The Kick Inside (EMI) 1978
Kate Bush
Portada: Splash Studio y Jay Myrdal

Kate Bush (1958) alcanzó un alto nivel artístico con su presentación discográfica The Kick Inside, primer elepé de la cantautora británica, donde hay un generoso repertorio de canciones que demuestran el talento de la entonces joven compositora, convertida en una de las mejores referencias de la canción femenina de los ochenta. Producida por David Gilmour, Kate enseguida se hace un hueco en la música pop gracias a la pieza Wuthering Heights, en la que descubre la extremada expresividad de su aguda voz y su bagaje literario basado en un romanticismo entre trágico y místico como el recogido de Cumbres borrascosas para dar forma al éxito antes comentado. Pero, The Kick Inside no se limita a la composición más conocida de Kate, quien en su primera entrega busca un estilo, basado, eso sí en la versatilidad a la hora de componer, con o sin ayuda de músicos como el guitarrista de Pink Floyd. Desde un acercamiento al folk rock progresivo de los setenta en el Reino Unido, Moving, al rock de James And The Cold Gun, pasando por alguna entrega a la psicodelia de la factoría británica: The Saxophone, la cantante también experimenta con la sensualidad que aplica a Fel It o L'Amour Looks Something Like You, hasta completar un álbum también alegre en algunos casos, como ocurre con Kite, de ritmo reggae, estilo en auge durante segunda mitad de los setenta, aunque no se pueden perder de vista la orquestal The Man Wild The Child In His Eyes, Oh The Be In Love, Them Heavy People o The Kick Inside, canciones que en una primera escucha pueden pasar desapercibidas, pero que dan cuenta de un elaborado trabajo vocal y una notable conjunción instrumental.

Canciones: Moving. The Saxophone Song. Strange Phenomena. Kite. The Man With The Child In His Eyes. Wuthering Heights. James And The Cold Gun. Fell It. Oh To Be In love. L'Amour Looks Something Like You. Them Heavy People. Room For The Life. The Kick Inside.

Músicos: Kate Bush (piano y voz), Iam Bairnson (guitarras, mandolina y voz), Duncan Mackay (piano eléctrico, sintetizador, órgano y clavinet), David Paton (bajo, guitarra acústica, guitarra eléctrica y voz), Stuart Elliot (batería), Barry de Souza (batería), Bruce Lynch (bajo), Paul Keogh (guitarras), Alan Parker (guitarras), Andrew Powell (teclados y celeste), Alan Skidmore (saxofón), Morris Pert (percusión y boo bams), Paddy Bush (mandolina y voz) y David Katz (orquestación).

Más portadas: Lionheart (1978), Never for Ever (1980), The Dreaming (1982), Hounds of Love (1985), The Sensual World (1989), The Red Shoes (1993) y Aerial (2005).

Grecia. De Oriente y de Occidente (Resistencia) 2000
Varios
Portada: diseño de Leona

Grecia, cuna de la civilización mediterránea, es el lugar de encuentro de diferentes músicas en que melodías y danzas de Oriente y Occidente se entremezclan ofreciendo un hermoso crisol que lejos de cegar resulta agradable ante la diversidad de voces y la presencia de instrumentos bastante desconocidos para quienes están acostumbrados a los cánones impuestos por la industria discográfica. Desde el sello Resistencia se realizó un importante esfuerzo para la promoción de la música que se desarrolla por la amplia geografía de la referida nación mediterránea, tanto peninsular como insular, bajo el título Grecia. De Oriente y de Occidente y en dos discos compactos que recogen 43 canciones de intérpretes masculinos y femeninos.Los artistas que aparecen en este recopilatorio están relacionados con diferentes estilos de la música popular griega. Así por un lado se pueden escuchar las canciones folclóricas de las montañas (dimolikó), canciones de las islas (misióliko), canciones de las ciudades (laikó) y las piezas con influencias de Asia Menor (ribétiko). El primer disco comienza con Ifandókosmos, cantada por Kristi Stasinopoulou, quien ejemplariza muy bien como lo tradicional se adapta a los tiempos modernos, es decir como el folclore griego se puede mezclar con la psicodelia sesentera y el post punk. A partir de esa primera pieza van surgiendo nombres como Sofías Tseoru, Yorgos Koros, Soitiría Bellou, Manos Hatzidakis, Nikos Papáloglou, María Frandouri, Elefthería Arvanitaki, Nikos Portokáloglou, Xanthippi Karathanasi. Mikis Theodorakis, Marika Ninou, Vasilis Tsitsani, Nena Venetsanou o Irini Konitopoulou, entre otras y otros, que unas veces ahondan en la tradición trasmitida de generación en generación, mientras que en otros casos resaltan la fusión del legado ancestral con ritmos como el pop, que dio origen a la nueva ola griega (neokima).A la riqueza musical, donde aparecen instrumentos tanto tradicionales, como modernos, orientales y occidentales, se une el lirismo de las letras. En algo tiene que influir la milenaria poesía griega, base de muchas grandes obras líricas de diferentes lugares bañados por el Mediterráneo.

Canciones: CD 1. Ifandókomos -Mundo de tejidos-. Before my eyes -Ante mis ojos-. Apó xeno topo -En un lugar extranjero-. Resti ke batírides -Tirados y sin blanca-. Girizo Ap' ir nihta -Regreso de la noche-. Tzivaeri -Joya mía-. Tsigaro egó stoma mou den évala oute ena -Cigarrillo, yo en mi boca jamás he puesto ninguno-. Palió krasi in' i skepsi mou -Mi pensamiento es vino añejo-. Xisou gero -Ráscate viejo-. Stou Digeni Ta Kastra -Cerca de las fortalezas de Digenis-. Áfgoustos -Agosto-. Annoula (Imoun xéniasto pouli) -Anita mía (Era un ave despreocupada).To gelastó pedi -El niño sonriente-. O Vasilikós. Sousta. Den mas sinhoró -No nos perdonó-. Lene -Dicen-. Thalassopoulia Nafitki (Lobos de mar). Ro-ta-ro. El sueño de la hija del rey. To delvino -Del vino-. Kanís edó tragoudá -Aquí nadie canta-. Me tosa psémata -Con tantas mentiras-.

CD 2. Vezinnádiko -Gasolinera-. O efialtis tis Persefonis -La pesadilla de Perséfone-. Tzakitis. Bingeol. Pia Melisa -¿Qué abeja?-. As Kratisoun i hori -Que duren los bailes-. An Thimithís T' oniro mou -Si te acuerdas de mi sueño-. Kato Sti Rodo -En la isala de Rodas-. Katha dekapende -Cada quince días. Moi trandafillie-Ay, rosa-. Genníthika ya na ponó -Nacida para sufrir-. Lilith. Kotsatos Tsabounas apiranthou -Danza de gaita de Apiranthos-. Go sta sena -Por tierra extraña-. Dimitroula-. Germaníes -Alemanias-. Ola ta pire to kalokeri -Todo se lo llevó el verano. Meri. Saranda pende mástori -Cuarenta y cinco aparejadores-. To tragoudi tou helidoniou -La canción de la golondrina-.

