Sir Douglas Quintet (Castle Communications). Doble álbum del quinteto de San Antonio (Tejas) liderado por Dough Sam (1941-1999), un enciclopédico músico que en torno a esta banda difundió los un amplio catálogo de estilos populares: rock and roll, blues, jazz, swing, r&b, soul, country, psicodelia, garaje, tex-mex y cajun, entre otros. Estos sonidos se perciben con claridad en esta colección de canciones que abarcan los años comprendidos entre su primer disco en 1966 y Border Wave (1983), periodo en el que la capacidad creativa de Dough se pone de manifiesto adaptándose a los rápidos cambios que se producían dentro del rock, en las décadas que vivó como músico, mediante títulos como She’s About Mover, Mendocino, At The Croossroad, Nuevo Laredo, Sheila Tequila, Border Wave o Texas Me. El grupo también se atrevía con versiones de otros grupos, entre las que se pueden escuchar en este recopilatorio Who’ll Bed The Next In Line, de Ray Davies, y perteneciente a la primera etapa de The Kinks, y la psicodélica You’re Gonna Miss Me, compuesta por Rocky Erickson para su grupo The 13 Th Floor Elevators. El diseño de la portada está firmado por Shoot That Tiger!.

Canciones: Mendocino. And It Didn’t Even Bring Me Down. At the Crossroads. Nuevo Laredo. Wasted Days & Wasted Nights. She’s About a Mover. Old Habits, Die Hard. You’re Gonna Miss Me. Sheila Tequila.Tonite, Tonite. Border Wave. Dynamite Woman. Stoned Faces Don’t Lie. Magic Illusion. Song of Everything. You Never Get Too Big and...

Músicos: Dough Sam (guitarra y voz), Augie Meyers (órgano), Alvin Crow (guitarra y voz), Johnny Pérez (batería), Speedy Sparks (bajo) y Shaun Sahm (guitarra y voz). Otros músicos: Frank Morin, Harvey Kagan, Jim Starling, Rocky Morales, Leonidas Baety, Attwood Allen, Wayne Talbot, George Rains, Whitney “Hershey” Freeman, Bill Atwood, Terry Henry, Mel Martin Frank Morin y Martin Ferrio.

Otras portadas: The Best Of Sir Douglas Quintet (1966),Sir Douglas Quintet+2=Honkey Blues (1968), Mendocino (1969), 1+1+1=4 (1970), Togheter After Five (1970), The Return Of Doug Saldaña (1971), Rough Eyes (1973), Border Wave (1983), Live Texas Tornado (1983) y Quintessence (1983).

Siembra (Discophon-Fania-Wac). El trombonista portorriqueño Willie Colón y el cantante de Panamá Rubén Blades se juntaron otra vez en el año 1978 para grabar uno de los álbumes más influyentes y conocidos de salsa urbana que tenía como punto de partida la ciudad de Nueva York. Bajo el título Siembra, dentro de la factoría latina de Fania, el elepé es conocido ante todo por incluir la emblemática composición Pedro Navaja, pieza que constituye el canto a un estilo de vida nada complaciente, porque recoge los últimos momentos de un matón de esquina y de su pupila que recorre las avenidas para vender su cuerpo. Descripciones realistas aparte, el elepé contiene asimismo agria crítica social a la sociedad consumista, Plástico, y canciones más bailables, Buscando güayaba, o simplemente de amores, María Lienza, Ojo y Dime, entre otras, que dan contenido a una grabación que se resiste a envejecer y anima los ameneceres de los guapos en decadencia. La fotografía de la portada es de J.P. Posse, y del arte e ilustración se encargó Irene Perlicz.

Canciones: Plástico. Buscando güayaba. Pedro Navaja. María Lienza. Ojos. Dime. Siembra.

Músicos: Leopoldo Pineda (trombón), José Rodríguez (trombón), Ángel Papo Vázquez (trombón), Sam Burtis (trombón), Willie Colón (trombón y coros), Juan Torres “Professor” (piano y Fender rhodes), Salvador Cuevas (bajo), Eddie Rivera (bajo), José Mangual Jr. (bongo, maracas y coros), Eddie Montalvo (tumbadora), Bryan Brake (batería), A. Santiago (maracas), Jimmy Delgado (timbales), Rubén Blades (coros) y Adalberto Santiago (coros).

Otras portadas: Metiendo mano (1977), Canciones del solar de los aburridos (1981) y The Last Fight(1982).

Jezebel (Shelter-Mediterráneo). La cantante Mary McCreary, que en la actualidad lleva el nombre artístico de Mary Rand, grabó su segundo disco grande en solitario bajo la producción del multiinstrumentista Leon Russell, con quien más adelante colaboraría en Make Love To The Music. Con un numeroso plantel de músicos, Mary, que canta y toca el piano en este elepé del año 1974, realiza un excelente trabajo en el que sobresale su voz curtida en el gospel (Mighty Clouds Of Joy), soul (Please Don’t Go y Jezebel), por (Levon)y rock (Brother y High Flyn’ Me), aunque la primera pieza del disco, Singin The Blues, es un regge, estilo que comenzaba a ser promocionado a nivel mundial en la primera mitad de los setenta. Este interesante álbum se completa con la balada Soothe Me, en la que colabora con guitarra y voz, el portorriqueño José Feliciano, y se cierra con una versión más soulera de Singing The Blues. El diseño de la portada del elepé es obra de Brian Zick

Canciones. Singing The Blues (reggae). Everybody’s Having Problems. Please Don’t Go. High Flyin Me. Seasons. Mighty Clouds Of Joy. Brother. Jezebel. Levon. Soothe Me. Singing The Blues.

