“Moby Grape” (Columbia). Primero y mejor disco del quinteto asentado en la bahía de San Francisco y representativo de la escena musical californiana en pleno auge de la psicodelia y el ácido. Tres guitarras, una efectiva sección rítmica y cinco voces perfectamente conjuntadas, fueron las principales bazas de esta banda que con el paso del tiempo ha adquirido el reconocimiento de público y crítica que en su momento le faltó para que desarrollase una carrera más estable. Sin embargo, aunque hubo posteriores discos también en parte interesantes, el elepé de presentación de Moby Grape sirve como referencia válida para figurar entre las mejores ofertas del rock californiano de los años 60. Grabado en 1967, contiene amplio repertorio de números uno que absorben influencias del blues, folk, rock y la psicodelia, pero sin caer en improvisaciones innecesarias. Rock directo con presencia de contundentes guitarras, canciones pegadizas, alguna balada y voces por encima de la media de otros grupos, han convertido este disco en uno de los mejores de su tiempo dentro del ámbito del pop. La carátula del elepé incluye una fotografía de Jim Marshall hecha a los miembros del quinteto con la estética típica de enrollados de la movida del San Francisco sesentero.

Canciones: “Hey Grandma”, “Mr. Blues”, “Fall on You”, “8:05”, “Come in the Morning”, “Omaha”, “Naked, If I Want To”, “Someday”, “Ain’t No Use”, “Sitting by the Window”, “Changes”, “Lazy Me” y “Indifference”.

Músicos: Jerry Miller (guitarra y voz), Alexander “Skip” Spence (guitarra y voz), Peter Lewis (guitarra y voz), Bob Mosley (bajo y voz), Don Stevenson (batería y voz).

Otras portadas: Grape Jam (1968), Wow (1968), ‘ 69 (1969), 20 Granite Creek (1971), Live Grape (1978) y Moby Grape ’84 (1984).

“Suite for violin and jazz piano” (CBS). En su día niño prodigio del jazz francés, además de virtuoso pianista, Claude Bolling (1930) continúa en activo con su clara intención de seguir difundiendo el mestizaje entre la música clásica y el jazz, de experimentar la fraternidad de su piano con los más variados instrumentos musicales. Esta línea, iniciada en los años setenta, tiene un claro exponente en “Suite for violin and jazz piano” (1977), donde el violinista israelí Pinchas Zukerman se convierte en uno de los principales protagonista de este disco en el que también tocan un baterista y un bajista. Grabado en París, el larga duración ofrece una mezcla de jazz y música clásica, con mucho swing, aunque también los músicos muestren una especial simpatía y concentración a la hora de tocar hacia otros estilos populares: danza francesa, tango y ragtime. De este último, con el espíritu de Joplin como inspiración, Bolling ya había dedicado un disco completo en 1966. Ejemplos que demuestran la versatilidad de Bolling a la hora de buscar repertorio para sus discos los hay esta suite para violín y piano: “Romance”, “Caprice”, “Danza Slavónica” y “Hora” forman parte de esa acertada fusión practicada con buenos resultados por el pianista y sus colaboradores. La portada del disco corresponde al original artista Roger Huyssen.

Composiciones: “Romance”, “Caprice”, “Gavotte”, “Tango”, “Danza Slavónica (con swing)”, “Ragtime”, “Valse Lente” y “Hora”.

Músicos: Claude Bolling (piano y composición), Pinchas Zukerman (violín), Max Hediguer (bajo) y Marcel Sabiani (batería).

Otras portadas: Claude Bolling play Duke Ellington (1956), Original ragtime (1966), Concerto for classical guitar and piano (1975), Suite for flute and jazz piano trio (1975), Claude Bolling Big Band (1984), Jazz a la française (1984), Suite for cello and jazz piano trio (1984), Suite for flute and jazz piano trio Vol. 2 (1986), Jazz Brunch (1988) y California Suite (1989).

