Sneakin’ Sally Trought The Alley (Island). El británico Rober Palmer (1949-2003) comenzó su periplo discográfico en solitario a partir del año 1974 en Estados Unidos con este elepé de estreno en el que colaboraron miembros de los grupos Little Feat y The Meters. El cantante contaba con un bagaje musical que recogía la influencia del rhythm and blues y otros estilos de la música negra. El álbum de estreno mantiene la línea del soulman blanco pero acorde con el tiempo de entonces -comienzos de la década de 1970- al desarrollar canciones de marcado contenido funk, en las que tienen un notable protagonismo gentes como Lowell George y Allen Toussaint, quienes firman algunas de las mejores piezas del disco: Sailing Shoes, Blackmail, Sneakin’ Sally Thru The Alley y From A Whisper To A Scream. Sin embargo, Palmer aporta la mitad de las composiciones a las que, como en las anteriores, pone su voz de cantante curtido en los estilos más negros de la música. Hey Julia, Get Outside o How Much Fun resaltan el buen comienzo de uno de los solistas con posibilidades de convertirse en la gran esperanza blanca del r&b y derivados, lo cual consiguió casi una década después pero ya dentro de una música dominada por los avances de la electrónica y su aplicación a los instrumentos de teclados y percusión. La fotografía de la portada es de Graham Hugues.



Canciones: Mailing Shoes. Hey Julia. Sneakin’ Sally Thru The Alley. Get Outside. Blackmail. How Much Fun. From A Whisper To A Scream. Throught IT All There’s You.


Músicos: Robert Palmer (guitarra, bajo, batería teclados y voz). Lowell George (guitarra).





Otras portadas: Pressure rop (1976), Some People Can Do What The Like (1976), Double Fun (1978), Secrets (1979), Clues (1980), Pride (1983), Addiction, Vol. 1 (1985) y Don’ t Explain (1990).

Alcocebre (Movieplay). Segundo disco del trío madrileño Tílburi en el que se combinan piezas acústicas y eléctricas con efectivos juegos de voces dentro de una línea poco explotada dentro del rock progresivo del año de grabación de este elepé, 1976, época de importantes cambios en la música popular española que sirvieron para que diferentes grupos y solistas se promocionasen fuera de sus lugares de procedencia. Sin grandes alardes, nada más que los precisos cuando se alarga una canción, como pasa en Los pensamientos, Alcocebre resulta agradable por las armonías, próximas al sonido de grupos de la Costa Oeste norteamericana –C,S,N & Young o America-, pero también original por la inclusión de instrumentos como la mandolina y el violín. En esta línea se puede citar El espectador, La música o Sylvia, que con sus virtudes y defectos no tuvieron continuidad en nuevas grabaciones discográficas. El diseño y portada del disco están firmados por Máximo Moreno, habitual en la realización de portadas para la serie Gong del sello Movieplay.



Canciones: El espectador. Los músicos. La música (Alcocebre). El mar. Los pensamientos (Constantemente, Se busca y Persona seria). El amor (Sylvia).


Músicos: José Luis Barceló (guitarra acústica de 6 cuerdas, guitarra acústica de 12 cuerdas, mandolina, violín, bajo, armónica y voz), Antonio Rentaría (guitarra de 12 cuerdas y voz) y Nano Domínguez (bajo, guitarra eléctrica, percusión y voz).





Otras portadas: Al fin (1975).

Les Luthiers (CBS). Del grupo músico-vocal-humoristico Les Luthiers se ponía a la venta en España, durante el año 1974, el disco recopilatorio de las tres primeras grabaciones de esta heterodoxa formación argentina. En la contraportada se explicaba que los componentes del grupo eran músicos, a pesar de que la mayoría pertenecían a diferentes disciplinas, que dejaron para dedicarse al espectáculo. Conocedores de la música, más bien melómanos, también fabricaban sus divertidos instrumentos que funcionaban para hacer un repaso a diferentes ritmos y estilos musicales a los que añadían su fino humor. En este recopilatorio se encuentran algunas de las piezas más representativas de Les Luthiers interpretadas con sus instrumentos informales que les han hecho famosos en diferentes continentes. Entre ellas están Epopeya de Edipo de Tebas, Teorema de Thales, La Bossa Nostra, Bolero de Mastropiero, Pieza en forma de tango y Si no fuera santiagueño. La fotografía de la portada es de Alberto Libone y el diseño corresponde Juan Bernardo Arruabarrena.




Canciones: Presentación. Epopeya de Edipo de Tebas. Teorema de Thales. Ya el sol asomaba en el poniente. La Bossa Nostra. Bolero de Mastropiero. Tristezas del Manuel (Manuela’ s blues). Pieza en forma de tango. Si no fuera santiagueño. Vals del segundo.



