A la vida, al dolor (Movieplay) 1975
GualbertoPortada: diseño y fotografías Rafael Díaz Moreno

Gualberto García (1945) es uno de los claros referentes del rock progresivo sevillano de finales de los sesenta y comienzos de los setenta que, tras el paso por el grupo Smash, realizó una interesante carrera musical en solitario que descubrió su talento tanto al tocar como al componer. A la vida, al dolor, grabado en plena explosión de la canción de autor, constituye un elepé refrescante que va más allá de un estilo concreto, pues al sitar hindú se añaden otros instrumentos más usuales como guitarras de palo y eléctricas, violín, flauta, bajo, batería, percusiones, a los que acompañan la voz jonda de Enrique Morente. La primera cara del disco titulada A la vida incluye cuatro canciones relacionadas con la primavera y la naturaleza, en las que aparecen melodías interesantes en las que los instrumentos dan paso a las voces y viceversa, creando así un una amalgama en la que se mezclan desde sonidos orientales a flamenco, pasando por rock introspectivo. Toda la cara, es decir Canción de la primavera, Canción del agua, Canción de las nieves y Canción del arco iris, no tiene desperdicio por la calidad y el sentimiento demostrados por los intérpretes en conjunto. La otra parte de la grabación destaca por los diálogos instrumentales como los de Terraplén, Prisioneros, Tarantos y Diálogo interior, sin olvidar la voz de Morente, que adelantan en muchos años un sonido, convenientemente domesticado, de éxito.
          
Canciones: A la vida: Canción de la primavera. Canción del agua. Canción de la nieve. Canción del arco iris. Al dolor: Terraplén. Prisioneros. Tarantos (para Jimi Hendrix). Diálogo interior.

Músicos: Gualberto (guitarra española de arpegios, guitarra flamenca, guitarras eléctricas, sitar, palmas y voz), Antonio Díaz (guitarra acústica de 6 cuerdas, bajo y palmas), Art (violín y viola), Todd (guitarra de 12 cuerdas, guitarra acústica, trompeta y voz), Willie Rodríguez Trujillo (batería, maracas, palmas y percusiones), Carlos Carcamo (flauta) y Enrique Morente (cantaor).

Más portadas: Vericuetos (1976), Sin comentario (1977), Otros días (1979), Puente mágico (1993) –con el guitarrista Ricardo Miño- y Con trastes (1998) –con R. Miño-.

Apunte: “Soy flamenco porque he nacido aquí y uso sus estructuras para expresarme. Ni lo intento, vamos. Al contrario, cuando escribo cosas para músicos clásicos, saben que esa cosita flamenca que le doy al toque se tiene o no se tiene. Pero a mí también me faltan cosas de los clásicos. Un clásico que toca flamenco tiene complejo porque no llega a meterse totalmente.
Yo, como siempre estoy en medio, puedo coger el flamenco y basarme en él. Si eres fiel a ti mismo, sólo tienes que ser coherente con tu cultura. Yo me he criado aquí en Sevilla, pero mis referencias eran los Beatles, Jimi Hendrix y los Rolling Stones. Los flamencos también, pero eso lo tenía tan a la mano que con dieciséis años le di la vuelta al mundo. Y con veinte me fui a América a conocer a Frank Zappa y a Hendrix y a todo el mundo. Y eso, quieras que no, lo mezclo con el flamenco”. Gualberto, en entrevista de Silvia Calado Olivo.

Q.Tips (Chrysalis) 1980
Q.Tips
Portada: Art-Art

Q. Tips era una banda escocesa adscrita a los sonidos de la Tamla Motown, Stax, Atlantic, r&blues y también al blue-eyed soul, al igual que otros compatriotas que han triunfado desde los años sesenta hasta la actualidad. La voz de Paul Young ayuda sin duda a la credibilidad de esta banda en la que también destacaban la guitarra y la sección de metal, que ayudaron a revitalizar en tiempos de nueva ola roquera a clásicos negros como Some Kinda Wonderful, Tracks Of My Tears o SYSLJFM, aunque en el haber de la banda, más allá de la revitalización de estándares souleros, se apuntaban composiciones propias con gancho y solvencia interpretativa como Please Don’t Stay At Home, You Ar The Life Inside Of Me, A Man Can’t Lose y Keep Your Shoes On, entre otras, donde se notaba la eficiencia compositiva del saxofonista Stewart Blandmer. Una pena que el grupo se desbandara enseguida, pero su propuesta no fue en balde, porque en esa misma década el soul sirvió de inspiración a muchos otros combos y solistas.

Canciones: Some Kinda Wonderful. Tracks Of My Tears. Please Don’t Stay at Home. You Are the Life Inside of Me. The “In” Crowd. (Now I’m Left With A) Beautiful Memory. SYSLJFM (The Letter Song). A Man Can’t Lose (What He Don’t Have). Uncle Willy. Different World. Keep Your Shoes On.

Músicos: Paul Young (voz), Stewart Blandmer (saxo alto y voz), Steve Fix-It Farr (saxo barítono y voz), Tony Hughes (trompeta), Ian (The Rev) Kew (teclados), Garth Watt-Roy (guitarra y voz), Mick Pearl (bajo) y Barry Watts (batería). John Gilford (guitarra en SYSLJFM).

Más portadas: Live At Last (1982), Come Back…Live (1984) y Live In Concert (1991).

Apunte: El cantante Paul Young desrrolló una exitosa carrera en solitario a partir de su primer larga duración No parlez (1983).

¡Pum! (RCA) 1971

Andrés do Barro
Portada: fotografía de Pedro A. Martínez Parra

Andrés do Barro (1947-1989). “Hay intérpretes de vida efímera que, sin embargo, dejaron ciertas huellas personales, las que ahora nos permiten revisar su discografía que, aun breve, resulta sumamente interesante. Es el caso de Andrés do Barro, cantautor que desarrolló su carrera entre 1969 y 1974, en lo concerniente a sus grabaciones. Con actuaciones personales la mantuvo algunos años más, aunque ya sin la frescura de ese periodo durante el cual desarrolló un tipo de canción regionalista, a caballo entre el folclore tradicional y la adecuación a su tiempo. Repasar ahora la vida y obra del cantante gallego resulta un ejercicio amén de interesante, justo cuando algunos más significativos aún están en el recuerdo de muchos: O tren, Corpiño xeitoso, San Antón, Pandeirada…Fueron sus más celebradas canciones, a las que de algún modo están incorporadas al moderno repertorio folclórico de su tierra”. Manuel Román.

