Algo más (Polydor). Tercer disco del grupo madrileño Los Secretos, cuarteto en el que militan los hermanos Urquijo (Álvaro, Enrique y Javier) y el percusionista Pedro A. Rico, quienes introducen alguna novedad en su estilo como el instrumental No me imagino, interpretado con la colaboración de Foi Gras, banda de country rock. La afición a los sonidos campestres por parte del cuarteto se manifestará en sucesivos elepés, como en este grabado en los meses de marzo y abril de 1983, donde también hay otra pieza, Hoy no, con predominio de instrumentos como el dobro. Mas Los Secretos conservan su faceta pop, en la que realmente se sienten más cómodos, principalmente Enrique Urquijo, que compone la mayoría de canciones de este álbum, considerado de transición. Del que sería líder del grupo aparecen algunas composiciones a tener en cuenta como De vuelta, Hoy no y El tiempo pasa, que junto a las dos mencionadas anteriormente subrayan la temática preferida de Enrique, la tristeza, el desamor, las esperas y el inexorable paso del tiempo. Por su parte, José María Granados, cantante de la banda Mamá, en aquellos años de la denominada movida madrileña, aporta Callejear, representativa del pop rock con predominio de guitarras limpias y armonías vocales. El diseño de la portada de este disco grande, dentro del estilo de los cómics, pertenece a OFF, que realiza así un homenaje al dibujante norteamericano Frank Robbins mediante la utilización de una viñeta de su popular personaje Johnny Hazard, según apuntó Dionisio Platel, a quien agradezco su dato.

Canciones: Algo más, Callejear, Tiene que cambiar, De vuelta, No me imagino (instrumental), No me imagino (cantada), Hoy no, El tiempo pasa, Perdida la ilusión y en el bar.

Músicos: Enrique Urquijo (bajo y voz), Pedro A. Díaz (batería, percusión y voz), Álvaro Urquijo (guitarra, guitarra de 12 cuerdas, guitarra acústica y voz) y Javier Urquijo (guitarra y voz). Colaboraciones. Luis J. Serrano (piano acústico, piano eléctrico, órgano, teclados y voz), Javier Encinas (armónica en Callejear), Arturo Marugán (dobro en Hoy no), J.A. Teruel (banjo en No me imagino), José María Granados (coros en Callejear) y J.L. Izaguirre (coros en Algo más y Hoy no). Colaboración especial del grupo Foi Gras en la canción No me imagino (instrumental). Sus miembros son Pedro López (mandolina), Arturo Marugán (dobro), Félix Angulo (contrabajo), J. Antonio Teruel (banjo), Álvaro Asenjo (violín) y Ramón Arroyo (guitarra acústica).

Otras portadas: Los Secretos (1981), Todo sigue igual (1982), El primer cruce (1986), Continuará (1987), Directo (1988), La calle del olvido (1989) y Adiós tristeza (1991).

Rock’N’Roll Gumbo (Movieplay-House Of The Blues Vol. 4). Henry Roeland Byrd, conocido como Professor Longhair (1918-1980), es uno de los principales representantes del blues de Nueva Orleans, estilo que adquiere inconfundible originalidad en la capital de Luisiana, a lo cual contribuye este recordado pianista, desde sus comienzos en los años cuarenta, al mezclarlo con gumbo, barrelhouse, boggie, música caribeña y rhythm and blues. Un ejemplo de esta música se encuentra en la canción Tipitina, grabada en 1974 con las restantes de este elepé que devolvió la fama perdida al Professor Longhair, quien había recuperado siete composiciones propias, entre ellas una de sus clásicas: (They Call Me) Doctor Professor Longhair, que refleja la espontaneidad del pianista alegre y despreocupado. Además realiza varias reinterpretaciones de piezas populares de Nueva Orleáns, como Junco Partner, Rockin’ Pneumonia y Mess Around, pero se atreve incluso con un hito del country, Jambalaya, que se adapta perfectamente al ritmo mestizo del pianista y sus acompañantes, entre los que figura el guitarrista y violinista texano Clarence Gatemouth Brown. La carátula del elepé incluye un dibujo de Jean Vern.


Canciones: Junco Partner, Meet Me Tomorrow Night, Doin’ It, How Long Has That Train Been Gone, Tipitina, Rockin’ Pneumonia, Jambalaya, Mean Ol’ World, Mess Around, Hey Now Baby y (They Call Me) Doctor Professor Longhair.

Músicos: Professor Longhair (voz y piano), Clarence Gatemouth Brown (guitarra), Julius Farmer (bajo), Shiba (batería) y Uganda (congas).

Otras portadas: New Orleáns Piano (1972), Live On The Queen Mary (1978), Crawfish Fiesta (1980), Mardi Gras In New Orleáns (1981) y House Party New Orleans Style (1987).

Carnaval (MCA Records). Spyro Gyra es uno de los grupos de pop jazz formado a finales de los años setenta por músicos profesionales de Estados Unidos que quieren dar rienda suelta a su creatividad dentro de una línea más autónoma a la que se impone en la grabación de discos de otros artistas. Después de un inspirado comienzo, Spyro Gyra entra en la década de los ochenta con buen pie al convertirse en una de las bandas de referencia del buen gusto musical refrendado por una limpia ejecución de su amplio repertorio. Carnaval (1980) mantiene la mezcla de estilos con incursiones en el jazz como se puede apreciar en la composición Café Amore, muy cercana al pop con ínfulas. En la siguiente, Dizzy, se nota un toque más roquero aunque fusionado con música brasileña y jazz, para a continuación pasar a un sonido atmosférico apoyado por un saxo evocador de ambientes calurosos (Awakening). El resto del elepé se completa con otras tantas composiciones en la línea de las anteriores, que se rompe con la última pieza, la que da título al álbum, Carnaval, que como su nombre indica está inspirada en una de las principales fiestas de los países latinoamericanos y caribeños, donde predomina la música bailable y divertida. La portada se identifica perfectamente con el título del elepé y está firmada por el artista Dave Heffernan.

Canciones: Café Amore, Dizzy, Awakening, Casaca, Foxtrot, Sweet And Savvy, Bittersweet y Carnaval.

