“In the Court of the Crimson King” (Island). Primer disco del grupo británico King Crimson, espléndida formación de referencia del mejor rock vanguardista que se practicaba en el Reino Unido a finales de los años sesenta. Bajo el liderazgo del aplicado e inquieto guitarrista, Robert Fripp, la banda cuidaba los textos de sus canciones, además de contar con virtuosos músicos que con el paso del tiempo irían dejando sus huellas en otras bandas fundamentales del rock de diferentes décadas. Vanguardismo, música clásica, jazz y rock se combinaban en “la corte del rey carmesí”, donde la primera composición no dejaba indiferente por su intensidad, “21 st century schizoid man”, una pieza de texto anticipatorio muy en la línea de determinada literatura inglesa, pero con el fondo de una música enloquecida en la que cada instrumento adquiría un protagonismo casi inédito en el mundo del rock. Tras esa entrada venía la calma con cuatro largas composiciones de tiempo lento, algunas de las cuales han quedado como clásicas del rock progresivo, y donde los teclados tenían un amplio protagonismo, como se puede apreciar en la canción que da título al elepé. La carpeta del disco, todo un icono del rock, acoge los dibujos de la portada y del interior realizados por Barry Godber.

Canciones: “21 st century schizoid man”, “Talk to the wind”, “Epitaph, “Moonchild”, “The Court of the Crimson King”.

Músicos: Robert Fripp (guitarra), Ian McDonald (vientos, campanas, teclados, melotrón y voces), Greg Lake (bajo y voces), Michel Giles (batería y voces) y Peter Sinfield (letras e iluminación).

Otras portadas: In The Wake Of Poseidon (1970), Lizard (1970), Islands (1971), Lark’s Tongue in Aspic (1973), Starlessand Bible Black (1974), Red (1974), Live (1975), Discipline (1981), Beat (1982) y Three of a Perfect Pair (1984).

“The Psychedelic Sounds Of” (Zafiro). La banda tejana de Austin, “The 13th Floor Elevators” grabó en 1966 uno de los primeros discos grandes en los que aparecía la palabra psicodelia, movimiento al que se unieron los miembros del combo liderado por Roky Ericson. Todos ellos se encargarían de difundir la nueva sonoridad con todo el esplendor que los medios de la época permitían. La canción “You’ re Gonna Miss Me” es sin duda la que mejor define la militancia del grupo que se afincaría en California, entonces cuna de todo lo novedoso que se producía dentro del rock. Pero “The 13 th Floor Elevators” también practicaba un rock de garaje agresivo y de guitarras distorsionadas que con el paso del tiempo se convertiría en música de culto y consumo de generaciones posteriores. El álbum incluye asimismo otros himnos heterodoxos de los sesenta como “Reverberation”, “Fire Engine”, “Roller Coaster” y “Don’t Fall Down”. La ilustración de la portada, muy acorde con las preferencias artísticas de las bandas psicodélicas o de rock ácido, pertenece a John Cleveland.

Canciones: “You’re Gonna Miss Me”, “Roller Coaster”, “Reverberation”, “Don’t Fall Down”, “Fire Engine”, “Thru The Rhythm”, “You Don’t Know”, “Kingdom of Heaven”, “Monkey Island” y “Tried to Hide”.

Músicos: Rocky Erickson (voz y guitarra), Tommy Hall (jug eléctrico), Ronnie Leatherman (bajo) y Stacy Sutherland (guitarra).

Otras portadas: Easter Everywhere (1967), Bull ofn the Woods (1968), Live (1968) y Out of Order: Live at Avalon Ballroom (1978).

“Dog of Two Head” (Zafiro). El cuarteto londinense Status Quo, antes de convertirse en una factoría de crear números uno para las listas de éxito del pop británico y de algunos países europeos, era un grupo que trataba de adaptarse a los tiempos con la reorientación hacia unos sonidos más básicos como eran el boggie y el hard rock. Atrás quedaron los tiempos de experimentación psicodélica que la prolífica banda pasó sin pena ni gloria durante los años sesenta como otros ilustres del pop de las Islas Británicas. Grabado en los estudios de PYE en Londres, “Dog of Two Head” contenía algunas piezas que ya apuntaban el pegadizo estilo de Status Quo como la canción “Gerdundula”, pero también había otras composiciones a la altura de las que difundían las más respetadas bandas de rock duro de aquellos años, y que tanto abundaban en el Reino Unido. En esta onda de calidad están, entre otros temas, “Umleitung” y “Railroad”, donde el cuarteto se adentra con credibilidad en el estilo básico y guitarrero del rock. La ilustración de la carpeta uno de los mejores elepés de Status Quo es obra de Mick Wells.

Canciones: “Umleitung”, “Nanana”, “Something’s Going on in My Head”, “Mean Girl”, “Nanana”, “Gerdundula”, “Railroad”, “Someone’'s Learning” y “Nanana”.

Músicos: Mike Rossi (guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz), Ritchie Parfitt (guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano y voz), Allan Lancaster (bajo y guitarra elécrica) y John Coughlam (batería y diferentes percusiones). Colaboran: Bob Young (armónica), Bruce Foster (piano y voz).

