Agüita que corre (Nuevos Medios) 1995

Carles Benavent

Portada: NM

Carles Benavent (1954) es sin duda un referente del jazz europeo que continúa sorprendiendo por la originalidad de sus proyectos musicales en los que tiene cabida el flamenco como base de inspiración. En esa línea se enmarca Agüita que corre, donde están presentes músicos de reconocida trayectoria como el guitarrista Paco de Lucía, el teclista Joan Albert Amargós, el saxofonista Jorge Pardo, el acordeonista Gil Goldstein... En fin todo el plantel que le acompañó en esta grabación merece respeto por su labor musical. Las piezas del disco fueron grabadas entre 1992 y 1994, en total 12 instrumentales de resonancias jazzísticas pero bajo el influjo flamenco, como se pone de manifiesto, por ejemplo, con la alegre ¡Viva Cai!, y sigue con El tiempo vuela, la camaronera Dicen de mí y De perdidos al río. Esta última con el añadido de un acordeón tanguero. En ellas está presente el duende del toque de guitarra de Paco de Lucía, compañero en muchos escenarios y varios discos. Carles no se olvida del jazz y el jazz rock, apoyos que le sirven para dar rienda suelta a su virtuosismo. Para apreciar esta faceta basta con escuchar Madrid, En buenas manos, Guindilla y Joanna. De la polifacética labor de Benavent en pro de la búsqueda de otras sonoridades también merece la pena el título Angelique & Helen.

Composiciones: Madrid. ¡Viva Cai!. El tiempo vuela. Luna de Santiago. En buenas manos. Mantequilla. Dicen de mí. De perdidos al río. Joanna. Ushi. Guindilla. Angelique & Helen.

Músicos: Carles Benavent (bajo, mandola, mandolina y piccolo), Paco de Lucía (guitarra), Tino Di Geraldo (batería, percusión y palmas), Jorge Pardo (saxofón), Rubem Dantas (percusión), Gil Goldstein (acordeón), Joan Albert Amargós (piano y teclados), Josep Mass Kitflus (teclados), Nan Mercader (percusión), Jean Marie Ecay (guitarra), Pere Bardagí (violín) y Salvador Niebla (batería).

Más portadas: Carles Benavent (1983), Mantequilla-con Salvador Font- (1983), Dos de copas -con Joan Albert Amargós- (1985), Colors -con J.A. Amargós- (1989), Fenix (1996), Aigua (2003) y Sumando (2006),  Carles Benavent Quartet (2009) y Un, dos, tres (2011).

Apunte: Carles Benavent Quartet es el nombre del grupo del bajista catalán que incluye además en su formación a Roger Blavic (batería y percusión), Ravid Goldschmidt (hang) y Aleix Pujol (sintetizador de guitarra y citern). Otros proyectos llevan los nombres de Benavent-Di Geraldo-Pardo y BBB Trío (con Jordi Bonell y Roger Blavia).

Abril en Nicaragua (Fonomusic) 1984 

Varios

Portada: Peter Boezewinkel

Abril en Nicaragua es el título de un disco doble que se enmarca dentro del apoyo de músicos y cantantes latinoamericanos a los sandinistas que obtuvieron el poder en las elecciones de 1984. El Concierto de la Paz en Cetroamérica era el resultado del clamor de mucha gente a favor de la resolución de la guerra civil que se desarrollaba desde hacía muchos años y se recrudeció una vez que los sandinistas accedieron al poder, lo cual no impidió la solidaridad de otras naciones para facilitar la reconstrucción del pequeño país centroamericano. La grabación del concierto se realizó gracias a la colaboración el Ministerio de Bienestar Social, Salud Pública y Cultura (Holanda), Ministerio de Cultura (Grecia), Emaus Internacional, Novib Solidaridad, Thomas Kirche Gemeninde Düseldorf (Alemania), Ikon, Nos, KKLA, Tercer Cine y Enigrac.

Canciones: Disco 1. So soy de un pueblo sencillo. La maldición de Malinche. El Salvador. Para amar en tiempos de guerra. Quién tiene la voz. El sombrero azul. O que será Nao existe pecado. Canción del pueblo. Qué bonita bandera. Disco 2. Declaración de amor a Nicaragua. Canción para mi América. Eugenia. El dulce abismo. Canciòn urgente para Nicaragua. Nicaragua Nicaragüita. Chilotito tierno. No pasarán. Sólo le pido a Dios. Cuando tenga la tierra.