Músicos: Ernesto Acher, Carlos López Puccio, Jorge Maronna, Marcos Mundstock, Carlos Núñez Cortés, Gerardo Massana y Daniel Rabinovich. Instrumentos: cello legüero, latín o violín de lata, tubófono silicónico cromático, alt-pipe a vara, contrachitarrone da gamba, violata o viola de lata, bass-pipe a vara, gom-horn a pistón, manguelódica pneumática, máquina de tocar o dactilófono y yerbomatófono d’amore.






Otras portadas: Sonamos pese a todo (1971), Cantata Laxatón (1972), Les Luthiers volumen 3 (1973), Les Luthiers volumen 4 (1976), Mastropiero que nunca (1979), Les Luthiers hacen muchas gracias de nada (1980) y Les Luthiers volumen 7 (1983).

Bonnie Pointer 2 (Purple Album) (Motown). Después de cinco años de éxitos discográficos con The Pointer Sister, Bonnie deja a sus hermanas para iniciar su carrera en solitario, actividad que le sirve para grabar varios elepés de estudio para el sello Motown en su nueva etapa en la costa Oeste de Estados Unidos, entre los que figura este larga duración del año 1979. En él quedaron registrados antiguos éxitos de la vieja factoría de Detroit compuestos por el trío Holland-Dozier-Holland, como el títulado I Can’t Help Myself, sin discusión el mejor del álbum al adquirir un sonido diferente al grabado en la década de 1960 e incluir instrumentación más sofisticada pero perfectamente adaptada a la música de baile de finales de los setenta. En la misma línea se desarrollan otros hits como Jimmy Mack o Nowhere To Run, versiones que apuntan hacia el nuevo rumbo que adquieren el soul y el r&b más suave en aquellos años de rápidos cambios de los gustos musicales del público. El retrato de Bonnie Pointer en la portada está firmado por Brian Davis.

Canciones: I Can’ t Help Myself (Sugar Pie, Money Bunch). Jimmy Mack. When The Lovelight Starts Shining Trough His Eyes. Deep Inside My Soul. Come See About Me. Nowhere To Run (Nowhere to Hide).

Músicos: Bonnie Pointer (voz), Jack Ashford (percusión), Don Baldwin (bajo), Ollie E. Brown (batería), Eddie Hazel (guitarra), James Jamerson (bajo), Nigel Olsson (batería) y Truman Thomas (teclados).

Otras portadas: Bonnie Pointer 1 (Red Album) (1978), Havenly Bodis (1984) y If The Price Is Right (1984).

Streetlife Serenade (CBS). El neoyorquino Billy Joel presentaba en 1974 su tercer disco de larga duración tras el éxito obtenido con Piano Man. Grabado en Los Ángeles, el pianista, compositor y cantante vuelve a repetir algunas de las líneas de su anterior disco de éxito, pero con un mayor protagonismo de sintetizadores y guitarras eléctricas, lo cual no impide que Joel incluya excelentes baladas como la que da título al elepé, Last Of The Big Time Spenders, Souvenir o Weekend Song. A estas se contraponen dos instrumentales demostrativos del estilo extrovertido de Joel en esta primera etapa de su carrera discográfica. Root Beer Rag y The Mexican Connection confirman el talento de Billy a la hora de adentrase en los senderos de la rica música popular de Norteamérica. Las influencias del blues, rag, jazz, country, rock y pop están presentes en todas las canciones del elepé, entre las que también destacan Los Angelenos, Roberta y The Entertrainer, que sirven además para reafirmar a un cantautor de éxito en la venta de sus discos durante años. La portada del disco está adornada con una pintura del artista Brian Hagiwara.

Canciones: Streetlife Serenader. Los Angelenos.The Great Suburban Showdown. Root Beer Rag. Roberta. The Entertainer. Last Of The Big Time Spenders. Weekend Song. Souvenir. The Mexican Connection.

Músicos: Billy Joel Harmonica (teclados, sintetizador, armónica y voz), Richard Bennett (guitarra), Gary Dalton (guitarra), Mike Deasy (guitarra), Art Munson (guitarra), Don Evans (guitarra), Al Hertzberg (guitarra), Roj Rathor (guitarra), Michael Stewart (guitarra), Tom Whitehorse (banjo y pedal steel), William Smith (órgano), Wilton Felder (bajo y teclados), Emory Gordy (bajo), Larry Knechtel (bajo), Ron Tutt (batería) y Joe Clayton (conga).

Otras portadas: Cold Spring Harbor (1971), Piano Man (1973), Turnstiles (1976), The Stranger (1977), Glass House (1980, Songs In The Attic (1981) y The Nylon Curtain (1982).