Otras portadas: Picturesque Matchtickable Messages from Status Quo (1968), Spare Parts (1969), Ma Kelly’s Greasy Spoon (1970), Pilidriver (1973), Hello (1973), Quo (1974), On the level (1975), Live (1977), Just Supponsin’ (1980), 12 Gold Bars (1980) y In the Army Now (1986).

“Rainy Day” (EMI). El grupo bretón Gwendal representó el folk progresivo de los años 70 que se hacía en Francia, donde durante toda la década varias bandas y solistas difundieron el nuevo estilo. Tras su estreno discográfico en el que había mucho de música de raíz irlandesa, el grupo continuaría su andadura artística combinando diferentes estilos: clásica, folk, jazz y rock. Esta faceta heterodoxa quedó demostrada con creces en su tercer disco donde los instrumentos tradicionales se mezclan con otros eléctricos. Incluso en la cara B del disco se trata de dar un aire conceptual a esta parte de la grabación con un imaginario paseo por una geografía idealizada que termina con una pieza de jazz y música celta, esta última era una definición muy utilizada a finales de los setenta en varios países de Europa, y a la que se adscribieron distintos grupos y solistas. La carátula del disco número 3 de Gwendal es del gran dibujante de cómic Bilal, uno de los representantes de la banda diseñada más artística en Europa, cuando se estaba produciendo también un nuevo auge de este arte del siglo XX.

Composiciones: “Rainy Day”, “Cam Ye Ower Frae France”, “The Walls of Liscarroll”, “Butterfly”, “Intro”, “Promenade”, “Welcher Tanz Waschan Mesa”, “Promenade”, “The Pleausures of Home”, “High Could Cat”, “Millards e Six Soles d’ Eaux” y “Bop Celtique”.

Músicos: Bruno Barre (violín), Youenn Leberre (flautas, bombarda y saxofón), Jean Marie Renard (guitarra), Roger Schaub (bajo y guitarra eléctrica), Ricky Caust (guitarra y mandolina) y Arnaud Rogers (percusión).

Otras portadas: Irish Jig (1974), Joe Can’t Reel (1975), Les Mouttes se Battent 1979), En concert (1981), Locomo (1983) y Danse la Musique (1985).

“Alabama Blues!” (L+R Records). J.B. Lenoir (1929-1967) poco antes de su prematura muerte en un accidente de tráfico era un reputado bluesman que había causado impresión 15 años antes con su rock electrificado, su singular voz y su toque de guitarra, quizá fue un adelantado de lo que luego se denominaría rock and roll. En 1965, bajo la atenta mirada de Willie Dixon, grabó en la ciudad de Chicago el disco “Alabama Blues!, álbum cuyas canciones, todas compuestas por Lenoir, tenían una orientación combativa en el sentido de ataque al sistema social y político de discriminación racial que se aplicaba entonces en Estados Unidos. Un ejemplo es la cruda canción que da título al elepé, donde J.B. Lenoir ha sustituido la guitarra acústica por la eléctrica, lo cual junto a su concienciada voz producen más dramatismo en el material grabado. Sus agudas diatribas sirvieron para que muchos jóvenes negros del ámbito de la música se preocupasen y sintiesen orgullosos de su identidad. La intensidad y las letras de las canciones incluidas del disco motivaron que quedase archivado en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. La portada del elepé se cubrió con una fotografía de J.B. Lenoir realizada por Horst Lippman.


Canciones: “Alabama Blues”, “The mojo boogie’’, “God’s words’’, “The wale has swallowed me’’, “Move this rope’’, “I feel so good”, “Alabama march’’, “Talk to your daughter’’, “Mississippi road’’, “Good advice’’, “Vietnam’’ y “I want to go”.


Músicos: J. B. Lenoir (guitarra acústica y voz). Freddie Below (batería en la cara A-2/4/6 y en la cara B-2/6. Willie Dixon (voz adicional en la Cara A-6).


Otras portadas: Down in Mississippi (1966), Natural Man (1968), Cusade (1970), Natural Man (1970) y J. B.Lenoir: Gonna Give You Good Advine (1981).

“Osibisa” (MCA Records). Tres músicos ghaneses, un nigeriano, uno de Antigua y otro de Trinidad formaron el grupo Osibia en el Reino Unido, formación que se presentó al público internacional en 1971 con el elepé que lleva el nombre septeto. La banda, más allá del exotismo de los vestidos, sombreros e instrumentos musicales, se convirtió en un auténtico revulsivo en el ámbito del rock de comienzos de los setenta, al abrir dicho estilo a nuevos ritmos, como había hecho un par de años antes en Estados Unidos el grupo Santana. El público identificó a Osibisa con la música africana, que sin duda sus miembros tocaban, pero también en su primer disco había ritmos caribeños, por razones obvias de la procedencia de dos de sus miembros, jazz, rock y algo de blues. Una demostración de este mestizaje musical se produce en la pieza que abre el disco grande, la titulada “The Dawn”, y sirve asimismo para apreciar la diferencia del grupo con otras formaciones contemporáneas de los circuitos de actuaciones de las Islas Británicas. Se puede decir que este combo abrió el camino a la música del continente negro hasta entonces desconocida, salvo algún éxito puntual, pero que en la década de los ochenta tendría su más importante periodo de difusión sobre todo en Europa. La carátula del disco pertenece al inconfundible y gran diseñador Roger Dean

Canciones: “The Dawn”, “Music for Gong Gong”, “Ayiko Bia”, “Akwaaba”, “Oranges”, “Phallus C” y “Think About the People”.