Cantantes: CD 1. Kristi Stasinopoulou. Sofía Tserou/Mihalis Nikoloudis. Yorgos Koros. Sotiría Kazadzidis. Elefthería Arvanitaki/Nikos Xidakis. Psarandonis. Andonis Dalgás. Fleri Dandonaki/Manos Hatzidakis. Nikos Papázoglou. Xanthippi Karathanasi. Mikis Theodorakis. Ioanna Limníou-Pismisi/Kiriakos Stergíou. Banda Flórinas. Nikos Portokáloglou. Melina Kaná/Sokratis Málamas. Elkeni Legaki. Nikos Kipourgós/Dora Masklavanou. Savina Yannatou. Tasos Halkiás. Glkikería. Alkínoos Ioannidis.

CD 2. Álkistis Protopsalti. María Farandouri/Manos Hatzidakis. Marió. Haig Yazdijan. Nikos Xidakis/Elefthería Arvanitaki. Dionisis Savvópoulos. Yovanna/Mikis Theodorakis. Niko Grapsas. Eleni Tsaligopoulou. Thanasis Moraítis. Marika Ninou/Vasilis Tsitsanis. Nena Venetsanou. Irini Konitopoulou-Legaki. Mode Plagal. Rosa Eskenazi. Himeriní Kolimvités. Elefthería Arvanitaki/Dimitri Papadrimtríou. Loudovikos Ton Anogíon. Yota Vei/Mihalis Nikoloudis. Haris Alexíou.

Más portadas: Story Of Greece (2000), From The Greece With Love (2004), Made In Greece (2005), Rambetiko & Popular Music From Greece (2007), Sites And Sound Of Greece: Miconos (2008), Sites And Sound Of Greece: Athens (2008), Sites And Sound Of Grecce The Music Of Greece: Rhodes, Kos (2008) y Never Mind The Balks (2008).

Meets Buffalo Springfield and The Squires (Moby Dick Records) 1989
Neil Young
Portada: Swingin' Pig SARL

Neil Young se ha decidido por fin a poner en circulación su magna obra discográfica desde sus comienzos con el grupo instrumental The Squires, en su Canadá natal, hasta la actualidad cuando ya es uno de los grandes del rock afincado en Estados Unidos pero conocido en los cinco continentes, por donde aún se deja caer para descargar airados solos de guitarra eléctrica o intimistas historias acompañadas por guitarra acústica. Con la puesta en venta de Archives vol. 1 (1963-1972), aprovecho la coyuntura para recuperar de las baldas de mi discoteca este cedé pirata o bootleg que recoge 13 maquetas de diferentes etapas de Neil Young. De su etapa con el grupo canadiense The Squires aparecen Sultan y Aurora, dos instrumentales muy de la época en que fueron grabados, 1963, y en los que se nota la impronta de The Shadows, por lo que no es extraño que el propio Young dedicase alguna pieza al mítico guitarrista de dicha banda británica Hank Marvin. En cuanto a las canciones en solitario de Neil Young acompañado de guitarra acústica, se incluyen siete piezas, todas ellas de 1965, entre las que están algunas inolvidables como Sugar Mountain y otras menos conocidas y no editadas como The Renmt Is Always Due, todas ellas composiciones de juventud que en determinados casos sirvieron para futuras canciones de Young. De la etapa de Buffalo Springfield figuran Down The Wire, en una onda muy garajera y con excelentes armonías vocales a pesar de la nefasta grabación, y Do I Have Come Right Out And Say It, una delicioso melodía del quinteto. En el mismo apartado se poen There Goes My Babe y One More Sign, que son dois interpretaciones en solitario de Neil Young con su acústica, realizadas en 1966.

Canciones: En solitario---Sugar Mountain. Nowadays Clancy Can't Even Sing. Run Around Babe. Don' t Pity Me Babe. I Ain't Got The Blues. The Rent Is Always Due. When It Falss, It Fall Over You. Con Buffalo Springfield---Down To The Wire. Do I Have To Come Right Out And Say It. There Goes My Babe. One More Sing. Con The Squires---Sultan. Aurora.

Músicos: Neil Young (guitarra acústica y voz). Buffalo Springfield---Neil Young (guitarra y voz), Stephen Stills (guitarra y voz), Richie Fury (guitara y voz), Bruce Palmer (batería) y Dewey Martin (batería y voz). The Squires (1963)---Neil Young (guitarra), Allan Bates (guitarra), Ken Koblun (bajo) y Ken Smyth (batería).

Más portadas: Archives vol. 1 1963-1972 (2009).

Koko Taylor 
(28 de septiembre de 1928-3 de junio de 2009)

"Tengo que hacer lo que mejor sé, y lo que mejor sé es el blues. Ser distinta a otras cantantes y quedarme en mi sitio, y mi sitio es el blues verdadero. Dimplmente sigo adelante y hago lo que haciendo: simple blues". Eran palabras de Cora Walton, conocida artísticamente como Koko Taylor, cuando hablaba del estilo musical al que dedicó la mayor parte de sus ochenta años de vida. Con la muerte de Koko desaparece aclamada Queen of The Blues, una mujer que rompió con el estereotipo de cantante femenina de dicho estilo, pues las letras explícitas de sus canciones en la dirección de las procaces vocalistas de la década de 1920 no indicaban que se estaba ante una dama de vida sentimental desaforada, bebedora, jugadora o drogadicta. Quienes la entrevistaron decían haber hablado con una persona dulce, jovial, enérgica y comedida, incluso algo tímida, felizmente casada y abuela desde joven.

"Nos criamos en una granja donde trabajábamos duramente recogiendo algodón. Fue difícil, pero sirvió para convertirme en una buena mujer. Soy fuerte poque pasé realmente malos tiempos cuando era más joven. Hay muchos hombres y mujeres jóvenes que ha crecido en Chicago y en otras ciudades, y no saben lo que es pasar verdaderamente necesidad. Yo nací deseando cosas y no teniéndolas, necesitando cosas y no consiguiéndolas. ¡Pero, por supuesto, nunca estuvo dispuesta a ir a Kansas City en los viejos tiempos".