Músicos: Mary McCreary (piano, clavicémbalo y voz), Winston (piano), Jackie (bajo), Lloyd Nibbs (batería), Lyn Tate (guitarra), Charles Wilson (clavicémbalo), Carol Kaye (bajo), Spider Webb (batería), Gelon Lau (violin eléctrico), Charles Larkey (bajo), Andy Newmark (batería), Don Preston (guitarra), Chuck Rainey (bajo), Spider Webb (batería), Patrick Henderson (órgano), Harold Haynes (guitarra), Greg Arico (batería), Wayne Perkins (guitarra), José Feliciano (guitarra y voz), Dave Miner (bajo), Leon Russell (piano eléctrico y sintetizador), Jim Gordon (batería), Jim Keltner (batería), Lawrence Hill (percusión), Ambrose Campbell (percusión), Clydie King, Merry Clayton y Carolyn Willis (coros), Lenny Picket (saxo tenor, saxo soprano, clarinete bajo, saxofón alto y flauta), Emilio Castillo (saxo tenor), Steve Kupka (saxo baritone), Mic Gilette (trompeta y trombone), Greg Adams (trompeta, fluegelhorn y arreglos). Cuerdas: Nick De Caro, Frank De Caro, Harry Bluestone, Arnold Belnick, George Poole, Erno Neufeld, Paul Shure, Stanley Plummer, Anatol Kaminsky, Jacob Krachmalnick, Jan Hlinka, Alexander Neiman, Eleanor Kramer y Robert Ross.

Otras portadas: Butterflies In Heaven (1973), Make Love To The Music (1978) -con Leon Russell-, y Blues & Soul (1986).

Mississippi Delta Blues (Movieplay. House Of The Blues Vol. 6). Guitarrista y estudioso del blues, Mike Baker o también Mc Houston Baker (1925, Louisville, Kentucky) inició su carrera de bluesman como acompañante de conocidos personajes del rythm and blues Ray Charles o Big Joe Turner entre otros, pero en plena madurez quiso recordar a los guitarristas fundamentales del blues como Charlie Patton, Robert Jonson, Son House y J. B. Lenoir, así como a los pianistas Leroy Carr y Menphis Slim. En el año 1973, el francés Philippe Rault animó a Baker a que grabase las piezas antes mencionadas de sus compatriotas preferidos. Según Martín Davies: “El resultado son estas doce canciones, todas hechas con el sentimiento que sólo un maestro de guitarra puede poner en su música”, canciones que también sirvieron en su momento para divulgar el estilo de los referidos bluesmen. La carátula del disco está ilustrada por el artrista Jean Vern.

Canciones: Good advice. High sheriff blues. Blues before sunrise. Terraplane blues. Animal farm. Alabama march. Sun is going down. Sweet home Chicago. My black woman. Can’ t find my baby. Trouble is a woman. Lazy Daisy.

Músicos: Mc Houston Baker (guitarra y voz), Stefan Grossman (guitarra acústica) y The London London Strings Orchestra.

Otras portadas: The Wildest Guitar (1959), But Wild (1963), The Blues And Me (1974) y Take Look Inside (1975).

The Tazmanian Devils (Warner Brothers). Representantes de la nueva ola musical de San Francisco de finales de los setenta y comienzos de los ochenta, el quinteto Tazmanian Devils representaba la cara sonriente del rock orientado al pop en contraposición al punk nihilista de California. Guitarras limpias, teclados sugerentes, contundente sección de ritmo y armonías vocales por doquier son algunas de las esencias desprendidas por los diablos de Tasmania que pueden escuchar a partir del primer corte del elepé, caso de Feel Alright. Todas las composiciones del repertorio de este elepé apoyada en las bases instrumentales antes citadas, muestran a una banda con especial preferencia por el reggae y otros estilos más cercanos como el blues, soul y rock. Window Into Heaven, Spy In The House Of Love, Don’t Slip, Sender To Me o My Obsession son algunas de las mejores piezas de este grupo californiano de escasa discografía. La imagen del grupo que aparece la portada del disco fue captada por Valentine Atkinson


Canciones: Feel Alright. Window Into Heaven. Spy In The House Of Love. Don’t Slip. West Coast. Laura. Sender To Me. My Obsession. Pressure. Music.


Musicos: Dennis Hogan (guitarra y voz), Dave Carlson (guitarra); Duane Van Dieman (bajo y voz), Barry Lowenthal (batería y percusión) y Pat Craig (teclados).