Na fermosa Galicia (Zafiro). Os Tamara constituye sin duda una de las formaciones básicas para entender la evolución de la música popular de Galicia en la segunda mitad del siglo XX. Este conjunto se había fogueado en escenarios de diferentes países de Europa adaptando a su repertorio los ritmos que de forma cíclica se iban imponiendo a lo largo de finales de los cincuenta y sesenta. Tras algunos éxitos comerciales de temática gallega, en 1970 el grupo, con la inconfundible voz de Pucho Boedo, graba Na fermosa Galicia, todo cantado en el idioma gallego. En esta ocasión, Os Tamara recogen en seis canciones textos de Rosalía de Castro, Francisco Añón y Curros Enríquez, entre las que destacan Airiños, airiños aires, Adiós ríos, adiós fontes, O vello e o sapo o Na morte de Curros. Estas piezas se convierten en referencia de los nuevos tiempos para la música popular gallega, que tuvo su antecedente en la Nova Canción Galega (1968), y sirvió para divulgar la obra de los principales escritores gallegos del siglo XIX. El diseño de la carpeta del elepé corresponde a T. Manzano.

Canciones: Airiños, airiños, aires. Recordo. Adiós ríos, adiós fontes. O vello e o sapo. Pensamentos. A canzón dun mariñeiro. Na morte de Curros. A Galicia. Queixas. O home e a terra. Consellos. A miña enfermeda.

Músicos: Pucho Boedo (voz), Prudencio Romo (guitarra), Alberte Romo (guitarra), Enrique Paisal (teclados), Antonio Vázquez (saxofón), Quique Álvarez (bajo) y Antonio Cruz (batería).

Otras portadas: Miña Galicia Verde (1974), Canciones de oro (1974) y Lo mejor 1981).

Tito Fernández “El Temucano” (Movieplay). En el año 1976, aún en plena expansión de la canción y música chilenas, salía a la venta en España este elepé del cantautor originario de Temuco. El disco recoge nueve canciones pertenecientes a la segunda entrega de Tito Fernández, sobre el que escribía su compañero Ángel Parra: “Tito Fernández ha pasado muchos años de trabajo y sacrificio para llegar donde está, que por lo demás es el comienzo, como él mismo dice. Pienso que aparte de esta voz renovadora y original, de tan excelente contacto con el público, hemos ganado un amigo de calidad humana excepcional, cosa difícil de encontrar por estos tiempos. De las canciones no hablaré ya que para eso está el disco que usted tiene en sus manos”. Las canciones son, por ejemplo, Polka, La señora Mercedes, La casa nueva o Para aquel niño que fui. Piezas directas, tristes, alegres y sarcásticas de uno de los principales trovadores chilenos. La portada del disco editado en España recoge la carátula del titulado Boleros (Los Parra-La semilla).





Canciones: Polka. La señora Mercedes. Cero a cero. La madre del cordero. La casa nueva. El caminero. Para aquel niño que fui. Dicen que fui borracho. Canción de Navidad.

Músicos: Tito Fernández (guitarra y voz).

Otras portadas: Tito Fernández-1 (1971), Tito Fernández-2 (1971), Al amor (1972), Boleros (1973), Entre nos, De Chincol a Jote, En la senda internacional y Con amor de hombre.

Please, Don’t Touch! (Charisma). Conocido guitarrista del grupo Genesis, en su mejor etapa, Steve Hackett representa la parte más inquieta del rock sinfónico o progresivo de los setenta: aquella que no se disuelve con el grupo al que perteneció, sino que sale fortalecido en sus primeros intentos por buscarse un lugar en el transitado camino del rock. Hackett graba en 1978 su segundo disco de larga duración con la ayuda de un variado grupo de músicos y cantantes, entre los que destacan los norteamericanos Richie Havens, Randy Crawford y Steve Walsh, así como diferentes instrumentistas británicos. El resultado es un disco atractivo que se abre con Narnia, pieza basada en la obra fantástica The Lion, The With & The Wardrove, del escritor C.S. Lewis, que en clave acústica sirve de introducción a otras composiciones de estructura sinfónica aderezada por elementos de cuidada música pop. Entre ellas destacan Doping Love Will Last, Please Don’ t Touch y Icarus Ascending. La portada del elepé, como es habitual en Steve Hackett, recoge una ilustración de la artista brasileña, residente en Gran Bretaña, Kim Poor.

Canciones: Narnia. Carry On Up The Vicarage. Racing In A. Kim. How Can I?. Hoping Love Will Last. Land Of A Toushad Autumns. Please Don’t Touch. The Voice Of Necam. Icarus Ascending.

Músicos: Steve Hackett (guitarras, teclados, percusión y voz), John Hackett (flauta, piccolos, teclados y bass pedals), Chester Thompson (percusión y batería), Hugh Malloy (chelo), Graham Smith (violin), John Acock (teclados), James Bradley, Jr. (percusión), Phil Ehart (percusión y batería), Tom Fowler (bajo), Dave Lebolt (teclados), Richi Havens (percusión y voz), Randy Crawford (voz), Feydor (voz) y Steve Walsh (voz).


Otras portadas: Voyage Of The Acolyte (1975), Spectral Mornings (1979), Defector (1980), Higly Strung (1982), Bay Of King (1983), Till We Have Faces (1984) y Momentum (1988).