Koko Taylor se crió en la mejor tradición del blues, es decir cantando en la iglesia desde niña y escuchando por la radio los ritmos de Sony Boy Williamson, B.B. King, Elmore James y Howlin' Wolf, pues prefería ese tipo de interpretaciones que las de carácter religioso. Y a pesar de que en un principio tenía como favoritos a intérpretes masculinos, "la primera mujer a quien realmente admiré fue Memphis Minnie. En aquellos días los discos giraban a 78 revoluciones, poseíamos un gramófono en el hogar al que había que dar vueltas con una manivela, para que funcionase, como los viejos automóviles. Un día conseguí una copia de Me and My Chaufeur Blues, de Memphis Minnie. Ella fue la primera que me emocionó, que me inspiró. Luego escuché tambièn a algunas otras, claro: Bessie Stmith, Big Mama Thornton". No obstante la voz de la joven cantante se orientaba más al tono de Muddy Waters, por ejemplo, que al de las referidas blueswomen.

Koko Taylor, tras emigrar a Chicago con su marido Robert Pops Taylor, a los 18 años comenzó a compaginar el trabajo doméstico en hogares blancos con actuaciones nocturnas en los locales del South y el West Side de la ciudad del viento. En sus comienzos contó con la ayuda del gran J.B. Lenoir, del que siempre recordó que fue una persona muy implicada en la ayuda a los debutantes en el ambiente del blues. 

Las actuaciones en ruidosos escenarios dieron ese predominio aguado a la voz de Koko, quien, por fin grabó un sencillo, su primer disco, en 1963, y luego algunos más para el sello de la veterana Victoria Spivey, pero será bajo el patrocinio de Willie Dixon, que la había conocido cantando con Magic Sam, con el que consiga por fin consolidarse como cantante. En la mítica factoria Chess Records registrará su primer éxito Wang Dang Doodle, que subió hasta el cuarto puesto de la listas de r&blues en abril de 1966. A partir de entonces la carrera de Koko continuó con los altibajos habituales en el cambio de década, eso sí con continuas actuaciones a uno y otro lado del Atlántico. Más será la entrada en la discográfica Alligator la que estabilice su carrera y la convierta en la auténtica reina del blues.

Optimista y vital, Koko Taylor afirmaba con contudencia que el blues nunca morirá. "Nosotros vamos a mantenerlo vivo". El testigo de la cantante representativa del blues de Chicago queda para un puñado de mujeres que apuestan también con credibilidad por el género de los 12 compases.

En este blog tengo en cuenta desde el principio la música folk y por ende determinados sellos discográficos que contribuyen a su difusión desde un punto de vista no solamente crematístico como pasa con los que se mantienen contra viento y marea en tiempos de recesión del soporte discográfico, principalmente el cedé, u otros cuya estela todavía brilla años después de su paso por el espacio de la oferta musical. Dentro de los segundos incluyo a Guimbarda, una colección que en mi caso ha servido para descubrir nuevos sonidos y también para afianzar la confianza depositada en determinados grupos y solistas de folk, canción de autor, country, blues y jazz.

Gracias al trabajo del animoso grupo dirigido por Manuel Domínguez se pudieron seleccionar más de 300 títulos en formato elepé de música folk de diferentes continentes, donde tenían cabida los más clásicos y los renovadoroas, aunque el catálogo ofrecía además una generosa lista de blues y algo de jazz Ahora, después de años sacando en este blog todas las referencias discográficas que tengo de la serie Guimbarda, dedico un espacio donde van dos discos de los que encuentre por esos rastros, tiendas de segunda mano o disqueras de vinilo. Así que cuando se cansen de ver mediante el uso de la palabra Guimbarda en el buscador, no se preocupen pues procuro seguir rescatando joyas discográficas que están descatalogadas en la mayoría de los casos.

Para empezar dos elepés de música de Occitania, esa zona geográfica de 190.0000 kilómetros cuadrados y 15 millones de habitantes distribuidos entre 32 departamentos de Francia, 12 valles alpinos de Italia y el valle de Arán de España.

Cardabèla
Cantos y danzas del Languedoc (1979)
Portada: diseño de Isabel García Escudero

Canciones. La cancon novela. Las farandolas -Lo polin de Pesenas, L' ase de Ginhac y Lo camel de Besiers-. Quelque jorn lo temps vendra. Los ribans. Los presioniers. La piusa. La lauseta. Los gorraus. La calha.


Grupo que estudió la música tradicional y el canto de los trovadores del siglo XII con el espíritu renovador, y al mismo tiempo respetuoso hacia el pasado.

Lambrusc
La, Bash, La, Bash (1979)
Portada: anónima

Canciones: Bonsoar, meste de la maison. Naut agenes. La bash, la bash. Lo meu pair, la mia mair. Seguida deu Manhoac. La cancon deu lin. Las filhas de Marmanda. Arribada qu'ei la sason. Escotica a Elena. Mozas de Vilanova. Rondeus diatonics.

Trío que gue gusta del canto tradicional a capella, pero que en este álbum se ha rodeado de dos de los grupos instrumentales más populares de la región, Mont-Jola y Perlinpinpin Folc, para ofrecernos cantos y músicas de Gascuña.

The Man Who Painted Caves (Resistencia) 1999
David Antony Clark
Portada: diseño de David Hone

David Antony Clark vuelve a este blog con otra de sus grabaciones relacionadas con tiempos remotos. The Man Who Painted Caves, como dice su título, constituye una recreación musical de diferentes momentos durante la época en que hombres y mujeres habitaban las cavernas dentro de devenir encarado a la supervivencia, donde también había tiempo para el arte. Para ello, el teclista y compositor de Nueva Zelanda se pone en la piel de un artista que pinta en las cuevas y al que sigue desde cuando sale sol y prepara sus utensilios para iniciar la faena, Forest Gods -con ruidos de ambiente y cantos de pájaros incluidos- hasta el final de una celebración ritual. Los restos de una hoguera marcan la despedida a una jornada donde no han faltado desde el grito del gato-espíritu, los cazadores de bisontes, los chamanes, la noche, un eclipse, el descubrimiento de una nueva caverna y la danza, entre otras, que constituyen los elementos musicales del disco bajo títulos como Forest Gods, The Shaman's Wings, Black Moon o Sacred Chambers, a las que Clark aporta sus ritmos apacibles en los que se mezclan percusiones de siglos atrás con nuevas tecnologías, uno de los principales distintivos del músico neozelandés, quien además demuestra un ejemplar respeto hacia la naturaleza ya sean selvas o desiertos.

Composiciones: Forest Gods. Cry of the Spirit Cat. The Bison Hunters. The Shaman's Wings. The Man Who Painted Caves. A Night in the Garden with Eve. Black Moon. Limestone Cathedrals. Sacred Chambers. The Hall of Dancing Horses. Silent Fire.

Músicos: David Antony Clark (arreglos, teclados y percusiones), Andreas Lepper (percusión adicional), Owen Map (flautas) y Doc Ferris, Gordon Hazlewood, Maggie Hazlewood, Rob Joas, Mick McKenna, Jon Mark y Jo Moir (voces tribales).