Cantantes y grupos: Luis Enrique Mejía Godoy. Gabino Palomares. Luis Rico. Amparo Ochoa. Ali Primera. Chico Buarque. Raymundo Fagner. Silverio Pérez & Quinteto Puertorriqueño. Daniel Viglietti. Adrián Goizueta & Grupo Experimental. Silvio Rodríguez. Carlos Mejía Godoy & Los Palapagüina. Mercedes Sosa.

Músicos: acompañamiento musical a Chico Buarque y Raymundo Fagner.Jamil Joanes (contrabajo), Manasses (guitarra y cavaquinho), Chico Batera (percusión), Helvius Vilhela (piano eléctrico) y Paolo Braga (batería). A Amparo Ochoa y Gabino Palomares. Daniel Sobereanes (bajo), Ramón Sánchez (flauta y saxoifón), Alberto Azcárate (guitarra), Armando Ibarra (bongós), Rafael Chichilla (piano eléctrico), Carlos Saavedra (batería) y Victor García (congas). A Carlos Mejía Godoy. Luis Emilio Martínez (bajo), Raúl Martínez (flauta) y Armando Ibarra (bongós). A Luis Rico. Álvaro Montenegro (flauta), Armando Ibarra (bongós) y Napoleón Escorcia (congas).

Más portadas: Nicaragua Presente! (1989), Antología Musical Nicaragüense (1997) y Nicaragüita (2005).

Blues de la frontera (Nuevos Medios) 1987

Pata Negra

Portada: Diseño Arte Cero y Juan Pacheco

Abanderados del nuevo flamenco, después de su paso por varias formaciones musicales, los hermanos Amador volvieron a entrar en el estudio de grabación en 1987, a pesar de que su fuerte era el directo, para montar Blues de la frontera. En total nueve canciones quedaron registradas en diferentes estilos: flamenco, blues, jazz y reggae. La cara A comienza con un homenaje muy rumbero a Federico García Lorca, aunque el palo más utilizado en este disco es la bulería, en parte por su tono más festero y porque también se adapta mejor al irreverente humor de los calés sevillanos. Los surrealistas textos y la guasa son constantes en su producción discográfica. En cuanto al blues, forma parte del bagaje de los jóvenes músicos relacionados con el flamenco, influencia que ya viene de atrás. Ejemplos los hay en bandas emblemáticas del rock progresivo andaluz que tuvo como centro difusor la ciudad de Sevilla. Raimundo y su hermano no dudaron en centrarse en estilo tan básico como popular con tal acierto que su fama traspasó fronteras, convirtiéndose su cuarto disco en la obra de referencia de un movimiento que comenzaba su andadura y que permanece en la actualidad gracias en parte a la labor innovadora de los Amador, quienes aprovechan también para cantarle a su colega Camarón. Al culto a este elepé también contribuyeron los excelentes músicos y cantantes que aportaron el sentimiento necesario para convertirlo en una grabación con duende. La portada en blanco y negro de los maqueados hermanos pertenece al colectivo Diseño Arte Cero y Juan Pacheco.

Canciones: Bodas de sangre, Blues de la frontera, Pasa la vida, Yo me quedo en Sevilla, How High the Moon, Camarón, Calle Betis, Lindo gatito y Lunático.

Músicos: Rafael Amador (voz y guitarras), Raimundo Amador (guitarra y bajo), Antonio Rodríguez y Carlos Carli (batería), Antonio Carmona “Habichuela” y Antonio Moreno “Tacita” (percusión), Charo González Manzano, Rocío y Elena (coros y palmas), Joss Matchell (contrabajo), Guadiana (palmas), Arturo Soriano (saxo), Manuel Marinelli (teclados), Juanjo Pizarro (bajo en “Lindo gatito”), Manuel Rodríguez (guitarra sintetizada en “How High the Moon”), Rafael Riqueni (guitarra flamenca en “Bodas de sangre” y Antonio Rodríguez (bajo en “Camarón”).

Más portadas: Pata Negra (1981), Rock gitano (1982), Guitarras callejeras (1983), Inspiración y locura (1988) y Pata Negra, en directo (1994).