Músicos: Teddy Osei (saxo tenor sax, flauta, percussion africana y voz), Sol Amarifio (batería), Mac Tontoh (trompeta y flugel horn), Spartacus R (bajo y percussion), Wendell Richardson (guitarra y voz), Robert Bailey (órgano, piano y timbales) y Loughty Lasisi Amao ( saxos tenor y barítono y conga).

Otras portadas: Woyaya (1971), Heads (1972), Osibirock (1974), OJah Awake (1976), Black Maic Night (1977), Welcome Home (1977) y Mystic Energy (1980).

“There Must Be a Better World Somewhere” (MCA). B.B. King (1925) entraba con buen pie en su quinta década dentro de la música, como ha ocurrido siempre con este guitarrista universal y uno de los principales representantes del blues eléctrico. Con la colaboración de músicos más jóvenes que él, entre los que había elegido una compacta sección de viento, y el apoyo como compositores de Doc Pomus y Dr. John, King supo adaptarse a los tiempos y poner su guitarra a disposición de un estilo entre el jazz, el soul y el blues. Sin perder su clásico toque de guitarra, Riley B King. toca elegantes melodías y domesticados blues a los que añade su madura pero convincente voz. Sin ser su mejor disco, “There Must Be a Better World Somewhere” contiene alguna que otra pieza magistral como “Born Again Human” o “The Victim”, una en tiempo lento, la otra más rápida, muy en la línea de las canciones grabadas en estudio por el rey, quien en sus buenos tiempos era uno de los mejores al interpretar blues en directo. La carpeta del larga duración se cubre con un dibujo de Ron Kriss.

Canciones: “The Victim”, “More, More, More”, “You’re Going With Me”, “Life Ain’t Nothing But a Party”, “Born Again Human” y “There Must Be a Better World Somewhere”.

Músicos: B.B. King (guitarra y voz), Dr. John (teclados), Prettie Purdie (batería), Wilbur Bascomb (bajo), Hugh McCraken (guitarra). Sección de viento, Hank Crawfor (saxo alto), David Fathead Newman (saxo tenor), Ronald Cuber (saxo baritone), Tom Malone (trombón), Waymon Reed (trompeta) y Charlie Miller (trompeta). Acompañamiento vocal a cargo de Donny Gerrard, Carmen Twillie y Vennette Gloud, en “More, More, More”.

Otras portadas: My Kina of Blues (1956), The Blue (1958), B.B. King Wails (1960), Easy Listening Blues (1962), Live at the Regal (1965), Blues on Top of Blues (1968), Lucille (1968), Completely Well (1969), Back in the Alley (1970), Indianola Mississippi Seeds (1970), Live in Cook County Jail (1971), L.A. Midnight (1972), Midnight Believer (1978), Take it Home (1979), Love Me Tender (1982), Blues’n’ Jazz (1983), King of the Blues Guitar (1985) y B.B. King Early’ 50s Classics (1988).

“Breafkfast in the Field” (Windham Hill). Primer elepé del guitarrista Michael Hedges (1953-1997), un virtuoso de la acústica que causó sorpresa en su debut discográfico. Con una técnica hasta entonces poco conocida y una gran imaginación para componer, Hedges era el autor de todas las piezas incluidas en su álbum de presentación, donde colabora el pianista George Winston. A partir de entonces se convertiría en una de las figuras indiscutibles de la discográfica Windham Hill, pionera del estilo que luego se denominó “new age”, donde sin embargo había excelentes instrumentistas como Hedges, quien en su estreno, además de florituras a la guitarra había mucha imaginación por explotar. En siguientes trabajos quedaría claro que Michael no era el típico guitarrista de temporada. Sólo su trágica y prematura muerte evitó comprobar su evolución musical. La portada del disco tiene como motivo principal una fotografía de Leo Holub, muy en la cuidada línea de Windham Hill de ofrecer una imagen de calidad tanto en el contenido como en el continente.

Composiciones: “Layover”,“The Happy Couple”, “Eleven Small Roaches”, “The Funky Avocado”, “Baby Toes”, “Breakfast in the Field”, “Two Days Old”, “Peg-Leg Speed King”, “The Unexpected Visitor”, “Silent Anticipations” y “Lenono”.

Músicos: Michael Hedges (guitarra acústica), Michael Manring (fretless bass) y George Winston (piano).

Otras portadas: Aerial Boundaries (1985), Live on the Double Planet (1987) y Watching My Life go by (1987).