Otras portadas: Broadway Hi-Life (1981) y Live (1981)

Coup De Grâce (Atlantic). Mink Deville (luego Willy DeVille, aunque en los créditos de este disco firma con el primer nombre) representa una de las facetas más frescas del rock and roll, desde sus inicios a mediados de los setenta entre las hordas del punk y la new wave neoyorquina hasta sus últimas grabaciones de maduro conocedor de los secretos de la música popular. En 1981 elige una frase hecha en francés para título de un elepé cargado de buenas vibraciones en las que se perciben influencias de rock, punk, soul y también de Bruce Springteen. DeVille abre el disco grande con la fuerza de Just Give Me One Good Reason, pero el cantante, compositor e instrumentista pone la carne en el asador en todo el disco, del que se puede elegir cualquier canción desde el principio al final del listado, desde las canciones movidas o las más suaves. Help Me Make It, Maybe Tomorrow, Teardrops Must Fall, You Better Move On, Love & Emotion, So Love Are We….La fotografía de la portada es obra de John Pilgreen.

Canciones: Just Give Me One Good Reason. Help Me Make It (Power Of A Woman’s Love). Maybe Tomorrow. Teardrops Must Fall. You Better Move On. Love & Emotion. So In Love Are We. Love Me Like You Did Before. She Was Made In Heaven. End Of The Line.

Músicos: Willy DeVille (guitarra rítmica, slide guitar, guitarra solista y voz), Kenny Margolis (teclados, acordeón y vibráfono), Ricky Borgia (guitarras solista y rítmica), Louis Cortelezzi (saxophones), Joey Basta (bajo) y Tommy Price (batería). Percusiones (Tommy Price, Brother Johnny Espinet y Jim Maelan). Coros (Mink DeVille, The Exhilarations y Eve Moon).


Otras portadas: Cabretta (1977), Return to Magenta (1978), Le chat bleu (1980), Where Angels Fear To Tread (1983), Sportin’ Life (1985), Miracle (1987), Victory Mixture (1990) y Backstreets Of Desire (1992).

Solera (Hispavox). El dúo de los hermanos Martín, José y Manuel, se unía a dos también jóvenes pero experimentados músicos: Rodrigo García y José María Cánovas, que lanzaban en abril de 1973 su primero y único disco de larga duración. Eran tiempos de rock progresivo, cantautores antisistema y jazz rock. Sin embargo este nuevo cuarteto cantaría en español, cuando lo normal era hacerlo en inglés, y se aproximaría al estilo más asequible de la música de la Costa Oeste norteamericana. Buenos compositores, todos ellos, y en algunos casos instrumentistas brillantes, los miembros de Solera causaron una agradable sensación por las canciones Calles del viejo París y Linda prima, las más conocidas, radiadas y televisadas de Solera en aquel año de 1973. Pero no todo el álbum se limitaba a dos éxitos, porque en el disco grande estaban recogidas otras piezas excelentes: Noche tras noche, Una singular debilidad, El discípulo de Merlín, Juan o Agua de coco y ron desentrañaban los secretos del grupo afincado en Madrid, que eran voces cuidadas, personal sonido entre acústico y eléctrico y orquestación acertada y nada ampulosa, características que prenderían en otras formaciones de la décadas de 1970 y 1980. La carpeta del elepé se completa con fotografías de Juan y Elías Dolcet.

Canciones: Noche tras noche. Una singular debilidad. Linda prima. La tempestad. Tierra mojada. El discípulo de Merlín. Volverás. Calles del viejo París. Juan. Agua de coco y ron. Tiempo perdido.

Músicos: José Mari Guzmán (bajo y flauta), José Antonio Martín (guitarra rítmica y guitarra acústica), Rodrigo (guitarra solista, piano, órgano, clavicémbalo y flauta dulce) y Manolo Martín (percusión). Conrado, Regoli y Bob (batería). Fondos orquestales en las canciones Juan y El discípulo de Merlín, Rafael Tabrucchelli.

Otras portadas: CRAG (Señora azul-1974-) y Nuevos Horizontes (Telaraña -197?-).

Viejo lobo (Avui). Lone Star grababa en el año 1982 uno de sus últimos elepés después de varias décadas de trabajo a favor del rock, con sus altos y bajos, que no impidieron que fueran uno de los mejores representantes de ese estilo en la península ibérica. Viejo lobo recoge siete canciones compuestas por el líder y cantante del grupo catalán, Pedro Gené, con el que colabora en tres temas el guitarrista Pedro Sánchez. El elepé se abre con En el año 62, dedicatoria a los viejos roqueros que como los miembros de Lone Star no se olvidan del componente reivindicativo de la música, que también hace extensivo a que lo aprovechen las nuevas generaciones (Hijos del rock and roll). Blues rock, jazz, hard y alguna concesión al pop, constituyen la base musical de este disco grande en el que hay que destacar el excelente trabajo de los músicos. Un sonido fresco y nada encorsetado se puede escuchar en piezas como Dame tiempo, Sólo una canción, Escápate conmigo y Viejo lobo. El diseño de la portada del disco corresponde a Guillermo-Navares & Martin Rigo.


Canciones: En el año 62. Hijos del rock and roll. Sólo una canción. Dametiempo. Creo en ti. Escápate conmigo. Viejo lobo.

Músicos: Pedro Gené (voz y piano), Alex Sánchez (guitarras), Sebastián Sospedra (bajo) y Jerónimo Martínez (batería).

Otras portadas: Lone Star (1966), Un conjunto con antología (1967), Vuelve el rock (1968), Lone Star en jazz (1968), Spring (1970), Es largo camino (1972), ¡Adelante! Rock en vivo (1973), ¡¡Síguenos!! (1975), Horizonte (1977) y Oveja negra (1979).