Músicos: Michael Brecker (flauta y saxo tenor), Randy Brecker (flauta, saxo tenor y trompeta), Hiram Bullock (guitarra) Jay Beckenstein (piano y saxo alto), Jonathan Abramowitz (cuerdas y chelo), Sanford Allen (violin), Lamar Alsop Strings (viola), Crusher Bennett (percusión), Errol Bennett (percusión y conga), Chet Catallo (guitarra), David Darling (chelo), Peter Dimitriades (cuerdas), Steve Jordan (batería), Harold Kohon (cuerdas y violín), Eli Konikoff (batería), Steve Kroon (percusión), Jim Kurzdorfer (bajo), Jay Levy (cuerdas), Jesse Levy (chelo), Harry Lookofsky (violin), Guy Lumia (cuerdas y viola), Tom “Bones” Malone (trombón y trompeta), Rob Mounsey (sintetizador), Matthew Raimondi (cuerdas y violín), Dave Samuels (marimba y vibrafono), Allen W. Sanford (cuerdas),Tom Schuman (teclados, metales y arreglos de cuerda), Peter Simitriades (violin), Richard Sortomme (cuerdas y violín), Rick Strauss (guitarra), John Tropea (guitarra), Gerardo Velez (percusión) y Jeremy Wall (teclados, arreglos de metal y arreglos de cuerda).


Otras portadas: Spyro Gyra (1976), Morning Dance (1979), Catching The Sun (1980), Freetime (1981), Incognito (1982), Acces All Areas (1983), City Kids (1983), Alternating Currents (1985), Breakoat (1986), Stories Without Words (1987), Rites Of Summer (1988) y Point Of View (1989).

Torna Aviat (CBS/Sony). El catalán Lluís Llach afronta la década de los noventa con fuerza renovada como pone de manifiesto en su elepé Torna Aviat (1991), una obra de transición que confirma el sólido trabajo de varias décadas de uno de los cantautores más estimados de Europa. El disco con un discreto pero efectivo plantel de músicos recoge canciones cuyas letras están relacionadas con el amor, la nostalgia, la crítica, el sarcasmo y la insumisión. También se incluye un instrumental, La forja, de la banda sonora de la serie La forja de un rebelde, basada en la trilogía literaria del mismo título de Arturo Barea. Llach vuelva a crear ambientes cargados de sugerencias en los que su inconfundible voz tiene un destacado protagonismo, casos de Torna aviat y Roda. La segunda constituye un homenaje al poeta Miquel Maria i Pol. También hay que destacar Au blanca en la que interviene la cantante de ópera Victoria dels Ángeles. Sin llegar al nivel de las grandes obras de Llach, Torna Aviat es un elepé más de andar por casa, lo cual no le impide que contenga canciones imperecederas como el arte de Lluis. La realización del diseño de la carátula está firmada por Anatome.

Canciones: Roda, Torna aviat, Esquizoclub, La idea podria enamorar-te, Insubmís, Dóna’m sa mà, Au blanca y La forja.

Músicos: Lluis Llach (voz), Stefano Melone (teclados y arreglos), Jordi Armengol (guitarras eléctrica y acústica), Laura Almerich (guitarra clásica y marimba), Quico Rodríguez (bajo), Lluís Ribalta (batería) y Manuel Rabinad “Rabi” (flautas y sintetizador). Colaboraciones: Victòria dels Àngels, Josep Maria Alpiste, Grup Coral de Parlavà, Jorge Prado, Insubmissos del MOC, Mili KK y Assemblees antimilitaristas.

Otras portadas: Ara i aquí (1970), Lluís Llach a l’ Olympia (1973), Viatge a Itaca (1975), Barcelona, Gener de 1976 (1976), Campanadas a morts (1977), El meu amic el mar (1978), Sommiem (1979), Verges 50 (1980), Maremar (1985), Astres (1986) y Geografía (1988).

Wish You Where Here (EMI). El cuarteto británico Pink Floyd consigue convertirse en uno de los grandes referentes del rock progresivo de los años setenta debido, entre otros motivos, a la grabación de discos como este dedicado al que fue líder del grupo en sus comienzos, el compositor y guitarrista Syd Barrett. animador de la psicodelia musical de las Islas Británicas. Grabado en 1975, Whis You Where Here mantiene el estilo de álbum conceptual, muy en boga en la década de los setenta, en la pieza Shine On You Crazy Diamond, que abre y cierra el disco, composición divida a su vez en nueve partes, y dedicada a Barret. Este homenaje de apertura y cierre desarrolla cautivadoras melodías y atractivos solos de guitarra eléctrica de David Gilmour. Sin embargo, no hay que olvidar la acústica Wish You Where Here, todo un clásico del pop, que también está dedicada al mencionado miembro fundador del grupo. En este disco hay que mencionar además la colaboración del excelente cantautor Roy Harper, quien pone voz a Have Cigar. Welcome To The Machine, con su texto crítico a la entonces potente industria discográfica, se mantiene en el más puro estilo Pink Floyd que a mediados de los setenta comienza a ser más accesible, comercial, y se encamina al podio de los grandes con el apoyo en las ventas millonarias de sus discos y espectaculares giras con gran despliegue de medios. La portada está diseñada por colectivo Hipgnosis.

Canciones: Shine On You Crazy Diamond, Pts. 1-5, Welcome To The Machine, Have A Cigar, Wish You Were Here y Shine On You Crazy Diamond, Pts. 6-9.

Músicos: David Gilmour (guitarras y voz), Roger Waters (bajo, guitarra y voz), Rick Wright (teclados y voz) y Nick Mason (batería). Dick Parry (saxofón), Venetta Fields (voz), Roy Harper (voz) y Carlena Williams (voz).

Otras portadas: The Piper at the Gates of Dawn (1967), A Saucerful of Secrets (1968), More (1969), Ummagumma (1969), Atom Heart Mother (1970), Relics (1971), Meddle (1971), The Dark Side of the Moon (1973), Animals (1977), The Wall (1979), The Final Cut (1983), A Collection Of Great Dance Songs (1981), A Momentary Lapse of Reason (1987), Delicated Sound Of Thunder (1988) y The Division Bell (1994).