“Last of the Brooklyn Cowboys” (Reprise Records). Arlo Guthrie (1947) hacia frente a la primera mitad de la década de los setenta con su mejor arma, la canción. Trece en total en el séptimo disco en solitario desde sus comienzos en 1967. En plena época de la canción intimista, los nuevos cantautores y el pujante country-rock, Guthrie junior se hizo con una generosa lista de músicos y cantantes que acudieron sin problemas a la cita en Hollywood para grabar en 1973 “Last of the Brooklyn Cowboys”, donde desde el título de las piezas y del álbum queda claro que Arlo se movía a gusto entre la combinación de composiciones populares y otras más urbanas. Dos temas instrumentales, uno de ellos de raíz irlandesa, varias composiciones prestadas (de Bill Halley, Bob Dylan y de su padre Woody, entre otros) y dos canciones de Arlo, llenan un disco muy de su tiempo y con un excelente fondo musical gracias a la presencia de reputados instrumentistas en la mayoría de los casos del ámbito del country-rock. La portada tiene como principal motivo una instantánea del fotógrafo y gran paisajista Marty Evans.

Canciones: “Farewell O’Gara”, “Gypsy Davy”, “This Troubled Mind Of Mine”, “Week On the Rag”, “Miss the Mississippi and You”, “Lovesick Blues”, “Uncle Jeff”, “Gates Of Eden”, “Last Train”, “Cowboy Song”, “Sailor’s Bonnett”, “Cooper’s Lament” y “Ramblin’ Round”.

Músicos: Arlo Guthrie (piano, armónica, guitarra, banjo y voz), Jim Keltner, Jerry Wiggins, Richard Hayward y Gene Parsons (batería), Bob Glaub, Doyle Singer, Lee Sklar, Thad Maxwell, Chuck Rainey, John Pilla y Doyle Singer (bajo), Don Rich (guitarra, dobro y violin), Jerry Brightman (guitarra metálica, steel guitar y banjo), Jesse Ed Davis, Buddy Alan, Bob Morris, Ry Cooder, Clarence White, John Pilla y Grady Martin (guitarras), Doug Dillard (banjo), George Bohanon, Dick Hyde y Gene Coe (instrumentos de metal), Jim Gordon, Jim Shaw y Mike Utley (teclados), Nick De Caro (acordeón), Don Cristlieb (fagot), Buddy Collette (clarinete), William Green (oboe), Ernie Watts (flauta) y Jessie Smith, Clydie King, Vanetta Fileds, Gene Merlino, Thurle Ravenscroft, Robert Tebow y Bill Cole (acompañamiento vocal).

Otras portadas: Alice’s Restaurant (1967), Running Down the Road (1969), Washington Country (1970), Hobo’s Lullaby (1972), Arlo Guthrie (1974), Amigo (1976), The Best of Arlo Guthrie (1977), Precious Friend (1982), Someday (1986) y Baby’s Storytime (1990).

“Porque no mundo menguou a verdade” (Zafiro). Xosé Quintas-Canella se había movido en el ambiente musical de Galicia de finales de los años 60, cuando se puso en marcha el proyecto “Voces Ceibes”, aunque él orientase su música hacia los ricos cancioneros medievales. Una década después, en 1978, se ponía a la venta el disco “Porque no mundo menguou a verdade”, donde Xosé insistía en su preferencia por las viejas cantigas galaico-portuguesas del periodo comprendido entre los siglos XII y XIV, canciones de amor en su mayoría que interpretaban los trovadores. De este repertorio se nutre el primero y único disco de Xosé Quintas-Canella, quien estaba acompañado por un excelente grupo de músicos que utilizaban predominantemente instrumentos acústicos. En otras ocasiones, el propio cantante era el compositor de piezas como “As nove ondas” y “Pra miña compañeira de laboura”, que en el caso de la primera nada tenía que ver con el amor sino con la dura realidad del mar contaminado por el petróleo. La portada y la contraportada de Bernal y Enrique recogen dibujos de inspiración medieval sobre las 12 canciones, ilustraciones como las que utilizaban los músicos ambulantes para explicar alguna historia.

Canciones: “ O rei García”, “Vi eu, mia madre, andar”, “A miña amiga”, “A unha vella quis ora trobar”. “Porque no mundo mengou a verdade”, “Sedíame eu na ermida de San Simón”, “Pra miña compañeira de laboura”, “As nove ondas”, “Ai flores do verde pino”, “A por quén perço dormir”, “Mariña Foça” y “Valeiros”.

Músicos: Xosé Quintas (voz y música), Eloy Vázquez (zanfona, guitarra, rabel, guitarra acústica, cítara, contrabajo, laúd y percusión), Anxel Barbadillo (guitarra, laúd y guitarra acústica), Enrique F. Ferreira (cello, contrabajo y percusión) y Bernal Martines (flautas y percusión). Arreglos: Eloy, con la colaboración de Anxel Barbadillo y A. Salgado.