“Andrés do Barro paso de Edigsa a RCA, le ayudó Juan Pardo (también hijo de la hibridez ferrolana) e hizo lo que nadie hiciera ni después haría: repetir números uno en las listas de canciones de España, entidad monolítica y despreciadora, cantando en gallego; cantando mal en gallego; sin dejar que algún cantante capaz de controlar la necesidad de droga cantase por el”. Xavier Alcalá.

“No quisiera, con todo, hacer leña del árbol caído, de quien, como Andrés Lapique do Barro, después de tener el éxito y el dinero a manos llenas, murió en el mayor olvido de los olvidos. Una pena. Desde pequeño me jodieron los juguetes rotos. Yo guardo un grato recuerdo de Andrés, chaval de la Porta Nova ferrolana”. Vicente Araguas.

“Cuando el yo bucólico del cantor empezaba a distinguir entre los árboles y los pájaros de su comarca y los de la vecina, entonces brotaba el cantautor regionalista. El campo era también geografía política. La tierra no era de todos, como querían los cosmopolitas hippies, sino de los que en cada terruño tenían su partida de nacimiento en regla… Pero curiosamente, todos estos primeros cantantes no eran en sí mismos regionalistas, autonomistas o nacionalistas (como quiera el lector), en el sentido de hacer patria de su geografía, sino de su lengua… Otro caso similar fue Andrés do Barro, quien desde que en el 69 debutó con O tren, interpretado en su idioma original gallego, pasó a engrosar las filas de esta tropa. El mercado discográfico, como siempre que reinventa una receta de consumo, y demandaba esos aires periféricos, y Do Barro estaba allí, en el momento oportuno para su descubrimiento. En el 70, amplió más su radio de fans con Corpiñoi xeitoso. Hacía una música de fácil digestión, aunque no exenta de gracia. En el 71, tras intercalar temas y versiones bilingües, tocó techo con Pandeirada, y después todavía aguantó sin las misma fortuna casi una decena de singles más”. Gerardo Irles.

Canciones: Llorar por llorar. Fogar de Breogán. A unos ojos verdes. Meu Amor. Pum. Un pouquiño mambo…ou asi. Foi meu día feliz. En Río de Janeiro. Pandeirada. Quiero que quiero.

Música: Arreglos de Pedro Oltra de Angelis y Paolo Ormi. Todas las canciones, música y letra, Andrés Do Barro. Fogar de Breogán y A uns ollos verdes, colaboración de letra: Xavier Alcalá.

Más portadas: Me llamo Andrés Lapique Do Barro (1970), Andrés Do Barro (1974) y Andrés Do Borra. Todas sus grabaciones en RCA 1969-1972 (2003).

Apunte:  http://andresdobarro.galeon.com.
www.otrenquemeleva.com. www.dobarrismo.com.

Louisiana Swamp Blues (Capitol) 1996
Guitar Slim, Clarence Bon T Garlow, Boo Breeding, Clifton Chenier, Boo Zoo Chavis
Portada: ilustración de Joe Cardiello

El blues de los pantanos y el zydeco son dos ritmos estilos representativos de la fusión de músicas africanas y europeas que se produjeron en el estado de Louisiana y se proyectaron internacionalmente a partir de la década de los cincuenta del siglo pasado. En el recopilatorio Lousiana Swamp Blues se recogen 23 composiciones interpretadas por artistas representativos de dichos estilos que fueron grabadas entre los años 1951 y 1955, principalmente en Nueva Orleáns, aunque hay varias realizadas en Lake Charles y Hollywood. El blues está representado por Guitar Slim, Clarence Bon Ton Garlow y Boo Breeding, tres instrumentistas que se adentran en un sonido eminentemente urbano, Standin’ At The Station o My Love (She’s Gone), pero que, en los casos, del segundo y el tercero no escapan al mestizaje con otros ritmos en auge durante los años cincuenta, como el r&b, Country Woman, o los propios de la fusión que se hacía en Louisiana, por ejemplo el cajón, Flip Flop y Jumpin At The Zadacoe. En cuanto al zydeco no falta el gran Clifton Chenier y también el menos conocido Boo Zoo Davies, quienes aportan conocidas piezas entre las que destacan Rockin’ Hop y Paper In My Shoe.

Canciones: Guitar Slim, Cryn’ In The Morning. Bad Luck Is On Me. New Arrival. Standin’ At The Station. Clarence Bon Tom Garlow, New Bon To Roulay. Hey, Mr. Bon Ton. You Got Me Crying. Dreaming. I’m Hurt. Flip Flor. Jumping At The Zadacoe. Boo Breeding, I Can’ Fly. My Love (She’s Gone). Country Woman. Clifton Chenier, Lousiana Stomp. Cliston Blues. Tell Me. Rockin’ The Bop. Bon Zoo Chasis, Boo Zoo Stomp. Paper Im My Shoe.

Músicos: Guitar Slim & His Band y His Playboys. Clarence Bon Ton Garlow, con la cantante Emma Lee (6 y 7). Boo Breeding. Clifton Chenier. Boo Zoo Chavis.

Más portadas: Louisiana Blues (1970), Louisiana Swamp Blues volume 1 (1995), Zydeco: The Essential Collection (2002), New Orleans Guitar -4 CD- (2006), y Zydeco, The Essential Pulse Series -2 CD- (2008)

Apunte: Paradise Faded. The Fight For Louisiana, es el título de un documental que informa sobre la costa de dicho estado y los peligros que se ciernen sobre ella como ciclones tipo Katrina. Bajo la dirección de Jared Arsement, el audiovisual cuenta con una interesante banda sonora.