Pass The Chicken & Listen (RCA) 1972

The Everly Brothers

Portada: RCA Victor

The Everly Brothers (Don y Phil) volvieron a trabajar con el guitarrista Chet Atkins (1924 - 2001) quien hizo de productor del dúo en la cuna del country: Nashvhille. Era una etapa de auge de los sonidos campestres menos ortodoxos que se estaban produciendo gracias a un puñado de hombres y mujeres que venían a dar savia nueva a un estilo tradicional. Los hermanos Everly contaron con la colaboración de los mejores músicos de estudio de la época, así como con las canciones de autores en línea ascendente a comienzos de la década de 1970, que aportaban un tono más roquero, una visión más realista y un carácter reivindicativo a sus canciones, entre otros, John Prine, Guy Clark, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson. El dúo también echó mano a creaciones de veteranos, entre las que se recoge Not Fade Away, de Buddy Holly, todo un clásico del rock and roll y contemporáneo de los Everly, quienes contaron asimismo con la colaboración del matrimonio F&B Bryant, base de algunos de los principales éxitos de Don y Phil en sus comienzos y en los años 60. 

El disco a pesar de todo no alcanzó el éxito esperado, quizás, aunque sus raíces se hunden en el country, porque los Everly se acercan más al pop con sus incuestionables voces que, sin embargo, resultan creíbles y con gancho en Lay It Down, Watchin’ It Go, Somebody Nobody Knows, A Níkel For the Fiddler y Rocky Top. Mas, Don y Phil, con el country tampoco lograron encarrilar su carrera discográfica, pues sumidos en una crisis de creatividad su continuidad se mantuvo por los viejos repertorios de sus mejores años y por estar considerados leyendas vivientes de otros tiempos.

Canciones: Lay It Down. Husbands And Wives. Woman Don’t You Try Tie Me Down. Sweet Memories. Ladies Love Outlaws. Not Fade Away. Watchin’ It Go. Paradise. Somebody Nobody Knows. Good-Hearted Woman. A Níkel For The Fiddler. Rocky Top.


Músicos: Phil Everly (guitarra acústica y voz), Don Everly (guitarra acústica y voz), Paul Yandell (guitarra eléctrica y guitarra acústica), Chet Atkins (guitarra acústica), Dale Sellers (guitarra eléctrica, guitarra acústica y dobro), Peter Wade (guitarra eléctrica y guitarra acústica), Bobby Thompson (guitarra acústica y banjo), Weldon Myrick (steel guitar), Harold Rugg (steel guitar), Hargus Robins (piano y órgano), David Brigss (piano), Steve Schaffer (bajo), Ralph Gallant (batería), Johnny Gimble (violín y mandolina).

Más portadas: The Everly Brothers (1958), Fabulous Style Of The Everly Brothers (1960), Both Sides An Evening (1961), Instant Party (1962), Beat And Soul (1965), Two Yanks In England (1966), Roots (1968), Stories We Could Tell (1972), EB 84 (1984), Born Yesterday (1985) y Some Hearts (1989).


Apunte: Pass The Chicken & Listen se puso a la venta en España dentro del doble elepé Country (RCA), de The Everly Brothers, en el que se incluía también Stories We Could Tell. La carátula del álbum incluía una fotografía coloreada de los hermanos Everly y ninguna información sobre los discos (músicos, años de grabación, estudios), pues se trataba de un disco coyuntural relacionado con una de las cíclicas etapas en alza del country rock de Estados Unidos.

Joue pas avec mes nerfs (Guimbarda) 1979

 François Béranger

Portada: Marc Garanger

François Béranger (1937-2003) fue soldado durante la guerra de Argelia y trabajador en la Renault, pero su verdadera vocación era cantar y componer, lo cual demostró hasta el final de sus días. Su legado consiste en varios discos de larga duración que descubren al cantor contestario que fue Béranger, en la mejor tradición libertaria de la chanson, lo cual se percibe en Joue pas aves mes nerfs, una grabación de 1979 que cerraba la década de mayor reconocimiento a la obra del cantautor francés. Joue pasa avec mes nerfs constituía un cambio de rumbo en la base musical de Beranger quien, sin embargo, mantenía el pulso firme para escribir canciones comprometidas con el tiempo que le tocó vivir. Esa militancia se nota en Chansons marrantes, Mamadou m'a dit, Je ne veux plus le savoir o Pour ma grand mére, en las que no faltan la crítica ácida del poder y de sus asalariados o el sarcasmo, pero también está presente la ternura, como pasa cuando se escucha la pieza que cierra el disco: A force.

Canciones: Cara A. Chanson marrantes—Canciones cachondas. Mamadou m´a dit—Mamadou me ha dicho. Je ne veux plus le savoir—Ya no quiero saberlo. Cara B. Joue pas aves mes nerfs –No jueges con mis nervios.Pour ma grand-mére (et J.P.C.)—A mi abuela (y J.P.C.). Tous ces milliers de kilometres—Esos miles de kilómetros. A Force—A la fuerza.