“My song” (ECM). Keith Jarrett y Jan Gabarek eran dos de los músicos más importantes del sello discográfico ECM, una nueva apuesta en los años 70 por una música que se salía de los cánones impuestos por las grandes multinacionales del disco, y, por tanto, orientaban sus producciones hacia un mercado en constante movimiento. En teoría ECM nació con vocación de cambio, y esto se nota en sus primeras grabaciones. “My song” es un disco que se salió del ámbito más bien reducido de los que buscaban otras propuestas musicales, porque, además de calidad, había esa comunicación fluida y necesaria para una mejor acercamiento a la obra de instrumentistas reconocidos a nivel internacional. Piezas como la que da título al elepé y Tabarka son ejemplos del excelente trabajo realizado por el cuarteto que practica un jazz heterodoxo con mezcla de otros estilos que influyeron en los músicos nórdicos y norteamericanos. La carpeta del disco mantiene el estilo que identifica a ECM, en este caso gracias al arte de Barbara Wojirsh. Canciones: “Questar”, “My Song”, “Tabarka”, “Country”, “Mandala” y “The Journey Home”. Músicos: Keith Jarrett (piano y percusión), Jan Garbarek (saxos tenor y soprano), Palle Danielsson (bajo) y Jon Christensen (batería). Otras portadas: Keith Jarret (Works-1971, The Köln Concert-1975, Eyes of the heart-1976, Invocation/The moth and the flame-1981, Changes-1983 y Dark intervals-1988). Jan Garbarek (Dansere-1975, Places-1977, Photo with Blue Sky, White Cloud, Wires, Windows and a Red foof-1978, Eventyr-1980, Wayfarer-1983 y Legen of the seven dreams (1988).

“Cheap Thrills” (Columbia). Big Brother and the Holding Company era el grupo en el que cantaba Janis Joplin (1943-1970) cuando esta formación afincada en California grabó su segundo elepé en 1968, aunque para mucha gente este sería el primer disco oficial de la banda. La cantante tejana había causado una magnífica impresión uno año antes en el Festival de Monterey con su potente y desgarrada voz, en la que se encontraban influencias de las grandes blueswomen. Janis en sus comienzos se dedicaba a cantar piezas clásicas de blues acompañada de una guitarra acústica, como haría años después en la grabación de “Cheap Trills” al incluir “Turtle blues”, compuesta por la propia cantante. El blues esta vez eléctrico también cerraba el disco, que fue número uno en las listas de éxitos, con “Ball and Chain”. Sin embargo, el elepé es un fiel ejemplo de la combinación entre rock ácido, blues rock y sonido de grupo de garaje que predominaba en la zona de la bahía de San Francisco, por donde se movían y actuaban los componentes de Big Brother and The Holding Company. Tras el éxito de este disco, Janis Joplin cambiaría de grupo, y el resto ya es historia conocida. La carátula del larga duración es una muestra del comix underground realizada por uno de los grandes dibujantes estadounidenses de la contracultura, el inimitable Robert Crumb.

Canciones: “Combination of the Two”, “I Need a Man to Love”, “Summertime”, “Piece of My Heart”, “Turtle Blues”, “Oh, Sweet Mary” y “Ball and Chain”

Músicos: Peter Albin (bajo), David Getz (batería), James Gurley (guitarra), San Andrew (guitarra) y Janis Joplin (cantante).

Otras portadas: I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! (1969), Pearl (1969), In Concert (1972), Greatest Hit (1973), Janis (1975) y Farewell Songs (1983).

Ahi ven o maio (Movieplay). El primer disco grande de Luis Emilio Batallán lo fue en todos los sentidos porque representa  un hito dentro de la evolución de la música popular gallega. Después del trabajo de vanguardia rompedora de “Voces Ceibes”, cuyos miembros en solitario continuaban actuando en los años setenta, Batallán se trasladó a Madrid para grabar su elepé de presentación que lleva el título de un poema de Curros Enríquez, representante del Rexurdimento del idioma gallego en la escritura durante el siglo XIX. De las diez canciones incluidas en el álbum, todas pertenecen a escritores gallegos. Al ya mencionado poeta de Celanova, hay que añadir los nombres de Ramón Cabanillas, Rosalía de Castro, Álvaro Cunqueiro y Celso Emilio Ferreiro. Pero en comparación con los cantautores gallegos de los sesenta, Batallán utiliza músicos procedentes del denominado, en aquellos años setenta, rock progresivo, aunque incluye también instrumentos acordes con la tradición musical gallega (gaita, acordeón y violín), lo cual produjo un sonido distinto. La grabación significó en su tiempo (1975) una sorpresa para quienes seguían la música de Galicia, que a partir de entonces se abrió a nuevas propuestas, se diversificó, y comenzó a ser conocida fuera de su territorio. Batallán acertó con los poetas gallegos al incluirlos en su disco de estreno, tanto que algunas canciones han quedado como clásicas, entre otras Ahí ven o maio, Quen poidera namorala, Notas necrolóxicas y Agardarei. La portada del disco, de indudable simbología gallega, pertenece a Manuel R. Moldes.

Canciones: Ahi ven o maio, Camiño longo, Notas necroloxicas, Chove-chove, I a nosa señora detrás do tonel, Quen poidera namorala, Agardarei, A Rosalia, Viaxeiro y Nocturno.