Terence Trent D'Arby

“Introducing The Hardline According to TTD” (CBS). El álbum de presentación del neoyorquino Terence Trent D’Arby (1962) constituyó un aldabonazo al decaído soul de los ochenta defendido por figuras de los años 60 decididos a no desaparecer del panorama discográfico y del circuito de actuaciones para artistas veteranos. Terence, polifacético, multiinstrumentista y capacitado para componer canciones con gancho, deslumbró en el año 1987 a un variado público, sobre todo en Europa, que en seguida vio en el joven músico al sucesor de ilustres cantantes como Smokey Robinson, Stevie Wonder o James Brown. El debut discográfico de Terence no pudo ser mejor, éxito a raudales, ventas millonarias y actuaciones en directo donde demostraba sus dotes para tocar cualquier instrumento e incluso cuando tomaba la guitarra eléctrica en erigirse en posible sustituto de mitos como Jimi Hendrix. Soul, funk, pop, rock y r&b, eran las apuestas fuertes del joven artista que dejó algunas piezas inolvidables de su propia cosecha como “If You Let Me Stay”, “Dance Litle Sister” y “Lest’ s Go Forward”. En resumen savia nueva para el árbol del añejo soul negroamericano. La carpeta de este disco fue diseñada por Peter Barret con la asistencia de Andrew Biscomb. La fotografía de Terence Trent D’Arby fue realizada por Sheila Rock.

Canciones: “If You All Get To Heaven”, “If You Let Me Stay”, “Wishing Well (A Tone Poem)”, “I’ll Never Turn My Back On You (Father's Words)”, “Dance Little Sister”, “Seven More Days”, “Let’s Go Forward”, “Rain”, “Sign Your Name”, “As Yet Untitled” y “Who's Loving You”.

Músicos: Terence Trent D’Arby (clarinete, percusión, piano, batería, teclados, saxofón, clarinete, arreglos de cuerdas y voz), Andy Whitmore (guitarra y teclados), Tim Cansfield (guitarra), Peter Glenister (guitarra), Christian Marsac (guitarra), Blat Murray (guitarra), Mel Collins (saxofón), Preston Hayman (percusión y batería), Clive Mngaza (percusión y batería), Frank Ricotti (percussion), Bruce Smith (batería), Cass Lewis (bajo), Sen Oliver (bajo), Phil Spading (bajo), Chris Cameron (cuerdas), Nick Plytas (teclados y órgano Hammond), Yvar Ybrad (sinubla), Frank Collins (voz y coro), Lance Belington (voz), Bojangles (coro), Glen Gregory (voz), Tony Jackson (voz y coro), Phil Legg (voz), Michelle Odland (voz), Ebo Ross (voz y coro), Martyn Ware (voz) y Trent Jones (voz y coro).

Otras portadas: Neither Fish nor Flesh (1989)

“Blues Anytime!” (L+R Records). Hubert Sumlin (1931), guitarrista habitual de Howlin’ Wolf, se encontraba en 1964 de gira europea con el espectáculo American Folk Blues Festival, cuando la organización de este evento decidió tocar en Polonia y la República Democrática Alemana. Entonces existía el llamado telón de acero, pero eso no impidió que una música universal como el blues tuviera seguidores y practicantes en los países del Este. El productor Hors Lippman recordaría. “El éxito de esta gira fue tan sensacional y nos causó tal impacto que Wolfgang Kähne, de VEB Deutsche Schallplatten, y yo, decidimos grabar un disco. Así pues, el primero de noviembre de 1964, por la tarde, nos encerramos en los estudios Amiga. Iba a ser el primer disco de blues americano grabado en un país socialista después de la guerra”. Lippman añade: “Hubert Sumlin aparecía como líder además de interpretar solos de guitarra acústica. Fue también la primera vez que Willie Dixon y yo pudimos convencer a Hubert de que grabase dos de las canciones que solían cantarnos en el autobús durante la gira. Además, creo que en este disco está la primera –y la única grabación- de Willie Dixon cantando y acompañándose con una guitarra acústica en vez de tocar el bajo. Pero, no sólo escucharás algunos de los mejores solos de guitarra acústica que se han grabado, parte del mejor trabajo de Sunnyland Slim está también en este álbum”. El diseño de la portada fue realizado por Günter Kieser.