Projecto ninguém (Runa Records) 2000
Ball-Cans
Portada: dibujo de Ana Domínguez

Projecto ninguém, un colectivo de músicos afincado en Galicia que partía de una iniciativa de investigación multiartística que incluía escenografía, realizó una grabación de algo más de una hora distribuida en 16 composiciones de música gallega y ritmos de los Balcanes, aunque hay cabida para otros estilos: jazz, pop o rock. Todos ellos ahondan en la historia de amistad entre dos mujeres, una bosnia y otra norteamericana, según el guión teatral de Matei Visniec. En lo musical hay que destacar la utilización de instrumentos de varios continentes, muy en la onda de la world music, por ejemplo en Letanía. En otros casos se recurre al jazz, folk, música clásica, muñeira o los ya mencionados ritmos balcánicos, estos últimos como puentes con la cultura oriental, aderezado con buen humor, por ejemplo, A muinheira impossivel. Rumba, Nove tiros mais unha punhalada, Makedonsko, Fonemancipées, Doors & Windows y Vodka ska da quartet son algunas de la piezas a tener en cuenta en este trabajo. Al final, según los autores de Projecto ninguém, no se proponía ningún mensaje, ni contar nada, más bien se tratar de hacer preguntas: ¿quién hace la guerra? ¿quién lanza bombas? ¿quién vota a los responsables? ¿es nadie? En resumen: ¿es la búsqueda del poder el mejor remedio contra la frustación personal? Estas preguntas se hacían con motivo de la entonces reciente guerra en los Balcanes.

Canciones: Rumba. Nove tiros mais unha puñalada. Macedónia. Letanía. Feito co lateral. Entresonhos. Alborrana de acó sobar. Makedonsko. Sete de trebos. Cuscús Turika. Paso dobre de Folgoso. Fonemancipées. Doors & Windows. Vodka ska a quartet. A muinheira, imposible. More sokol pie.

Músicos: Mariam Tuñón (piano), Jose L. Deus (piano, teclados), Javier Cedrón (violín), Rosa Cedrón (violonchelo y voz), Roberto Grandal (acordeón), Pablo Torneiro (acordeón), Suso Vaamonde (gaida, gaita y zanfona), Brais Maceiras (gaita), José Ramón Bugliot Buggy (flauta), Ruth Pazo (flauta), Mantel Monteo (flauta), Nuria de León (piano gallego, arpa celta y voz), Marcos Represas (saxo soprano, clarinete y requinto), José Antonio Neira (oboe), Gezin Malaj (fagot), Pablo Sax (saxo soprano), José Ramón Rodríguez (saxo barítono), José Luis Silva Pachote (trompa), Pablo Blanco (trompeta), Lorenzo Castro (bombardino y trombón), Ramón Feáns Chiri (guitarra acústica), Antonio Fresedo (mandola), Iago G. Moro (bajo y voz), Pablo Pérez (bajo y contrabajo), Francisco Vecino Chisco (marimba), Jacobo Gallego (djembé y bongos), José Lois Romero (darbuka, pandereta, bombo, tamboril, bordhram y caja), Anxo García (batería), Jacobo Gallego (batería), Leo Giraldo Pimentel (batería), Marcos M. Vázquez (batería), Nicolai Storedie (timbales, pandereta y plato), Alicia Cabezal (pandereta y voz), Philip Coppin (zanfona), Paloma Suanzes (voz), Guadi Galego (voz), Uxía Senlle (voz), Carolina Soneira (voz), Stephanie Parent (voz y sonidos de danza), Manuel Lousas (voz), Sonia Lebedynski (voz), Nicolai Storedic (utensilios de cocina y labranza).

4x10

1968



Every One Of Us (MGM) 1968
Eric Burdon & The Animals
Portada: Bob MCue y Ron Smith

Eric Burdon & The Animals grabaron en 1968 el tercer elepé de su etapa californiana y psicodélica aunque en esta grabación la banda originaria de Newcastle extiende su registro musical hacia blues jazz y folk, pero con amplio protagonismo de la voz de Burdon, quien aprovecha la ocasión para lanzar una larga perorata o realizar un monólogo, escúchense New York 1963-America 1968 The Inmigrant Lad, aunque la mejor está sin duda donde todo el grupo desarrolla sus capacidades. White Houses y Serenade To Sweet Lady aportan el lirismo desde un sonido más bien acústico, sobre todo en la segunda donde, por cierto, no canta nadie. Year O The Guru recurre al riff de guitarra de Jimi Hendrix, en alza en aquel año, para criticar la moda de los gurús que se entrometían en las vidas y las carteras de la gente pública de la época. Por otra parte, St. James Infirmary, un clásico del blues de todos los tiempos, se adapta con firmeza y credibilidad al estilo de los nuevos animales, quienes sin duda firmaron el mejor disco hecho en Estados Unidos, logro que ya no conseguiría en lo sucesivo el combo liderado por Eric Burdon.
Canciones: White Houses (4:43). Uppers and Downers (0:24).Serenade to a Sweet Lady (6:17). The Immigrant Lad (6:15). Year of the Guru 5:25). St. James Infirmary. (4:15). New York 1963-America 1968. (19:00)

Músicos: Eric Burdon (voz), Vic Briggs (bajo y guitarra), Barry Jenkins (batería y percusión), Danny McCulloch (bajo, guitarra, guitarra de 12 cuerdas y voz), John Weider (guitarra y celesta) y George Bruno (piano, órgano Hammond y voz).

Más portadas: Eric Burdon, en el tercer milenio, He Used To Be An Animal (2002), My Secret Life (2004), Athens Traffic live (2005) y Soul Of A Man (2006).

Apunte: Eric Burdon mantiene su compromiso musical con unos nuevos The Animals, que son, según la web del cantante británico, Billy Watts (guitarra), Milton Valentine (animal auténtico, guitarra), Paula O’ Rourke (bajo), Red Young (teclados), Tony Braunagel (batería), Herman Matthew (batería), Steve Murphy (batería) y Steve Conte (guitarra). Algunos de ellos participarán en la gira por Estados Unidos que comenzará mañana en el The Redgefield Playhouse, de Connecticut, e incluirá en julio el reencuentro de Burdon con California y algunos de sus seguidores de hace 40 años. Por otra parte, el cantante ofreció el 21 de abril una actuación con War, otro grupo de la etapa norteamericana, en el Royal Albert Hall.