Greatest Hits (Tamla Motown). The Marvelettes. Año de edición 1966. Las primeras componentes de este grupo vocal femenino eran Gladys Horton, Katherino Anderson, Georgenna Tillman, Juanita Cowart y Wanda Young. Sus mejores momentos a nivel de éxitos discográficos fueron desde 1962 a 1966. Entre sus canciones destacan Please, Mister Postman, que también popularizaron en sus comienzos The Beatles, y en los años setenta el dúo norteamericano Carpenters. Sin duda es el grupo vocal con más fuerza de la primera mitad de los sesenta de la factoría Motown de Detroit. Apadrinadas por Smokey Robinson, que les componía canciones, interpretaban también piezas de los famosos Holland-Dozier-Holland e incluso de Marvin Gaye, cantante éste a quien a veces hacían los coros. En las grabaciones intervienen los músicos habituales de sesión de la discográfica Motow. El diseño de la carpeta es de H. Junior.

Canciones: Don' t Mess With Bill, You' re My Remedy, Locking Up My Heart, As Long As I Know He' s Mine, Too Many Fish In The Sea, Danger Heartbreak Dead Ahead, Please, Mister Postman, Playboy, Strange I Know, Forever, Twistin' Postman y Beechwood 4-5789.

Otras portadas: Please Mr. Postman (1961), Playboy (1962), Live On Stage (1963), The Marvelettes (1967(, Sophisticates Soul (1968), Inf Full Bloom (1969) y Return The Marvelettes (1970).

Greatest Hits (Tamla Motown). The Supremes, luego con el nombre de Diana Ross delante, al principio forman el trío Florence Ballard, Mary Wilson y Diana Ross. También cuentan en sus comienzos con la colaboración de los mejores compositores y músicos de sesión del sello Tamla Motow. Desde sus primeros discos triunfan no sólo ante el público norteamericano, sino que su su fama trasciende a todos los países donde se vendían sus discos. Varias de sus canciones ocuparon los primeros puestos de las listas de éxito. En 1966 se marcha Florence, y entra en su lugar Cindy Byrdsong. A partir de la marcha de Diana Roos, en 1970, The Supremes encara una nueva etapa hasta la desaparición en 1976. Este doble elepé de grandes éxitos ofrece canciones desde sus primeros elepés hasta 1967. La carátula tiene como motivo principal una pintura de Robert Taylor.

Canciones: When The Lovelight Starts, Shining Through His Eyes, Where Did Our Love Go, Ask Any Girl, Run, Run, Run, Stop! In The Name Of Love, Back In My Arms Again, Come See About Me, Nothing But Heartaches, Everything Is Good About You, I Hear-A Simponhy, Love Is Here And Now You're Gone, My World Is Empty Without You, Whisper You Love Me Boy, The Happening, You Keep Me Hanging' On, You Can't Hurry Love, Standing AT The Crossroads Of Love, Love Is Like An Itching In My Heart y There's No Stopping Us Now.

Otras portadas: Meet The Supremes (1963), Where Did Our Love Go (1964), A Bit Of Liverpool (1964), We Remeber San Cooke (1965), At The Copa (1965), I Hear Symphony (1966), A Go Go (1966), Reflections (1967) y Love Child (1968).

“Spaces” (Vanguard). El inquieto guitarrista Larry Coryell colabora en la consolidación de lo que se llama jazz fusión con este disco grabado en 1969, aunque difundido en la década siguiente, y en el que acompañan al instrumentista norteamericano conocidos músicos como John McLaughlin, Chick Corea, Miroslav Vitous y Billy Cobham, virtuosos que a pesar de su juventud constituyen la vanguardia del nuevo jazz de finales de los años sesenta bastante enraizado en el bop. La primera pieza, que también sirve para el título del elepé, resalta ese sonido en el que se mezclan jazz y rock, algo habitual en aquella época cuando un grupo de músicos buscaba nuevas sendas para el estilo más clásico de la música negroamericana. Coryell demuestra su talento, sensibilidad y ritmo arrollador en esta composición. La segunda constituye un homenaje al mítico Danjo Reindhart mediante la reinterpretación de “Rene’ s Theme”, de Rene Thomas, por Coryell y McLaughlin con guitarras acústicas que no pierden el “swing” de la melodía original. Por su parte, “Gloria’ s Step, del contrabajista Scot Lafaro, contribuye a que Miroslav Vitous destaque por la utilización del contrabajo con arco, del que consigue sacar sonoridades que recuerdan al violín y al saxofón. El disco se completa con una nueva incursión en el jazz rock con “Wrong Is Right” y lucimiento de McLaughlin a la guitarra eléctrica, mientras que el pianista Chick Corea aporta su técnica infinita al piano eléctrico cuando se adentra en “Chris”. Al final, Larry Coryell se encarga de cerrar el disco con una pieza minimalista interpretada con guitarra acústica para recordar una fecha y un lugar. La portada del elepé recoge una pintura de Jacques Wyrs.

Canciones: “Spaces (Infinite)”, “Rene’s Theme”, “Gloria’s Step”, “Wrong Is Right”, “Chris”, “New Year’s Day in Los Angeles – 1968”.

Músicos: Larry Coryell (guitarras, teclados y sintetizador), John McLaughlin (guitarras), Chick Corea (teclados, piano y piano elécrico), Billy Cobham (batería) y Miroslav Vitous (bajo).

Otras portadas: Lady Coryell (1969), Barefoot Boy (1971), Live at the Village Gate (1971), Offering (1972), Introducing Larry Coryell & The 11th House Vanguard (1972), The Real Great Escape (1973), At Montreux (1974), Restful Mind (1974), Planet End (1975), Twin House (1976),Tributaries (1978), Splendid (1978), Return (1979), Bolero (1981) y Shinning Our (1989).