Canciones: “It’s you, my baby’’, “Love you, woman’’, “Everytime I get to drinking’’, “When I feel better’’, “Blues anytime’’, “I love’’, “Leavy camp moan’’, “My babe’’, “Hubert’s blues”, “We gonna jump’’, “Big legged woman’’ y “Too late for me to pray’’.

Músicos: Hubert Sumlin (guitarras eléctrica y acústica y voz), Willie Dixon (bajo acústico, guitarra acústica y voz), Sunnyland Slim (piano y voz) y Clifton James (batería).

Otras portadas: My guitar & me (1975), Groove (1976), Hubert Sumlin’s Blues Party (1986) y Heart and soul (1989).

“Ese día piensa en mí” (Edigal). Disco tercero del grupo ourensano Los Suaves que se consagraba en 1988 como una de las bandas de rock a secas más importante del panorama musical español. Tras dos elepés y giras por toda la península, la banda de los hermanos Domínguez supo mantenerse en los peores momentos para un estilo amenazado por modas cambiantes, postura que sirvió para que los ourensanos adquirieran credibilidad entre un público concreto, sobre todo joven y de la periferia de las grandes ciudades. Los Suaves, al principio, no eran profetas en su tierra pero llenaban grandes espacios en otras geografías, donde sus canciones eran conocidas por los asistentes a sus multitudinarias actuaciones, como se puede comprobar en los numerosos documentos sonoros y visuales existentes de sus giras. Con el tercer elepé, Los Suaves entrarían en una nueva etapa que les permitiría llegar más lejos sin dejar de tocar su música básica. En el disco se encuentran hitos de la carrera de este combo gallego como “Dolores se llamaba Lola”, “No puedo dejar el rock” o “Ese día piensa en mí”. La carpeta del disco fue diseñada por Triángulo de Publicidad Ourense.

Canciones. “¿Sabes? ¡Phil Lynott, murió!”, “Dolores se llamaba Lola”, “Sólo pienso en dormir”, “Nena, te voy a dejar”, “No puedo dejar el rock”, “Ese día piensa en mí”, “Buen suceso”, “Río y no sé por qué” y “Camino de una dirección”.

Músicos: Yosi (voz, guitarra, armónica y coros), Carlos “Charly” Domínguez (bajo), Hermes Alogo Mebuy (guitarra solista) y Ramón “Moncho” Costoya (guitarra). Colaboradores: Alejandro Cano (batería) y Alberto Cereijo (guitarra en “No puedo dejar el rock”).

Otras portadas: “Esta vida me va a matar” (1982), Frankestein (1984), Suave es la noche (1989) y Maldita sea mi suerte (1991).

“Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd” (MCA Records). Primer disco del grupo Lynyrd Skynyrd (1973) producido por el mítico teclista Al Kooper, quien supo captar la fuerza de esta banda de jóvenes originaria de Jacksonville (Florida). Representativa del rock sureño, esta formación ofrecía un contundente boggie-rock apoyado en tres agresivas guitarras, potente sección rítmica, teclados y la excelente voz del líder Ronnie Van Zant, que también era el autor de la mayoría de las composiciones grabadas para el primer elepé de Lynyrd Skynyrd. El grupo contó con una excelente carta de presentación al demostrar su fuerza e inventiva mediante piezas como “I Ain’ t The One”, “Tuesday’s Gone” y “Free Bird”, antecedentes de futuros éxitos, como el posterior “Sweet Home Alabama”, de su segundo larga duración. A partir de entonces, Lynyrd Skynyrd ascendería al olimpo de las bandas más seguidas en Estados Unidos, incluso en el Viejo Continente, con el Reino Unido a la cabeza, tuvieron su momento de gloria hasta el accidente de aviación que causó la muerte de Ronnie y otros miembros del grupo. La carátula del disco, de Emerson-Loew, recoge una fotografía de los componentes del grupo en pose callejera.

