David Gilmour (EMI-Odeón). La presentación discográfica en solitario del guitarrista inglés David Gilmour se producía en el año 1978 cuando el grupo en el que militó en Pink Floyd durante más de una década aún se mantenía como una de las mejores bandas de rock británica de todos los tiempos, principalmente para sus seguidores, o como una representación de los dinosaurios del rock, según la denominación de los más jóvenes que preferían la nueva ola y sus secuelas a la hora de escuchar o tocar música. A pesar de que los tiempos estaban cambiando en el panorama discográfico, Gilmour apostaba en su disco homónimo por un sonido próximo al de Pink Floyd, pero desde un punto de vista menos grandilocuente. Si la primera composición del disco, el instrumental Mihalis, semeja una de las composiciones de la citada formación británica, también es verdad que la guitarra de Gilmour semeja más suelta, más libre del protagonismo de otros instrumentos y efectos. Esto se percibe de forma más rotunda en las mejores canciones del elepé There No Way Out Of Here, So Far Away, Short And Sweet, No Way y I Can’t Breathe Anymore, que constituyen el adelanto de la carrera fructífera del inspirado guitarrista. En el diseño de la portada del disco intervinieron el colectivo Hipnosis y David Gilmour.

Canciones: Mihalis.There’s No Way Out Of Here. Cry From The Street. So Far Away. Short And Sweet. Raise My Rent. No Way. Deafinitely. I Can’t Breathe Anymore.

Músicos: David Gilmour (guitarras, teclados y voz), Rick Wills (bajo y voz), Willie Wilson (batería y percusión), Carlena Williams (voz), Debbie Doss (voz), Shirley Roden (voz), MickeyWeaver (piano).

Otras portadas: About Face (1984).

Switch (Polydor). Golden Earring es uno de los grupos más veteranos de Europa que brilla con luz propia desde comienzos de los años sesenta cuando sus miembros se colaron en la escena musical anglosajona sin complejos y con profesionalidad a la hora de competir con otras bandas más aclamadas. Tras el reconocimiento internacional por el elepé Moontan, en el que se incluía el éxito discográfico Radar Love, Golden Earring se convierte en quinteto al incorporar a un teclista que aparece en los créditos de Switch, disco grabado en 1975 por los músicos holandeses en uno de sus mejores momentos creativos. Sin dejar de lado su potente rock, la banda mantiene la contundencia instrumental de guitarras eléctricas, apoyadas por teclados de tendencia sinfónica, en tres de las mejores canciones de la primera cara: Love Is A Rodeo, The Switch y Kill Me (Ce Soir), así como Troubles&Hassles en la segunda. No obstante a su pesar de su tendencia hard, muy apoyada en la voz de Barry Hay, el grupo diversifica su elaborada oferta hacia terrenos de la música negra como el soul y ska, o bien hacia el rock progresivo, mediante composiciones como Tons Of Time, Daddy’s Gonna Save My Soul y The Lonesome D.J. El artista holandés Coorstian De Vries se encargó de ilustrar la portada del elepé.



Canciones: Intro/Plus Minus Absurdio. Love Is A Rodeo. The Swith. Kill Me (Ce Soir). Tons Of Time. Daddy’s Gonna Save My Soul. Troubles&Hassles. The Lonesome D.J.

Músicos: Barry Hay (voz), George Kooymans (guitarras y voz), Rinus Gerritsen (bajo y armónica), Cesar Zuiderwyk (batería y percusión) y Robert Jan Snips (teclados). Eelco Gelling (slide guitar), Bertus Borges (saxofón) y Robert Jan Stips (arreglos de cuerda en Kill Me (Ce Soir).

Otras portadas: Miracle Mirror (1968), Heigh Miles High (1969), Golden Earring (1970), Moontan (1973), To The Hit (1976), Live (1977), Prisioner Of The Night (1982) y Cut (1982).

En el Olympia (Polydor). Paco Ibáñez, trovador, voz del pueblo de España puesto a cantar, que canta en libertad, que nunca dice: no puedo más y aquí me quedo. Paco Ibáñez, el que vive en paz con los hombres y en guerra con sus entrañas, pero que sigue soñando un mundo al revés y al que la música militar nunca le supo levantar. Nacido en Valencia y residente en París durante años, fue en la capital francesa el 2 de diciembre de 1969, en el mítico escenario del Olimpia, donde grabó este disco doble que recoge canciones de sus primeros discos, aquellos en los que expuso su particular trabajo de difusor de poetas españoles de diferentes épocas. Paco Ibáñez popularizó versos de gentes tan dispares como el Arcipreste de Hita y José Agustín Goytisolo, Góngora y Gloria Fuertes, Quevedo y Blas de Otero, Jorge Manrique y Gabriel Celaya. También están recogidos versos de Antonio Machado, León Felipe, Federico García Lorca, Luis Cernuda, Rafael Alberti y Miguel Hernández. Otro poeta, éste de la canción francesa y amigo de Paco Ibáñez, aporta la mala reputación, todo un canto de inconformismo y rebeldía.

La grabación realizada en el último año de la década de los sesenta no pierde su intención de revolucionar los sentimientos de quien escuchas canciones melancólicas, a veces; otras, alegres, y siempre a favor de la libertad. Todo un clásico, la prueba está en que gentes de distintas edades se saben de memoria varias de las canciones incluidas en los dos discos. La fotografía de la portada es de J.P. Leloir.