Mirar: Monday, June 25, 2007

Friday, June 02, 2006

Love Songs (Polydor) 1970
Derek And The Dominos
Portada: La fille au bouquet, de E.T. Frandsen de Schomberg

Derek And The Dominos es el nombre del grupo formado por Eric Clapton con músicos estadounidenses tras su exitosa gira y álbum en directo con Delaney And Bonny, banda esta última de la que salieron los acompañantes del guitarrista inglés. La primera grabación oficial de Derek And The Dominos salió en el formato de elepé doble con una artística portada y 14 canciones que recogen la mejor esencia del blues rock gracias a la labor de músicos cada uno virtuoso a su modo con los instrumentos que tocaban, entre ellos el guitarrista sureño Duanne Allman. Layla And The Other Assorted Love Songs se abre con I Loked Away, una pieza que transita entre el country y el rock, dos estilos condenados a entenderse en especial en los años de inicio de la actividad de la banda liderada por Clapton. Esta línea enseguida se difumina tras el primer blues de la generosa lista del doble elepé, Bell Bottom Blues, canción preñada de rock, en contraposición a otras piezas más ortodoxas Nobody Knows You When You’re Down And Out, Key To The Highway o Have Your Ever Loved A Woman. No obstante, no todo se limita a música de raíz negra americana, Keep On Groowing, Anyday o Why Does Love Got To Be Bo Sad? son ejemplos claros de la vitalidad de del rock durante el cambio de década de los 60 a los 70. La versatilidad de los músicos apunta en alguna de las canciones antes citadas un guiño a lo que se denominará rock sureño. La inspiración llega también a la mitificada Layla y la hendrixiana Little Wind, así como a la acústica Thorn Tree In The Garden.

Canciones: I Looked Away. Bell Bottom Blues. Keep On Growing. Nobody Knows You When You re Down and Out. I Am Yours. Anyday. Key To The Highway. Tell The Truth. Why Does Love Got To Be So Sad?. Have You Ever Loved a Woman. Little Wing. It’s Too Late. Layla. Thorn Tree In The Garden.

Músicos: Eric Clapton (guitarras y voz), Bobby Whitlock (órgano, piano, guitarra acústica y voz), Jim Gordon (batería, percusión y piano), Carl Radle (bajo y percusión) y Duanne Allman (guitarras).

Más portadas: In Concert (1973) y Live At The Fillmore (1994).

Apunte: Con motivo del 20 aniversario de la grabación de Layla And Other Assorted Love Songs, se puso a la venta en formato digital el álbum homónimo de tres cedés que recogen la grabación original, jams y tomas descartadas.

Lo mejor del Clan vol. 2 (Movieplay) 1969
Mike Kennedy, Canarios y Pop Tops
Portada: fotografía de M.A. Machín

El soul era un estilo aceptado por solistas y grupos de pop españoles de los años sesenta que lo incorporaron a su repertorio de forma puntual, salvo excepciones. En este elepé, bajo la producción del gran Alan Milhaud, se encuentra algunas canciones representativas del mejor soul hispano de los sesenta gracias a la inspiración de Canarios, que interpretaron piezas como Réquiem For A Soul, Pain Chile, en las que la voz de Teddy Bautista suena convincente y al mismo nivel que otros soulmen extranjeros. Otro de los combos souleros era Pop-Tops, con Phil Trim, que introducía gospel, ritmos caribeños y música clásica en sus composiciones, algunas de ellas de agradable recuerdo como Dzim-Dzim-Dzas. El tercero de esta lista es Mike Kennedy, un alemán que se instaló en España como cantante de varios grupos entre ellos Los Bravos, siempre tuvo preferencia por la música negra hasta el comienzo de su carrera en solitario cuando comenzó a coquetear con un pop de público adolescente. Mike aporta cuatro canciones que apuntan esa tendencia antes descrita, sobre todo la versión de La Pioggia.

Canciones: La lluvia. Réquiem por el soul. El mar. Golden Memories. Pain. Pepa. Nunca olvidaré. Dzim-Dzim-Dzas. Chile. She Is Walking Hawai. That Woman.

 Músicos: Mike Kennedy (cantante). Pop-Tops. Canarios.

 Más portadas: Lo mejor del clan vol. 1 (1968), Libérate (1970)-Canarios-, Top Pops Of Pop Tops (1976) –Pop Tops-, y Mike Kennedy (1977) -Mike Kennedy-.

Apunte: Otros grupos españoles adscritos al soul fueron Conexion y Shelly y la Nueva Generación.

No Relation (Guimbarda) 1978
Royston Wood & Heather Wood
Portada: fotografía de Pete Smith

Royston Wood & Heather Wood grabaron a comienzos de 1977 un disco cuyo título insistía en que ambos no tenían ningún tipo de relación familiar aunque coincidieran en el apellido. La reunión de los dos ex componentes de The Young Tradition sirvió para recuperar un estilo musical muy relacionado con la música antigua que tuvo amplio predicamento entre los jóvenes del circuito folk del Reino Unido durante los años 60. En No Relation “aunque las canciones tradicionales son todavía inmensa mayoría, se introduce en el disco una mayor riqueza instrumental y algunas que otras composiciones propias. Finalmente, existe una chacona, danza medieval recogida del autor clásico Louis Coperin. En total, un LP que no desmerece en absoluto de la obra de Young Tradition, antes bien que la recupera y pone –en alguna medida- al día. Si la falta de Meter Bellamy se echa de menos (aunque colabore en algún corte del disco) no por ello se puede decir que sea decisiva: aquí encontramos las mismas armonías, la misma sensación de recogimiento recoleto y de sublime serenidad que hicieron proverbiales a YT”, según Alvaro Feito, con quien coincido en reconocer la belleza de la balada The Cellar Door, aunque también el aroma folkie de la vieja canción del siglo XIV: The Cutty Wren. El resto del disco es una agradable experiencia de reencuentro con canciones para todos los gustos, desde las de tipo humorístico a las de amor, pasando por antiguos romances de ciego tan ligados a la cultura popular europea.


Canciones: A Shephered Of The Downs.Come Ye That Fear The Lord. Foolish, Incredibly Foolish. Bold Benjamin O, The Bold Astrologers. St. Patrick’s Breastplate. The Cutty Wren. Will You Miss Me?. The Cellar Door/Lovin’ Bessie. Chaconne In G. Minor. Gliria Laus.

Músicos: Heather Wood y Rooyston Wood (voces), Peter Bellamy (voz), Pennie Harris (dulcimer y voz), Tony Hall (acordeón), Simon Nicol (guitarra eléctrica y guitarra acústica), Peter Kirtley (guitarra eléctrica, guitarra acústica y mandolina), Ashley Hutchings (bajo),

Más portadas: Royston Wood (1935-1990) y Heather Wood (1944) habían grabado, junto con Peter Bellamy (1944-1991), como The Young Tradition: The Young Tradition (1966), So Cheerfully Round (1967) y Galleries (1969).