Canciones: “I Ain’t The One”, “Tuesday’s Gone”, “Gimme Three Steps”, “Simple Man”, “Things Goin’ On”, “Mississippi Kid”, “Poison Whiskey” y “Free Bird”.

Músicos: Ronnie Van Zant (cantante y compositor) Gary Rossington (guitarra), Allen Collins (guitarra), Ed King (guitarra y bajo), Billy Powell (teclados), Bob Burns (batería) y Leon Wilkeson (bajo). Colaboradores: Roosevelt Gook (bajo, melotrón, mandolina y órgano), Robert Nix (batería), Bobbi Hall (percusión) y Steve Katz (armónica).

Otras portadas: Second Helping (1974), Nuthin’ Fancy (1975), Gimme BCK Muy Bullets (1976), One More from the road (1976), Street Survivors (1977), Skynyrd’ s First And…Last (1978), Gold & Platinum (1979), The Best of the Rest (1982) Y Lynyrd Skynyrd 1991 (1991).

“La huerta atómica” (Polydor). Miguel Ríos había dejado de lado sus facetas de roquero y baladista a mediados de los setenta cuando se distribuyó este elepé de título entre ecologista y antinuclear. De acuerdo con el rock progresivo que se encaminaba hacia el final de sus mejores años, Miguel Ríos se adentraba en el sinfonismo tan de moda en el mercado discográfico británico, pero el granadino utilizaba este álbum conceptual, distribuido en 1976, para cargar contra la militarización ejercida por la primera potencia mundial, Estados Unidos, cuando los peligros de una guerra nuclear aún eran evidentes y la presencia de bases aéreas y navales provocaban desconfianza y rechazo entre las personas más concienciadas. Composiciones con abundante presencia de teclados y alguna que otra pieza con apuntes de música clásica iban encadenándose dentro una estructura conceptual “sui generis”, donde se notaba que Miguel Ríos había madurado en sus planteamientos artísticos en los que figuraba la búsqueda de un estilo propio, pero sin dejar de lado su pasión roquera. La carpeta del elepé está firmada por Mauro.

Canciones: “Entre árboles y aviones”, “Una casa en la guerra”, “Buenos días, Superman”, “Yankee Jhonny”, “Bienvenida Catherine”, “La huerta atómica (Un relato de anticipación)”, “Una siesta atómica”, “Instrucciones a la población civil (en caso de alarma nuclear)”, “El consultorio atómico de la Sra. Pum”, “El carnaval de los espectros (Parte I)”, “La burbuja antirreacción”, “La canción del megacristo”, “El carnaval de los espectros (Parte II)”, “Por el hombre futuro” y “El despertar”.

Músicos: Miguel Ríos (voz), Mariano Díaz (órgano Hammond, moog y melotrón), Jose Maria Roger (piano), Tony Ponce (guitarras), Evarist Ballus (bateria y percusión) y Miguel Ángel Rojas (bajo). Colaboraciones especiales: Jeannette y Massiel.

Otras portadas: Mira hacia ti (1969), Despierta (1970), Unidos (1971), Conciertos de rock y amor (1972), Memorias de un ser humano (1974), Al Andalus (1977), Rocanrol bumerang (1980), Rock & Ríos (1982) y El rock de una noche de verano (1983).

“Relax your mind” (Guimbarda). Happy Traum (1939) es un reputado guitarrista que durante su juventud a finales de los años cincuenta y la década de los sesenta se movía por los ambientes del folk estadounidense. Con un amplio bagaje musical en el que tienen cabida diferentes estilos, Happy, además de tocar, escribía en revistas especializadas y editaba métodos para tocar la guitarra, incluso llegó a promover grabaciones de cintas para facilitar el aprendizaje de futuros instrumentistas. Esta labor entre docente y divulgativa no le impidió tocar en diferentes lugares y grabar varios discos, algunos con su hermano Artie. En 1976, ya convertido en un virtuoso de la guitarra acústica, se ponía a la venta “Relax your mind”, producido por otro gran guitarrista, Stefan Grossman, y grabado en New York. El álbum lleva el título de una canción de Leadbelly, pues Happy siempre ha sido un buscador de piezas tradicionales que, por cierto, abundan en este disco en solitario del mayor de los hermanos Traum, quien no duda en escoger versiones del ya citado Leadbelly, Woody Guthrie, Irene Saletan, Etta Baker, Peggy Seeger, John Jackson o los hermanos Dixon. El propio guitarrista al hablar del repertorio de este elepé decía: “Las canciones de este álbum han sido mi favoritas durante años –desde que toco la guitarra-. Cada una dice algo que me conmueve, o cuanta una historia que recuerdo con cariño. Las he arreglado en estilo de fingerpicking para darles unidad”. El diseño de la carpeta corresponde a Terry Eden y la fotografía de la portada pertenece a Dave Gahr.