Canciones: Déjame en paz amor tirano. Es amarga la verdad. Lo que puede el dinero. Nocturno. Soldadito boliviano. A Galopar. Canción del jinete. Coplas por la muerte de su padre. Y ríase la gente. Como tú. España en marcha. Balada del que nunca fue a Granada. Proverbios y cantares. Palabras para Julia. La mala reputación. Me llamarán. Me queda la palabra. Villancico. Me lo decía mi abuelito. Un español habla de su tierra. Andaluces de Jaén. La poesía es un arma cargada de futuro. A galopar.

Músicos: Paco Ibáñez (guitarra española y voz).

Otras portadas: Paco Ibáñez 1 (1964), Paco Ibáñez 2 (1967), Paco Ibáñez 3 (1969), A flor de tiempo (1978), Paco Ibáñez canta a Brassens (1980) y Por una canción (1990).

Piknik Caleidoscópico (Victoria Ediciones Musicales S.A.). El cuarteto catalán Los Negativos graba su primer disco grande en 1986, época de recuperación de estilos musicales de los años sesenta. La estética del grupo, tal como aparece en la fotografía de la portada, dice bastante de cuáles son sus bases: psicodelia, pop, rock de garaje, The Beatles, The Rolling Stones, The Byrds y The Beach Boys, entre otras referencias de la década prodigiosa en que se inspiraron los miembros de esta banda. De las 14 canciones del disco hay que destacar la pop roquera Stop!, la folk rock ¿Quién aplastó a la mariposa?, la estoniana Un día especial, las psicodélicas Cigarras panameñas y El Club del cerdo violeta y las garajeras Viaje al Norte y Moscas y arañas. En fin, todo un compendio de música de los sesenta con recuerdo a Brian Wilson y sus inspiradoras playas en Haciendo surf en mi mente. La fotografía de la portada corresponde a Jesús M. Fabrega y diseño de la carpeta a V. Morato.

Canciones: Stop. ¿Quién aplastó a la mariposa?.No soy yo la (psicoastenia). Graduado en underground. Cigarras panameñas. En una habitación realmente pequeña. Moscas y arañas. Pasando el tiempo.Viaje al norte. Un día especial. Mágico Víctor. El Club del cerdo violeta. Haciendo surf en mi mente. Cansados y decaídos.

Músicos: Alfredo Calonge (voz y guitarra), Carlos Estrada (bajo y voz), Roberto Grima (guitarra) y Valentín Morato (batería).


Otras portadas: 18º Sábado Amarillo (1987).

Shadowdance (Windham Hill). El grupo de Chicago Shadowfax graba en el año 1983 su cuarto elepé ya como septeto y con una orientación hacia melodías en las que tienen cabida variadas músicas, gracias a la inclusión de instrumentistas que aportan pasajes un tanto exóticos en las seis composiciones incluidas en el disco. Éste se abre con esa multiculturidad típica del sello discográfico Windham Hill, el mismo título lo dice, New Electric India, aunque con preponderancia del jazz rock tan bien ejecutado desde sus comienzos por Shadowfax y que se repite en la composición que da título al álbum. Este estilo alcanza su máxima expresión en una pieza de Don Cherry, Brown Rice/Karmaza Chenno, único tema en el que se utiliza una voz. El resto del disco recalca las tendencias melódica y acústica de la banda, Watercourse Way, Ghost Bird y Distant Voices, mientras que la faceta roquera es evidente en A Song For My Brother. La fotografía de la portada del elepé pertenece a John F. Cooper

Canciones: New Electric India. Watercourse Way. Ghost Bird. Shadowdance. Brown Rice/Karmapa Chenno. Distant Voices.A Song for My Brother.

Músicos: G.E. Stinson (guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas y voz en Brown Rice. Chuck Greenberg (lyricon, saxo tenor y flauta), Phil Maggini (bajo), Stuart Nevitt (batería, percusión y kelon vibes en Shadowdance), Jared Stewart (piano y sintetizador) y Jamii Szmadzinski (violín, violín barítono y alto psaltry en New Electric India). Emil Richards (percusiones, marimba, platillos y bamboo angklung), Michel Spiro (conga, guiro y percusión de mano), Mick Lehocky (percusión) y Adam Rudolph (tabla en New Electric India).

Otras portadas: Watercourse Way (1976), Too Fast To Whisper (1977), Shadowfax (1982), The Dreams Of Children (1984), Too Fear To Whisper (1986) y Folksong For A Nuclear Village (1987).

Dire Straits (Vertigo). Dire Straits es uno de los grupos británicos con un excelente estreno discográfico al que sobrevivió con otros notables trabajos hasta su disolución a mediados de los años noventa. En 1978 se ponía a la venta el disco que lleva el nombre del entonces cuarteto, formación representativa de lo que se ha venido llamando pub rock, un estilo posterior al punk que se produjo en Inglaterra y en el que tuvieron un especial protagonismo Brinsley Schwarz, Ian Dury & The Blockheads o Dr. Feelgood, entre otros, que a su vez sirvieron para consolidar sellos discográficos de carácter independiente. Con apoyo, en un fino guitarrista llamado Mark Knopfler, con voz parecida a la de J.J. Cale, el cuarteto recoge un sonido contagioso en el que se mezclan rock and roll, country, boggie y jazz, y del que tiene su máximo exponente en la canción Sultans Of Swing, todo un bombazo en el ambiente del rock de finales de los setenta, aunque el álbum de presentación del grupo también son agradables otras piezas como las tituladas Down To The Waterline, Water Of Love, In The Galery, Southbound Again y Wild West End. La carátula del disco incluye una pintura firmada por Chuck Loyola y Hothouse.