Sempre Xonxa (Edigal). Banda sonora de la película del mismo nombre, dirigida por Chano Piñeiro (1954-1995) y estrenada en el año 1989. La música del que se considera primer largometraje gallego en formato de 35 milímetros, fue compuesta por Pablo Barreiro, Carlos Ferrant y Marcial Prado, quienes recogen 17 piezas adaptadas a la estructura de la película y de acuerdo con las cuatro estaciones del año en relación con las etapas de la vida de los personajes de este filme, donde el paisaje tiene asimismo un destacado protagonismo. La música es instrumental en la mayoría de los casos y también cantada, aunque sin perder su universalidad que ahonda en el alma gallega mediante sonidos clásicos y ritmos populares, como pasa con las composiciones, Trasdomonte y Polka, respectivamente. Esta última recrea el ambiente del típico baile de fiesta patronal de una aldea de comienzos de los años sesenta. También hay algunos toques jazzísticos como los que se perciben en Eramos uns nenos, e influencias del pop en A Caladiño. La portada de este disco ofrece un fotograma de la película con Xonxa (Uxía Blanco) en primer plano.

Canciones: Trasdomonte. Eramos uns nenos. Cri, Cri, Cro Cro. O señor sol/O regreso. Esta vida son dous días. Sempre Xonxa. Tema do Birutas. A Cantara. Que precisas para ser feliz. A Caladiño. Tema do Pancho. A última trastada. Don Camilo. Interior. A muller de ouro. O raposo. Polka (popular).

Músicos: María González (voz), Alberto Gondar (voz), Marcial Prado (piano y teclados), Carlos Ferrant (guitarra), Pablo Juncal (bajo), Xosé Ramón Pazos (batería y percusión), Plácido Lorenzo (saxo y clarinete en Polka. Manuel Morales (saxos en Eramos nenos y A Caladiño). Y un grupo de músicos de estudio cuyos nombres no se citan.

Otras portadas: Banda sonora de Divinas palabras (Milladoiro-1987).

Emotions Is Motion (Capitol). Disco de consolidación y ascenso del guitarrista, compositor y cantante norteamericano Billy Squier, que logró colocar algunas canciones de este álbum en las listas de éxitos de Estados Unidos, entre ellas la número uno y que abre este disco, grabado en 1982, Everybody Wants You. La música de Squier representa al rock americano con influencias del hard, boggie y blues rock, de brillante producción que ofrece interesantes piezas no exentas de energía y buenas vibraciones para el público en general. Los temas Emotion Is Motion, Leard How To Live, Keep Me Satisfied y Cath 22 no pasan inadvertidos para los aficionados al rock guitarrero de siempre aunque a menudo se apoye en recursos del pop e instrumentación puntual, como los teclados propios de los ochenta que suenan en algunas de las canciones de este galardonado elepé. La carátula del disco está adornada con un retrato de Billy Squier hecho por el poifacético Andy Warhol (1928-1987).

Canciones: Everybody Wants You. Emotions in Motion. Learn How to Live. In Your Eyes. Keep Me Satisfied. It Keeps You Rockin’. One Good Woman. She’s a Runner. Catch 22. Listen to the Heartbeat.

Músicos: Billy Squier (guitarra y voz), Allan St. John (sintetizador, teclados y voz), Jeff Golub (guitarra), Doug Lubahn (bajo y voz) y Bobby Chouinard (batería).

Otras portadas: The Tale Of The Tape (1980), Don’t Say No (1981), Sings Of Life (1984) y Enough Is Enough (1986).

 

Teacher Don’t Teach Me Nonsense (Barclay). Creador del afrobeat, el nigeriano Fela Anikulapo Kuti (1938-1997) ofrece la imagen del músico fecundo que en vida creó leyenda, pero que también registró más de 70 discos desde sus comienzos artísticos en 1958. En su madurez con un reconocimiento público envidiable, en el año 1986 grababa con su grupo Egyp 80 este disco doble de dos títulos que cubren las cuatro caras. En Teacher Don’t  Me Nonsense y Look An Laugh se pueden escuchar en versiones instrumentales y cantadas, bajo un soniquete repetitivo que cuando entran las voces es aprovechado por Fela para lanzar sus diatribas, pero Kuti se encarga de no descuidar el ritmo. Más funk que jazz, y bastante highlife, acompañado de coros en las partes cantadas, Fela despliega el poderío y versatilidad que le caracterizaron en vida para meterse al público en el bolsillo y no pasar inadvertido. La portada del disco incluye una fotografía hecha por Bernard Matussiere a Kuti con su saxofón

Canciones: Teacher Don’t Me Nonsense (Instrumental). Teacher Don’t Me Nonsense (vocal). Look An Laugh (instrumental). Look An Laugh (vocal).

Músicos: Fela Anikulapo Kuti (saxo tenor, guitarra, teclados y voz), Yinusa Akinibosun (saxo tenor), Oyinade Adeniran (saxo tenor), Lekan Animashaun (saxo barítono), Rilwan Fagbemi (saxo barítono), Kola Oni (saxo alto), Akomeah Dodo (trompeta), Stephen Nkem (trompeta), Oye Shobowale (trompeta), Bola Taiwo (trompeta), Stephen Ukem (trompeta), Keji Hamilton (piano), Clifford Itoje (guitarra rítmica), Itam Mann (guitarra rítmica), Sojo Odukogbe (guitar tenor), Femi Oladegunwa (bajo), Ijagun Benjy Ola (batería), Atiba Tiamiyu (batería), Michael Obeatta (conga), Ajayi Adebiyi (conga), George Kassim (shekere), Lampety Addo (shekere), Fehintola A. Kuti (coros), Folake A. Kuti (coros), Keuwe A. Kuti (coros), Idolo Umokoro (coros) y Kemi Williams (coros).