Músicos: François Beranger (voz), Jean-Pierre Gallito (guitarra), Bertrand Lajudie (teclados, sintetizadores), Jean-Yves Lozach (pedal steel), Serge Millerat (batería) y Jean-Pierre Pichot (bajo).

Más portadas: Tranche de vie (1970), Ça doit être bien (1971), La Chaise, (avec Rachel, Le tango de l'ennui...) (1973), Le monde bouge (1974), L'alternative (1975), En public (1977), Participe présent (1978), Article sans suite (1980), Da Capo (1982), Tout le monde s'aime (1984), Bravo à François Béranger (1989), Dure - mère (1989), Exterminator (1992), En avant ! (1997), En public 98 (1999), Profiter du temps (2002), Béranger chante Félix Leclerc (2003) y Le vrai changement -3 cd + 1 dvd- (2004).

 

 

A Celtic Heartbeat Christmas (Atlantic) 1996
Varios
Portada: Brendan Fitzpatrick

A Celtic Heartbeat Christmas, como decía desde la casa discográfica que lanzó el disco a nivel internacional no es una colección de canciones navideñas, algunas de origen tradicional, más bien se trata de piezas inspiradas en la Navidad con la popular Noche de Paz, en uno de los idiomas de origen celta Oiche Nollaig. El disco ofrece 14 canciones que van desde cantantes de lo que se conoció como el latido de la nueva música celta, de Irlanda, casos de Fiona Kennedy, a varios instrumentistas como la arpista Áine Minogue, pasando por grupos tan conocidos como Altan, Clannad, Anúna (vocal) o Nightnoise, sin olvidar otros músicos como el gaitero Cormac Breatnach, quienes constituyeron las referencias del nuevo folk de los noventa en Irlanda.

Canciones: Na Hu O Ho. The Snowy Path. A Dream In The Night. The Snowy Birch Trees. Maria Matrem Virginem.The Wexford Carol. The Night Before Christmas. No Sandman, No Santa. Winter, Fire And Snow. Oiche Nollaig. Christmas Pipes. Fairy Child. Oíche Chuain. Angels Are Singing.

Cantantes y grupos: Fiona Kennedy. Altan. Clannad. Thomas Loefke. Anúna. Nightnoise. Asheley Macsisaac. Brian Dunning. Benita Hill. Cormac Breatnach. Celtia. Declan Masterson. Aine Minogue.

Mas portadas: Celtic Christmas -3 CD- (2006) y Celtic Woman: A Christmas Celebration (2006).
 

 

 

 

 

 

Cartas mariñas (Lyricon) 1992

Emilio Cao

Portada: Coro Acarreta

En Cartas mariñas, Emilio Cao realizó un sentido homenaje a uno de los mejores poetas gallegos del siglo XX, Manuel Antonio (1900-1930), otro rianxeiro universal que desarrolló su lírica en tiempos de vanguardias literarias. El arpista y compositor recurre al poemario de Catro a catro, de donde procede el inolvidable Sos, que dice: Fuimos quedándonos solos/el Mar el barco y nosotros./Nos robaron el Sol./El paquebote esmaltado/que cosía líneas de humo/ágiles cuadros sin marco... Con semejantes cargas de lírica y de imaginería visual, las composiciones adaptadas por Emilio Cao, en las que introduce producción propia, convierten el disco en un trabajo que enlaza con sonidos folk, rock, populares -muiñeira incluida-, electrónicos e incluso étnicos, como los de la primera pieza, Canción sen palabras, en la que suena el sitar de Juan Alberto Arteche junto con la guitarra eléctrica tocada por Xesús Pimentel, que dan tono de modernidad a la poesía del piloto de altura que fue Manuel Antonio. La flauta de Carlos Núñez eleva el tono de la singladura melancólica que es O cartafol do vento. Las restantes piezas ahondan en el contenido marino de los textos del poeta gallego, sobre todo en Praias perdidas, sin duda indispensables para comprender la evolución del folk gallego durante la década de 1990.

Canciones: Canción sen palabras. Inconsciente amor. O cartafol do vento. Domador do mar. Os cobados do barandal. Vigo está tan lonxe. Pequena estela nova. Sos. Novos portos. Adeus. Prais perdidas. Estreaba o horizonte.