Buffalo Springfield (Atco). Grabado en octubre de 1966 y regrabado en marzo del año siguiente, el primer disco de larga duración del grupo Buffalo Springfield es considerado uno de los elepés fundamentales en la evolución del rock de los años sesenta, debido fundamentalmente a que en las filas de dicha banda militaban jóvenes músicos que recogían lo mejor de diferentes estilos para imponer un sonido consistente y atractivo. Procedentes en su mayoría del folk rock, los integrantes de esta mítica banda afincada en la zona de Los Ángeles (California) dejaron una colección de  canciones en las que despuntaban la creatividad de unos jóvenes Stephen Stills, Neil Young y Richie Furay, quienes aportaron un éxito del momento titulado For What It’s Worth e imborrables secuencias del rock de los sesenta con pizcas de psicodelia, country rock, blues y rock and roll. Confirman la brillante labor del quinteto, formado por estadounidenses y canadienses, piezas como Sit own I Think I Love You, Nobody’s Clancy Can’t Even Sins, Flyng On The Ground Wrong, Burnede, Out My Mind o Pay The Price. Las fotografías de la portada del elepé fueron hechas por Ivan Nagy.

Canciones: For What It’s Worth. Go And Say Goodbye. Sit Down I Think I Love You. Nobody’s Clancy Can’t Even Sins. Hot Dusty Roads. Everybody’s Wrong. Flying On The Ground Is Wrong. Burned . Do I Have To Come Right Out And Say It. Leave. Out Of My Mind. Pay The Price.

Músicos: Stephen Stills (guitarra, teclados y voz), Neil Young (guitarra, piano, armónica y voz), Richie Furay (guitarra, guitarra rítmica y voz), Bruce Palmer (bajo) y Dewey Martin (batería). Jim Messina (bajo y voz), Jim Fielder (bajo) y Douglas Hastings (guitarra).

Otras portadas: Buffalo Springfield Again (1967), Last Time Around (1968) y Retrospective, The Best of B.S (1969).

The Storm (Wah Wah Records). El cuarteto sevillano The Storm lanzaba en 1974 su primer elepé con el mismo título que el nombre de este grupo representativo del rock duro y el progresismo musical de comienzos de los setenta que tanto debía a personajes como el guitarrista Jimi Herndrix o el teclista Brian Auger, así como a los grupos Atomic Rooster, Led Zeppelín y Deep Purple. Representativo del rock duro, el grupo no tuvo continuidad pero dejó como testimonio más válido, aparte de sus vibrantes actuaciones en directo, un elepé felizmente recuperado en 2003 por el sello de Barcelona Wah Wah Records. El disco incluye algunas piezas que mantienen el espíritu del rock indomable hecho por cuatro jovencísimos músicos que cantaban en inglés y demostraban una entrega total a la hora de interpretar Un señor llamado Fernández de Córdoba, Woman Mine, Crazy Machine o Experiencia sin órgano, que sirvieron para convertir a The Storm en el grupo revelación español de 1974. Eduardo Sau firma la ilustración de la portada diseñada por George H. Potter.

Canciones: I’ve Gotta Tell You Mama. I Am Busy. Un señor llamado Fernández de Córdoba. Woman Mine. It s All Right. I Don’ t Know. Crazy Machine. Experiencia sin órgano.

Músicos: Ángel Ruiz Genil (guitarra y voz), Diego Ruiz Genil (batería y voz), Luis Genil Rodríguez (órgano y voz) y José Torres Alcoba (bajo y voz).

Otras portadas: El día de la tormenta (1979).

Cahoots (Capitol). El cuarto disco del mítico grupo canadiense afincado en Estados Unidos, grabado en 1971, forma parte de una nueva etapa de este quinteto liderado entonces por el guitarrista Robbie Robertson, quien compuso todas las canciones del elepé, excepto una de Bob Dylan. En esta grabación aún se mantiene el mejor sonido de The Band, sobre todo en piezas como Life Is A Carnaval, 4% Pantomime, Shoot Out In Chinatown o The Moon Struck One, las cuales responden a lo escrito por Nick Cohn en su desmitificadora Historia de la Música Pop. “Libres de toda pretensión dejaron en ridículo a los más poéticos de sus contemporáneos. A cambio padecían de una escasez temática, pero eran muy buenos al expresar la dimensión y la complicada extrañeza de su continente Escuchando cualquiera de sus discos se sentía uno metido en una autopista, tres mil millas atrás, conduciendo eternamente”. La ilustración de la carpeta es obra del artista neoyorquino Gilbert Stone (1940-1984).

Canciones: Life Is A Carnival. When I Paint My Masterpiece. Last of the Blacksmiths. Where Do We Go from Here?. 4% Pantomime. Shoot Out In Chinatown. The Moon Struck One. Thinkin’ Out Loud. Smoke Signal. Volcano. The River Hymn.