Otras portadas: Fela Ransome Kuti And His Koola Lobitos (1965), Recorded Live At The Afro Spot (1966), Fela Fela Fela (1969), Open Close (1971), Before I Jump Like Monkey Give Me Banana (1975), Expresive Shit (1975), Ikoyi Blidness (1976), Na Poi (1976), Yellow Fever (1976), JJD (1977), Zombie (1977), Shuffering And Shmiling (1978), Black President (1981), Army Arrangement (1984), Beast Of No Nation (1989) y ODDO (1990).

Chicago Fire (Compañía Fonográfica Española). Disco doble de uno de los bluesmen más carismáticos de la escuela de Chicago, Son Seals (1942-2004), en el que se recogen Live And Burning (1978 y en directo) y Chicago Fire (1980), y puesto a la venta en el año 1982. Nacido en Arkansas, Frank Son Seal desarrolló una intensa carrera musical en diferentes lugares de Estados Unidos, para afincarse definitivamente en la ciudad del viento hasta su muerte, lugar en el que era conocido por sus habituales actuaciones en directo en distintos clubs. Su fama como guitarrista y cantante queda demostrada tras la escucha del disco 2 de esta entrega, Live And Burning, donde incluye varias versiones de piezas de conocidos músicos negros como Elmore James, B.B. King o Jimmy Reed. En el otro disco, abundan las composiciones del Seals en las que mantiene la energía y el ritmo demostrativos de su profesionalidad de bluesman eléctrico. El diseño de la portada pertenece a Ross & Harvey, mientras que la fotografía fue realizada por Michael Weinstein.

Canciones: Disco 1. Cara A. 1. Buzzard luck. 2. I’ m not tired. 3. Leaving home. 4. Landlord at my door. Cara B. 1. Gentleman from the windy city. 2. Goodbye little girl. 3. Watching every move you make. 4. Crying time again. 5. Nobody wants a loser. Disco 2. Cara A. 1. I can’ t hold out. 2. Blue shadows falling. 3. Funky bitch. 4. The woman I love. Cara B. 1. Help me, somebody. 2. She’s fine. 3. Call my job. 4. Last night. 5. Hot sauce.

El disco 1 fue grabado en los Estudios Curtom de Chicago (título original: Chicago Fire) (1980). Ingeniero de grabación: Fred Breitberg. Ayudante de grabación: Eddie B. Flick. Producido por Bruce Iglauer y Son Seals.
El disco 2 fue grabado en el Wise Fools Pub de Chicago (título original: Live and burning) (1978) y mezclado en los estudios Curtom de Chicago. Ingeniero de grabación: Ken Rasek. Ingeniero de mezclas: Fred Breitberg. Ayudante de mezclas: Eddie B. Flick. Producido por Son Seals, Bruce Iglauer y Richard McLeese.

Músicos: Disco 1. Son Seals (guitarra y voz), Mark Weaver (guitarra), King Solomon (teclados), Snapper Mitchum (bajo), David D. Anderson (batería), Paul Howard (trompeta), Ken Cooper (trompeta), Jerry Wilson (saxo tenor), Henri Ford (saxos alto y barítono) y Bill MacFarland (trombón y arreglos de viento).
Disco 2. Son Seals (guitarra y voz), A.C. Reed (saxo), Lacy Gibson (guitarra), Snapper Mitchum (bajo), Tony Gooden (batería) y Alberto Hianquinto-piano (B4).

Otras portadas: The Son Seals Blues Band (1973), Midnight Son (1976), Bad Axe (1984) y Living In The Danger Zone (1991).

The Riot Rockers (Rockhouse). Los momentos de gloria del rock and roll en los años setenta tuvieron como protagonistas a varios grupos y solistas de Estados Unidos y del Reino Unido, revivalistas entre los que se encontraba el cuarteto The Riot Rockers, liderado por el veterano Johnny Fox, y que grabó su primer disco de larga duración en Holanda en diciembre de 1976. De las 18 canciones del elepé, la mitad están firmadas por Fox, aunque también aparecen clásicos del rockabilly escritos por Carl Perkins, Johnny Cash y Roy Orbison, Boppin’ The Blues, Rock’n Roll Ruby o Cast Iron Arm, a las que el grupo británico devuelve la frescura del sonido Sun Records de los años cincuenta, por lo que no es extraño que el cantante compusiese e interpretase para su álbum de debut la pieza titulada Hey Mr. (Sam) Phillips. Como buenos roqueros, The Riot Rockers se atreven con algún blues, Streamline Train, de Red Nelson, y con el skiffle de Lonnie Donegan, de quien recuperan Body’s Shack. La fotografía de la portada es de Armand Hayes.