Músicos: Luis Emilio Batallán (guitarra acústica y voz), José María González (guitarra acústica, guitarra española y percusión), Jean Pierre (guitarra acústica, guitarra eléctrica y mandolina), Quique Santa (bajo elécrico), Juan Bona (batería), Carlos Cárcamo (melotrón, violín, flauta, voces) Marcial Moreiras (viola), Gustavo Díaz (gaita), Miguel Borja (oboe), Susana Martín (piano y acordeón) y Mabel y Carmen (coros).

Otras portadas: Ballet da nena (1990).

“Guitar Blues” (Discophon). Antología de guitarristas negroamericanos de blues editada en la década de los sesenta, pero que se distribuyó en España en 1973. Once canciones en total están recogidas en este elepé. La mayoría de las piezas fueron compuestas por los propios bluesmen, aunque en algún caso echan mano al repertorio de otros cláscos como Bessie Smith y Big Bill Broonzy. El recopilatorio permite escuchar la forma en que cada instrumentista toca la guitarra, la mayoría de ellos autodidactas que consiguieron el reconocimiento y un estilo propio tras años de aprendizaje y actuaciones en los lugares más insospechados, desde la calle a importantes escenarios de las grandes ciudades norteamericanas. Como dice Paul Oliver en el comentario de este disco: “La combinación de inventiva, de creatividad, de improvisación y de instrumento, hace las cualidades especiales del blues. Lo que esto significa en términos de guitarristas de blues de la categoría de Lightnin’ Hopkins y John Lee Hooker, Big Joe Williams, Lonnie Johnson y John Henry Barbee, lo puede oír el oyente por sí mismo”. La carátula del elepé es un viejo dibujo de guitarras que aparece sin firma.

Canciones: “Wild Ox Moan” y “Juanita Blues” (Bigo Joe Williams); “Walkin’ the Street” (Lightnin’ Hopkins); “Your Friend” y “Back Water Blues” (John Henry Barbee); “My Babe Is Gone” y “You Don’ t Know What Love Is” (Lonnie Johnson); “Gravel Road” (Math Murphy); “Mussy Haired Woman”, Lightnin’ Hopkins, y “Stand By My Baby” y “Bave Please Don’ t Go (John Lee Hooker).

Músicos: Big Joe Williams (guitarra), Lightnin’ Hopkins (guitarra), John Henry Barbee (guitarra), Lonnie Johnson (guitarra), Mat Murphy (guitarra) y John Lee Hooker (guitarra).

Otras portadas: Piano Blues Vol. 1 (1963), Piano Blues Vol. 2 (1966), Barrelhouse Blues & Boggie Vol. 1 (1963), Country Spirituals (1964), Folksay (?) y The Best Of The Blues (?).

On the boards (Polydor). En 1970 el trío irlandés Taste, liderado por el guitarrista Rory Gallagher, grababa en estudio el elepé On the boards, a pesar de que el grupo era conocido por su contundente blues rock en directo. Sin embargo, el disco, segundo en la carrera de esta formación, no cae en el tópico de que pierde la fuerza que en directo tiene Taste, tan habitual en los  comentarios de las revistas de rock. Desde la primera a la última canción, Rory Gallagher y sus acompañantes desarrollan el sonido básico del blues rock al que aspiraba en aquellos años cualquier grupo formado por guitarra, bajo y batería. Taste no dispuso del apoyo mediático de otras formaciones en apariencia más atractivas, pero su música era otro asunto, menos de cara a la galería y para contentar a un público masivo. Blues rock potente, hard, boogie, esencias de jazz, folk acústico y algún tiempo lento como, entre otros, el que da título al álbum, donde Rory toca también el saxo, son las principales características de este disco esencial del rock británico de comienzos de la década de los setenta. La portada fue diseñada por Hamish Grimes sobre una fotografía de Monty Coles.

Canciones: What’s Going On, Railway And Gun, It's Happened Before, It’ll Happen Again,If The Day Was Any Longer, Morning Sun, Eat My Words, On The Boards, If I Don't Sing I’ ll Cry, See Here y I’ll Remember.

Músicos: Rory Gallagher (guitarra, armónica, saxo alto y voz)), John Wilson (batería) y
Richard Mackracken (bajo).

Otras portadas: Taste (1969), Live Taste (1971) y Live at the Isle of Wight (1971).

“Rickie Lee Jones” (WB). A finales de la década de los setenta, Rickie Lee Jones (1954) tenía a su favor a todos/as los que apostaban por la que con seguridad iba a recoger el testigo de las cantautoras de tipo intimista que habían comenzado su andadura musical en los 60 (Joni Mitchell, Carole King, Maria Muldaur, Laura Niro y Carly Simon, entre otras muchas). En realidad, Rickie consiguió sorprender con su primer disco grande en 1979 cuando el ambiente musical se encontraba en un proceso de cambio tras las embestidas del punk y la nueva ola. Grabado con el nombre de la cantante, el elepé ofrece una colección interesante de piezas tanto por su contenido literario como por su música. Las letras son pequeñas historias de lo cotidiano que captan instantes de la juventud, la amistad, la noche, las ilusiones perdidas y el amor, es decir la vida misma pero lejos de los escenarios de películas irreales. En cuanto a la música, eficaces profesionales del área californiana dan al disco de presentación de Rickie un estilo entre jazz y pop-rock que aguanta el paso del tiempo con la elegancia de los clásicos de su género, hasta el punto de convertirse en el mejor de la cantante y compositora. La portada recoge una fotografía de Rickie entre beat y existencial, hecha por Norman Seeff.