Apunte: Heather Wood trabaja como freelancer de varias publicaciones periódicas de Estados Unidos, donde vive.

Café Blue (Polydor) 1984
The Style Council
Portada: fotografía de Peter Anderson

The Style Council es decir Paul Weller y Mick Talbot, un dúo que asentó las bases de los sonidos bailables que ocuparon las pistas hasta el cambio de milenio, dada la mescolanza de estilos que ejercitaron en sus propuestas discográficas. R&blues, jazz, soul y pop son las esencias que se pueden rastrear en discos como este Café Blue, primer larga duración del dúo, que no grabación, donde el combo británico auxiliado por otros músicos y cantantes consigue llegar alto en las listas de éxitos, carrera ascendente que continuaría hasta el final de los ochenta. Paul Weller demuestra que su evolución musical partía de la necesidad de explorar nuevos ritmos que se orientaron hacia músicas negras que siempre tuvo en mente pero que con The Style Council pudo recrear a su gusto con elegancia y savoir faire como My Ever Changing Moods o You’re The Best Thing, aunque esa búsqueda también le llevó al jazz, Dropping Bombs On The Whitehouse, y los ritmos bailabes, A Gospel.

Canciones: Micks Blessings. The Whole Point of No Return. Me Ship Came In!. Blue Café. The Paris Match. My Ever Changing Moods. Dropping Bombs On The Whitehouse. A Gospel. Strength of Your Nature. You’re The Best Thing. Here’s One That Got Away. Headstart for Happiness. Council Meetin.

Músicos: Paul Weller (guitarra y voz), Mick Talbot (teclados, piano y órgano Hammond), Steve White (batería), Ben What (guitarra), Chris Bostock (contrabajo), Billy Chapman (saxofón), Hilary Seabrock (saxofón), Barbara Snow (trompeta), Bobby Valentine (violin), Tracy Thorn (voz), Dee C. Lee (voz) y Dizzy Hites (rap).

Más portadas: Introducing The Style Council (1983), Our Favorite Shop (1985), Live! (1986), The Cost Of Loving (1987), Confessions Of A Pop Group (1988) y Modernism: A New Decade (1989).

Apunte: Paul Weller mantiene desde la década de 1990 una fructífera carrera artística en solitario con varias discos grabados y periódicas actuaciones en directo.

Bottleneck Guitar 1928-1937 (Yazoo) 1992
Tampa Red
Portada: Nick Perls, sobre fotografía años 30

Tampa Red (1904-1981) se ha convertido en uno de los difusores del estilo bottleneck guitar según coinciden en señalar varios estudiosos del blues. En este disco recopilatorio editado en formato elepé en 1973 se incluyen 14 canciones de un periodo de nueve años en los que el guitarrista colaboró con diferentes músicos y cantantes femeninas, con las cuales se adentró en diferentes formas de abordar el blues, desde planteamientos del espectáculo para negros a otros más relacionados con el ámbito rural. Entre sus acompañantes artística aparece Ma Rainey en pleno esplendor de esta y otras voces femeninas, por lo que se puede asegurar que Tampa Red era uno de los instrumentistas bien considerado de los años 20 y 30. La eficiente labor del guitarrista queda demostrada con creces sobre todo en You Got To Reap What You Snow (1929), Black Eyes Blues (1928), No Mattrer How She Done (1932), Seminole Blues (1937) y Denver Blues (1937), que demuestran lo ya dicho sobre Tampa Red, algo más que un músico de acompañamiento, pues está considerado uno de los bluesmen que protagonizaron la evolución del blues de Chicago antes de la II Guerra Mundial, además de introductor de la guitarra eléctrica en su repertorio.

Canciones: It's Heated (Frankie Jaxon). You Got Reap What You Sow y What Is That Tastes Like Gravy? (Tampa Red). Black Eye Blues (Ma Rainey). The Duck Yas Yas Yas (Tampa Red). It' s Red Hot (Madlyn Davis). If You Want Me To Love You (Gerogia Tom with Tampa Red). No Mather How Side Done It, Trough Train Blues y Seminole Blues (Tampa Red). Too Black Bad (Madlyn Davis). Come On Mama, Do That Dance y Denver Blues (Tampa Red). House Rent Scuffle (Lil Johnson).

Músicos: Tampa Red (guitarra y voz), Georgia Tom (piano y voz), Ma Rainey (voz), Lil Johnson (voz) y Madlyn Davis (voz).

Más portadas: Don't Tampa With The Blues (1961) y The Bluebird Recording 1936-1938 (1997).

Apunte: El libro Solamente blues, de Lawrence Cohn, es una obra esencial para documentarse sobre el estilo de Tampa Red.

La Rosa (Edigal) 1989
La RosaPortada: diseño Dis Berlín

La Rosa, un trío de la valdeorresa localidad de A Rúa, se convirtió durante el cambio de década 80-90 en una de las propuestas más interesantes del pop-rock gallego cantado en castellano. En el ascenso hacia el grado de aceptación por parte de crítica y público, tuvo un notable protagonismo el guitarrista y cantante del grupo Magín Blanco, quien siempre demostró un excelente buen gusto y sensibilidad a la hora de componer, lo cual demostró con creces en el primer disco grande de La Rosa, que con anterioridad había entregado cuatro canciones para dos álbumes colectivos de 1987 y 1988. Claridad y concisión se aprecian en los textos de las 10 canciones del elepé que se abre con un homenaje al soul más combativo e imperecedero, Otis Redding, pieza que en la voz de Magín capta el sentimiento de melancolía de un clásico de los sesenta. Guitarras eléctricas y acústicas, algo de órgano Hammond, sin estridencias ni virtuosismos, resumen la instrumentación del estreno en larga duración de La Rosa, que entrecruza blues y country, Tejadito Blues, pero que también deja elegantes canciones como Gotas de lluvia o Yo estoy aquí. El mismo marchamo queda grabado en la única canción ajena al grupo rués, Mi único amigo, de The Wayward Souls.

Canciones: Otis Redding. No es nada. Llévame lejos. Gotas de lluvia. Desátame. Yo estoy aquí. Mi único amigo. Flores. Tejadito blues. Quiero irme.