Más portadas: Paradise New Zealand (2003), Natural Selection (2005), Shaman Dancing (2006) y Song Of Magic Sex And War (2008).

Apunte: En este blog aparece un post sobre el disco Terra Inhabitata, de David Antony Clark, con fecha Tuesday, January 17, 2008.

Apocalyptica (Universal) 2005
Apocalyptica
Portada: fotografía de Toshihide Gotoh

Apocalyptica es un grupo finlandés que en su quinto larga duración insiste en un sonido en que se mezclan heavy metal y música clásico. No hay nada nuevo bajo el sol, porque son muchas las bandas de todo el mundo que han realizado esa mistura, aunque hay que reconocer que Apocalyptica va un poco más allá porque los miembros del grupo son virtuosos del chelo que se lo pasan muy bien haciendo rock pesado a veces épico, otras acelerado a tope. Con destada presencia de instrumentales, el álbum homónimo de Apocalyptica tiene en las secuencias más clásicas una fina sensibilidad que no pasa desapercibida a los degustadores de sonidos singulares. Ese camino es recorrido por varias piezas como las tituladas Frewell, Ruska o Deatzhzone, aunque no hay que obviar el metal pesado de Lifer Burns!, Distraction y Fatal Error, como tampoco dejar de escuchar la balada, Bittersweet, muy en la línea de los grandes del heavy.

Canciones: Life Burns!.Quutamo. Distraction.Bittersweet. Misconstruction. Fisheye. Betrayal/Forgiveness. Ruska.Deathzone.

Músicos: Eicca Toppinen (chelo), Paavo Lötjönen (chelo), Perttu Kivilaakso (chelo) Mikko Sirén (batería). Dave Lombardo (batería en Betrayal/Forgiveness), Mikko Moilanen (contrabajo en Betrayal/Forgiveness y Deathzone), Lauri Ylönen (voz en Life Burns! y Bittersweet), Ville Valo(voz en Bittersweet) y Emmanuelle Monet (voz al final de Deathzone).

Más portadas: Plays Metallica by Four Cellos (1996), Inquisition Symphony (1998), Cult (2000), Reflections (2003) y Worlds Collide (2007).

Apunte: En la edición especial del cedé hay dos canciones más: How Far y Wie Weit, cantadas por Marta Jandová, además de un vídeo de Bittersweet.

Emerson, Lake & Palmer (Orlador) 1971
Emerson Lake & Palmer
Portada: Archivo del Círculo de Lectores



Emerson, Lake y Palmer estaban avalados por sus militancias en grupos de reconocida fama en las Islas Británicas, el resto de Europa y Estados Unidos cuando ya como trío habían demostrado su arrolladora potencia basada en un repertorio de rock progresivo, música clásica y vanguardismo como demostraron sus miembros en el Festival de la Isla de Wight de 1970, donde los tres músicos, además de dar fe de su virtuosismo, prepararon el advenimiento de la era de los supergrupos. En el año citado anteriormente se llevó a cabo la grabación del primer elepé del grupo inglés, un disco que anticipó la discografía de la mejor etapa del trío, mediante un repertorio donde Emerson Lake y Palmer aportan su inspiración a las seis composiciones que se abren con The Barbarian y siguen con Take A Pebble, Knife-Edge, The Three Fates, Tank y Lucky Man, donde se aprecian las líneas musicales que conectan con clásicos como Bartok o Janecek, con el rock y la mitología griega como punto de encuentro para una música progresiva del siglo XX. Desde entonces el nombre del trío queda asociado a la música instrumental con destacado protagonismo de los teclados de Keith Emerson, quien sabe llevar a su terreno piezas de conocidos compositores. No obstante, los pianos, sintetizadores, moogs y otros artefactos utilizados por el teclista no sonorían igual sin la presencia de los otros dos miembros del grupo, el baterista Carl Palmer -en Tank despliega sus dotes para las cajas, bombos y platos- y el guitarrista y bajista Greg Lake, quien demuestra dominio en las escasas piezas cantadas, sobre todo en Lucky Man.

Composiciones: The Barbarian. Take a Pebble. Knife Edge. The Three Fates. Tank. Lucky Man.

Músicos: Keith Emerson (órgano, sintetizador, piano, clavinet y moog), Greg Lake (bajo, guitarras y voz) y Carl Palmer (batería y percusión).

Más portadas: Live At Isle Of Wight (1997), Then & Now (1998), The Original Bootlegs Series From Tne Manticore Vaults. Vol 1, 2, 3 y 4 (2001-2006).

Apunte: Debajo aparece la portada original del primer elepé de E,L&P, pues la de arriba pertenece a la edición española que salió para los socios del Círculo de Lectores. Para leer más sobre el trío británico, mirad en el post Tuesday, September 14, 2006.

Tomorrow The Green Grass (Columbia) 1995
The Jayhawks
Portada: fotografía de Marina Chavez

The Jayhawks es el nombre que enseguida se asocia a una de las formaciones más finas e inspiradas del country rock, americana o como se le quiera llamar a esa forma de encarar la música popular sin perder las raíces pero también sin que lo que se canta o toca parezca anacrónico. En esa dirección se movieron desde el principio, segunda mitad de la década de 1980, un grupo de jóvenes con base en Miniapolis que desde el primer momento se apuntó a los sonidos campestres alternativos con raíces en el folk, blues, rock and roll y pop sesentero. Bases electroaústicas, con predominio de guitarras, sin perder el tacto de otros instrumentos del country (steel, violín), compositores acertados y un majestuoso juego de voces hacen que los discos de The Jayhawks, en la mayoría de los casos, resulten un bálsamo para los sentidos. Eso le pasa a Tomorrow The Green Grass que dentro de ese territorio country rock se mueve a veces hasta saltar los límites para moverse en determinadas ocasiones en un territorio ecléctico repleto de buenas vibraciones. El disco se abre con el lastimero Blue y se cierra con el enérgico Ten Little Kids, dos piezas diferentes aunque con el sello inconfudible de la elegancia durante su ejecución, elegancia en el sentido de que las piezas entran por los oídos sin problemas para crear agradables sensaciones. Dentro de esas oscilaciones está el resto del repertorio donde destacan, entre otras, la también doliente Two Hearts, las eléctricas Miss Williams' Guitar, Real Light, Nothing Left To Borrow o Red's Song. Incluso resulta curioso escuchar como una canción de Grand Funk, Bad Time, adquiere nuevos matices. La cuarta entrega discográfica de The Jayhawks incluyó la entrada de una teclista que aporta su arte y voz para realzar el sonido de la banda como se puede apreciar en Over My Shoulder, una de las tantas piedras preciosas del joyero que es Tommorrow The Green Grass.