“Nacha Pop” (Hispavox). El cuarteto madrileño Nacha Pop es sin duda uno de los mejores grupos de la música pop de los años ochenta en España que tras los iniciales comienzos en actuaciones, pone a la venta un elepé con una docena de canciones, algunas de ellas clásicas de aquella época, de la movida, según denominación de representantes de medios de comunicación. “Chica de ayer” y “Nadie puede parar” son auténticos himnos de su tiempo, que, a su vez, confirman las excelentes dotes para la composición del cantante y guitarrista Antonio Vega y también de Nacho G. Vega, quienes facturan a la vez una música dinámica. Una prueba son las piezas “Antes de que salga el sol” y “Eres tan triste”, representativas de un pop fresco y con mucho empuje, basado en guitarras limpias. Desde este primer disco grande, se pone de manifiesto el talento de Antonio Vega a la hora de crear canciones cargadas, en la mayoría de los casos, de melancolía, pero no como pose sino como algo sentido, es decir con sensibilidad. La carpeta de este elepé de estreno incluye en la portada una fotografía con los cuatro miembros del grupo, realizada por Juan Ramón Yuste.

Canciones: “Antes de que salga el sol”, “Lloviendo en la ciudad”, “Déjame algo”, “Chica de ayer”, “Sol del Caribe”, “50 Pop”, “Nadie puede parar”, “Cita con el rock and roll”, “Circo”, “Eres tan triste”, “Miedo al terror” y “Mujer de cristal”.

Músicos: Antonio Vega (guitarra y voz), Nacho G. Vega (guitarra y voz), Carlos Pascow (bajo) y Ñete (batería). Teddy Bautista (teclados).

Otras portadas: Buena disposición (1982), Más números, otras letras (1983), Dibujos animados (1985) y El momento (1987).

“The Year Of The Cat” (Arista). El escocés Al Stewart alcanza la cima de las listas de éxitos musicales con este año del gato (1976), después de bastante tiempo de buscar un hueco en el mundo del rock británico. Con un sonido entre acústico y eléctrico suave, de acuerdo con el folk británico de mediados de los sesenta, Al Stewart mantiene lo mejor de sí mediante canciones impactantes, entre otras la que da título al elepé y “On The Border”. Melodías deliciosas e instrumentación precisa con la presencia de instrumentos un tanto originales como el violín y el saxo, a los que se añaden arreglos de cuerda nada pretenciosos. Stewart no desprende tampoco de su faceta de cantautor, la cual adquiere una proyección más universal al adaptarse al eficaz acompañamiento musical protagonizado por relevantes instrumentistas. Destacan los guitarristas Peter White y Tim Renwick; los teclistas, Peter Wood y Don Lobster, y el violinista Bobby Bruce, quienes sobresalen en “Lord Greenville”, “Midas Shadow”, “San In Your Shoes”, “Broadway Hotel” o “One Stage befote”, en las cuales se nota la inspiración y el saber hacer musical de Al Stewart. La portada del disco constituye otro de los deliciosos trabajos de diseño del colectivo Hipgnosis, habitual en los discos de los años setenta del cantante escocés.

Canciones: “Lord Grenville”, “On the Border, “Midas Shadow”, “Sand In Your Shoes”, “If It Doesn’t Come Naturally”, “Leave It”, “Flying Sorcery”, “Broadway Hotel”, “One Stage Before” y “Year Of The Cat”.

Músicos: Al Stewart (guitarra, teclados y voz), Peter White (guitarra y teclados), Tim Renwick (guitarra), Peter Wood (teclados), Stuart Elliot (percusión, batería y voz), George Ford (bajo), Bobby Bruce (violin), Graham Smith (armónica), Marion Driscoll (percusión y triángulo), Phil Kenzie (saxofón), Don Lobster (teclados), David Pack (voz), John G. Perry (voz), Andrew Powell (cuerdas y arreglos de cuerdas) yTony Rivers & The Castaways (coros).

Otras portadas: Bedsitter Images (1967), Love Chronicles (1969), Orange (1972), Past, Present and Future (1974), Modern Times (1975), Time Passages (1978), Russians & Americans (1984) y Last Days of the Century Enigma (1988).

“Then Play On” (Reprise). Fleetwood Mac, tres guitarristas, un bajista y un percusionista en 1969, año de grabación de este elepé, orienta su música hacia direcciones distintas, además de colaborar por otro lado con músicos negros de Norteamérica para practicar el blues que esta banda tiene como bandera desde sus primeros años de formación. El líder Peter Green compone canciones y deja también a sus compañeros que se abran a un público variopinto emparentado con el pop en proceso de cambios durante el último año de la década de los sesenta. En este sentido, el también guitarrista de la banda, Danny Kirwan aporta cinco composiciones que van desde el ritmo caribeño de “Coming Your” Way” a la balada “Although The Sun Is Shining”. Por su parte, Peter Green, además de blues, “Show-Biz Blues, “Underway” y “Rattlesnake Shake”, incluye en otras “Closing My Eyes”, “Before The Beginning” y “O Well”, esta última una canción de casi nueve minutos en la que se relevan guitarras eléctricas y acústicas hasta llegar a un punto que semeja música clásica. El resto del elepé se completa con piezas“Searching For Madge”, “Fightinf for Madge” o “Like Crying”, que con el tiempo demuestran que “The Play On” se tiene merecido el puesto de álbum más recordado de los primeros Fleetwood Mac, luego vendrían los tiempos de “Rumours”, pero esa es otra parte diferente de la historia del grupo británico. La portada del disco se adorna con una pintura de Maxwell Armfield

Canciones: “Coming Your Way”, “Closing My Eyes”, “Showbiz Blues”, “My Dream”, “Underway”, “Oh Well”, “Although the Sun Is Shining”, “Rattlesnake Shake”, “Searching For Madge”, “Fighting for Madge”, “When You Say”, “Like Crying” y “Before the Beginning”.

Músicos: Peter Green (guitarra y voz), Danny Kirwan (guitarra y voz), Jeremy Spencer (guitarra y voz), John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería).

Otras portadas: Peter Green’ s Fleetwood Mac (1968), Mr. Wonderful (1968), English Rose (1969), Pious Bir Of Good O Men (1969), Blues Jam in Chicago (1969), Kill House (1970), Future Game (1971), Greatest Hits (1971) y Bare Trees (1972).