Canciones: Down To The Waterline. Water Of Love. Setting Me Up. Six Blade Knife. Southbound Again. Sultans Of Swing. In The Gallery. Wild West End. Lions.

Músicos: Mark Knopfler (guitarras y voz), David Knopfler (guitarra rítmica), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería).

Otras portadas: Communiqué (1979), Making Movies (1980), Love Over Gold (1982), Brothers In Arms (1985) y Money For Nothing (1988).

Bat Out Of Hell (Epic). Uno de los discos más vendidos en la historia del rock es esta grabación de Meat Loaf, hasta entonces un personaje desconocido en el cambiante universo del rock de finales de los años setenta. Con la presencia en la producción y arreglos de dos personajes de la talla de Todd Rundgren y Jim Steinman, Meat Loaf impacta con el grandilocuente Bat Out OF Hell, primera entrega de un título discográfico que tendrá continuidad en años posteriores. La primera parte de esta trilogía se caracteriza por la orquestación que domina toda la obra para dar así más énfasis a la épica juvenil escrita por Steinman y que tendrá sus mejores exponentes en You Took the Words Right out of My Mouth (Hot Summer Night), Two out of Three Ain’t Bad y Paradise by the Dashboard Light, las cuales obtienen un importante éxito entre los seguidores del rock, quienes no saben cuál definición aplicar al estilo del disco, pues en él se encuentran influencias de ópera rock, heavy, r&b y soul. Sin embargo, esta falta de marchamo sirve para que Bat Out Of Hell sea una de las tablas de salvación del agotado rock de finales de los setenta, un tanto desprestigiado por las hordas del punk y la new wave. La excelente voz de Meat Loaf y el trepidante ritmo del disco desde el comienzo hasta el final, con la inclusión de alguna balada con gancho, completan la originalidad del álbum. La portada del elepé expone una obra del ilustre dibujante de cómics Richard Corben.

Canciones: Bat Out of Hell. You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night). Heaven Can Wait. All Revved Up With No Place to Go. Two Out of Three Ain’t Bad. Paradise By the Dashboard Light. For Crying Out Loud.


Músicos: Meat Loaf (voz y percusión), Kasim Sulton (bajo y voz), Roy Bittan (piano y teclados), Jim Steinman (teclados, percusión y efectos especiales), Roger Powell (sintetizador), John Wilcox (batería), Max Weinberg (batería), Todd Rundgren (guitarra, percusión, teclados y voz), Edgar Winter (saxofón), Steve Margoshes (piano en For Crying Out Loud), Cheryl Hardwick (piano on For Crying Out Loud), Ellen Foley (voz), Rory Dodd (voz), Marcia McClain (voz en Hot Summer Night), Phil “Scooter” Rizzuto (voz) y Gene Orloff (director de New York Philharmonic y Philadelphia Orchestra).

Otras portadas: Dead Ringer (1981), Midnight At The Lost And Found (1983), Bad Attitude (1984) y Bat Out Of Hell II (1993).

On Throught The Night (Vertigo). Quinteto inglés correspondiente a la oleada heavy de comienzos de los ochenta que coge el relevo de bandas emblemáticas de la anterior década, pero sin caer en los excesos fantasiosos de sus antecesores a la hora de componer. Def Leppard debuta en el año 1980 con este disco en el que se impone el sonido básico de dos guitarras eléctricas, sección rítmica y cantante de voz aguda. Con este canon no hay grandes sorpresas en el álbum de estreno, donde los riffs de las guitarras combinan con bajo y batería sin tiempo para largas improvisaciones o epopeyas, exceción de tema que cierra el disco: Overture. El ritmo acelerado se impone mediante piezas como las tituladas Rock Brigada, Satellite, Rocks Offs, It Don’ t Matter o Answer To The Master, que constituyen el atractivo de una banda perfectamente coordinada para agradar a los seguidores del rock duro sin grandes complicaciones. La ilustración de la carátula del primer disco de Def Leppard lleva la firma de Melvin Smith.



Canciones: Rock Brigade. Hello America. Sorrow Is A Woman. Could Be You. Satellite. When The Walls Came Tumblin’ Down. Wasted. Rock Off. It Don’ t Matter. Answer To The Master. Overture.


Músicos: Steve Clark (guitarra), Rick Savage (bajo), Pete Willis (guitarra), Rick Allen (batería) y Joe Elliot (voz).





Otras portadas: High ‘N’ Dry (1981), Pyromania (1983), Hysteria (1987) y Adrenalize (1992).