Canciones: “Relax your mind”, “Gypsy Davey”, “Worried blues”, “John Henry”, “Peggy Gordon”, “When first unto this country”, “Poor Howard”, “Fair and tender”, “Boat's up the river”, “Willie Moore” y “Weave room blues”.


Músicos: Happy Traum (guitarra de seis y doce cuerdas) y Patrick Alger (mandolina).


Otras portadas: Happy & Artie Traum (1969), Hard times in the country (1975), American stranger (1977), Friends and neighbors (1983) y Buckets of songs (1987).

“Golpes Bajos” (Nuevos Medios). El cuarteto vigués Golpes Bajos había grabado su primer disco en formato grande con el mismo nombre del grupo, un mini-elepé en el que se encontraban cinco canciones con suficiente contenido lírico y musical como para encandilar a una generación todavía militante en la denominada movida madrileña. Un sonido hasta entonces inédito y cuidados textos fueron elementos suficientes para causar sorpresa en un momento de transición en la escena musical, además de admiración entre un público que había apostado por los temas cantados en español. Las cincos canciones contenidas en el disco, presentado en 1983, sabían a poco y el público deseaba más de esta formación gallega pero cosmopolita. “Malos tiempos para la lírica” fue himno generacional y lema repetido hasta la saciedad en todo tipo de conversaciones, un eslogan que convirtió a Golpes Bajos en el referente de grupo original que se salía de la uniformidad del pop de la época. Aunque buena parte de sus miembros había navegado por las revueltas aguas del punk, los vigueses demostraban buen gusto y hasta cierto aire culto en unas canciones que como fondo tenían música influenciada por los ritmos bailables de los ochenta. La portada del disco de presentación correspondía al ilustrador Ceesepe, un destacado ilustrador y pintor madrileño en los años de la movida, que había participado en el nacimiento del cómic underground a mediados de los 70 en Barcelona.

Canciones: “No mires a los ojos de la gente”, “Malos tiempos para la lírica”, “Lágrimas”, “Estoy enfermo” y “Tendré que salir algún día”.

Músicos: Germán Coppini (voz), Teo Cardalda (teclados), Pablo Novoa (guitarra) y Luis García (bajo).

Otras portadas: A Santa Compaña (1984) y Devocionario (1985).

“The Heart of Saturday Night” (Asylum). Segundo disco del californiano Tom Waits (1949), a partir del cual comenzaría a ser conocido como uno de los cantautores de culto que en los años siguientes accedería a un público más amplio, no sólo mediante la música sino también con sus apariciones como actor en varias películas. Guitarra, piano y omnipresentes arreglos orquestales constituyen la base musical de este disco en el que predominan las baladas, entre las más representativas de este estilo “San Diego Serenade” y la que da título al álbum, aunque Waits también utiliza el blues y el jazz como formas de expresión con las que conecta de forma efectiva con el público. El disco incluye asimismo la típica canción casi hablada “Diamonds on my Windshield”, fórmula que repetiría en la mayoría de sus siguientes discos. Tom canta en este segundo elepé con voz suave en comparación con sus posteriores discos que se caracterizan por su peculiar tono ronco. La portada de “The Heart of Saturday Night”, grabado en el año 1974, ofrece una estampa callejera muy del ambiente en que se movía Waits en la ciudad de Los Ángeles, calle, neón, bares, clubs y personajes marginales, todo ello captado por un ilustrador que firma como Napoleón.