Músicos: Rick Danko (bajo, violin y voz), Levon Helm (batería, guitarra y voz), Garth Hudson (teclados y saxofón, Richard Manuel (teclados, batería y voz) y Robbie Robertson (guitarra, teclados y voz). Van Morrison (voz). Allen Toussaint (teclados).

Otras portadas: Music from Big Pink (1968), The Band (1969), Stage Fright (1970), Rock of Ages (1972), Northern Lights-Southern Cross (1975), Islands (1977) y The Last Waltz (1978).

Cantigas da Fradería (Movieplay). Jei Noguerol grabó, el 31 de diciembre de 1977, en los estudios Gema-2 de Barcelona su segundo elepé, que mantenía una línea combativa en cuanto a los textos y de acuerdo con la situación de Galicia en los difíciles tiempos de la Transición. Sin olvidar su lugar de origen, la Mariña luguesa, los mensajes del cantautor están relacionadas con diferentes problemáticas que amenazaban la singularidad de Galicia. Los títulos indican la temática de las canciones compuestas y cantadas en gallego por Jei Noguerol: Cantiga dos malpagados, Cantiga do que aínda queda o Cantiga das centrales nucleares, celulosas y petroleiros, son algunos ejemplos del contenido social de las piezas que se complementan con la música de excelentes instrumentistas catalanes y algún músico gallego que toca instrumentos tradicionales, como el propio Noguerol, quien en la penúltima canción -Alborada pra mañán, a pesar de los impedimentos, espera un mejor futuro para su tierra de nacimiento. Van viniendo tiempos nuevos/y quiero pensar que pronto,/se harán las cuentas claras/en estas tierras de Galicia. El diseño de la carpeta y la ilustración de la portada del elepé son de Alberto Carpo.

Canciones: Cantigas da Fradería (Introducción). Cantigas pra escomenzar. Que fala do que alí había. Cantiga dos malpagados. Cantiga dos camiñantes. Cantiga fdo que ainda queda. Cantigas da centrales nucleares. Celulosas, petroleiros. Alborada pra mañán. Cantigas pra rematar.

Músicos: Jei Noguerol (guitarra, zanfona, cencerro y voz), Rafael Zaragoza (guitarra española, guitarra portuguesa, guitarra eléctrica, autoharp y percusión), Jordi Boell (guitarra española, guitarra eléctrica y bajo), Víctor Cortina (guitarra portuguesa y guitarra española) Paco Pérez (bajo eléctrico), Jordi Vilella (batería y percusión), Paco Pí (violonchelo), Eduardo Altaba (contrabajo), Mauricio Villavechia (piano y acordeón), Pep Torras (flauta y píccolo), Xosé Lois Foxo (gaita) y Aurelio (vieiras).

Otras portadas: Denantes dos vinte anos (1976) y Polo Atlántico Norte (1986).

The High Road (Polydor) Mini elepé del grupo británico Roxy Music que grabó el 30 de septiembre de 1982 las cuatro canciones del disco en el escenario del Glasgow, meses antes de que la banda se deshiciese. Después de veinte años de andadura, Roxy Music se encontraba al final de un camino en el que no faltaron los éxitos, cambios y grandes giras por diferentes continentes. Por tanto se puede decir que el mini elepé es una obra coyuntural que sirve para mantener vivo el espíritu del grupo que tan buenos resultados dio a su casa discográfica. Dos canciones del álbum corresponden a la autoría del cantante y líder de Roxy Music, Bryan Ferry, en concreto Can’t Let Go y My Only Love, que mantienen el elegante y ecléctico estilo de anteriores álbumes como Flesh And Blood y Avalon. Las otras dos piezas pertenecen a conocidas composiciones de John Lennon y Neil Young, respectivamente Jealous Guy y Like Hurrican, que adquieren nuevas sonoridades y resultan creíbles. El diseño de la portada de la carpeta del disco está firmado por Bryan Ferry, Neil Kira, Anthony Price, Peter Saville y Thareta de Oliveira.

Canciones: Can’t Let Go. My Only Love. Like a Hurricane. Jealous Guy.

Músicos: Bryan Ferry (voz y teclados), Phil Manzanera (guitarras), Andy MacKay (saxofón y oboe), Neil Hubbard (guitarra), Andy Newmark (batería), Alan Spenner (bajo), Jimmy Maelen (percusión), Guy Fletcher (teclados), Michelle Cobbs (voz)
y Tawatha Agee (voz).

Otras portadas: Roxy Music (1972), For Your Place (1973), Stranded (1973), Country Life (1974), Siren (1975), Viva! (1976), Manifiesto (1979), Flesh And Blood (1980) y Avalon (1980).