In The Land Of Grey And Pink (Deram). El sonido Canterbury tiene en el grupo Caravan uno de los principales exponentes del rock progresivo de los años sesenta y setenta. Los discos segundo y tercero de dicha formación británica, If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You (1970) e In The Land Of Grey And Pink (1971), respectivamente se publicaron en España en un doble elepé bajo el título del segundo mencionado aquí. Composiciones de largo desarrollo en las que tienen cabida la improvisación y pasajes sinfónicos, apoyados en el jazz, la música clásica y, como no, en el rock, son los elementos que definen a esta banda que lleva a cabo una ruptura con los patrones de la música pop. Winter Wine, Nine Feet Undergroung, And I Wish Were Stond y Can’ t Be Long Now constituyen un viaje a pasajes sonoros en los que entran los teclados, con un notable protagonismo del melotrón, guitarras eléctricas y vientos (saxos y flautas), y asientan las bases de un estilo en el que entrarán con posteridad músicos de rock, principalmente británicos y de otros países de Europa. La ilustración de la carpeta pertenece a la artista Anne Marie Anderson

Canciones: Golf Girl. Winter Wine. Love to Love You (And Tonight). Pigs Will Fly. In the Land of Grey and Pink. Nine Feet Underground/Nigel Blows a Tune//Love’s a Friend/Make It 76/Dance OF The Seven Papers Hankes/Hold Grandad By The Nose/Honest I Did!/Disassociation/100% Proof. If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You. And I Wish I Were Stoned/Don’t Worry. As I Feel I Die With an Ear to the Ground You Can Make It/Martinian/Only Cox (Reprise). Hello Hello. Asforteri. Can’t Be Long Now/Francoise/For Richard/Warlock. Limits.

Músicos: Richard Sinclair (bajo, guitarra acústica y voz), Pye Hastings (guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz), David Sinclair (órgano, piano, melotrón, arpa y voz) y Richard Cughlan (batería y percusión). Jimmy Hastings (flauta y saxo tenor), Brother James (saxo y flauta) y David Drinsted (campanas e instrumentos de viento).

Otras portadas: Caravan (1968), Waterloo Lily (1972), For Girls Who Grow Plump The Night (1973), Caravan & The New Symphonia (1974), Cunnig Strunts (1975) y Blind Dog At St. Dungtans (1976).

Freeze Frame (EMI). La larga década de existencia del grupo norteamericano The J. Geils Band se nota en este disco de 1981 hasta el punto que el conocimiento por parte de sus miembros de los gustos del publico les permitió ser número 1 en USA, gracias a una acertada producción y la presencia en el elepé de canciones con gancho y acordes con las tendencias del momento. La costumbre de la banda tendente a difundir estilos de la música negroamericana, como blues, r&b y soul, queda un tanto difuminada en las canciones incluidas en Freeze Frame, pues desde esta pieza que abre el disco hasta la que lo cierra, Piss On The Wall, teclados y coros de voces adquieren un notable protagonismo, lo cual en algunos casos no constituye ningún desmérito, al contrario contribuye a darle más brillantez a la grabación en general. En esta dirección suenan en las partes rápidas: Rage The Cage, Insane , Insane Again y Flamethrower, mientras que Angel In Blue representa el ambiente reposado que Peter Wolf sabe expresar sin problemas y convicentemente gracias a su privilegiada garganta. La ilustración de la carpeta es de Georgann Deen.

Canciones: Freeze Frame. Rage In The Cage. Centerfold. Do You Remember When. Insane, Insane Again. Flamethrower. River Blindness. Angel In Blue. Piss On The Wall.

Músicos: Peter Wolf (voz), Seth Justman (teclados y voz), Magic Dick (armónica y saxo), J. Geils (guitarra), Daniel Klein (bajo) y Etephen Bladd (batería y voz). Metal en Frezze Frame y Angel In Blue: Randy Brecker, Ronnie Cuber, Lou Marini, Tom Melone, Alan Rubin y George Young. Voces en Angel In Blue: Luther Van Dross, Fonzi Thornton, Cissy Houston, Tawatha Age y Kenny Williams.

Otras portadas: The J. Geils Band (1970), Full House (1972), Bloodhost (1973), Ladies Invited (1973), Nightmares And Other Tales From The Vinyl (1974), Hotlive (1975), Sanctuary (1978) y Showtime! (1982).

Demons And Wizards (Bronze). La banda británica Uriah Heep al grabar su quinto elepé en 1972 contribuía a establecer rotundamente su fama de grupo de pimera fila de rock duro con toques de gótico, como el título del disco indica. Desde la primera canción, The Wizard,aunque se abra con una guitarra acústica, se nota la propensión del grupo hacia el hard rock con gran despliegue de guitarras eléctricas, unas veces distorsionadas por el wah wah, otras con toque psicodélico de fuzz y en alguna ocasión de acuerdo con los principios del rock sinfónico de los setenta. Entre tanta epopeya, personajes demoníacos y otros guiños al heavy, Uriah Heep también factura su éxito para las listas de discos más vendidos, caso de Easy Livin, una canción de impacto en la que sobresale la singular voz del cantante David Byron. Disco completo incluye asimismo composiciones más largas All My Life y The Spell, y alguna balada en plan épico Circle Of Hands, demostrativas del poderío musical de Uriah Heep en su mejor momento creativo. En la carpeta del elepé se utilizó una ilustración del inconfundible artista inglés Roger Dean.



Canciones: The Wizard. Traveller In Time. Easy Livin. Poets Justice. Circle Of Hands. Rainbow Demon. All My Life. Paradise. The Spell.


Músicos: Gary Thain (bajo), Lee Kerslake (batería y percusión), Mick Box (guitarras), Ken Hensley (teclados, guitarras y percusión) y David Byron (voz).





Otras portadas: Uriah Heep (1970), Very’ Eavy Very’ Umble (1970), Lool At Yourself (1971), The Magician’s Birthday (1972), Wonderworld (1974), Tetuán To Fantasy (1976), Fireflay (1977), Conquest (1980), Abominog (1982) y Head First (1983).