“Outlandos d’ Amour” (A&M). Disco de estreno del trio The Police, dos ingleses y un norteamericano que revolucionan la escena musical británica de finales de los setenta y comienzos de los ochenta, con su singular militancia en sonidos que van desde el punk a la nueva ola, pasando por el reggae. Estilo este último del que van a sacar mucho provecho en sus primeros álbumes, principalmente en el de presentación (1978), donde aparecen algunos clásicos que determinados críticos han incluido en el apartado de reggae blanco: “So Lonely” y “Can’t Stand Losing You”. En general, el grupo demuestra una profesionalidad por encima de la media de otros grupos de aquellos años de ebullición dentro de la música pop. La experiencia en distintas bandas, la buena producción y la capacidad para escribir canciones con gancho, pero que se entienden, son los principales poderes del trío que no renuncia al rock directo y básico. Pruebas de este último se concretan en los títulos “Next to You”, “Peanuts” y “Truth Hits Everybody”, aunque “The Police” brilla con fuerza también en tiempos más lentos, caso de la inolvidable “Roxanne”, y hasta se atreve con registros exóticos como “Masoko Tanga”. Los miembros del grupo aparecen en la portada mediante una fotografía de Janette Beckman. El diseño corresponde a Les May y Michael Ross se encarga de la dirección artística.

Canciones: “Next to You”, “So Lonely”, “Roxanne”, “Hole in My Life”, “Peanuts”, “Can’t Stand Losing You”, “Truth Hits Everybody”, “Born in the 50’s”, “Be My Girl” y “Masoko Tanga”.

Músicos: Sting (bajo y voz), Stewart Copeland (batería y voz) y Andy Summers (guitarra y voz).

Otras portadas: Regatta de Blanc (1979), Zenyatta Mondatta (1980) y Ghost In The Machine (1981).

“Area Code 615” (Polydor). El country tiene en la segunda mitad de la década de los sesenta un excelente auge gracias a que distintos solistas y grupos de rock demuestran un especial interés hacia esta música con raíces para interpretarla fielmente, reinterpretarla o bien para mezclarla con otros ritmos. Bob Dylan, Joan Baez, Jonhy Cash, Waylon Jennings, Kris Kristoffeson, The Byrds o Poco son algunos de los nombres que aparecen en la larga lista de artistas que no renuncian a la búsqueda de sus raíces en la música popular blanca de Estados Unidos. Igual hicieron destacados músicos de estudio residentes en la zona de Nashville (Tennessee) en 1969, conocidos por participar en la grabación de numerosos discos de famosos y famosas, hábito con el que continúan cuatro décadas después de la grabación de este “Area Code 615”, mismo nombre que eligieron los virtuosos instrumentistas. Su estreno discográfico queda como una deliciosa muestra de elegante ejecución de composiciones propias y ajenas. Destacan entre las segundas tres piezas de The Beatles (“Hey Jude”, “Lady Madonna” y Get Back”, una de Otis Redding “I’ve Been Living You” y otra de Bob Dylan “Just Like Woman”). Este último había grabado algunos de sus discos con la participación de miembros de esta superbanda que representa el mejor country rock también en las composiciones propias, en las que se combinan sin complejos instrumentos tradicionales (violín, steel, piano, armónica, banjo y dobro) con guitarras eléctricas, bajo, órgano y batería. Los miembros del grupo aparecen fotografiados en la portada por Bob Cato.

Canciones: “Southern Comfort”, “I’ve Been Loving You”, “Hey Jude”, “Nashville 9 - NY 1”, “Lady Madonna”, “Ruby”, “Crazy Arms”, “Get Back”, “Why Ask Why”, “Lil’ Maggie”, “Classical Gas” y “Just Like a Woman”.

Músicos: Kenneth A. Buttrey Drums (batería), Mac Gayden (guitarra), Ken Lauber (piano), Charlie McCoy (armónica), Wayne Moss (bajo y guitarra), Weldon Myrick (guitarra y steel guitar), Norbert Putnam (bajo), Buddy Spicher (violín), David Briggs (piano) y Bobby Thompson (banjo y teclados).The Goodlettsville (sexteto de cuerda).

Otras portadas: A Trip In The Country (1970).

“Pet Sounds” (Capitol Records). El contenido de este elepé consigue saltar las barreras generacionales y mantenerse como uno de los que más influye en músicos de diferentes ámbitos, hasta el punto de figurar entre los tres primeros discos de la música pop del siglo XX. “Pet Sounds”, grabado en 1966, con gran despliegue de músicos profesionales y orquestación al estilo de Phil Spector, incluye por mayoría absoluta composiciones de Brian Wilson, quien en sus anteriores álbumes ya dio muestras de buscar otras alternativas al sonido alegre y surfero de su grupo. Algo de rock, apuntes de folk, baladas intimistas y juegos de voces ejemplares, constituyen las principales garantías de este trabajado elepé de estudio. Para siempre quedan canciones como “Wouldn’t It Be Nice”, “You Still Believe In Me”, “I’m Waiting For The Day”, “Sloop John B”, “God Only Knows”, “I Know There’s An Answer”, “Here Today” y “I Just Wasn’t Made For These Times”. Considerado el antecesor del “Sgt. Pepper’ s Lonely Hearts Club Band, grabado en 1967 por los británicos The Beatles, “Pet Sounds” en el año de su lanzamiento no obtuvo el reconocimiento del público, pero con el tiempo se ha ido colocando entre las grabaciones fundamentales en la evolución del pop. La portada del elepé ofrece una fotografía de The Beach Boys, en el zoológico de San Diego (California), hecha por George Jerman.

Canciones: “Wouldn’t It Be Nice”, “You Still Believe In Me”, “That’s Not Me, Don’t Talk (Put Your Head On My Shoulder)”, “I’m Waiting For The Day”, “Let’s Go Away For A While”, “Sloop John B”, “God Only Knows”, “I Know There’s An Answer”, “Here Today”, “I Just Wasn’t Made For These Times”, “Pet Sounds” y “Caroline No”.