Ace (Warner Brothers Records). Guitarrista imprescindible de los mejores Grateful Dead con el inolvidable Jerry García al frente, Bob Weir inicia en 1972 la aventura discográfica en solitario, es un decir, con un disco de marcadas sonoridades campestres alentadas por un excelente plantel de músicos procedentes de diferentes bandas de San Francisco emparentadas entre sí por afinidades musicales. Rock and roll, folk, tex mex y country, entre los más destacados, son los estilos que envuelven las ocho canciones del disco que se abre con Greatest Stort Eve Told, canción que denota la tendencia de Weir a recurrir al estilo de su grupo de origen. No es extraño, pues la mayoría de los músicos proceden de The Grateful Dead, aunque a nivel de composición Weir realiza un trabajo encomiable que aporta frescura a unas canciones por las que no pasa el tiempo. Wak In The Sunshine, Mexicali Blues, One More Saturday Night y Cassidy contribuyen a resaltar los mejores momentos creativos de los miembros de los “muertos agradecidos” tanto a nivel individual como colectivo. Ace es un disco que se integra, sin duda, en una de las mejores producciones de las gentes de The Grateful Dead, entre las que hay que mencionar Workingman’s Dead (1970) y American Beaty (1971), el segundo ya reseñado en este blog. La carátula del elepé constituye una de las inspiradas ilustraciones del dúo formado por los artistas Stanley Mouse y Alton Kelly.

Canciones: Greatest Story Ever Told. Black-Throated Wind.Walk In The Sunshine. Playing in the Band. Looks Like Rain. Mexicali Blues. One More Saturday Night. Cassidy.

Músicos: Bob Weir (guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz), Jerry García guitarra, pedal steel guitar en Looks Like Rain, y voz en Greatest Story Ever Told), Phil Lesh (bajo y voz en Mexicali Blues), Bill Kreutzmann (batería y percusión), Keith Godchaux (piano y órgano), Donna Jean Godchaux (voz en Greatest Story Ever Told, Walk In The Sunshine, Playing In The Band y Cassidy), Dave Torbert (bajo en Greatest Story Ever Told), Snooky Flowers, Luis Gasca, and the Space Rangers (metales en Black-Throated Wind, Mexicali Blues y One More Saturday Night) y Ed Bogus (arreglos de cuerda en Looks Like Rain).

Otras portadas: Bobby & The Midnites (1981) y Where The Beat Meets The Street (1984).

The Fine Art Of Surfacing (Mercury). Tercer disco del grupo irlandés The Boomtown Rats, grabado en 1979 y con el que entra definitivamente en el olimpo de las bandas triunfadoras de la nueva ola, sobre todo por la canción I Don’ t Like Mondays, compuesta por el líder y cantante del sexto, Bob Geldof, quien a partir de entonces se convertirá en todo un fenómeno mediático hasta finales de la década de 1980. El elepé, además del número 1 en las listas del Reino Unido antes mencionado, ofrece un paseo por lo que constituye un adelanto de la música de los nacientes ochenta. Punk, ska, soul y otros estilos populares convenientemente actualizados por Geldof y su grupo como se puede comprobar tras oír canciones como Someone’s Loking At You, Diamond Smiles, Having My Picture Taken o Nothing Happened Today. La portada del disco recoge una ilustración del artista Lorne Miller.


Canciones: Someone’ s Looking At You. Diamond Smiles. Wind Chill Factor (Minus Zero). Having My Picture Taken. Sleep (fingers Lullaby). I Don’ t Like Mondays. Nothing Happened Today. Keep It Up. Nice ‘N’ Neat. When The Night Comes.


Músicos: Bob Geldof (voz), Gerry Cott (guitarra), Garry Roberts (guitarra y voz), Johnnie Fingers (teclados y voz), Pete Briquette (bajo y voz) y Simon Crowe (batería y voz).

Otras portadas: The Boomtown Rats (1977), Tonic For The Troop (1978) y Mondo Bongo (1981).

Cocodriles (Sire). El cuarteto Echo & The Bunnymen contribuyó a comienzos de la década de 1980 con su primer elepé a que la ciudad de Liverpool recuperase el esplendor musical adquirido durante la primera mitad de los sesenta. Echo & The Bunnymen recogía las influencias del punk tardío y la lejana psicodelia de la década prodigiosa. De la segunda se nota en las primeras canciones de los ingleses un tono en voz e instrumentos cercano a los californianos The Doors y los neoyorquinos The Velvet Underground, aunque la guitarra de Will Sergeant y la sección de ritmo apuntan hacia un lirismo entre épico y fatalista que determinará buena parte de las inconfundibles melodías de los británicos. El estreno discográfico de Echo & The Bunnymen queda como uno de los mejores elepés de inicios de los ochenta. En él se incluyen brillantes piezas como Goin Up, Do It Clean, Rescue, Pride y Happy Death Mean, entre otras, cantadas por Ian McCulloh. La carátula del disco se adorna con una fotografía realizada por Brian Griffin al grupo en el bosque de Rickmansworth.

Canciones: Going Up. Do It Clean. Stars Are Stars. Pride. Monkeys. Crocodiles. Rescue. Villiers. Read It in Books. Pictures on My Wall. All That Jazz. Happy Death Men

Músicos: Ian McCulloh (voz y guitarra), Will Sergeant (guitarra), Les Pattison (bajo) y Pete de Freitas (batería). David Balfe (teclados y producción).