Canciones: “Chuck E’ S Inn Love”, “On Saturday Afternoons in 1963”, “Night Train”, “Young Blood”, “Easy Money”, “The Last Chance Texaco”, “Danny’s All-Star Joint”, “Coolsville”, “Weasel And The White Boys Cool”, “Company” y “After Hours”.

Músicos: Rickie Lee Jones (guitarra, teclados y voz), Steve Gadd, Andy Newmark, Victor Feldman, Mark Stevens y Jeffrey Porcaro (baterías), Willie Weeks y Red Callender (bajo), Buzzy Feiten y Fred Tackett (guitarras), Neil Larsen, Randy Kerber, Ralph Grierson, Victor Feldman y Mac Rebennack (teclados), Fred Tackett (mandolina), Randy Newman y Michael “Bobby” Boddicker (sintetizador), Victor Feldman, Rickie Lee Jones y Mark Stevens (percussion), Tom Scott, Chuck Findley y Ernie Watts (saxos), Nick De Caro (acordeón), Arno Lucas, Leslie Smith, Joe Turano, Matthew Wiener y Michael McDonald (voces). Arreglos orquestales, Nick De Caro y Johnny Mandel.

Otras portadas: Pirates (1981), Girl At Her Volcano (1983), The Magazine (1984) y Flyng Cowboys (1989).

“Kings Of The Wild Frontier” (CBS). Adant Ant polifaético cantante y compositor se desenvolvía con soltura en el ambiente punk inglés de mediados de los setenta hasta que fue reconducido por Malcolm McLarem hacia el éxito, pero cuando éste se produjo de verdad fue a partir de 1980 con la aparición del disco “Kings Of The Wild Frontier”. Varias canciones comerciales sirvieron para lanzar a la fama al grupo “Adam and the ants”, cuyo líder se apoyaba en una llamativa imagen de pirata, cantante glam y guía comanche. A pesar de la desconfianza ante semejante desafío visual, el público respondió con interés a los temas interpretados con fuerza por la estrambótica banda, en parte debido a la guitarra de Marco Pirroni, otro punki reciclado, y a una exótica sección de ritmo con dos baterías. Varios de los temas recogidos en el segundo elepé de Adam y sus hormigas llegaron a los primeros puestos de las listas de éxito, incluido el álbum que fue número 1 a principios del año 1981. Adam grabaría otro disco con sus “ants”, para luego seguir como Adam Ant hasta la primera mitad de los noventa con un relativo éxito que combinó con su incursión como actor en el cine y la televisión. La carátula del disco ofrece al triunfante Adam en una pose de nueva pieza de recambio en el cambiante motor del pop.


Canciones: “Dog Eat Dog”, “Ant Music”, “Feed Me To The Lions”, “Los Rancheros”, “Ants Invasion”, “Killer In The Home”, “Kings Of The Wild Frontier”, “Magnificent Five”, “Don’t Be Square (Be There)”, “Jolly Roger”, “Making History” y “Human Beings”.


Músicos: Adam Ant (cantante y guitarra), Marco Pirroni (guitarra y voz), Merrick (batería), Ferry Lee Miall (batería) y Kevin Mooney (bajo y voz).


Otras portadas: Dirk Wear White Sox (1979), Prince Charming (1981) y Hits (1986).

“Electric Ladyland” (Polydor). Tercer disco de Jimi Hendrix, editado en 1968 en formato doble, con un contenido musical más innovador y también abierto a diferentes influencias, entre ellas el blues, soul, la psicodelia y el pop. De esta manera el guitarrista zurdo desarrollaba el estilo que más le apetecía fuera del círculo comercial, de ahí que para la ocasión el trío que lideraba Hendrix estuviese acompañado por otros instrumentistas de primera fila a finales de los años sesenta. Jimi se atreve a experimentar con sonidos diferentes, pero sólo en tiempos cortos, porque el potencial de “Electric Ladyland” está en el desarrollo de largas composiciones, como “Voodoo Chile”, en clave de blues clásico compuesto por el propio Jimi, y “All along the Watchtower”, de Bob Dylan, aunque estas son sólo dos piezas de las notables composiciones incluidas en el doble élepe, todo un mundo de sonido a explorar y un clásico de referencia para cualquier aspirante a guitarrista eléctrico. La portada recoge la fotografía de varias mujeres desnudas, lo cual en su día causó polémica e incluso en la actualidad no se utiliza en el formato CD, donde se ha cambiado por una instantánea de la cabeza de Jimi Hendrix.