Músicos: Emilio Cao (arpa, sinterizadores, zanfona, flauta, mandolina, percusiones y voz), Xesús Pimentel (guitarra eléctrica), Nando de la Casa (sintetizadores y percusión), Manuel Alonso (violín), Pablo San Pedro (acordeón en Sos), Leilia (voces y percusiones en Adeus), Carlos Núñez (flauta O cartafol do vento), Manolo Barreiro Paparolo (silbidos en Novos portos) y Juan Alberto Arteche (sitar en Canción sen palabras).

Más portadas: Fonte do araño (1977), A pedra do destino (1979), No manto da agua (1982) y Amiga alba e delgada (1986).

Manuel Antonio

Yambú (Fantasy) 1958

Mongo Santamaría y sus Ritmos Afro - Cubanos

Portada: desconocida

Mongo Santamaría (1922-2003), percusionista de Cuba que desarrolló gran parte de su carrera artística en Estados Unidos, fue fiel a sus raíces raciales y culturales como demuestra este elepé de finales de la década de 1950 cuando muchos músicos de la isla caribeña iban a fijar su nueva residencia en Nueva York. Santamaría recuperó viejos sonidos con el grupo Sus Ritmos Afro-Cubano, acompañado de un coro de cinco voces. En esa línea de rescate pero con el objetivo de divulgar la esencia de los ritmos latinos, el percusionista cubano y su grupo dan ritmo a la herencia africana con sus cueros, sobre todo en Yeye, Yambu y Longoito, una demostración de virtuosismo que se adentra en el componente mitológico de África llevado por los esclavos al otro lado del Atlántico. De la misma manera que Mongo Santamaría y sus músicos entran en su herencia más negra, también lo hacen en la correspondiente a la influencia latina, caso de la rumba español que muy pronto fue adoptada por los cubanos. De esa enriquecedora mezcla, en el disco se escuchan Congomel, Macunsere, Copnga Pa Gozar, Mi guagancó y Columbia. No obstante, donde se puede disfrutar de la esencia afrocubana de la música intemporal de Mongo Santamaría es en la pieza titulada Timbales & Bongo, cuyo título dice bastante de uno de los míticos músicos latinos que llegó a influir en músicos de otros estilos, como el rock.

Composiciones: Yeye. Congobel. Macunsere. Timbales & Bongo. Yambu. Bricamo. Langoito. Conga Pa Gozar. Mi Guagancó. Columbia.

Músicos: Mongo Santamaría (conga, bongos y percusión), Modesto Durán (conga y percusión), Francisco Aguabella (conga y prcusión), Carlos Vidal (conga y percusión) y Pablo Mozo (percusión). Al McKibbon, Francisco Aguabella, Mercedes Hernández, Israel del Pino y Willie Bobo (coros).

Más portadas: Afro Cuban Drums (1955), Mongo (1959), ¡Sabroso! (1960), Watermelon Man (1962), Mongo Introduces La Lupe (1963), Mongo At The Village Gate (1964), Mongo's Way (1970), Boogalo (1973), Afro-Indio (1975), Fuego (1976), Sofrito (1976) Drums and Chants (1978), Red Hot (1979) e Images (1980).

Canterburied Sounds. Volume 1 (Voiceprint) 1998

Varios

Portada: pintura de Leslie Hopper

La ciudad de Canterbury fue en los primeros años de los sesenta el lugar de asentamiento de jóvenes incorformistas entre los que se encontraba un buen número de músicos que lejos del pop que lo invadía todo se pusieron a indagar en el free jazz, la vanguardia musical y otros estilos en teoría alejados del sistema de producción discográfica. En una onda libertaria, las primeras grabaciones del denominado sonido Canterbury se escuchan como piezas artesanales, a veces caóticas, otras más accesibles, pues hay que pensar que la improvisación no era ajena a gentes como los componentes de Caravan, Robert Wyatt, Brian Hooper, Wilde Flowers, Mike Ratledge y Zobe, grupos y solistas que formaban parte del auténtico núcleo de la citada escuela musical, de la que saldrán formaciones interesantes como Shoft Machine, entre otras, que durante los sesenta del siglo pasado contribuyeron a que la psicodelia se asentase como un sonido menos marginal y propiciaron también el sinfonismo ecléctico de la década siguiente. Esta pequeña antología de una docena de canciones resulta una curiosidad a tener en cuenta por las sorpresas que contiene desde primeras canciones de Ccaravan (Feelin', Reelin', Squealin') a prehistóricas maquetas de Robert Wyatt, Brian Hooper, Hugh Hooper y Mike Ratledge, algunas bajo la influencia de luminarias del jazz como Telonius Monk, aunque también se pueden escuchar alguna pieza roquera como el You Really Got Me, a cargo de los inclasificables Wilde Flowers, punto de partida de futuros estrellas del rock progresivo -Kevin Ayers y Richar Sinclair, entre otros-, o el estandar Summertime, revisitado por los miembros de la citada Caravan.