Músicos: Magín Blanco (guitarras, armónica y voz), J.B. Bellet (bajo y silbidos) y Francisco García (percusión). José Romero (teclados) y Raúl Ferreras (guitarra).

Más portadas: Tren de azúcar (1990), El sueño del camaleón (1992) y En el arco iris (1994).

Apunte: El guitarrista y cantante de La Rosa, Magín Blanco, desarrolla su carrera en solitario en la actualidad. Cuenta con dos discos grabados: Ella (2005) y Realidad (2007).

Cantigas de Santa María, Códice Calixtino e Martín Codax (Ruada) 1980
Grupo Universitario de Cámara de Compostela
Portada: diseño de Alberto Carpio

El Grupo Universitario de Cámara de Compostela se puso en marcha en Santiago en 1977 con la intención de investigar, interpretar y divulgar sobre todo partituras inéditas, línea en la que se enmarca este disco editado en 1980 con un libreto explicativo sobre algunas de las muestras de la primera literatura en gallego. Las Cantigas ed Santa María están más orientadas al ámbito musical que a la lectura. Representan las corrientes eclesiástica, provenzal y popular, además de ofrecer cierto exotismo debido a que instrumentistas árabes y judíos participaron a menudo en su ejecución musical, lo cual se puede comprobar durante la escucha de las partes incluidas en este disco en el que predomina una brillante y rigurosa interpretación instrumental, así como una valiosa aportación vocal. El canto relacionado con el camino de Santiago y las composiciones de dos trovadores: el gallego Martín Códax y el portugués Pedro Gonzalvez, ambos relacionados con las poesías de amor tan abundantes en los cancioneros medievales, completan este disco de acercamiento a una música desconocida del noroeste peninsular, grabación que tuvo continuidad en otras posteriores del mismo grupo, bajo la guía de Carlos Villanueva.

Composiciones: Cantigas ed Santa María. Ben sab'a que pod'e val, Maca ome per folía, Santa María, Strela do día, Con gran razón, Pagar ben pode, Quen omagen da Virgen, Miragres fremosos y Des oge mais quer. Códice Calixtino. Gratulantes velebremus festum, Annua Gaudia. Cántigas de amigo (Marín Códax). Ai, Deus, se sab'ora, Quantas sabedes amar amigo, Mandado hei comigo y Mia hirmana fremosa. Pedro Gonzalvez. Por Deus coitada vivo.

Músicos: Manuel Arias (flautas de pico), Carlos Villanueva (zanfonas, cítara y percusión), Xosé Carlos García (viola ed brazo y percusión), Miguel Ángel L. Fariña (violonchelo), Pilocha (contralto), Fernando Olbes (tenor), Francisco Luengo (cromormos, flauta tenor, ocarina, dulcimer y cornamusa) y Richard Bailey (óboe y chirimía).

Más portadas: La música en el Camino ed Santiago (1982), Trovadores y neotrovadores gallego portugueses (1986), In Itinere (1995) y A campá da lúa (2002).

Apunte: Dedicado a Ánxel Casal (1895-1936), en recuerdo de su trabajo como editor, truncado por el fascismo asesino.

El rastro (9)

 

Siniestro Total

Dro

1983

 

• Sexo chungo
• Me pica un huevo

4X10
1968

Music From Big Pink (Capitol) 1968
The Band
Portada: dibujo de Bob Dylan

The Band se estrenó discográficamente en 1968 con Music From Big Pink, título alusivo a la casa de Woodstock donde se concretaron las 11 canciones registradas para el primer elepé del grupo que durante tiempo acompañó a Bob Dylan y estuvo presente en las convulsiciones que afectaron al cambio del cantante de Duluth del folk al rock. El disco ofrece una de las características de The Band: la mezcla de estilos acordes con la música popular norteamericana, en especial rock and roll, folk, country, blues, soul y jazz. Esto no quiere decir que el quinteto se quedase estancado, al revés supo elaborar un complejo estilo reconocible que se percibe desde la primera a la última pieza del disco de estreno del grupo que en tres composiciones cuenta con la colaboración ed Bob Dylan, dos de ellas, clásicas del rock de los sesenta, en concreto This Wheel On Fire y I Shall Be Realesed, y una más en la línea ed Blonde On Blonde. No obstante, The Band brilla igual en todas las canciones que se han convertido en piezas claves ed la música americana atemporal. Ejemplos ello están en Caledonia Mission, The Weight o Lonesome Suzie.

Canciones: Tears Of Rage. To Kingdom Come. In A Station. Caledonia Mission. The Weight. We Can Talk. Long Black Vell. Chest Fever. Lonesome Suzie. This Wheels On Fire. I Sha Be Realesed.

Músicos: Robbie Robertson (guitarra, teclados y voz), Rick Danko (bajo, violín y voz), Levon Helm (batería, guitarra y voz), Garth Hudson (teclados y saxofón) y Richard Manuel (teclados, batería y voz).

Más portadas: Live At Watkins (1994), High On The Hog (1996), Jubilation (1998) y A Musical History (2005).

Apunte: El baterista de The Band continúa en activo con The Levon Helm Band, grupo que incluye hasta el mes de julio un calendario de actuaciones en Columbus, Filadelfia, Boston y Newport, entre otros lugares de Estados Unidos.

The Young Star (RCA Bluebird) 2002
Lena Horne
Portada: ilustración de Ruth Marten

Lena Horne (Brocklyn, 1917) se curtió como en el espectáculo como vedette en el Coton Club de New York antes de entrar con fuerza en la canción a comienzos de la década ed 1940 con su elegante voz que recondujo hacia el jazz mediante la interpretación de estándares como los recogidos en este disco pertenecientes a Cole Porter, Gershwin, Noel Coward, Duke Ellington, Harold Arden y Johnny Mercer, y grabados a comienzos de los años cuarenta. La crítica reconoce que, a pesar de poseer un registro moderado, Lena Horne lo enriquece por los matices tonales y por el manejo sutil de los elementos dramáticos. El disco se abre con el clásico Stormy Weather, título de la película que protagonizó como artista, otra de las facetas de la cantante, quien en las otras siete primeras piezas demuestra su registro jazzístico. Esta tendencia la dejaría de lado en otras interpretaciones como las tituladas Suddenly If's Spring, Do Nothin'm Till You Hear From Me y I´ll Be Around, más en la onda popular que Lena seguiría con la consiguiente evolución en años posteriores, lo cual no resta importancia a su carrera artística desarrollada en una difícil etapa de segregación racial.