Goodbye Yellow Brick Road (DJM Records). El pianista Elton John consigue en la década de los setenta uno de los mayores éxitos de la música pop de todos los tiempos, reconocimiento que continuará en décadas siguientes tanto por sus actuaciones en directo como por sus grabaciones discográficas. Dentro de la línea ascendente del músico británico, en los años setenta graba sus mejores elepés como el doble titulado Goodbye Yellow Brick Road. En él se incluyen 17 canciones compuestas por la otra media parte que facilita la subida del pianista al estrellato, Bernie Taupin, el autor de muchas de las canciones que se colocaron el número uno de las listas de discos más vendidos de Inglaterra y Estados Unidos. El octavo título de la carrera discográfica de Elton John se mueve dentro de los cánones del pop bien facturado aunque la primera canción, Funeral For A Friend, recibe la influencia del rock sinfónico, estilo en alza a comienzos de la década de los setenta. Más matizado se nota también en otras piezas, como I’ve Seen That Movie Too y All The Girls Love Alice, de menos duración que la anterior pero larga para una composición pop. Mas la preferencia de Elton por las baladas, uno de sus fuertes, se siente en canciones que son ya clásicas: Candle In The Wind y Goodbye Yellow Brick Road, pero Elton John también contribuye a la difusión de la música caribeña con Jamaica Jerk-Off y al acercamiento al country rock con Roy Rogers y Social Disease. La faceta roquera de John, presente en todos sus discos de entonces, se expresa mediante los acelerados ritmos de Your Sister Can’ t Twist y Saturday Night’s Allright For Fighting. La portada de este laureado doble elepé fue realizada por el ilustrador británico Ian Beck.

Canciones: Funeral For A Friend / Love Lies Bleeding. Candle In The Wind. Bennie And The Jets. Goodbye Yellow Brick Road. This Song Has No Title. Grey Seal. Jamaica Jerk-Off. I’ve Seen That Movie Too. Sweet Painted Lady.The Ballad Of Danny Bailey (1909-1934). Dirty Little Girl. All The Girls Love Alice. Your Sister Can’t Twist (But She Can Rock’n Roll). Saturday Night’s Alright (For Fighting). Roy Rogers. Social Disease. Harmony.

Canciones: Elton John (órgano, piano, teclados, piano eléctrico, melotrón, órgano Farfisa y voz), Davey Johnstone (guitarras acústica y eléctica, steel guitar, slide guitar, guitarra Leslie, banjo y voz), Dee Murray (bajo y voz), Nigel Olsson (batería, conga, pandereta y voz), David Hentschel (sintetizador y teclados), David Katz (violin), Leroy Gómez (saxofón), Del Newman (arreglos de orquesta), Ray Cooper (percusión y pandereta) y Kiki Dee (voz).

Otras portadas: Elton John (1970), Tumbleweed Connection (1970), Madman Across The Water (1971), Honky Château (1972), Don’ t Shoot Me I’m Only The Piano Player (1973), Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy (1975), Blue Moves (1976), Too Low For Zero (1983) y Reg Strikes Back (1988).

Chicago V (CBS). Quinta grabación de la banda Chicago, uno de los grupos norteamericanos con mayor reconocimiento a nivel internacional, que consigue desde sus primeros discos ventas multimillonarias y números uno en las listas de éxitos musicales. En 1972 sale a la venta este elepé que rompe el hábito de la banda de editar discos dobles (los cuatro primeros). Los componentes del grupo mantienen sin embargo su estilo inicial de mezclar jazz con rock, principalmente, soul y música clásica. De esta última, en la vertiente más vanguardista, se incluye la pieza que abre el disco: A Hit By Varese, muy en la línea del llamado rock progresivo de la décadas de los setenta. Tras esta carta de presentación, Chicago de la mano de Robert Lam, autor de la mayoría de las composiciones, se adentra en su verdadero estilo de fusión, donde la profesionalidad de los músicos no impide que se adentren en estilos en teoría livianos pero efectistas como el pop de All Is Well, o Saturday In The Park, a pesar de que el rock guitarrero acompañado de sección de viento también está presente en otras canciones representativas del álbum: Dialogue, Pts 1 y 2, While The City Smile y State Of Union, que tienen como despedida la balada Alma Mater. El diseño de la carpeta del disco es de John Berg y el logo tallado en madera corresponde a Nick Fasciano.



Canciones: A Hit By Varese. All Is Well. Now That You’ve Gone. Dialogue, Pt. 1. Dialogue, Pt. 2. While the City Sleeps. Saturday In The Park. State Of The Union. Goodbye. Alma Mater.

Músicos: Terry Kath (guitarra y voz), Peter Cetera (bajo y voz), Robert Lamm (teclados y voz), Lee Loughnane (trompeta, percusión y voz), James Pankow (trombón y percusión), Walter Parazaider (woodvinds y percusión) y Daniel Seraphine (batería, campanas y conga).






Otras portadas: Chicago Transit Authority (1969), Chicago II (1970), Chicago III (1971), Chicago IV (1971), Chicago VI (1973), Chicago VII (1974), Chicago VIII (1975), Chicago Greatest Hits (1975), Chicago X (1976), Chicago XI (1977), Hot Steets (1978), Chicago XIII (1980), Chicago XVI (1982), Chicago XVII (1984), Chicago XVIII (1986) y Chicago XIX (1988).