Canciones: Boppin’ The Blues. Gone Gone Gone. It’s Saturday Night. Streamline Train. Rock’ n Roll Ruby. Don’ t You Rock Me Daddy-O. Hey Mr. (Sam) Phillips. Eastbound Train. Cast Iron Arm. Road Of Steel. 6.5. Special. Tongue-Tied Jill. You Make Me Mad. Puttin’ On The Style. Sweet Cindy Lou. Wabash Cannoball. Boody’s Shack.

Músicos: Johnny Fox (saxo, washboard y voz), Ray Firth (guitarra), John Scargall (bajo) y Paul Whittingham (batería).

Otras portadas: Unrealesed Tracks (grabaciones realizadas en 1974).

Robin Trower Live! (Chrysalis). El guitarrista londinense Robin Trower era ya uno de los guitarristas eléctricos más representativos de blues rock de la década de 1970 cuando se ponía a la venta este elepé con varias canciones grabadas en el Stokholm Concert Hall de la capital sueca en febrero de 1975. El que fuera miembro de Procol Harum desarrolló una brillante carrera como componente del trío que llevaba su nombre y que constituía la esencia del rock más agresivo –hard- con raíces en otras formaciones parecidas de los años sesenta (Cream, Experience o Taste). Para otros, sin embargo, Trower constituía una copia de Jimi Hendrix a la hora de tocar, pero el británico va más allá del cliché y la comparación fácil. En este disco se recogen canciones de los tres primeros elepés de estudio de Robin, quien, en algunos momentos se deja llevar por la adoración a Hendrix, Too Rolling Stoned, Alethea y Little Bit Of Sympathy destacan por el afiliado sonido de la Stratocaster, la utilización de pedales y la conjuntada sección rítmica. Sin embargo, también hay recurrencias al blues eléctrico más ortodoxo, Rock Me Baby, y al blues rock de tempo lento, Draydrem y Can’t Wait Much Longer, que confirmar el virtuosismo de Trower y sus acompañantes, entre los que sobresale como cantante el bajista James Dewar. La carpeta del disco incluye fotografías de Jim Marshall y Brian Cooke.

Canciones: Too Rolling Stoned. Daydream. Rock Me Baby. Lady Love. I Can’t Wait Much Longer. Alethea. Little Bit Of Sympathy.

Músicos: Robin Trower (guitarra), James Dewar (bajo y voz) y Bill Lordan (batería).

Otras portadas: Twice Removed From Yesterday (1973), Bridge Of Sighs (1974), For Earth Below (1975), Long Misty Days (1976), In City Dreams (1977), Caravan Midnight (1978), Truce (1981), Back It Up (193), Beyond The Mist (1985) y Passion (1987).

Out Of The Woods (Elektra). Desde la década de 1960, el grupo Oregon representa una de las formaciones más estables de música improvisada que se nutre de clásica, jazz e instrumentaciones exóticas (sitar, tabla y percusiones varias), originalidad que en el momento de grabación de este disco constituía el adelanto de lo que en años sucesivos se iba a denominar música de la nueva era, aunque Oregon se ha caracterizado por sobrepasar modas al disponer de una personalidad propia que impone sus propios criterios a la hora de componer. Excelentes músicos, Towner, Walcott, McCandless y Moore van más allá del jazz fusión que se practicaba por parte de algunos grupos en el año de grabación -1978- de Out Of The Wood, lo cual se expresa piezas de marcadas referencias orientales y africanas: Yellow Bell, Vision Of A Dancer o Dance To The Morning Star. La improvisación también deja lugar al minimalismo de Reprise y Story Telling, en determinados casos como previa al desarrollo de una música acústica, impresionista a veces, caso de Waterrwheel, otras espiritual, Whitchi-Tai-To, pero siempre interesante. La ilustración de la carpeta del elepé corresponde a David Wilcox.

Composiciones: Yellow Bell. Fall 77. Reprise. Cane Fields. Dance The Morning Star. Vision Of A Danger. Story Telling. Waterwheel. Witchi-Tai-To.

Músicos: Ralph Towner (guitarra clásica, guitarra de 12 cuerdas, piano, flugehorn y percusión), Collin Walcott (percusión, sitar, tabla y guitarra), Paul McCandless (oboe, English horn y clarinete bajo) y Glen Moore (bajo).

Otras portadas: Music Of Another Present Era (1972), Distant Hills (1973), Winter Light (1974), Friends (1977), Roots In The Sky (1979), In Performance (1980), Oregon (1983), Crossing (1985) y Ecotopia (1987).

 

Marco Polo (Arista). El músico romano Ennio Morricone es uno de los grandes compositores cuya obra está distribuida en más de 500 trabajos para la industria audiovisual, principalmente cine y televisión, ámbito desde el que es requerido por los principales directores. En el año 1982, la radiotelevisión italiana (RAI) estrenaba la superproducción Marco Polo, dirigida por Giuliano Montaldo y centrada en el comerciante y viajero de la Alta Edad Media que llegó hasta China. La banda sonora, de la que se recogen algunas partes en este disco, la realizó el experto Morricone, quien según los incondicionales de este compositor no “escribe música de fondo, en el sentido convencional de relleno de la acción fílmica, no sobrecarga las escenas con temas musicales que distraigan las emociones del espectador ante la misma”. La utilización de cuerdas, los coros ambientales y las secciones de viento son algunas de las características de esta banda sonora, donde destacan las partes relacionadas con la juventud de Polo, y que se puede escuchar al completo en el formato CD (dos discos). La portada del elepé ofrece un dibujo de Ino Chisesi And Associates.