Canciones: “New Coat Of Paint”, “San Diego Serenade”, “Semi Suite”, “Shiver Me Timbers”, “Diamonds on my Windshield”, “(Looking For) The Heart of Saturday Night”, “Fumblin’With the Blues”, “Please Call Me, Baby”, “Depot, Depot”, “Drunk on the Moon” y “The Ghosts of Saturday Night (After Hours at Napoleone’s Pizza House)”.

Músicos: Tom Waits (guitarra, piano y voz) y Mike Melvoin (arreglos y dirección de orquesta).

Otras portadas: Closing time (1973), Nightwaks at the drunk on the moon dinners (1975), Small Change (1976), Blue Valentine (1978), Heartattack and vine (1980), One from on the heart (1980), Swordfishtrombones (1983), Rain Dogs (1985) y Frank Wild Years (1987).

AGUAVIVA

“Poetas andaluces de ahora” (Ariola). El grupo Aguaviva grababa en febrero de 1975 su quinto disco con el objetivo de divulgar la obra de poetas jóvenes de Andalucía, aunque la cara A del elepé se abría con los versos de “Poetas andaluces” escritos por el gaditano del Puerto de Santa María, Rafael Alberti, representante de la generación del 27 y del que más se adaptaron sus poemas a la canción de autor. Con este disco militante y a pocos meses de la muerte del dictador Franco, Aguaviva entraba en la recta final de una carrera íntegra y consecuente con una época carente de derechos elementales, donde las voces del grupo sonaban diferentes en comparación con lo que se hacía bajo el cobijo de la cultura oficial. Grabado en Madrid, “Poetas andaluces de ahora” era un toque de atención sobre el relevo generacional en la lírica, pero también una forma de expresarse fuera de la ortodoxia impuesta por las casas discográficas, aunque los cambios comenzaban a notarse con otras grabaciones opuestas al pop más comercial. Cuidados arreglos musicales y unas voces irrepetibles confirmaban que Aguaviva era uno de las formaciones que no defraudaba, como ya había pasado con anteriores discos desde su nacimiento en 1969. Los poetas eran Rafael Ballesteros (Málaga), Francisco Gálvez (Córdoba), José Heredia Moya (Granda), José Infante (Málaga), Antonio López Lema (Córdoba, Juan de Loxa (Granada), Fernando Merlo (Málaga) y Ángel Rodríguez Díaz (Málaga). La carpeta del disco es obra de Ricardo Duque. Canciones: “Poetas andaluces” (I parte), “Llanto”, “Pon tu cuerpo a tierra”, “Un pueblo”, “Viajar por el espacio”, Poetas andaluces” (II parte), “Dos cuchillos”, “El último soldado”, “Quise llorar con ellos”, “Ni yo tampoco entiendo”, “Aquí estuvo el amor”, “Ardían los yunques”y “Poetas andaluces” (III parte). Músicos: Aguaviva: Ricardo Duque, Carmen Sarabia, Pepe Egea, José Antonio Muñoz, Rogelio Lorenzo, Miriam Moreno, Jose M. Panizo y Rosa Sanz (en las voces); en la parte musical el grupo se completaba con José Manuel Yanes, Virgilio Fernández, Pepe Nieto y Manolo Díaz. Otras portadas: Cada vez más cerca (1970), Apocalipsis (1971), La casa de San Jamás (1972), Cosmonauta (1973), No hay derecho (1977) y La invasión de los bárbaros (1979).