Canciones: Blue. I'd Run Away. Miss Williams' Guitar. Two Hearts. Real Light. Over My Shoulder. Bad Time. See Him On The Street. Nothing Left To Borrow. Ann Jane. Pray For Me. Red's Song. Ten Little Kids.

Músicos: Mark Olson (guitarras acústica, eléctrica y voz), Gary Louris (guitarras acústica, eléctrica y voz), Marc Perlman (bajo) y Karen Grotberg (piano, Wurlitzer y voz). Dom Heffington (batería), Benmont Tech (órgano), Greg Leese (pedal steel guitar), Lili Haydn (violín y viola), Tammy Rodgers (violín), Victoria Williams (voz en Ten Little Kids y Pay For Me), Swharleen Spiteri (voz), George Drakoulias (baritone guitar solo en Two Hearts) y Paul Buckmaster (arreglo de cuerdas en Blue).

Más portadas: The Jayhawks (1986), Blue Earth (1989), Hollywood Town Hall (1992), Sounds Of Lies (1997), Sound Of Lies (1997), Smile (2000), Rainy Day Music (2003) y Ready For The Flood (2009), de Mark Olson y Gary Louris.

Apunte: The Jayhawks como grupo ha regresado de la mano de Marc Olson, Gary Louris y Marck Perlman. Recientemente estuvieron actuando en España, el 29 de mayo en el XII Festival Internacional de los Pueblos, Territorios Sevilla, y el 30 de mayo en la convocatoria Primavera Sound que se desarrolló en Barcelona.

Los Grandes del Jazz 21 (Sarpe) 1980

Carmen McRae, Joe Pass, Larry Bunker, Ray Brown

Portada: Alberto Corazón

Carmen McRae (1920-1994) en su forma de cantar hay variedad de modulaciones, dramatismo y juego de inflexiones, segúnla crítica, donde se pueden encontrqar todas las reacciones humanas. La cantante nacida en el Harlem neoyorquino supo adaptarse muy bien al bop, "utilizando toda la escala de percepciones que la voz humana podía captar el mundo exterior, con sonidos aparentemente descompuestos e irregulares, pero en realidad proyectados hacia la meta que los booppers proponían: revolucionar la tradición del jazz sin romper totalmente los lazos con un pasado histórico". En este disco recopilatorio se ofrece la doble vertiente de Carmen a la hora de cantar. Por un lado, acompañada por una gran orquesta, caso de la de Dave Pell. De otro, con la presencia a su lado de un pequeño grupo de eficientes músicos. Para los seguidores de la cantante, "la fuerza del diálogo adquiere màs altas cotas cuando Carmen está acompañada por jazzmen como Joe Pass, Larry Bunker y Ray Brow, tres hombres de gran clase que proporcionan un tapete sonoro de gran eficacia rellando los vacíos que voluntariamente deja el canto, consiguiendo que el discurso siga con la misma intensidad". La grabación con el citado grupo corresponde al año 1973, en plena madurez de Carmen McRae.

Canciones: I Takes A Whole Lot Of Human Feeling. I Fall In Love Too Easily. Hey John, Where Arte The Words. Nice Work If You Can Get It. Staighten Up And Fly Right. Inside a Silent Tear. Imagination. The Right To Love. All The Things You're.

Músicos: Carmen McRae (voz), Dick Shreve (piano), Lary Bunker (vibráfono y percusión), Joe Pass (guitarra), Roy Brown (contrabajo), Frank Severino (batería). Orquesta dirigida por Dave Pell en Takes A Whole Lot Of Human Feeling y Hey John.

Más portadas: For Lady Day vol. 1 y 2 (1995), Dream Of Life (1998), Live At Bubba's (2000) y Live At Umbria Jazz (2001).

Apunte: De Carmen McRae hay un comentario en el post Tuesday, Febraury 12, 2008.

 

Tom Petty And The Heartbreakers (MCA) 1976 Tom Petty And The Heartbreakers
Portada: fotografía de Ed Caraeff

Tom Petty (1950) se ganó desde su primer elepé la reputación de roquero ambicioso con visión para tocar y componer en la línea de los grandes a los que demuestra admirar sin complejos en su presentación discográfica, entre otros Bob Dylan, Roger McGuinn, Van Morrison o Bruce Springteen, de los cuales se encuentran referencias en las 10 canciones de la carta de presentación de Petty, quien también no descarta el rock and roll primigenio de los años 50 que se percibe en las composiciones más cañeras: Rockin' Around (With You), Anything That's Rock 'n' Roll y Strangered In The Night. Aunque el repertorio de Tom también se pliega al pop más brillante, teñido de ritmos nuevaolero y coros sesenteros como en la inolvidable American Girl, que recuerda a los mejores Byrds. El r&blues y el country, entre otros estilos próximos al cantante y compositor rubio de Florida, tienen cabida en el álbum con los Heartbreakers. El primero en onda rollingstoniana se escucha en Breakdown y Hometown Blues, mientras que las melodías campestres parten de Mistery Man, a las que se añaden el tempo lento titulado Luna y las springteniana The Wild One, Forever y Fooled Again (I Don't Like It).

Canciones: Rockin' Around (With You). Breakdown. Hometown Blues. The Wild One, Forever. Anything That's Rock 'n' Roll. Strangered In The Night. Fooled Again (I Don't Like It). Mystery Man. Luna. American Girl.

Músicos: Tom Petty (guitarras, teclados y voz), Mike Campbell (guitarras), Benmont Tench (piano y órgano), Stan Lynch (batería y teclados), Ron Blair (bajo y chelo). Phyl Seymour (coros), Jeff Jourard (guitarra en Breakdown), Jim Gordon (batería en Strangered In The Night), Enoiry Gordy (bajo en Strangered In The Night), Duck Dun (bajo en Hometown Blues), Randall Marsh (batería en Hometown Blues) y Charlie Sousa (saxofón en Hometown Blues).

Más portadas: Wild flower (1994), Song And Music Fron Shes The One (1996), Eho (1999), Highway Companion (2006) y Greatest Hits (2008).

Apunte: De Tom Petty se puede leer más en el post fechado en Monday, February 19, 2007.