Composiciones: Marc Polo (titles). On The Way To The Orient. Monica. The Legend Of The Great Wall. Mai-Li’s Song. The South Burns. Marco Polo (Hormuz). Farewell To The Mother. The Crusaders. The First Love. The Forbidden City. Marco’s Theme (Death In The Wind). On The Way To The Orient (Trip). Nostalgia OF The Father. The Great March Of Kublai. The Holy Sepulchre. The Mongols. Marco’s Theme (Dialogue). The Dreams. Adolescence.

Músicos: Orquesta y coros (Unione Musicisti di Roma), Dirección (Giuliano Montaldo) y Dino Asciolla (viola en los temas 1,3, 8, 10, 17 y 19).

Otras portadas: Bandas sonoras de las películas, Il federale (1961), Dicciotteni al sole (1962), Il suceso (1963), Per un pugno di dollori (1964), La battaglia di Algeri (1965), Uccellacci e uccellini (1965), Matchless (1966), L’harem (1967), The red tent (1968), Queimada (1969), Hornet’s Nest (1970), La classe operaia va in Paradiso (1971), L’attentat (1972), Revolver (1973), Allosafan (1974), The human factor (1975), Il deserto dei tartari (1976), Novecento (1976), Il gatto (1977), Days of heaven (1978), Bloodline (1979), La banquiere (1980), So fine (1981), White dog (1982), Sahara (1983), Don’t kill good (1984), Red Sonja (1985), The mission (1986), Frantic (1987), Cinema Paradiso (1988), Átame (1989) y State of grace (1990).

Greatest Hits (Columbia). Primer recopilatorio de las mejores canciones del escritor y cantante canadiense, Leonard Cohen, quien recogió en 1975 algunas de las piezas más famosas de sus cuatro primeros discos grandes, que abarcan un periodo de tiempo que va de 1968 a 1973. En este elepé de grandes éxitos están registradas 12 canciones que tienen como punto de partida la célebre y mil veces entonada Suzanne, compuesta en el año 1966 como recuerdo de una mujer de Montreal. Las mujeres son una constante en las canciones de Cohen, así en sus éxitos aparecen también Marianne o la cantante norteamericana (Janis Joplin) que le inspiró para escribir Chelsea Hotel nº 2. Como un rapsoda, de voz cansada, pero con guitarra, a menudo también acompañado por otros instrumentos musicales y coros, Cohen va relatando las experiencias existenciales que protagonizó a finales del siglo XX como representante de una generación lastrada por la II Guerra Mundial, de la que en este elepé se reinterpreta la combativa The Partisan. Sin embargo, los combates verdaderos están en la actividad cotidiana tan bien descrita por el cantante de Montreal, a veces mediante un cuidado lenguaje poético de imágenes, donde conviven vida y muerte, amor y sexo, sagrado y profano. Todo esto y algo más sirve de materia prima para las inolvidables So long Marianne, Sisters Of Mercy, Bird On Wire, Hey That’s No Way To Say Goodbye o Who By Fire. La fotografía de la portada del disco fue tomada por Giuseppe G. Pino en el espejo de una habitación de un hotel milanés, imagen en la cual Cohen nunca se fija si es buena o mala, “eso depende de cada uno”.

Canciones: Suzanne. Sisters of Mercy. So Long, Marianne. Bird on a Wire. Lady Midnight Cohen. The Partisan. Hey, That’s No Way to Say Goodbye. Famous Blue Raincoat Cohen. Last Year’s Man. Chelsea Hotel No. 2. Who by Fire. Take This Longing. En los primeros discos de Cohen intervienen otros músicos de estudios de New York y Nashville. También se incluyó música de orquesta en algunas grabaciones.

Músicos: Leonard Cohen (guitarra y voz).

Otras portadas: Songs Of Leonard Cohen (1968), Songs From A Rom (1969), Songs Of Hate (1971), Live Songs (1973), New Skin For The Old Ceremony (1974), Death Of A Ladies’ Man (1977), Recent Songs (1979), Various Positions (1984) e I’ m Your Man’ (1988).

Os nomes das cousas (Guimbarda). Miembro fundador del movimiento de nueva canción gallega en los años sesenta (Voces Ceibes), Benedicto forma parte quienes protagonizaron la historia de la evolución de la música popular del siglo XX, a la que aportó algunos discos y muchas actuaciones por la península ibérica. Entre las primeras figura este elepé grabado en el año 1979 con la colaboración del músico y compositor argentino Alberto Gambino. Éste participó en la composición, junto a Benedicto, en dos de las diez canciones recogidas en el álbum, de las cuales es una adaptación del poema A Espiña, de Manuel Curros Enríquez, que el cantautor gallego interpreta dentro de una línea tradicional en la que la percusión de carácter popular tiene un especial protagonismo, como ocurre igualmente en A Festa, que incluye una introducción de instrumentos de viento, y Nosa Señora da Barca, ésta cantada a capella. Benedicto demuestra asimismo un claro conocimiento de la canción popular portuguesa como se puede percibir O Furado, de resonancias afonsianas, aunque dentro de la canción de autor hay que tener en cuenta Un día, tema del que se sacó el título de este larga duración. Por último, la canción que cierra el disco está dedicada a América Latina, un recuerdo y reivindicación a favor de los pueblos que luchan por su independencia. La fotografía de Benedicto en la portada del elepé es de Juan Manuel Domínguez.