Composiciones: Feelin' , Reelin', Squealin'. Mummi. Da-Da-Dee/Bolivar Blues. Orientasian. You Really Got Me. Thinking Of You Baby. Man In A Deaf Corner. If Ever Leave You. Stop Me & Play One. Piano Standards I. Belsize Parked. Summertime.

Músicos: Caravan. Robert Wyatt & Brian Hopper. Mike Ratledge and Robert Wyatt. Wilde Flowers. Brian & Hugh Hopper, Mike Ratledge and Robert Wyatt. Zobe. Robert Wyatt plus A Guitarist. Mike Ratledge. Brian & Hugh Hopper & Robert Wyatt.

Más portadas: Canterburied Sounds. Volumes 2, 3 y 4 (1998) y Canterbury Tales-Nuggets From The Psychedelic Underground (2001).

Apunte: En la primera mitada de la década de los setenta, la naciente Virgin acogió a grupos y solistas procedentes del Canterbury Sound. Para más información, leed el post sobre Las Cosas del Virgin Sound, en este blog.

El rastro

Dead Kennedys

Edigsa

1981

• Matad a los pobres
• Vivas Las Vegas

Variaciones (Hispavox) 1971

Módulos

Portada: fotografía de W. Bass

Módulos demostraban en su segundo larga duración que no era grupo de discos sencillos de temporada. El cuarteto madrileño aireó el pop español de los setenta con una instrumentación propia convincente que remarcaba unos teclados en onda progresiva y guitarra limpia pero punzante por momentos, todo apoyado por una eficiente sección de ritmo que igual ofrecía composiciones impactantes como Adiós al ayer o Sólo tú, destinadas a subir en las listas de éxitos plagadas de canciones comerciales, que incursiones en sonidos más complejos. El poderío del grupo daba para atreverse con pasajes más largos que igual ahondaban en las posibilidades de la versión de un clásico de Simon & Garfunkel, El sonido del silencio, que una composición del cuarteto con aspiración a competir con el en teoría rock de calidad foráneo que todo lo invadía en aquellos comienzos de la década de 1970, caso de la canción Un nuevo día. Entre las dos opciones se enmarcan otras patentes del conjunto: Quiero olvidar, En mis sueños o Quisiera conseguir, en cuya creación participaban todos los miembros del grupo, quienes en el segundo elepé superaban la media de otras formaciones encumbradas de la época.

Canciones: Un nuevo día. Adiós al ayer. Sólo tú. El bandolero. Quiero olvidar. El sonido del silencio. En mis sueños. Juan. Quisiera conseguir.

Músicos: José Robles Rodríguez (voz, guitarra solista y percusión), Tomás Bohórquez Nieto (órgano Hammond, piano eléctrico melotrón, sintetizador moog, oboe, trompa, acordeón y triángulo), Juan Antonio García Reyzábal (batería, violín, piano y guitarra) y Emilio Bueno Flores (bajo y contrabajo).

Más portadas: Realidad (1970), Plenitud (1972), Módulos 4 (1974) y Módulos (1978).

David Johansen And The Harry Smiths (Chesky Records) 2000 

David Johansen 

Portada: slow Heart studio 

David Johansen (1950), el que fuera cantante de los New York Dolls, demuestra una especial habilidad para adaptarse a los tiempos que corren pero sin perder su personalidad ecléctica. De esa singularidad surgió David Johansen And The Harry Smiths, una formación de repertorio escorado hacia el blues y el country más rural, estilos que sirvieron para constatar por dónde iban y van las preferencias del cantante neoyorquino cuando mira hacia atrás sin perder el presente. El primer disco de Johansen con The Harry Smiths incluye 13 canciones, 50 minutos de música, que ofrecen versiones renovadas de Muddy Waters, Lightnin' Hopkins y Mississipi John Hurt, en lo que atañe al blues, así como varias piezas de autores desconocidos y una versión de la dylaniana: Delia. Todas las canciones tradicionales incluidas en el disco, desde James Alley Blues a Richland Woman, resultan creíbles en instrumentación y voz, pues mantienen ese ritmo hinóptico que sale de lo hondo del alma, algo que era innato a los trovadores de las encrucijadas de caminos de las primeras décadas del siglo XX en Estados Unidos.