The Complete Aladdin And Imperial Recordings (Capitol Blues) 1996
Pee Wee Crayton
Portada: ilustración de Joe Ciardello

Pee Wee Crayton (1914-1985) pertenece a la generación de guitarristas tejanos de blues que llevaron una vida viajera en la que no faltó el reconocimiento del público y la crítica, en especial durante la década de 1940. En los años cincuenta, principalmente entre 1954 y 1955, Pee Wee Crayton grabó para el sello Aladdin e Imperial una veintena de canciones en la mayoría de los casos compuestas por el guitarrista de Tejas, mientras que el resto del repertorio, además de firmadas por varios autores, cuenta con la presencia de piezas de D. Bartholomew, quien pone ese sonido cercano al r&blues criollo de Nueva Orleans. Escueto en sus solos pero atractivo en el toque, Pee Wee demostró ser un guitarrista cálido que igual abordaba un acelerado r&blues como canciones cercanas al swing que en determinados casos semejaban a artistas como T-Bone Walker o Fats Domino, pero Pee demuestra que tiene dentro el blues y no es imitador de otras figuras y amigos. Whes It Rain It Pours es una muestra de las mejores esencias musicales del teajo, a la que sigue la canción Daybreak de esencia latina sobre todo con los bongos acompañando a la tórrida guitarra de Pee. Una guitarra que apunta maneras de rock and roll venidero, sino basta escuchar Do Unto Others, para señalar semejanza con alguna canción de éxito de los sesenta, patrón que se repite en You Know-Yeah y Runnin' Wild. No obstante la sinuosa voz de Pee Crayton se adapta a la perfección a ese toque de Nueva Orleans con piano peleón que se escucha en buena parte del repertorio, eso sí unas veces con más swing cargado de vientos y otras hacia el r&blues, pues la versatilidad de Pee le acercó a colaborar con orquestas de jazz. De esa labor ecléctica quedan algunos canciones que siguen vigentes como representativas del r&blues de los cincuenta: Wimn-O, Eyes Full Of Tears, My Idea About You, Don' t Break My Heart, Yours Truly o Blues Before Dawn, pruebas más que suficientes de la versatilidad del tejano en aquellos años cincuenta que allanaron el camino al futuro rock and roll.

Canciones:When It Rains It Pours. Daybreak. Win-O. Do Unte Others. Every Dog Has His Day. Hurry, Hurry. Eyes Full Of Tears. I Need Your Love. You Know-Yeah. Runnin' Wild. My Idea About You. I Got News For You. Baby Don't You Cry. Don't Break My Heart. Wondering Why. Yours Truly. I Must Go On. Be Faithful. Blues Before Dawn. Don't Go.

Músicos: PeeWee Crayton (guitarra y voz), Maxwell Davis Orchestra (incluye piano, saxo tenor, bajo, batería y bongo), Wendell Duconge (saxo alto), Clarence Hall (saxo tenor), Herb Hardesty (saxo tenor), Salvador Doucette (piano), Frank Fields (bajo), Cornelius Coleman (batería), Dave Bartholomew (trompeta), Clarence Ford (saxos tenor y barítono) y grupo vocal desconocido.

Más portadas: Blues In My Heart (1957), Thing I Used To Do (1970), Rocking Down On Central Avenue (1982) y Early Hour Blues (1999).

 Iron Maiden (EMI) 1980

Iron Maiden

Portada: ilustración de Derek Riggs

Iron Maiden con su primer elepé homónimo puso la primera piedra del heavy metal que iba a renovarse con la década de los ochenta y, a la vez, crear nuevos apartados del rock más duro que se practicaba en las Islas Británicas. En esa onda hard, con algún tic punk, por ejemplo, en la canción que abre el disco, Prowler, un auténtico himno para los seguidores del grupo británico. Dos ardientes guitarras de acelerados solos, una potente sección rítmica y la voz entre bronca y cavernosa del cantante, eran las señas de identidad más destacables de Iron Maiden en sus comienzos, cuando aún su sonido se nota que no está pulido, pero resulta impactante para quienes disfrutan del heavy. Rock que tiene sus mejores momentos en canciones como Sanctuary, Running Free, Phanton Of TheOpera, Trnasilvania (instrumental), Charlottte The Harlot o Iron Maiden. El reinado de la doncella de hierro comenzaba con un elepé que aún hoy está considerado como uno de los mejores del combo inglés que, a pesar de los cambios, iniciará hasta finales de los ochenta un envidiable ascenso a la cumbre de las bandas más vendedoras de discos y seguidas en sus actuaciones en directo en diferentes continentes.

Canciones: Prowler. Sanctuary. Remember Tomorrow. Running Free. Phantom Of The Opera. Transylvania. Strange World. Charlotte The Harlot. Iron Maiden.

Músicos: Paul Di' Anno (voz), Dennis Straton (guitarra y voz), Dave Murray (guitarraI Steve Harris (bajo y voz) y Clive Burr (batería).

Más portadas: Killers (1981), The Number Of The Beast (1982), Piece Of Mind (1983), Powerslave (1984), Live After Death (1985), Somewhere For Time (1986), Seventh Son Of A Seventh Son (1988).

Apunte: En la edición en cedé de 1998 se incluyen como novedades algunos retoques a la carátula original que dentro de su feísmo aparece más sofisticado el dibujo, incluido Eddie The Head, la verdadera mascota del grupo y sus fans . En lo tocante a lo musical se incluyen dos videos grabados en directo de las canciones Iron Maiden y Phantom Of The Opera.

El rastro 

Dúo Dinámico

La Voz de su amo
1962

• Bailando el twist
• Perdóname
• ¿Dime por qué?
• Me gusta el twist

The Chess Sessions (Zafiro) 1988

The Flamingos

Portada: Chess/Checker

The Flamingos pertenecen a los grupos de doo woop con nombre de animales plumíferos que iniciaron su vuelo a comienzos de la década de los cincuenta con un estilo característico dentro de los conjuntos vocales que prepararon el camino al r&blues y soul. Con unas insuperables armonías vocales, The Flamingos pasaron por el sello discográfico Chess, dentro de la marca subsidiaria Checker, aportaron canciones de esas que escuchan en películas de las que luego sólo recordamos las escenas en las que sonaron voces tan excelsas, algo que era innato al quinteto de Chicago. Entre 1955 y 1956 se encuentran las piezas clave para entender la magnitud de las canciones de The Flamingos, cuyos miembros interpretaban unas melodías cargadas de lirismo y apoyadas a menudo por un elegante acompañamiento musical en el que se perciben rastros de jazz, blues, r&blues, soul, gospel, es decir lo más popular de la música negroamericana de la década de 1950. En el recopilatorio de la etapa de Chess, en total 16 canciones, se pueden elegir las dos vertientes definitorias del grupo, ninguna de ellas está de más, es decir la más rítmica con canciones como I'll Be Home, Shilly Dilly, Chickie Um Bah, Chick A Boom (Thats My Baby) y Found A New Baby; pero donde dejan el resto los cinco cantantes es en las melodías de tempo lento, por ejemplo, Dream Of A Lifetime, Ko Ko Mo, I Kiss From Your Lips, Whispering Stars, The Vow, Stolen Love o Would I Be Crying (If I Were Lying To You), algunas de ellas joyas de la música abrieron la senda a otros cantantes, por ejemplo, los de la Tamla Motown.