Canciones: Stormy Weather. What Is This Thing Called Love?. Ill Win (You're Blowin' Me No Good). The Man I Love. Where Or When?. I Got A Right To Sing The Blues. Mad About The Boy. Moanin' Low. As Long As I Live. I Ain't Got Nothin' But The Blues. I Didn' t Know About You. One For My Baby (And One More For The Road). Suddenly It's Spring. Do Nothin' Till You Hear From Me. I'll Be Around.

Músicos: Lena Horne (voz). Del 1 al 8, orquesta dirigida por Lou Bring, en Hollywood, diciembre de 1941. Del 9 al 12, orquesta dirigida por Horace Henderson en Hollywood en noviembre de 1944, con Illinois Jacquet (saxo tenor), Dave Barbour (guitarra), Lennie Hayton (piano) y Big Sid Catlett (batería). Del 13 al 15, grabados en enero de 1944, en lugar y con personal desconocidos.

Más portadas: The Exciting (1956), At The Waldorf Astoria (1957), It's Love (1962), Lovely Alive (1962), Lena Sing Your Request (1963), Lena & Gabor (1969) y Being Myself (1998).

Apunte: Lena Horne participó en varias películas, entre otras, Stormy Weather y Cabin In The Sky.

African Circle (Ensayo) 2000
Josep Vicent y Amsterdam Percussion Group
Portada: ilustración de Damiá Díaz

Josep Vicent (Altea, 1970) dirige The World Ochestra Of Jeunesses Musicales y el Amsterdam Percussion Group con claros planes de internacionalización de la música, es decir con la integración en los repertorios de de la primera formación de obras de todos los continentes. Entre sus trabajos, en esta ocasión con el Amsterdam Percussion Group, el músico levantino aprovecha para adentrarse en los ritmos africanos mediante la utilización de instrumentos populares del continente negro hasta el punto que la mayoría de las composiciones parecen recién salidas de algún poblado . Vicent aporta en este disco casi una hora de mùsica hinóptica en determinadas ocasiones, atmosférica en otras, y hasta sensual. Piezas como African Circlke, Monanem o Go Between demuestran que lo nuevo y lo viejo no desentonan y constituyen referencias de otras estilo de abordar la música enraizada con la tradición, con la vida.

Canciones: African Circle. Omphalo Centric Lecture. Monanem. Go Between. Akadinda. Ubangui Djembé.

Músicos: Josep Vicent (kalimba, djembé, campanas, sonajeros, cencerro latino, timbales, vibráfono, marimba, snare drum y voz), Lorenzo Ferrándiz (cecerros de vaca africanos, djembé, marimba, shaker, floor tom, pandereta brasileña, temple-blacks, maracas, campanas de madera y voces), Gustavo Gimeno (cabassa, djembé, bajo marimba, vibráfono, snare drum, hit hat, toms, anvil y castañuelas), Ali N'Diaye Rosé (bougarabous, djembé y recitado), Manel Ramada (marimba, bell-tree), Lucas Van Merwijk (bongos, congas, trom-toms, batería, percusión y voz), Wilbert Grotengurg (metales, simantras, thuder sheet, tam-tam, chinese toms, botellas y djembé), Mark Heldermans (timbales latinos, bongos, congas y claves), Arno Van Nieuwenhuizen (wood-blocks, splash symbal, timpanos sinfónicos, campanas tibetanas, ride cymbal, triángulo y sonidos de la jungla) y Herman Rieken (vibráfono, crash cymbal, concert bassdrum, güiro y campanas pequeñas).

Más portadas: Solo, Fin de siglo (1995). Con Amsterdam Percussion Group, Go Between (1987), Poet In New York (1994), Spatial Music (2003) y Realese (2003). Como director, A Journey Into Chaos (1998), Nocturnal Activities (1999), 50 JAAR (1999), Metropole Orchestra (2001) y España de dentro a fuera (2005).

Apunte: La película sobre el compositor valenciano Martin I Soler, estrenada este año y titulada Martini, incluye la banda sonora compuesta por Josep Vicent e interpretada por The World Orchestra. La gira de invierno de esa formación incluye España.

The Best Of Taste (Polydor) 2000Taste
Portada: fotografía de Jonh Minahin

Taste es el nombre del trío con el que el guitarrista irlandés Rory Gallagher (1948-1995) consiguió saltar a la fama como uno de los mejores representantes del blues rock británico. La corta pero fructífera etapa de Rory en el grupo Taste está recogida en tres elepés (1969-1971) y un sinnúmero de discos recopilatorios editados después de la disolución del grupo, como el que aquí comento, puesto a la venta un lustro después de la muerte de Gallagher. Bastante completa en lo relacionado con lo mejor de Taste y con 14 piezas representativas del trío, desde la primera canción, Blister On The Moon, todo un compendio de rock duro sin intermediarios, es decir directo y básico en la instrumentación, el grupo va dejando una muestra del mejor blues rock de cambio de década. Culaquiera de las piezas recogidas en el disco no tiene desperdicio, entre ellas la inolvidable On The Boards y It's Happened Before, It' ll Happen Again, en las que Rory Gallagher toca el saxo alto con sentimiento y en onda jazzística pausada en la primera -que dio título al segundo elepé del combo- y mas free en la segunda. El guitarrista irlandés nunca olvidó sus referentes musicales que estaban al otro lado del Atlántico cuando en su país existía y existe un fuerte componente nacionalista que incluye la música. Esto no quiere decir que Rory fuese ninguneado en su lugar de origen, al revés era idolatrado, al igual que sus canciones en la que había mucho del blues rural, Hail, I'm Moving On o Railway Gun, e intensos solos de guitarra eléctrica como los de las tres canciones en directo que cierran el disco, grabadas en el Festival de la Isla de Wight, pero también algún guiño al country: If The Day Was Any Longer, estilo que tampoco olvidó en su carrera en solitario.

Canciones: Blister On The Moon. Born On The Wrong Side Of Time. Leavin' Blues. Hail. Same Old Story. Catfish. I'm Moving On. Railway And Gun. Eat My Words. On The Boards. It's Happened Before, It's Happen Again. If The Day Was Any Longer. I Feel So Good. Sugar Mama. Sinner Boy.