Canciones: James Alley Blues. Darling, Do You Remember Me. Delia. Little Geneva. Well, I've Beeb To Memphis. Katie Mae. Old Dog Blue. Somebody Buy Me A Drink. Poor Boy Blues. On The Wall. Don't Start Me Talking. Oh Death. Richland Woman.

Músicos: David Johansen (guitarra, armónica y voz), Brian Koonin (guitarra y mandolina), Larry Salzman (guitarra y banjo), Kermit Driscoll (bajo y didgerido) y Joe Baron (percusión).

Más portadas: Shaker (2002) y Hubert Sumlin & David Johansen (2004).

Apunte: Durante una década David Johansen grabó y actuó en directo como Buster Poindexter. De esa etapa son los discos titulados: Buster Poindexter (1987), Buster Goes Berserk (1989), Buster's Happy Hour (1994) y Buster's Spanish Rocketship (1997).

Live in Madrid (Imposible Records) 1986

The Barracudas

Portada: Pedro Juanas

La banda anglocanadiense “The Barracudas” realizó varias actuaciones en Madrid en 1984, que fueron grabadas por una unidad móvil facilitada por un grupo de entusiastas españoles del rock and roll sin aditivos, quienes se encargaron de la edición dos años después de un elepé con 15 canciones representativas de los tres primeros discos del grupo. The Barracudas en directo ofrecía un estilo muy garajero con incursiones en la psicodelia y otros estilos de básicos del rock de los sesenta, con amplio protagonismo de las guitarras eléctricas y potente sección rítmica. Uno de los miembros de esta formación, el estadounidense Chris Wilson llegó a tocar en los míticos Flamin Groovies, lo cual dice mucho del estilo del entonces quinteto a punto de separarse, pero con muchos seguidores en Europa, sobre todo en Francia y España, además del Reino Unido, donde calaron hondo hasta el punto de que sus. Clásicos como You’re Gonna Miss Me, Codine, Chimes Of Freedom y Fortunate Son, se mezclan con piezas típicas de The Barracudas para tocar en directo: Bad News, Dealing With Today, Pieces Broken, We’re Living In Violent Times o I Can’ t Pretend.

Canciones: Grammar Of Misery, Bad News, This Ain’t My Time, Dealing With Today, You’ ve Come A Long Way, Pieces Broken, You’ re Gonna Miss Me, We’ re Living In Violent Times, Codine, I Ain’ t No Miracle Worker, Elevent Hourt, Barracuda, Chimes Of Freedom, I Can’ t Pretend y Fortunate Son.

Músicos: Robin Wills (guitarra y voz), Jeremy Gluck (voz), Jim Dikson (bajo y voz), Chris Wilson (guitarra y voz) y Mark Sheppard (batería).


Más portadas:  Drop Out (1981), Mean Time (1983) y Endeavour To Persevere (1984).

Quan l’aigua es queixa (RCA) 1979

Raimon

Portada: pintura de Joan Miró

El cantante de Xativa (Valencia) Raimon despide la década de los setenta con una grabación que demuestra la versatilidad de este hombre comprometido con la vida, la cual trata de explicarla mediante el uso atinado de la palabra en catalán, a veces puesta gracias a su inspiración y en otras ocasiones recurriendo a poetas como Ausias March y Salvador Espriú. Quan l’aigua es queixa sale a la venta en el año 1979 con una producción que se desvía del tópico de cantautor escueto a nivel instrumental. Orquesta, secciones de metales y cuerda, guitarras, flauta y piano acompañan la docena de textos elegidos por Raimon para este elepé. Como siempre la mirada del cantante es la vista de sus semejantes que tienen recuerdos (Perqué ningú no em contará el seus somnis), que se mueven de acuerdo con el ritmo de la ciudad (Al matins a ciutat), que sufren la soledad existencial (Fou un infant), padecen la injusticia (No el conexía de res) o simplemente reconocen la importancia de la amistad (Andreu, amigo). Raimon no se olvida de cantarle al amor y a la libertad en On és lo lloc on ma pensa repose y Nous cants de llibertad, respectivamente de Ausias March y Espriu, tan reales como las anteriores y llenas de sentimiento.

Canciones: Als matins a ciutat. L’última llum d’estiu. Un sol consell.No el coneixia de res. Nous cants de llibertat.I beg your pardon.Fou un infant. Perquè ningú no em contarà els seus somnis. Andreu, amic. I després de creure tant. Si em demanau lo greu turment que pas. On és lo lloc on ma pensa repose.