Otras portadas: Heaven Up Here (1981), Porcupine (1983), Ocean Rain (1984), Echo & the Bunnymen (1987) y Reverberation (1990).

Arroutada Pangalaica (Dro). El quinteto coruñés Os Diplomáticos de Monte Alto presentaba en el año 1991 su primer disco de larga duración en el que aparecía registrada una completa colección de canciones divertidas con base en diferentes estilos como el folk, rock, punk, ska y música popular gallega. Con el apoyo de la Fundación Resentidos, liderada por el polifacético Antón Reixa, el estreno de los de Monte Alto no pasó desapercibido por representar una alternativa válida a los grupos que defendían las canciones tradicionales (de taberna, marineras, festivas, humorísticas), pero con una imagen más renovada y una explosiva mezcla de instrumentos tradicionales (acordeón) y roqueros (guitarra eléctrica, bajo y batería). Así piezas como A tropa da tralla, San Furancho, Maruja Pito o Non chas quero, todas cantadas en gallego, sentaron las bases de lo que en adelante se conocería como rock bravú, alentado por el líder de la banda de la popular barriada de la ciudad de A Coruña, Xurxo Souto. El diseño de la portada pertenece al propio Xurxo y la compañía discográfica Dro.

Canciones: Subastado. A tropa da tralla. Parrochas. San Furancho. Marujo Pita. Platinos. 120 capadores. Palavea. Dr. Kananga. Trangalla. Non chas quero.

Músicos: Xurxo Souto (voz), Rómulo Sanjurjo (acordeón), Juan Varela (guitarra), Mangüi Martín (bajo) y Marcos Viascón (batería).

Otras portadas: Parrús (1993) y ¡Avante toda! (1995).

Greatest Hits (Arista). Cuando en 1976 salió a la venta este disco recopilatorio, The Monkees formaba parte de la leyenda en torno a los grupos de pop que se montaron en Estados Unidos para engancharse al éxito de las bandas de la denominada “british invasión” de los sesenta, encabezadas por The Beatles. Las comparaciones en este caso también resultan odiosas, pero al final The Monkees se ha convertido en una referencia del pop. En este elepé de grandes éxitos se encuentran las mejores canciones del cuarteto con base en Los Ángeles (California), en concreto las correspondientes al periodo de tiempo 1966-1969. Avalados por el éxito de su serie para la televisión estadounidense, donde aparecían las figuras de la psicodelia y el underground sesenteros, los cuatro componentes del grupo contribuyeron a dejar algunas canciones inolvidables, ya fueran compuestas por otros o propias, como I’m Believer, Last Train To Clarksville, A Little Bit Me A Little Bit You, (I’m Not Your) Steppin’ Stone y Shades of Gray. La portada de este disco recoge la típica imagen del grupo para adolescentes que con el tiempo subiría muchos puestos en la escala del pop.

Canciones: (Theme from) The Monkees. Last Train To Clarksville. She. Daydream Believer. Listen to the Band. A Little Bit Me, A Little Bit You. I’m a Believer. I Wanna Be Free. Pleasant Valley Sunday. (I’m Not Your) Steppin’ Stone. Shades of Gray.

Músicos: Michael Nesmith (guitarra y voz), Peter Tork (bajo y voz), Micky Dolenz (batería, teclados, guitarra y voz) y Dave Jones (voz).

Otras portadas: The Monkees (1966), More Of The Monkees (1967), Headquarters (1967), Piscis, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. (1967), The Birds, The Bees & The Monkees (1968), Head (1969) y The Monkees Present (1969).

Alright Again! One More Mile (Compañía Fonográfica Española. Serie Bluesmen). Disco doble de Clarence Gatemouth Brown (1924-2004), uno de los guitarristas más representativos de la música popular negroamericana de la segunda mitad del siglo XX. Editado el doble álbum en España en 1984, el primer disco fue grabado los días 2 y 8 de junio de 1981 en el Studio In The Country, Bogalusa, Louisiana (título original: “Alright again!”. Ingeniero de grabación y mezclas: David Farell. Ayudante de grabación. Eugene Foster. Producido por Jim Bateman y Scott Bilington. El disco 2 fue grabado en octubre de 1982 en el Studio In The Country, Bogalusa, Louisiana (título original “One more mile”). Ingeniero de grabación y mezclas: David Farell. Ayudante de grabación: Bruce Irvine. Producido por Scott Billinton, Clarence Brown y Jim Bateman. Según Yorke Corbin: “Este es un álbum que Gate siempre había querido grabar hace muchos años. En realidad, estas sesiones son su primera oportunidad en dos décadas –desde su última grabación para la firma Peacock de Houston- de grabar con una gran banda de ritmo y “blues”. La selección de canciones es una mezcla de originales del nuevo Gatemouth Brown y canciones poco conocidas, compuestas por algunos de sus contemporáneos, más dos grabaciones del clásico material de Peacock. Se usó muy poco doblaje en la manufactura de este álbum. Después que ensayaba un tema, se grababa la orquesta en directo. En el álbum encontramos una unión maravillosa entre la presión y la sofisticación; la inconfundible guitarra de Gatemouth Brown y su violín le ponen fuego a un conjunto de arreglos difíciles de llevar a cabo y que nos muestran a un maestro de la música popular americana tocando en la cúspide de su forma”. El diseño de la portada corresponde a Susan Harsh. Fotografía: Sydney Byrd. Adaptación de la carpeta: Silvia Valentí