Músicos: Brian Wilson (órgano, guitarra, piano, teclados, voz y arreglos), Carl Wilson (guitarra y voz), Dennis Wilson (batería y voz), Mike Love (voz) y Alan Jardine (voz).
Arnold Belnick (violin), Chuck Berghofer (string bass), Hal Blaine (bongo, tambor y batería), Norman Botnick (viola), Glen Campbell (guitarra), Frank Capp (percusión, glockenspiel, campanas, tambor y vibrafono), Al Casey (guitarra), Roy Caton (trompeta), Jerry Cole (guitarra), Gary Coleman (bongos y tambor)] Mike Deasy Sr. (guitarra), Al DeLory (órgano y piano), Joseph DiFiore (viola), Justin DiTullio (violonchelo), Steve Douglas (clarinete, flauta y saxofón), Saxophone, Sax (Tenor), Jesse Erlich (violonchelo), Carl Fortina (acordeón), Ritchie Frost (percusión y batería), James Getzoff (violin), Jim Gordon (percusión y batería), Bill Green (flauta, percusión y saxofón), Leonard Hartman (clarinete, clarinete bajo y “horn (english)”, Jim Horn (flauta, Saxo tenor y saxo baritono), Paul Horn (saxo tenor), Harry Hyams (viola), Jules Jacob (flauta), Plas Johnson (percusión y saxofón), Carol Kaye (bajo), Barney Kessel (guitarra y mandolina), Bobby Klein (saxo tenor), Larry Knechtel (órgano), William Kurash (violín), Frank Marocco (acordeón), Gail Martin (trombón), Nick Martinis (batería), Terry Melcher (pandereta y voz), Bruce Johnston (voz), Mike Melvoin (“harpsichord”), Jay Migliori (clarinete, flauta, clarinete bajo y saxofón), Tommy Morgan (armónica), Jack Nimitz (saxo barítono), Bill Pitman (guitarra), Ray Pohlman (guitarra, mandolina y bajo), Don Randi (piano), Jerome Reisler (violin), Lyle Ritz (ukulele y “string bass), Alan Robinson (“french horn”), Joseph Saxon (violonchelo), Ralph Schaeffer (violín), Sid Sharp (violín), Billy Strange (guitarras), Ernie Tack (trombón bajo), Tommy Tedesco (guitarra acústica), Darrel Terwilliger (viola), Julius Wechter (tambor, marimba y percusión latina ), Jerry Williams (percusión) y Tibor Zelig (violin).

Otras portadas: Surfin’ Safari (1962), Surfín’ USA (1963), Surfer Girl (1963), All Summer Long (1964), Today (1965), Summer Days (And Summer Nights) (1965), Smiley Smile (1967), Friendo (1968), 20/20 (1969), Surf’ s Up (1971), Carl And Te Passions So Tough (1972), Holland (1973), The Beach Boys In Concert (live) (1973), 20 Golden Greats (1976), Love You (1977) y Keepin’ The Summer Alive (1980).

“Shake Your Money Maker” (Def American). El quinteto de Atlanta (Georgia), “The Black Crowes” comenzaba su andadura discográfica con un elepé en el que se ponía de manifiesto que en la década de los noventa tenía cabida el rock and roll duro, que, sin ser heavy, mantenía desde los años sesenta la atención de admiradores de diferentes edades. Los componentes de los “cuervos negros”, a pesar de su juventud, realizaron un excelente trabajo en su debut discográfico. Todas las composiciones, excepto una versión de Otis Redding, pertenecen a los hermanos Robinson, cantante y uno de los guitarristas respectivamente, quienes se adentran con fuerza en el espíritu del rock genuino de The Rolling Stones, Faces, Humble Pie, Aerosmith o The Allman Brothers Band. Boggie, hard, soul, blues-rock y rock and roll en estado puro, atizado por guitarras potentes y sinuosas, sección de ritmo machacona y teclados sureños (El ex-Allman, Chuck Leavel, toca los teclados en el disco), constituyen la base sonora de la banda. El repertorio incluye canciones que impactaron en su tiempo: “Twice as Hard”, “Jealous Again”, “Hard to Handle” y “She Talks to Angels”, entre otras, las cuales sirvieron para dar a conocer al grupo a nivel mundial como una de las grandes esperanzas del rock and roll. El diseño de la portada corresponde a Alan Forbes Artwork, con fotografía de Ruth Leitman.


Canciones: “Twice as Hard”, “Jealous Again”, “Sister Luck”, “Could I've Been So Blind”, “Seeing Things”, “Hard to Handle” Redding 3:08, “Thick N’ Thin”, “She Talks to Angels”, “Struttin’ Blues” y “Stare It Cold”.


Músicos: Chris Robinson (cantante), Young Rich Robinson (guitarra), Jeff Cease (guitarra), Johnny Colt Bass y Steve Gorman (batería y percusión). Chuck Leavell (órgano y piano), Brendan O’ Brien (varios instrumentos) y Laura Creamer (coros).


Otras portadas: Amorica (1994).

Al Alba (Ariola). La madrileña Rosa León con el tercer elepé en solitario mantiene su colaboración con Luis Eduardo Aute, de quien incluye la canción que da título a este disco y relacionada con los últimos fusilamientos del régimen de Franco. Rosa forma parte de las cantantes que comenzaron su andadura discográfica en la primera mitad de los setenta recogiendo las composiciones de otros autores, como del citado Aute o de la escritora argentina María Elena Walsh. De ella grabó para este disco Canción de cuna para un gobernante. La excelente voz de Rosa, llena de matices, que en este álbum está dominada por un tono melancólico, va desgranando los versos de diferentes escritores, poetas y cantautores, de acuerdo con la producción realizada por el escritor gaditano José María Caballero Bonald, que utilizó un acompañamiento musical predominantemente de orquesta. Rosa León va relatando penas, tiempos pasados que no fueron mejores, homenajes a poetas (Antonio Machado y Pablo Neruda) y recuerdos de amores. A los compositores mencionados hay que añadir los nombres de Jesús Munárriz, Aníbal Nazoa, Juan Carlos Núñez, Carlos Álvarez, José Luis García Sánchez, Jaime Gil Biedma y Caballero Bonald. La parte artística del disco se completa con una carátula consistente en un montaje fotográfico, sin firma de autor, en el que aparecen la cantante y un amanecer.

Canciones: Al alba, Hemos viajado juntos, Punto y raya, Alguna vez, Pétalo (A Pablo Neruda), Canción de cuna para un gobernante, Qué va a quedar de estos días, Era, Mañana de ayer, de hoy y La palabra más tuya (A Antonio Machado).