Músicos: Raimon (voz), Manuel Camp (piano, arreglos y dirección musical), Xavier Cubedo (contrabajo), Albert Cubero (guitarras), Santi Arisa (batería), Rafael Grimal (flauta, saxofón y clarinete), Ricard Roda (clarinete bajo), Domènec Segú (oboe), Josep M. Brotons (flauta, flauta baja y secciones de metal y cuerda).

Más portadas: Raimon a l’Olympia (1966), Cançons de la roda del temps (1966), Per destruir aquelle qui l’ha desert (1970), En vivo (1972), A Víctor Jara (1974), Campus de Bellaterra (1974), El recital de Madrid (1976) y Entre la nota i el so (1984).

Guitar Album (PDI Lands) 1985

Doc & Merle Watson

Portada: John Zielinski

El guitarrista y cantante invidente Doc  Watson (1923-2012)(1949-1985) volvía a grabar con su hijo Merle (1949-1985) un disco grande en diciembre de 1982 en los estudios Scruggs Sound de Nashville. En aquella ocasión, el álbum se centraba en las guitarras acústica pero con presencia de otros instrumentos de la música tradicional de los Estados Unidos. Banjo, mandolina, violín y armónica aportan la esencia campestre a la versatilidad del dúo familiar que resuelve con brillantez sus incursiones en otros estilos populares como el swing, la polka y el vals. La misma voluntad de artesanos musicales se evidencia en piezas cercanas al blues, ragtime y bluegrass que realzan asimismo la compenetración de padre e hijo cuando tocan sus respectivas guitarras. Todo el contenido del elepé constituye esencial para empaparse de melodías intemporales que ganan en virtuosismo gracias a Doc y Merle. Entre ellas Talking To Casey, Black Pine Waltz, Guitar Polka, Going To Chicago Blues, Black Mountain Rag, Cotton Row, Twinkley Twinkley y Gonna Lay Down My Old Guitar. 

Canciones: Sheeps In The Meadow/Stoney Fork. Talking To Casey. Liza/Lady Be Good. Black Pine Waltz. Guitar Polka. Going To Chicago Blues. Black Mountain Rag. Cotton Row. John Henry/Worried Blues. Twinke Twinkle. Take Me Out To Te Ballgame. Gonna Lay Down My Old Guitar.

Músicos: Doc Watson (guitarra, armónica y vocal), Merle Watson (guitarra y slide guitar), T Michael Coleman (bajo y guitarra en Cotton Row y armónica vocal), Mark O’ Connor (violín y mandolina) y Pat McInerney (percusión).

Más portadas: Doc & Merle Watson (1967), Live & Pickin’ (1979), Red Rocking Chair (1981) y Down South (1984).

The First And The Last (Statik Records)

New Race

Portada: Bob King, Mike Gethen y Marc Christowski

Durante los meses de abril y mayo de 1981, tres miembros de la banda australiana Radio Birdman, junto al guitarrista de The Stooges, Ron Asheton, y el baterista de MC5, Dennis Thompson, realizaron varias actuaciones en diferentes escenarios –Selina’s, Sgt. Peppers, Manly Vale Hotel y Crystal Ballroom-, bajo el nombre de New Race. La juventud de los australianos y la veteranía de los estadounidenses no supusieron ningún obstáculo a la hora de tocar en directo, como se puede apreciar en este elepé de dicha formación, en cuyos surcos queda clara la militancia roquera del quinteto. Cryng Sun, Haunted Road, Sad TV, Looking At You, November 22, 1963, Gotta Keep Moving o Columbia representan el rock acelerado y potente en el que confluyen los ritmos de las bandas más desquiciadas de Detroit, el hard de la costa Este norteamericana, el rock de garaje y el punk de finales de los setenta.

Canciones: Crying Sun. Haunted Road. Sad TV. Breaks My Heart. Looking At You. November 22, 1963. Alone In The End Zone. Love Kills. Gotta Keep Moving. Columbia.

Músicos: Ron Asheton (guitarra), Warwick Gilbert (bajo), Denis Tek (guitarra y voz), Dennis Thompson (batería y voz) Rob Younger (voz). Chris Masuak (guitarra en Columbia y Looking At You) y Clyde Bramley (voz en Crying Sun, Haunted Road y Columbia).

Más portadas: New Race (The First To Pay -1989- y The Second Wave -1999-). Radio Birdman (Radios Appear -1978- y Living Eyes -1981).