Canciones: Disco 1. A-Frosty (III). Strollin’ With Bones (I). Give Me Time To Explain. Baby Take It Easy (III/V). Sometimes I Slip (I/II/III). B-I Feel Alright Again (I). Alligator Boogaloo (IV). Dollar Got The Blues (I/III). Honey In The Be-Bo. Gate Walks To Board (III/IV)”. Disco 2.A-Information Blues. Song For Renee (I). Stranded (I/VI). Sunrise Cajun Style (I). Big Yard (VI).B-Ain’ t That Dandy (I). One More Mile (VI). I Wonder. Flippin’ Out. Near Baku (VI).


Músicos: Disco 1. Clarence Gatemouth Brow (voz, guitarra y violín (A4), Larry Sieberth (piano), David Fingers Fender (piano y órgano Hammond), Red Lane (guitarra rítmica), Myron Dove (bajo), Lloyd Herrman (batería), Bill Foots Samuel (saxos alto y tenor y arreglos de viento (I), Alvin Red Tyler (saxo tenor y arreglos de viento (II), Joe Chanpagnski Sunresi (saxo barítono y arreglos de viento (III), Stanton Davis Jr. (trompeta y areglos de viento (IV) y Jim McMillen (trombón y arreglos de viento (V). Disco 2. Clarence Gatemouth Brow (voz, guitarra y violín), Graig Wroten (piano), Miles Kevin Wright (bajo), Robert Shipley (batería), Bill Foots Samuel (saxos alto, tenor y barítono, flauta alto y arreglos de viento (I), Homer Brown (saxo tenor y arreglos de viento (VI), Bobby Campo (trompeta y flauta) Ernie Gautreau (trombón) y Tommy Moran (guitarra con pedal steel).

Otras portadas: San Antonio Ballbuster (1948), Guitar In My Hand (1949), The Blues Ain’ t Nothin’ (1972), Down South In The Bayou Country (1975), Gate’ s On The Heat (1975), Bogalusa Boogie Man (1976), Real Life (1987) y Standing My Ground (1989).

The Six Wives of Henry VIII (A&M Records). Este es el disco en solitario del pianista británico Rick Wakeman que le sirve para iniciar una ascendente carrera en la denominada música sinfónica de los años setenta. El teclista se inspiró en las seis esposas del rey Enrique VIII de Inglaterra con el fin de reinterpretar musicalmente las singulares personalidades de las mujeres del pintoresco y sangriento tirano de la monarquía inglesa. Con la colaboración de diferentes músicos del ámbito del rock británico, entre ellos sus compañeros del grupo Yes con el que acababa de grabar uno de los mejores elepés de la banda, Wakeman utiliza en las composiciones de The Six Wives of Henry VIII todo tipo de teclados como el entonces exótico melotrón, con el que pone las notas progresivas de este álbum de éxito en su época. Las seis canciones son indicativas de la inspiración de joven genio de los teclados en alza a comienzos de los setenta. El tiempo demostraría, con nuevas entregas discográficas, que cumplió las expectativas generadas con este disco primerizo en solitario. La carátula del disco ofrece una fotografía de Bruce Rae realizada a Rick Wakeman en el museo de Madame Tussaud.

Canciones: Catherine of Aragon. Anne of Cleves. Catherine Howard. Jane Seymour. Anne Boleyn. Catherine Parr

Músicos: Rick Wakeman (teclados), Alan White (batería), Barry de Souza (batería), Bill Bruford (batería), Chas Cronk (bajo), Chris Squire (bajo), Dave Cousins (banjo eléctrico), Steve Howe (guitarra), Dave Lambert (guitarra), Dave Winter (bajo), Frank Riccotti (percusión), Les Hurdle (bajo), Mike Egan (guitarra), Ray Cooper (percusión),
Sylvia McNeill (voz), Barry St. John (voz), Judy Powell (voz), Laura Lee (voz) y Liza Strike (voz).

Otras portadas: Piano Vibrations (1971), Journey To The Centre Of The Earth (1974), The Myths & Legnds Of King Arthur & The Knights Of The Round Table (1975), Lisztomania (1975), NO Earthy Connection (1976), White Rock (1976), 1984 (1981), Silent Nights (1985), Country Airs (1986) y Time Machine (1988).