Southern Accents (MCA Records). Sexto elepé de Tom Petty and The Hearbreakers, lanzado en el año 1985, que sigue una línea más experimental que anteriores discos de esta banda roquera. Con la colaboración de un numeroso grupo de músicos y cantantes, Tom Petty se adentra en un sonido barroco, recargado a menudo, con aportes de psicodelia, rock y soul, una combinación explosiva como se puede escuchar en la mayoría de las canciones de este elepé, donde el mejor estilo de Tom Petty apenas se percibe, excepto en las piezas Rebels, Spike y Dogs On The Run. El resto incluye buenos arreglos en relación con los metales (saxos, trompeta) y las cuerdas, además de mucho teclado que facilitan una música bailable que nada tiene que ver con la de los comienzos de Tom y sus rompecorazones, un roquero introspectivo y en busca de nuevas formas de expresión durante esta etapa de mediados de los ochenta. La portada del disco presenta una pintura del artista norteamericano Winslow Homer (1836-1910).

Canciones: Rebels. It Ain’t Nothin’ To Me. Don’t Come Around Here No More. Southern Accents. Make It Better (Forget About Me). Spike. Dogs On The Run. Mary’s New Car. The Best Of Everything.

Músicos: Tom Petty (guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra de 12 cuerdas, piano, teclados, pandereta y voz), Mike Campbell (guitarra, bajo, slide guitar, dobro, piano, teclados, armónica y voz), Benmont Tench (piano, teclados, piano eléctrico, vibrafono y voz), Stan Lynch (percusión y batería), Dave Stewart (bajo, guitarra, sitar, teclados y voz), Howie Epstein (bajo y voz), William Bergman (saxo tenor, efectos de sonido y voz), John Berry, Jr. (trompeta y efectos de sonido), Dick Braun (trompeta, efectos de sonido y voz), Jim Coile Horn (saxo tenor, efectos de sonido y voz), Molly Duncan (saxofón), Dean García (bajo), Bobbye Hall (percusión y pandereta), Jerry Hey (arreglos viento), Garth Hudson (teclados), Phil Jones (percusión y pandereta), Martin Jourard (saxofón), Jim Keltner (percusión), Kurt McGettrick (viento, efectos de sonido y voz), Jack Nitzsche (arreglos de cuerda), Dave Plews (trompeta), Greg Smith (saxofón, saxo baritone y voz), Daniel Rothmuller (clarinete y chelo), Clydene Jackson (voz), Sharon Celani (voz), Richard Manuel (voz), Marilyn Martin (voz), Stephanie Spruill (voz), Julia Tillman Waters (voz) y Maxine Waters (voz).

Otras portadas: Tom Petty & the Heartbreakers (1976), You’re Gonna Get It! (1977), Damn the Torpedoes (1979), Hard Promises (1981), Long After Dark (1982), Pack up the Plantation: Live! (1986), Let Me Up (I've Had Enough) (1987), Full Moon Fever (1989) e Into the Great Wide Open (1991).

How Will The Wolf Survive? (Slash Records). Chicanos de Los Ángeles, Los Lobos lanzaban en 1984 su segundo elepé con canciones elaboradas por sus miembros sobre diferentes estilos por los que sentían pasión, es decir rock and roll, r&b, blues, jazz y música tradicional mexicana. Con este bagaje artístico no es extraño que el quinteto despertara el interés del público habitual del rock y de la crítica, principalmente por su fresca originalidad, en la primera mitad de los ochenta, a lo que hay que añadir el dominio de los instrumentos por parte de los músicos, en especial el guitarrista David Hidalgo. Los Lobos abren el disco con una contundente declaración sobre cuál es su estilo preferido, el rock potente, que no duro, de Don’ t Word Baby, mantenido en la pieza que da título y cierra el álbum. Ese rock se fusiona con el country en A Matter Of Time y Lil’ King Of Everything; con el tex mex en Our Last Night y Breakdown; con el rock and roll en I Got Loaded, I Got To Let You Know y Evangeline. Mas, ahí no termina la oferta musical de este disco, donde resaltan Corrido #1 y Serenata Norteña, composiciones que sirven al quinteto para recordar sus orígenes. La portada del disco está adornada con una ilustración de de Elisabeth Brady




Canciones: Don’t Worry Baby. A Matter of Time. Corrido #1. Our Last Night. The Breakdown. I Got Loaded. Serenata Norteña. Evangeline. I Got to Let You Know. Lil’ King of Everything.Will the Wolf Survive?.




Músicos: David Hidalgo (bajo, guitarra, percusión, acordeón, steel guitar, lap steel guitar y voz), Conrad Lozano (bajo, guitarra, guitarrón y voz), Louie Pérez (guitarra, batería y quinto), Óscar Rosas (banjo, guitarra, mandolina y voz), César Rosas (guitarra, mandolina, bajo sexton y voz), Alex Acuña (percusión), Steve Berlin (armónica, percusión, saxo baritone, saxo soprano y saxo tenor) y T-Bone Burnett (órgano y guitarra).





Otras portadas: And a Time to Dance (1983), By the Light of the Moon (1987), La Pistola y el Corazón (1988) y The Neighborhood (1990).