Músicos: Rosa León (voz), César Gentili (arreglos y dirección musical) y José María Caballero Bonald (producción).

Otras portadas: De alguna manera (1973), Cuentopos (1974), Oído por ahí (1976), Tiempo al tiempo (1978), Canciones para niños (1983), Amigas Mías (1986), Canciones para niños (1988), Paloma desesperada (1989) y ¡Ay Amor! (1992).

“Tres Hombres” (Warner Bros). La línea de los grandes tríos de música rock enlaza en Tejas con el grupo ZZ Top, que en sus comienzos orienta su repertorio hacia el blues. No hay que olvidar que el estado de la estrella solitaria es cuna de conocidos bluesmen y blueswomen (Blind Lemon Jefferson, Mance Libscomp, Ligntnin’ Hopkins, Jimmi Rodgers, T-Bone Walter, Big Mama Torton, Freddie King, Johnny Winter o Steve Rai Vaughan). Algunos de estos y de otros ilustres guitarristas, sin duda, inspiran a los miembros de ZZTop, quienes en su tercer larga duración de 1973 ofrecen un sonido fuerte sin apenas concesiones a los largos solos de guitarra tan en boga entre los militantes del blues-rock. “Tres Hombres” constituye una de las mejores grabaciones en estudio de los”zetas” cuando no se habían dejado crecer las barbas que les caracterizan desde hace años. El álbum recoge mucho blues, pero también hay boggie y rock duro que resaltan la afilada guitarra de Gibbons y la contundente sección de ritmo de Hill y Beard. Sin embargo, a pesar de la excelente colección de canciones todas compuestas por el trío, la más conocido es “La Grange”, muy inclinada hacia blues electrificado de John Lee Hocker. La carpeta diseñada por Bill Narum se completa con fotografías hechas por Galen Scout.

Canciones: “Waitin’ For The Bus”, “Jesus Just Left Chicago”, “Beer Drinkers & Hell Raisers”, “Master Of Sparks”, “Hot, Blue And Righteous”, “Move Me On Down The Line”, “Precious And Grace”, “La Grange”, “Shiek” y “Have You Heard?”.

Músicos: Billy Gibbons (guitarra), Dusty Hill (bajo) y Frank Beard (batería).

Otras portadas: ZZ Top’s First Album (1970), Rio Grande Mud (1972), Fandango! (1975), Tejas (1976), The Best of ZZ Top (1977), Degüello (1979), El Loco (1981), Eliminator (1983) y Afterburner (1985).

“Rockin’n At The Hops” (Zafiro). Chuck Berry, el auténtico padre del rock and roll, tiene sus raíces en el blues como se puede apreciar en este elepé grabado entre los años 1959 y 1960, en el cual el guitarrista, cantante y compositor negro, nacido el 15 de febrero de 1926 en San José California, expresa su sentimiento de bluesman eléctrico en el mejor sentido de la palabra, como los grandes de dicho estilo. “Worried Life Blues”, “Confessin’ The Blues” y “Driftin’ Blues” son los ejemplos más claros de la base musical de Chuck Berry, quien gracias al dominio que tiene de la guitarra puede sacarle notas que nada tienen que envidiar a las de los bluesmen más reconocidos. Chuck ofrece además en este disco rock and roll clásico “Bye, Bye Johnny” y “I Got To Find My Baby”, de su propia cosecha, el segundo con saxofón incluido, pero también en composiciones de otros músicos se muestra seguro al interpretar la música popular más rompedora de mediados de los cincuenta. Éstas son “Down The Road A Piece”, “Childood Sweetheart” y “Let It Rock” La influencia de otros géneros más bailables y livianos, que preparan el camino al pop de los sesenta, se aprecia en “Too Pooped To Pop” y “Broken Arrow”. Pero también hay un instrumental titulado “Mad Lad”, adelanto del “surf” que unos años después popularizarán grupos de músicos blancos. La portada del elepé es obrade Vartan y DZN. The Design Group.

Canciones: “Bye, Bye Johnny”, “Worried Life Blues”, “Down The Road A Piece”, “Confessin’ The Blues”, “Too Pooped To Pop”, “Mad Lad”, “I Got To Find My Baby”, “Betty Jean”, “Childhood Sweetheart”, “Broken Arrow”, “Driftin’ Blues” y “Let It Rock”.

Músicos: Chuck Berry (guitarra y voz), Johnny Jhonson (piano), Willie Dixon (bajo), Matt Murphy (guitarra), Eddie Hardy (batería), Fred Below (batería), L.C. Davis (saxo), saxofonista desconocido en las canciones “Too Pooped To Pop”, “I Got To Find My Baby” y Driftin’ Blues”. Vocalista desconocido en “Betty Jean”, “Childhood Sweetheart”, “Broken Arrow”, “Driftin’ Blues”.

Otras portadas: Rock Rock Rock (1957), After School Session (1958), One Dozen Berrys (1958), Chuck Berry Is On Top (1959), New Juke-Box Hits (1961), Chuck Berry On Stage (1963), Chuck Berry In London (1965), Fresh Berry’ s (1965), Berry In Memphis (1967), From St. Louie To Frisco (1968), Back Home (1970), The London Chuck Berry Sessions (1972), Chuck Berry 75 (1975) y Hail! Hail! Rock And Roll (1987).

“Siniestro Total” (Dro). Primer elepé del grupo de Vigo Siniestro Total, cuarteto de punk y una de las alternativas periféricas de principios de los años ochenta a la movida madrileña. Iconoclastas y nihilistas en sus textos para canciones de no más de dos minutos, Siniestro Total consiguió atraer el público menos ortodoxo del rock and roll, de ahí que su elepé de estreno“Cuando se come aquí”, editado en 1982 y grabado en la entonces independiente Dro, fuera aclamado como una de las grabaciones más representativas de la década de los 80. En total fueron 15 canciones de títulos graciosos que describen rápidamente problemas sexuales, odio al movimiento de las flores, burlas a los nuevos dictadores, situaciones surrealistas en las geografías más exóticas o la locura de la vida. En lo referente a la música, no hay grandes alardes, sencillamente se trata de divertirse. La carátula del elepé también entra en la órbita de lo incorregible al ofrecer a los miembros del grupo como si fueran los cuatro hermanos Dalton del cómic francés Lucky Lucke, pero dibujados por Óscar Mariné.