Canciones: “And te Goes made love”, “Electric Ladyland”, “Crosstown traffic”, “Voodoo Chile”, “Little Miss Strange”, “Long Hot Summer Night”, “Come On”, “Gipsy Eyes”, “Burning of the Midnight Lamp”, “Rainy day, dream away”, “1983 (A Merman I should turn to be”, “Moon, turn the tides...gently getly away”, “Still Raining Still Dreaming”, “House Burning down”, “All along the Watchtower” y “Voodoo Child (slight return)”.

Músicos: Jimi Hendrix (guitarra y voz), Mitch Mitchell (batería), Noel Redding (bajo, guitarra y voz), Stevie Winwood (órgano), Jack Casady (bajo), Mike Finnigan (órgano), Freddie Smith (saxofón), Larry Faucette (congas), Buddy Miles (batería), Chris Wood (flauta), Al Kooper (órgano), Mike Mandel (piano), Dave Mason (guitarra de 12 cuerdas y voz), Jeanette Jacob (voz) y The Sweet Inspirations (coros).

Otras portadas: Are You Experienced (1967), Axis: Bold as Love (1967), Smash Hits (1969), Band of Gypsys (1970), Isle of Wight (1971), The Cry of Love (1971), War Heroes (1972), In the West (1972), Jimi Hendrix (Original Soundtrack) (1973), Loose Ends (1974) y Midnight Lightning (1975).

“Mirasol Colores” (RCA). En 1978, aparece el disco titulado Mirasol Colores perteneciente al grupo del mismo nombre afincado en Cataluña. Algunas de sus componentes, conocidos en el ambiente musical catalán, habían participado en varias bandas, entre otras La Orquesta Mirasol, que dejó grabados tres elepés en los que se mezclaban rock, jazz y salsa desde un punto de vista diferente hasta entonces en el panorama musical hispano. La nueva formación, una vez en declive la denominada música layetana, se orienta hacia los ritmos bailables más populares, recuperando el espíritu de las orquestas verbeneras, pero sin perder la calidad y utilizando como base instrumental vientos, percusiones y metales. Con el tiempo, esta banda daría paso a la Orquesta Platería que mantendría el mismo estilo musical. La portada de “Mirasol Colores” corresponde al Mariscal, artista que ya empezaba a despuntar por su polivalencia tras su paso por el cómic underground catalán.

Canciones: “Colgadito por el mundo”, “Galileo Galilei”, “Suira”, “La Dormilona”, “La palma” y “El bolero que risa que me da”.

Músicos: Mario Lecaros (teclados, arreglos y composición), Dave Pibus (saxo, arreglos y composición), Tete Matutano (flauta travesera y flautín), Gustavo Quinteros (batería y percusión), Santiago Salas (congas, bongós y percusión), Dario Prat (voz) y Mike Montenegro (voz).

Otras portadas: Se pueden ver las de La Orquesta Mirasol (tres elepés) y Orquesta Platería (una docena).

“Catholic Boy” (Atco). Jim Carroll (1950) conoció el camino salvaje que recorría los barrios más deprimidos de New York en los años 60 y 70. La senda le llevó a la droga, el sexo y el rock and roll, pero también a la literatura, como pasó también en esta última disciplina más o menos con otros roqueros que se inspiraron y vivieron temporadas en la ciudad de los rascacielos: Lou Reed, Patti Smith, Lewis Furey o Elliot Murphy. Poeta y narrador, Jim Carroll ha dejado escrita en prosa su adolescente experiencia en el sórdido mundo del yonqui callejero, “Basketball Diary”. Algunos de los renglones de este libro sirvieron para componer canciones de “Catholic Boy” (1980), donde el rock aparece en estado puro con guitarras desconsideradas hacia el virtuosismo y algún que otro instrumento diferente pero en la misma onda nada complaciente para dar apoyo a textos duros como “People Who Died”. Muy en la línea del rock neoyorquino de entonces, la banda de Jim Carroll pasó a formar parte de los variopintos combos que por entonces dominaban el panorama roquero neoyoquino: Televisión, Blondie, Dead Boys, Suicide, Ramones o Talking Heads, los herederos de The Velvet Underground. El elepé en seguida llamó la atención de público y crítica a pesar de constituir la carta de presentación musical de Carroll, quien continuaría su carrera musical sin grandes éxitos pero dentro del canon de cantautor eléctrico de culto y emparentado por sus textos con el ala dura de la beat generation. En la portada del disco aparece Jim con su padre y su madre, fotografiados por la artista de la imagen Annie Leibovitz.

Canciones: “Wicked Gravity”, “Three Sisters”, “Day and Night”, “Nothing Is True”, “People Who Died”, “City Drops Into the Night”, “Crow”, “It’s Too Late”, “I Want the Angel” y “Catholic Boy”.

Músicos: Brian Linsley (guitarra), Steve Linsley (bajo), Terrell Winn (guitarra), Wayne Woods (batería) y Jim Carroll (cantante). Músicos adicionales: Allen Lanier (teclados), Bobby Keys (saxofón), Amy Kanter, Sally, Hillary, Neon y Janet (vocals).

Otras portadas: Dry Dreams (1982), I Write Your Name (1984) y Praying Mantis (1991).