charleston. Sweet Georgia Brown.

Músicos: Roberrt C. Borde(saxo soprano), Jim Kashishian (trombón), Jeff Hughes (corneta), Fernando Sobrino (piano), Antonio Domínguez (bajo) y Enrique Llacer Regoll (batería).

Más portadas: Álbum nº 2 En Dirtecto, Álbum nº 3 En Directo y Álbum nº 4 En Directo.

Apunte: Canal Street Jazz Band ha actuado desde el 3 al 10 de este mes en el Café Populart, de la Calle Huertas(Madrid), uno de los centros de mayor prestigio a nivel jazzístico de España.

Blue Country Heart (Sony) 2002
Jorma Kaukonen
Portada: fotografía de Danny Clinch

 Jorma Kaukonen (Washington DC, 1940) desde sus comienzos ha demostrado una especial querencia por los sonidos acústicos relacionados con la música popular de Estados Unidos, incluso cuando militaba en The Jefferson Airplane no dudaba en colar entre rock y psicodelia de los años sesenta alguna pieza con su guitarra acústica en los discos de la banda de San Francisco (escucha Surrealistic Pillow). Más adelante con Hot Tuna y en solitario no escondió su admiración hacia bluesmen como Reverendo Gary Davis o Mississippi John Hurt, entre otros muchos, de quienes reinterpretó piezas tanto en actuaciones como en discos. Jorma vuelve a las andadas en 2002 con Blue Country Heart pero en la línea de recuperar viejas canciones de las décadas de 1920 y 1930, época en la que inevitablemente, para pesar de los puristas, músicas diversas confluyen entre sí y se interrelacionan. Country y blues, a pesar de las distancias raciales, tuvieron muchos elementos en común en los años anteriores y los inmediatamente posteriores a la gran crisis económica de 1929. Pero mejor que nadie lo explica con su música Jorma Kaukonen, quien enseguida se mete en el bolsillo al aficionado a los sonidos campestres mestizos mediante la interpretación de composiciones de Jimmie Rodgers, Dellmore Brothers o Jimmie Davis, por ejemplo Those Galmbers’s Blues, Blue Railroad Train y Red River Blues, pero también lo hace a la inversa con Bread Line Blues, canción protesta de Bessie Smith. De principio a fin, el disco recoge una música esencial en la cultura estadounidense gracias a la labor de los músicos que acompañan a Jorma Kaukonen, acertado en esta revitalización de estilos populares.

Canciones: Blue Railroad Train. Just Because Blues Stay Away From Me. Red River Blues. Bread Line Blues. Waiting For A Train. Those Gambler’s Blues. Tom Cat Blues. Big River Blues. Prohibition Blues. I’m Free From The Chain Gang Now. You And My Old Guitar. What Are They Doing In Heaven Today?

Músicos: Jorma Kaukonen (guitarra y voz), Sam Bush (mandolina, violín y coros), Jerry Douglas (dobro y weissenborn), Byron House (bajo y voz) y Béla Fleck (banjo en 2 y 5).

Más portadas: Quah (1974), Jorma (1979), Barbecue King (1980), Magic (1985), The Relix Bay Rock Shop (1992), The Land Of Heroes (1995), Jorma Kaukonen Christmas (1996), Too Many Years (1998) y Stars In My Crown (2007).

Apunte: Joma Kaukonen, a sus 67 años de edad, continúa de gira con su música. Así estemes tocará en Pomeroy Ohio. En abril estará en Trenton, Richmond, Larchmont y Wilkesboro. Seguirá su periplo por varias ciudades de Estados Unidos hasta el mes de octubre de este año.

Old Nº 1 (RCA) 1975
Guy Clark
Portada: The Grease Brothers y Susanna Clark

Guy Clark (1941) grabó un excelente elepé de presentación que acercó más el country al público en general seguidor de música popular. El compositor, cantante y guitarrista tejano de Austin aporta savia joven al centenario árbol country, a comienzos de la década de 1970, contribuyendo al mismo tiempo a promocionar a un grupo de artistas inquietos denominados “outlaws”, contrapuestos en estética e ideología a los veteranos del sonido campestre de Estados Unidos, entre los que se incluye él. Su primer larga duración está situado entre los mejor de Guy Clark que en esa ocasión echó mano de un acompañamiento tirando más a acústico que eléctrico, así como de unos deliciosos coros en los que destacan voces conocidas del country rock. Los seguidores de ese estilo enseguida captaron el carácter lírico de canciones como L.A. Freeway, That For The Fiddler, Texas 1947 o Like A Coat From The Cold, que han entrado con merecimiento en el canon, si es que existe, imprescindible del country setentero. Pero Guy también realiza guiños al folk más rebelde y al rock, estilos que sin duda forman parte de su aprendizaje, en piezas que compuso para otros y se atreve a revisitar Rita Ballou, A Níkel For The Fiddler y Desperados Waiting For The Train. Las dos últimas, entre otros ilustres, las cantaron los hermanos Everly, ya comentados en este blog.

Canciones: Rita Ballou. L.A. Freeway. She Ain’t Goin’Nowhere. A Nickel For The Fiddler. That Old Time Feeling. Texas 1947. Desperados Waiting For The Train. Like a Coat from the Cold. Instant Coffee Blues. Let Him Roll.

Músicos: Guy Clark (guitarra y voz), Chip Young (guitarra), Pat Carter (guitarra), Steve Gibson (guitarra), Dick Feller (guitarra), Jim Colvard (guitarra), Reggie Young (guitarra), Hal Rugg (dobro y pedal steel), Jack Hicks (dobro), David Briggs (piano), Chuck Cochran (piano), Shane Keister (piano), Lea Jane Berinati (piano), Mike Leach (bajo), Jerry Kroon (batería), Jerry Carrigan (batería), Larrie Londin (batería), Johnny Gimble (violin), Mickey Raphael (armónica) y Rodney Crowell, Lea Jane Berinati, Emmylou Harris, Pat Carter, Gary B. White, Florence Warner, Steve Earle y Sammi Smith (coros).

Más portadas: Texas Cookin (1976), Guy Clark (1978), The South Coast of Texas (1981), Better Days (1983), Old Friends (1988), Boats to Build (1992), Dublin Blues (1995), Keepers (1997), Cold Dog Soup (1999), Together at the Bluebird Cafe (with Townes Van Zandt and Steve Earle) (2001), The Dark (2002), Heartworn Highways (2006) y Workbench Songs (2006).

Apunte: Una forma de hacer un repaso desde un punto de vista actual de la obra de Guy Clark es recurriendo al disco titulado Live From Austin, TX, donde se puede escuchar el repertorio básico del compositor tejano, en el que aparecen algunas de las piezas de Old Nº 1.