Goodbye And Hello (Elektra). Tim Buckley (1947-1975) entra en la escena musical californiana a mediados de los sesenta con la grabación de sus primeros discos. El segundo elepé, Goodbye And Hello, realizado en 1967, cuenta con la presencia de músicos que exploran nuevas tendencias para aplicarlas al rock de experimentación de la época. En esta línea, Buckley parte del folk para adentrarse en la música influenciada por la psicodelia y sonidos que adornan la potente y evocadora voz del cantante afincado en California y desaparecido prematuramente. No Man Can Find The War, Carnaval Song, Hallucinations y Goodbye And Hello son algunos de los ejemplos de esa introspección musical y los ruidos que van en compañía de la profunda voz que canta los versos de Buckley o los escritos por el poeta Larry Beckett. Sin embargo, la faceta más accesible de este álbum también resulta brillante y llena de matices. Once I Was y Morning Glory recogen la esencia folk que Tim Buckley aún no ha olvidado en su primera etapa discográfica, ya orientada a la búsqueda de nuevas sonoridades. La carátula del elepé fue realizada por el fotógrafo Guy Webster.

Canciones: No Man Can Find the War. Carnival Song. Pleasant Street. Hallucinations. I Never Asked to Be Your Mountain. Once I Was. Phantasmagoria in Two. Knight-Errant. Goodbye and Hello. Morning Glory.

Músicos: Tim Buckley (guitarra y voz), Lee Underwood (guitarra y teclados), Jim Fielder (bajo), Don Randi (teclados), Jerry Yester (tecaldos), John Farsha (guitarra), Brian Hartzler (guitarra), Jimmy Bond (bajo), Dave Guard (percusión) y Eddie Hoh (percusión).

Otras portadas: Tim Buckley (1966), Blue Afternoon (1969), Happy Sad (1969), Lorca (1970), Starsailor (1970), Greetings from L.A.(1972) y Look at the Fool (1974).

Pablo Guerrero en el Olympia (Movieplay). El cantautor extremeño Pablo Guerrero grabó el 2 de marzo de 1975 este elepé en directo en uno de los principales auditorios europeos de música popular, situado en París, y lugar de proyección universal para mucha gente de la música y la canción popular. Con un sobrio acompañamiento, Pablo Guerrero ofrece en este disco un repertorio con sus mejores canciones, a las que se añade una composición popular, Cantares de trilla. De las más conocidas del cantautor hay que mencionar A Cantaros, Hoy que te amo, Ecos de sociedad, Pepe Rodríguez, el de la barba en flor, Emigrante y Extremadura, que no pierden la fuerza inicial después de cuatro décadas de su creación porque son poemas cantados por un hombre alejado de modas e imposiciones comerciales, aunque que ha sabido evolucionar adaptándose al mestizaje con otros ritmos populares, pero sin que la palabra pierda su esencia para comunicar. Como dice Fernando G.Lucini: “Él, como el mar, nos sigue regalando , y su canto -, aprendemos a amarnos mientras el amor, ….Poeta necesario siempre añorado y siempre buscado como quien busca el latido de una vena”. La portada de este disco se cubre con una fotografía sin firma de Pablo Guerrero.

Canciones: Busca la gente de mañana. Hoy que te amo. Buscándonos. Ecos de sociedad. Planeo. Extremadura. Para huir de la muerte. Pepe Rodríguez, el de la barba en flor. Cantares de trilla. Emigrante. A cántaros.

Músicos: Pablo Guerrero (guitarra y voz), Ignacio Sáenz de Tejada (guitarra) y Miguel Ángel Chastang (bajo).

Otras portadas: A cántaros (1972), Porque amamos el fuego (1976), A tapar la calle (1978), En los momentos del agua (1985) y El hombre que vendió el desierto (1988).

Azúcar negra (Bat Discos). Celia Cruz (1925-2003) graba en Madrid y Miami las diez canciones de este elepé que se convierte en disco de oro en España, lugar en el que la cantante cubana tiene un público fiel. Guaracha, son, guagancó y bolero están presentes en esta grabación en los que colaboran conocidos músicos, cantantes y compositores de la denominada música latina, en la que la propia Celia figura como reina de la salsa, aunque ella ha demostrado abrirse a otros ritmos. Del disco destaca el cuidado acompañamiento musical que impone calidad a las canciones bailables, principalmente las de origen afroacubano Azúcar negra, Amores de un día y Ochun con Chango. La salsa también tiene una importante presencia, Pasaporte Latinoamericano, aunque en algunas composiciones se nota la autoría de gente del mundo del pop, caso de Sazón, en concreto del dúo formado entre Gloria y Emilio Esteban. También hay mezcla con el flamenco, Que suenen las palmas, y tiempos lentos en Bolero, bolero y Te busco. Incluso Celia Cruz se atreve con el éxito del trío madrileño Mecano: Cruce de navajas. La fotografía de cantante en la portada pertenece a Rally Hershberger.

Canciones: Azúcar negra. Amores de un día. Sazón. Pasaporte latinoaméricano. De La Habana hasta aquí. Ochun con Chango. Bolero, bolero. Que suenen las palmas. Te busco. Cruz de navajas.