Canciones: A festa. O furado. Eres ti. A roseira. Un día. A espiña. O aparato. Chovia. Nosa Señora da Barca. América Latina, irmá.

Músicos: Benedicto (guitarra, flauta soprano, bombo y voz), Alberto Gambino (guitarra, cuatro, tiple, plato, bongos, calzadores, piano Fender, órgano Hammond, melódica y coros), Pedro Savirón (flauta soprano y flauta tenor), Luis Fatás (flauta pícalo, flauta travesera y clarinete), Eduardo Gatinoni (chelo), Manuel Grañido (bandurria y laúd), Carlos Vázquez (viola), Jorge Sarraute (bajo de caja), Pedro Peralta (sonajeros, botella, crótalos, batería, bongos, tamboril, pandereta y birimbao), Bernardo Corral (pandero y conchas) y Maite (coros).

Otras portadas: Pola unión (1977).

Quitte Paris (Wea). El cuarteto La Bamboche graba su tercer disco en 1977 y de acuerdo con la línea musical de recoger el legado de la tradición de diferentes zonas de Francia. Asimismo los integrantes de esta banda folk, representativa de la década de 1970, el mejor momento para el renacimiento de unas canciones y melodías condenadas a los museos etnográficos, aprovechan el abundante arsenal de instrumentos populares, como zanfonas, mandolinas, cornamusas, violines y espinetas, entre otros, para ofrecer más credibilidad a sus vitalistas interpretaciones. Así la primera pieza, que da título, al elepé es un antiguo vals de los años veinte, para continuar con burrés, gigas, polcas, danzas limusinas, vals y otras piezas recogidas de viejos cancioneros, pues una de las características de este cuarteto, además de su dominio instrumental, es la abundancia de composiciones cantadas en su repertorio, lo cual cumplen con creces en este álbum acústico. En la siguiente grabación, titulada Les saisons des amours, La Bamboche realizará algunos cambios en su formación e incluirá instrumentos eléctricos. La carpeta de Quitte Paris disco ofrece un dibujo de Laurent Leserre.

Canciones : Quitte Paris. Les enfants du pauvre homme. Bourre de Maurianges. Le sergent. Melodie Csango. Judentanz. J’ai fait une maitresse. Gigue de Marmetoux. Polka du Bass Berry. Le roc Carlat. La chanson de Craonne. Bal D’Abzac. Trois graçons de Bretagne. La complaine du bambocheur. Amis buvons. Le branle de Montirande. La sentine a tourna. L’ancienne.

Músicos : Bernard Blanc (zanfona, cabreta, flautas, cornamusa de Bechonnet y voz), Jacques Mayoud (violín, mandolina, mandola, percusiones y canto), Jean Blanchard (acoirdeón diatónico, concertina, espineta de los Vosges, mandolina, percusiones y canto), Jacky Bardot (guitarra, mandoloncelo, percusiones, buzuki y voz). René Joly (acordeón en Quitte Paris y La chanson de Craonne. La Bamboche, Miche Etchegarray y Hughes de Courson (coros en Quitte París).

Otras portadas: La Bamboche (1975), Jeu à monter sans coller (1976), La Saison des amours (1978), Grand bal folk (1979), Quintessence (1980) y Née de la lune (1981).

You Can’t Argue With A Sick Mind (ABC Records). Cuarto elepé de Joe Walsh en directo y con la colaboración de músicos californianos, entre ellos algunos miembros de The Eagles, grupo en el que ingresaría el guitarrista en 1976, año de grabación de este disco grande. Instrumentista todo terreno pero con alma de roquero duro, Joe Walsh era a mediados de los setenta un cotizado músico que tocaba todos los palos e incluso se atrevía a producir discos de otros. Desde sus tiempos con James Gang, banda hard de finales de los sesenta y comienzos de los setenta, Joe colaboró en grabaciones de blues, funk, soul, county rock y música progresiva, entre otros estilos, lo cual se comprueba al escuchar las seis canciones recogidas en directo, entre las que resaltan Meadows, Walk Away, Rocky Mountain y Time Out, así como la acústica Help Me Through The Night, ésta junto a sus compañeros de The Eagles, quienes hacen los coros tan logrados y característicos de dicha formación. La foto de la carátula del disco está firmada por Amanda Flick, Wild Studios y Jimmy Wachtel.

Canciones: Meadows. Turn To Stone. Walk Away. Rocky Mountain Way. Help Me Through The Nigth. Time Out.

Músicos: Joe Walsh (guitarra y voz), Don Felder (guitarra y coros), Willie Weeks (bajo), Jay Fergusson (teclados), David Mason (teclados), Joe Vitale (batería), Andy Nerwark (batería), Rocky Dzidzonru (percusión), Glenn Frey (coros) y Don Henley (coros).

Otras portadas: Barnstorm (1972), The Smoker You Drink, The Player You Ge (1973), Sho What (1975), But Seriously Folks (1978), There Goes The Neighborhood (1981), You Bough It You Name It (1983) y The Confessor (1985).