Canciones: I'll Be Home. I Really Don´t Want To Know. Dream Of A Lifetime. Ko Ko Mo. Whispering Stars. On My Merry Way. The Vow. Would I Be Crying. A Kiss From Your Lips. Shilly Dilly. Stolen Love. Chickie Um Bah. Nobody's Love. Chicka Boom (Thats My Baby). If I Could Love You. I Found A New Baby.

Componentes: J.C. Carey, Doug McClure, Victor Brown, Sidney Hall y Flip Thomas.

Más portadas: Flamingo Serenade (1959), The Flamingos (1959) y Requestfully Your (1960).

Eyes Open (A&M) 2006

Snow Patrol

Portada: Mat Maitland with Richard Andrews at Big Active

Snow Patrol es una banda norirlandesa y escocesa que en un década de andadura reúne todos elementos que la convierten en envidable pues partiendo de la escena indie ha llegado al club de los grupos de ventas millonarias de discos, como ha pasado con su cuarto larga duración Eyes Open, algunas de cuyas canciones trascendieron más allá del ámbito musical al ser incluidas en dos series televisivas de Estados Unidos. Se trata de las piezas Chasing Cars, Make This Go On Forever y Open Your Eyes. Las tres canciones citadas resumen muy bien el triunfante sonido de Eyes Open, pop rock estilizado en el que no faltan pasajes épicos o tonos intimistas, creados desde el propio combo británico, una variada oferta que se capta en otras canciones de Eyes Open como You're All I Have, Hands Open, Shut Your Eyes, You Could Be Happy, Headlights On Dark Roads y The Finisl Line.

Canciones: You're All I Have. Hands Open. Chasing Cars. Shut Your Eyes. It's Beginning To Get to Me. You Could Be Happy. Make This Go On Forever. Set The Fire To The Third Bar. Headlights On Dark Roads. Open Your Eyes. The Finish Line.

Músicos: Gary Lighbody (guitarra y voz), Nathan Connolly (guitarra y voz), Paul Wilson (bajo y voz), Tom Simpson (teclados) y Jonny Quinn (batería).

Más portadas: Songs For Polarbears (1998), When It's All Over We Still Have To Clear Up (2001), Final Straw (2004), Live And Acoustic At Park Avenue (205)-EP y A Hundred Millions Suns (2008).

Apunte: En el cedé con canciones extra se incluyen los títulos: -, In My Arms y Warmer Climate.

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Singles A's & B's (Emi) 1977

The Pretty Things

Portada: Cream

The Pretty Things, como otras formaciones británicas de su tiempo, brillaron por su sentido r&blues que les llevó a competir con otras ilustres bandas de la segunda mitad de los sesenta. Sin embargo, a pesar de excelente carrera discográfica en el ámbito de la música con raíces negras, Pretty Things decidió apostar por la psicodelia que en 1967 dominaba buena parte de la música pop del Reino Unido. De esa etapa son las 13 canciones recogidas en este recopilatorio cuya cara A ofrece grabaciones en mono, mientras que la B incluye piezas en estéreo. El repertorio corresponde a la época que va de 1967 a 1971, con especial hincapié en el material correspondiente a los discos S.F. Sorrow y Parachute, en determinados casos se pueden escuchar canciones hechas para sencillos que sirvieron para la promoción de los álbumes citados como, por ejemplo, Talkin' About The Good Times o Walking Through My Dreams, a las que se añaden otras composiciones que no pasaron desaparcibidas en su tiempo, casos de Mr. Evasion, The Good Mr. Square, Blue Serge Blues, October 26 o Stone-Hearted Mama, en las que a los preponderantes sonidos ácidos hay que añadir orientaciones hacia el rock duro.

Canciones: Defecting Grey. Mr. Evasión. Talkin About The Good Times. Walking Through My Dreams. Private Sorrow. Balloon Burning. The Good Mr. Square. Blue Serge Blues. October 26. Cold Stone. Summer Time. Circus Mind. Stone-Hearted Mama.

Músicos: Phil May (voz), Dick Taylor (guitarra y voz), John Povey – (órgano, sitar, percusión y voz), Wally Allen (bajo, guitarra, instrumentos de vientos, piano y voz), Skip Alan (batería) y John Charles Alder (batería).

Más portadas: Emotions (1967), S.F. Sorrow (1968), Parachute (1970) y Freeway Madness (1972).

4x10

1969

The Gilded Palace Of Sin

The Flying Burrito Brothers

Portada: fotografía de Barry Feinstein

The Flying Burrito Brothers se estrenaban discográficamente con el lanzamiento en 1969 del elepé The Gilded Palace Of Sin, título honorífico dentro del apartado de grandes obras del country rock de todos los tiempos. La grabación del disco reunió a dos ex miembros de The Byrds, que ya habían realizado incursiones en dicha banda, en otras o bien en solitario, mediante la utilización los sonidos campestres pero desde un punto de vista diferente a lo que se venía haciendo desde la ortodoxia con capital en Nashville. Gram Parson y Chris Hillman a finales de los sesenta se mantuvieron fieles a la música desarrollada en Sweetheart Of Rodeo, cuando militaban en The Byrds, pero sin la tutela del pájaro Roger McGuinn y, por tanto, con mayores probabilidades de dar rienda suelta a las canciones que desde hacía tiempo componían de cara a una grabación. Así que con total independencia y en la tranquila comunidad de Topanga Canyon se fueron gestando las canciones de The Gilded Palace Of Sin, para al final constituir el  material del primer disco de larga duración de la nueva banda The Flying Burrito Brothers, que contaba también Sneaky Pete y Chris Etheridge. Una vez completado el combo con otros músicos ocasionales, que se encargaron de la batería, el resultado no pudo ser mejor en cuanto a creatividad y buen hacer musical, lo cual no se tradujo sin embargo en grandes ventas, pero el tiempo se ha encargado en situarlo definitivamente entre los discos que más han influido en diferentes generaciones que se han acercado al country rock desde un punto de vista abierto. Desde Christine's Tune A Hippie Boy, sin dejar de escuchar Do Right Woman, Dark End Of The Street; Hot Burrito#1 o Do You Know How It Feels, se puede seguir la senda de sonidos como el folk, soul, gospel, rock and roll y psicodelia, entre otros, que hacen causa común con el country, estilo que adquirirá a partir de entonces un componente mestizo que llegará a ser la seña de identidad de muchos y celebrados grupos y solistas de las décadas siguientes.

Canciones: Christine's Tune. Sin City. Do Right Woman. Dark End Of The Street. My Uncle. Wheels. Juanita. Hot Burrito#1. Hot Burrito #2. Do You Know How It Feels. Hippie Boy.

Músicos: Gram Parsons (guitarra, piano, órgano y voz), Chris Hillman (guitarra, mandolina y voz), Sneaky Pete Kleinow (pedal steel guitar) y Chris Ethridge (bajo y piano). Jon Corneal (batería 1, 3, 4, 5, 7), Popeye Phillips (batería 8, 9, 11), Eddie Hoh (batería 2, 10) y Sam Goldstein (batería 6).