Canciones: “Todos los ahorcados mueren empalmados”, “Ponte en mi lugar”, “El cobrador loco”, “Fuera las manos chinas del Vietnam socialista”, “Las tetas de mi novia”, “La revista”, “Matar jipis en las Cíes”, “Hoy voy a asesinarte”, “Los esqueletos no tienen pilila”, “Juegas al Palé”, “Los chochos voladores”, “Los mártires de Uganda”,
“(Aunque esté en el frenopático) Te tiraré del ático”, “Nocilla, ¡qué merendilla!” y “Ayatolah!”.

Músicos: Julián Hernandez (batería y coros), Miguel Costas (guitarra y coros) y German Coppini (voz). Arreglos de cuerda en “Nocilla, ¡qué merendilla¡”: A.R. Reixa; solo de bombardino en “Las tetas de mi novia”: M.M. Romón, y marimbas africanas en “Los mártires de Uganda”: P. Pofuentes.

Otras portadas: El regreso (1983), Menos mal que nos queda Portugal (1984), Bailaré sobre tu tumba (1985), De Hoy no pasa (1987), Me gusta como andas (1988) y En beneficio de todos (1990).

“People Like Us” (EMI-Odeón). El cuarteto mixto The Mamas & The Papas se reunía en el año 1971 para grabar este elepé que no iba a tener continuidad, con lo cual el grupo sería recordado como lo que fue siempre una formación autora de canciones suaves, con buenas melodías vocales. Esto último se puede apreciar en el disco que Mama Cass, Michelle Phillips, Denny Doherty y John Phillips intentaron colocar en las listas de éxitos como los grabados un lustro atrás. Sin embargo, a comienzos de los setenta cada uno de los componentes de “mamás” y “papás” estaba más ocupados en la búsqueda de una orientación individual a sus respectivas carreras artísticas que en trabajos colectivos, tal como se podía comprobar en los casos de Mama Cass y John Phillips, los que más temprano demostraron su continuidad en la música, pero cada uno por su lado. “People Like Us”, disco de compromiso, para tantear la reunión y giras promocionales del cuarteto, incluye algunas canciones que recuerdan la etapa más inspirada del grupo: “People Like Us”, “Step Out”, “Grasshopper”, “Snowqueen of Texas, “Pearl” y “Wanna Be a Star. La composición en la mayoría de los casos corre a cargo de John Phillips, quien no logra en esta ocasión llegar a un público masivo como antaño. El sueño californiano se había terminado. La carátula del disco presenta a los cuatro miembros del grupo fotografiados por Henry Diltz.

Canciones: “People Like Us”, Pacific Coast Highway”, Snowqueen of Texas, Shooting Star, Step Out, Lady Genevieve, No Dough, European Blueboy, Pearl, I Wanna Be a Star, Grasshopper y Blueberries for Breakfast,

Músicos: Mama Cass (voz), Michelle Phillips (voz), Denny Doherty (voz), John Phillips (teclados y voz), Donald Peake(guitarra), Louie Shelto (guitarra), David T. Walker (guitarra), Joe Sample (teclados), Clarencie McDonald (teclados), Gary Coleman (pandereta, drums (steel) campanas, vibráfono y shaker), Ed Greene (batería), Bobbye Hall (conga, pandereta, shaker y cabasa), Jim Horn (flauta y saxofón), Tony Newton (bajo) y Earl Palmer (batería).

Otras portadas: If You Can BelieveYour Eyes And Ears (1966), The Mamas & The Papas (1966), Deliver (1967), The Papas & The Mamas (1970) y 20 Golden Hits (1973).

“Sailor” (Capitol Records). El área de San Francisco fue escenario en la segunda mitad de los sesenta de la presencia de nuevas bandas de rock que conectaban con la psicodelia y el denominado rock ácido. Entre dichas formaciones, estaba The Steve Miller Band que llevaba el nombre de su líder y principal guitarrista, un joven de 23 años, pero todo un veterano en la música junto a su compañero el también guitarrista Boz Scaggs. Sin renunciar a los estilos en boga, el grupo de Steve orientaba buena parte de su repertorio hacia el blues, pero desde un punto de vista heterodoxo. Esta predilección por la música norteamericana con raíces incluía la revisión de piezas de clásicos como Jimmy Reed (“You’ re So Fine”) o de negros más jóvenes que el bluesman citado, caso de Johny “Guitar” Watson, cuando no era conocido todavía por su apodo, de quien interpretaba en “Sailor” la canción “Gangster of Love”. El disco, segundo de la cosecha de la banda de Steve, se abrió con una introducción psicodélica muy en la onda de ese estilo promocionado hasta la saciedad en aquel año de 1968. Hay una sensible declaración de amor como “Dear Mary”, pero predomina el rock de afilados solos de guitarra: “My Friend”, “Living in the U.S.A.” o “Dime-A-Dance Romance”. Steve Miller seguiría con su particular visión de mestizaje musical sin el éxito de sus dos primeros elepés hasta la siguiente década cuando alcance el éxito de ventas. La portada de “Sailor” está firmada por el fotógrafo Tom Weir.

Canciones: “Song for Our Ancestors”, “Dear Mary” , My Friend”, “Living in the U.S.A.”, “Quicksilver Girl”, “Lucky Man”, “Gangster of Love”, “You’re So Fine”, “Overdrive” y “Dime-A-Dance Romance”,

Músicos: Steve Miller (guitarras, armónica, sintetizador, teclados y voz), Boz Scaggs (guitarra y voz), Jim Peterman (teclados), Lonnie Turner (bajo y guitarra) y Tim Davis (batería y voz).

Otras portadas: Children of the Future (1968), Brave New World (1969), Number 5 (1970), The Jocker (1973), Fly Like an Eagle (1976), Book of Dreams (1977), Circle of Love (1981), Abracadabra (1982) y Born 2B Blue (1988).