Músicos: Rory Gallagher (guitarras, saxo alto, armónica y voz), Richard McCracken (bajo) y John Wilson (batería).

Más portadas: Taste (1969), On The Boards (1970), Pop History Vol. 11 (1971) y Live At The Isle Of Wight (1972).

Apunte: Taste actuó en el Festival de Isla de Wight de 1970, momento que quedó registrado en un elepé puesto a la venta cuando el trío ya se había disuelto.

Na Lúa (Clave Records) 1985 reedición 1997
Na Lúa
Portada: diseño gráfico J. Balsa Infografía

Na Lúa constituyó una propuesta novedosa dentro del terreno del folk gallego de la década de 1980 con su primer disco grande en el que se recogían una de las características del grupo: la búsqueda de otros sonoridades que necesariamente no tenían que ser solamente las relacionadas con la entonces denominada música celta. Esto no quiere decir que el quinteto gallego renunciase a la rica tradición de las músicas de las Islas Británicas y Bretaña francesa, como se puede comprobar en más de una de las piezas, incluso en aquella que aborda ritmos portugueses, la titulada Dublín-Coimbra. No obstante hay más aciertos por parte del grupo en eso que se viene llamando desde hace años folk progresivo, es decir la utilización de instrumentos eléctricos, saxo, teclados y batería que se produce en la apertura del repertorio del disco, Espello na Lúa, donde el saxofón acompaña un momento a los demás instrumentos hasta concluir la pieza en claro homenaje a la tradición con la gaita gallega en primer plano hasta devuelve el inicial protagonismo al saxo. Por cierto, volviendo al citado instrumento de metal, una de las composiciones está dedicada a un músico de jazz, Perdido con Charlie Parker, una melodía en tono meláncolico donde lo moderno vuelve a dialogar con la tradición sin que ambas posturas pierdan en la confrontación. Lo mismo ocurre en aquellas donde lo popular se impone en los títulos: Danza de espadas sen nome, Regue/regeifa de Boedo y Danza das sete damas, entre otros. Y así para completar el enriquecido estilo de Na Lúa hay que citar igualmente la mirada más allá de los Pirineos, Bergette Saint Roch, con lo cual el grupo gallego no pudo hacer un mejor estreno discográfico.

Composiciones: Espello na Lúa. Dublín-Coimbra. Vértolas de maio. Danza de espadas sen nome. Bergette Saint Roch. Perdido con Charlie Parker. Regue/Regueifa de Boedo. Fonteliño. Ceo de algodón. Danza das sete damas. Danza do contrabando. Bailada da illa perdida.

Músicos: R. Pereiro Oliveira (bajo eléctrico), X.R. Paz Antón (laúd, cítara, teclados, melódica, batería y percusión), Darío González Moreira (guitarra acústica y eléctrica), Antón Rodríguez Martínez (gaita gallega, flauta travesera, saxo y flauta dulces) y Francisco Álvarez (violín mandolina, teclados y percusión).

Más portadas: A estrela de maio (1987), Ondas do mar de Vigo (1988), Contradanzas (1991), Peliqueiro (1994), Os tempos son chegados (1997), Feitizo (1999) y Fases da Lúa (2001).

Apunte: La portada del primer elepé de Na Lúa es diferente a la de la reedición en cedé de 1997 que aparece en este comentario.

Viejos conocidos

Ain't Enough Comin' In (This Way Up) 1994Otis Rush
Portada: fotografía de Steve Schapiro

Otis Rush (1935) es un veterano guitarrista de blues que continúa en activo después de más de seis décadas desde sus inicios profesionales. Ain´t Enough Comin' In puesto a la venta a comienzos de la década de 1990 es un disco de transición del bluesman que mantiene la esencia de su particular forma de tocar llena de matices y abierta a la heterodoxia. El haber figurado entre los que en la década de los cincuenta, que dieron aire fresco al blues que se hacía en los clubs de Chicago, no significa que Otis Rush viva de rentas porque su trabajo estaba en los noventa más de acuerdo con las actuaciones en directo que con los estudios de grabación. Sin embargo, hay que reconocer que la carrera del guitarrista nacido en la zona de Misisipi se puede justificar con varias canciones inolvidables, entre otras So many roads, y el disco Right Place,Wrong Time, en el que se incluía una sentida versión de Rainy Day In Georgia.

La pasión que pone Otis Rush al tocar la guitarra sigue siendo uno de sus mayores atractivos, don que se complementa con una voz carga de sentimiento, pero no hay que olvidar tampoco su labor de compositor, a pesar de que en esta grabación utiliza piezas de otros, 10 de las 12 recogidas en el compacto.

La primera composición constituye un pequeño homenaje a su paisano Albert King, de quien recupera Don't Burn Down The Bridge, muy en la línea del blues de Chicago, con esa guitarra punzante que caracteriza a los maestros del estilo citado. En esa, como en las demás versiones, hay que tener en cuenta que Otis no se limita a copiar un modelo porque aporta una vitalidad envidiable al blues que, por otra parte, que desprende un soul envolvente del que participan también la sección de ritmo, teclados e instrumentos de viento.

Otis Rush como persona con una larga trayectoria artística, que no olvida las raíces, no deja de lado aquellas músicas que le marcaron en un momento determinado de su vida, por lo que no es extraño que recurra a composiciones de Sam Cooke, Ray Charles o Percy Mayfield. Algunos de ellos, mejor dicho sus canciones, no corresponden al blues, pero de lo que se trata a la hora de interpretar es el sentimiento. Por poner un ejemplo de esa línea de trabajo se puede citar It's My Own Fault, una canción que confirma la influencia de BB King en el estilo de Rush.

El disco contiene asimismo Hmework, Ain't Enough Comin' In y As The Years Go Passing By, que confortan al aficionado para seguir con escuchando blues, más si hay personas que mantienen viva esa llama.

Más portadas: Otis Rush. 1956-1958: His Cobra Recordings (1989), Live In Japan 1986 (1994), Live & Awesome (1996), Any Place I' m Going (1998), Good Uns (2002), All Your Love-Miss Loving: Live At The Wise Fools Pub Chicago (2005), Otis Rush Live And Concert From San Francisco (2006).