Más portadas: Burrito Deluxe (1970), The Flying Burrito Brothers (1971), Last Of The Red Hot Burritos (1972), Flying Again (1975) y Airborne (1976).

Apunte: En 1997 salió en formato cedé con los dos primeros discos de los burrito, cuya portada es la que ilustra este post. Para complementar la información de este disco, se pueden mirar los post sobre Sweetheart Of The Rodeo y Gram Parsons. Saturday, May 27, 2006. Tuesday, November 7, 2006.

"Negatif" (Virgin)
Benjamin Biolay
Portada: fotografía de Craig McDean

Benjamin Biolay (Villefranche-sur-Saône; 20 de enero de 1973) se ha consolidado como cantautor francés con vocación universal como demostró en sus prometedores comienzos a comienzos del tercer milenio.El salto se produjo con "Negatif", fechado en 2003 y doble cedé con un total de 21 canciones, donde hizo depliegue de sus dotes de compositor y músico ambicioso que igual le pega al jazz como a la chanson française, aunque también advierte de su adoración por artistas de culto como Serge Gainsbourg. El doble CD no tiene desperdicio cuando los tiempos que corren no están para partos múltiples, menos en la canción cada vez más escasa de savia nueva para crearla. Pero ese no es el caso de Biolay, quien se apoya en guitarras acústicas y piano, aunque también en programaciones que sabe aprovechar para darle el aire que prefiere para sus composiciones. De ello no hay duda desde la primera canción, Billy Bob a raison, cuyo tono intimista está contaminado por el country del dobro omnipresente que suena durante los cuatro largos minutos de la aprovechada composición, a la que sigue el inequívoco homenaje a la chanson de siempre: Le pénombre des Pays-Bass, que, aunque de ubicación geográfica foránea, traslada al plat pays de Brel. Biolay, aunque repite mirada hacia atrás en Je ne t'ai pas aimé, donde la voz de Chiara Mastrioniani resulta de lo más sugestiva, a veces apuesta por ritmos bailables dentro de un orden: Chaise à Tokyo, Little Darlin' o Bain de sang, cuando no lo hace por un pop sofisticado que se acerca al rock progresivo mediante el instrumental Billy Bob a toujours raisons, pero el doble cedé da para más por lo que su escucha ofrece la posibilidad del descubrimiento agradable de melodías intemporales. En fin, que "Negatif" merece la pena el tiempo de escucha que habitualmente no se dedica de un tirón a los discos dobles, pues hasta en las canciones más desesperanzadoras resulta atractivo, por lo cual no es extraño que Biolay represente el compositor favoritos de algunas estrellas veteranas y nuevas de la canción francesa.

Canciones: CD1. Billy Bob a Raison.. Pénombre de Pays-Bas. Hors la Vie. Nuits Blanches. Chaise À Tokyo. Je ne t'ai pas aimé. Little Darlin'. De Lendemains Qui Chantent. Chère Inconnue. Glory Hole. La vanité. Négative Folk Song/Boîte à musique. Négatif. Exsangue. CD 2. Dérive des Continents. Dernier souper au château. Insulaires. Chambre. Holland Spring. Bain de Sang. Billy Bob a Toujours Raison.

Músicos: Benjamin Biolay (piano, teclados, percusión, programaciones, guitarras, bajo, armónica, wurlitzer y voz), Nicolas Fiszman (guitarras y dobro), Éric Sauviat (guitarras y dobro), Deniss Benarrosh (batería y percusión), Chiara Mastrionani (coros), Théodore Bundy (bajo), Denis Benarrosh (batería), Ghislaine Benaddallah, Florent Bremont, Karen Brunon, Christophe Morin, Floriane Bonanni, Frederic Kret, Christophe Briquet, Mathilde y Sébastien Levy (cuerdas), Laurent Venery (contrabajo y bajo eléctrico), DJ Reyy Ouwehand (bajo, teclados y programaciones), Erwin Autrique (programación), David Maurin (rimshot), Yannick Fonderie (programaciones y teclados), Michel Amsellem (teclados y celesta), Iva Frühlingova & Coralie Clément (coros), Julien Benetau (percusiones), Martine Buyens (clarinete), Martine Buyens (hautbois y cuerno inglés), Jean Michel Charnier (clarinete), Laurence Dubar (flauta), Denis-Pierre Gustin (flauta travesera), Ivo Hadermann (cureno), Luc Loubry (bajo), Bram Nolf (hautbois), Elvire Shabon (basson) y Katrinen Vintioen (cureno).

Más portadas: Rose Kennedy (2002), Clara et moi (BSO) 2004, Home (2004), À l'origine (2005) y Trash Yéyé (2007).

Super 8 (RCA) 1994

Los Planetas

Portada: Javier Aramburu

Los Planetas se convierten en el mejor grupo de la escena indie española tras la salida de su primer larga duración titulado Super 8, donde el cuarteto granadino descarga su arrolladora potencia musical entre noise, psicodelia y power pop, de guitarras distorsionadas, pero siempre sustentada en unas letras introspectivas en las que tienen amplia cabida el desencanto, el sexo, las drogas, entre otros asuntos que enseguida llaman la atención de público y crítica hasta el punto de convertir a la banda en la principal del ámbito alternativo. Esas líneas instrumentales y líricas se advierten ya desde la primera pieza del disco, De viaje, ejemplo de canción en onda lisérgica acelerada que no se baja hasta el final del repertorio grabado en Super 8. El acierto de Los Planetas está en ofrecer un sonido con personalidad y hasta novedoso dentro de los esquemas indies hispanos, propuesta la de los granadinos que se hace más efectiva cuando suenan auténticos hitos del rock de los noventa como Qué puedo hacer, Si está bien, 10.000, Jesús, Rey sombra o Desorden, donde las electricidad desaforada y ácida a menudo da cabida en ocasiones a selectas melodías.

Canciones: De viaje. Qué puedo hacer. Si está bien. 10.000. Jesús. Estos últimos días. Brigitte. Rey sombra. Desorden. La caja del diablo.

Músicos: J (guitarra y voz), Florent Muñoz (guitarra y voz), May Oliver (bajo) y Paco Rodríguez (batería). Javier Losada (Hammond en Desorden), Chema Animal Pérez (percusión en 10.000, Desorden y Rey sombra).

Más portadas: Pop (1996), Una semana en el motor de un autobús (1998), Unidad de desplazamiento (2000), Encuentros con entidades (2002), Los Planetas contra la ley de la gravedad (2004) y La leyenda del espacio (2007).

Apunte: En la edición en soporte CD de 1995 se incluye además el sencillo con las canciones Nuevas sensaciones, La casa y Desorden.