Músicos: Javier Losada (piano, teclados, programación y arreglos), Henry Díaz (percusión), Óscar Gómez (bajo y percusión), José Medrano (trompeta), Tito Duarte (Saxo y flauta), Alfredo Marquez (trombón), María Lar (voz), Maisa Hens (voz), Juan Cánovas (voz), José Morato (voz), Óscar Gómez (voz), Steve Roitstein (piano, teclados, programación y voz), Randy Barlow (piano, teclados, trompeta y programación), Rene Toledo (guitarra), Juanito Marquez (guitarra), Sammy “Timbalón” Pagan (percusión), Eddie “bongo” Torres (percusión), Tony Concepción (trompeta), Luis Aquino (trompeta), Randy Barlow (trompeta), Dana Teboe (trombón), Teddy Mollet (trombón), Ed Calle (saxofón), Cookie López (percusión), Cheo Quiñones “Cheíto” (voz), Miguel Martín (voz), Gloria Stefan (voz), Jon Secada (voz), Papo Pepín (percusión), Rubén Rodríguez (bajo), Sergio George (piano, teclados y voz), Bomberito Zarzuela (trompeta y trombón), Tito Nieves (voz) y Jose King (voz).

Otras portadas: La incomparable Celia (1958), Canciones premiadas (1965), Son con guagancó (1966), Bravo Celia Cruz (1967), Quimbo quimbumbia (1969), Only They Could Have Made This Album (1977), Eternos (1978), Celia/Jonhy/Pete (1980), Celia y Willie (1981), The Winners (1987) y Ritmo en el corazón (1988).

SANTO & JOHNNY

Santo y Johnny Vol. 1 (Hixpavox-Canadian American Records). Los hermanos Santo y Johnny Farina, nacidos en Nueva York, respectivamente 1937 y 1941, formaron uno de los dúos representativos del rock instrumental de comienzos de los sesenta, caracterizado por el sonido de la guitarra de acero (steel guitar o guitarra hawaina), tocada con virtuosismo por Santo, quien, por cierto, enseñó el dominio de la guitarra eléctrica a su hermano. El gran éxito de esta fraternal pareja lleva el título de Sleepwalk, popularizada por bandas instrumentales como The Ventures y The Shadows, así como por otros virtuosos guitarristas de diferentes generaciones: Jeff Beck, Larry Carlton o Joe Satriani. En este elepé recopilatorio de 1966, Santo y Johnny, junto a la Orquesta de Bob Davis, reinterpretan un repertorio de estándares de la música popular seleccionados la mayoría de sus dos primeros discos, de 1959 y 1961, entre los que no faltan los de inspiración country, muy adecuados para el steel guitar, como Blue Moon, aunque también se adentran por la senda del jazz con su particular revisión del clásico Caravan, e incluso se atreven con Andalucía, de Lecuona, o la melodía Deep Purple. Los hermanos Farina aportan algunas composiciones propias como la ya mencionada Sleepwalk, Teardrop, Lazy Day y Long Walk Home, que recuerdan el espíritu poético del dúo. La portada ofrece una fotografía sin firma de un steel guitar.

Canciones: Venus. Caravan. Blue Moon. Raunchy. Harbor Lights. Lazy Day. Sleepwalk. Andalucía. You Belong To Me. Teardrop. Long Walk Home.

Músicos: Santo Farina (steel guitar), Johnny Farina (guitarra eléctrica). Orquesta de Bob Davis.

Otras portadas: Santo & Johnny (1959), Encore (1960), Hawaii (1961), The Beatles Greatest Hits (1964) y Mucho (1965).

Rising (Polydor). El ambiente en el grupo británico Deep Purple era opresivo para su Ritchie Blackmore, mediados de los setenta, cuando la banda de rock duro se encontraba entre las más famosas del mundo, motivo por el cual su mejor guitarrista decide abandonar a sus compañeros de éxitos para dar una nueva orientación a su carrera artística. Sin embargo, en Rising, segundo elepé, de Rainbow, en el que aparecen nuevos músicos en relación con el debut discográfico, se nota la influencia de Deep Purple, pero Ritchie Blackmore, que compone las seis canciones del elepé junto al cantante Ronnie James Dio, se nota más suelto a la hora de tocar y brillante al conseguir un sonido caracterizado por una música que va a contribuir a la aparición de nuevas bandas de heavy metal en los ochenta, cuando este estilo parecía haber entrado en la fase de desaparición. Starstruck constituye sin duda la canción que más destaca a nivel comercial, pero también hay que tener en cuenta la grandilocuente Stargazer, con orquesta sinfónica incluida, y la purpleriana A Light In The Black. En esta última, Richie Blackmore vuelve a demostrar por qué es el guitarrista preferido de los seguidores del hard rock y estilos similares. Grabado en 1976, Rising se convierte en el disco de consolidación de una nueva marca dentro del rock británico, a lo que contribuye el genio de Blackmore y la pericia de sus acompañantes, en especial el cantante Dio. La portada del disco recoge una ilustración de Ken Nelly, que se utilizaría como icono distintivo de la banda para sus actuaciones en directo.

Canciones: Tarot Woman. Run With The Wolf. Starstruck. Do You Close Your Eyes. Stargazer. A Light In The Black.

Músicos: Ritchie Blackmore (guitarra), Tony Carey (teclados), Jimmy Bain (bajo), Cozy Powell (batería) y Ronnie James Dio (voz). Munich Philharmonic Orchestra.

 

Otras portadas: Ritchie Blackmore’s Rainbow (1975), Long Live Rock’ N’ Roll Music (1978), Down To Earth (1979), Difficult To Cure (1981) y Straight Between The Eyes (1982).