“In the Court of the Crimson King” (Island). Primer disco del grupo británico King Crimson, espléndida formación de referencia del mejor rock vanguardista que se practicaba en el Reino Unido a finales de los años sesenta. Bajo el liderazgo del aplicado e inquieto guitarrista, Robert Fripp, la banda cuidaba los textos de sus canciones, además de contar con virtuosos músicos que con el paso del tiempo irían dejando sus huellas en otras bandas fundamentales del rock de diferentes décadas. Vanguardismo, música clásica, jazz y rock se combinaban en “la corte del rey carmesí”, donde la primera composición no dejaba indiferente por su intensidad, “21 st century schizoid man”, una pieza de texto anticipatorio muy en la línea de determinada literatura inglesa, pero con el fondo de una música enloquecida en la que cada instrumento adquiría un protagonismo casi inédito en el mundo del rock. Tras esa entrada venía la calma con cuatro largas composiciones de tiempo lento, algunas de las cuales han quedado como clásicas del rock progresivo, y donde los teclados tenían un amplio protagonismo, como se puede apreciar en la canción que da título al elepé. La carpeta del disco, todo un icono del rock, acoge los dibujos de la portada y del interior realizados por Barry Godber.

Canciones: “21 st century schizoid man”, “Talk to the wind”, “Epitaph, “Moonchild”, “The Court of the Crimson King”.

Músicos: Robert Fripp (guitarra), Ian McDonald (vientos, campanas, teclados, melotrón y voces), Greg Lake (bajo y voces), Michel Giles (batería y voces) y Peter Sinfield (letras e iluminación).

Otras portadas: In The Wake Of Poseidon (1970), Lizard (1970), Islands (1971), Lark’s Tongue in Aspic (1973), Starlessand Bible Black (1974), Red (1974), Live (1975), Discipline (1981), Beat (1982) y Three of a Perfect Pair (1984).

“The Psychedelic Sounds Of” (Zafiro). La banda tejana de Austin, “The 13th Floor Elevators” grabó en 1966 uno de los primeros discos grandes en los que aparecía la palabra psicodelia, movimiento al que se unieron los miembros del combo liderado por Roky Ericson. Todos ellos se encargarían de difundir la nueva sonoridad con todo el esplendor que los medios de la época permitían. La canción “You’ re Gonna Miss Me” es sin duda la que mejor define la militancia del grupo que se afincaría en California, entonces cuna de todo lo novedoso que se producía dentro del rock. Pero “The 13 th Floor Elevators” también practicaba un rock de garaje agresivo y de guitarras distorsionadas que con el paso del tiempo se convertiría en música de culto y consumo de generaciones posteriores. El álbum incluye asimismo otros himnos heterodoxos de los sesenta como “Reverberation”, “Fire Engine”, “Roller Coaster” y “Don’t Fall Down”. La ilustración de la portada, muy acorde con las preferencias artísticas de las bandas psicodélicas o de rock ácido, pertenece a John Cleveland.

Canciones: “You’re Gonna Miss Me”, “Roller Coaster”, “Reverberation”, “Don’t Fall Down”, “Fire Engine”, “Thru The Rhythm”, “You Don’t Know”, “Kingdom of Heaven”, “Monkey Island” y “Tried to Hide”.

Músicos: Rocky Erickson (voz y guitarra), Tommy Hall (jug eléctrico), Ronnie Leatherman (bajo) y Stacy Sutherland (guitarra).

Otras portadas: Easter Everywhere (1967), Bull ofn the Woods (1968), Live (1968) y Out of Order: Live at Avalon Ballroom (1978).

“Dog of Two Head” (Zafiro). El cuarteto londinense Status Quo, antes de convertirse en una factoría de crear números uno para las listas de éxito del pop británico y de algunos países europeos, era un grupo que trataba de adaptarse a los tiempos con la reorientación hacia unos sonidos más básicos como eran el boggie y el hard rock. Atrás quedaron los tiempos de experimentación psicodélica que la prolífica banda pasó sin pena ni gloria durante los años sesenta como otros ilustres del pop de las Islas Británicas. Grabado en los estudios de PYE en Londres, “Dog of Two Head” contenía algunas piezas que ya apuntaban el pegadizo estilo de Status Quo como la canción “Gerdundula”, pero también había otras composiciones a la altura de las que difundían las más respetadas bandas de rock duro de aquellos años, y que tanto abundaban en el Reino Unido. En esta onda de calidad están, entre otros temas, “Umleitung” y “Railroad”, donde el cuarteto se adentra con credibilidad en el estilo básico y guitarrero del rock. La ilustración de la carpeta uno de los mejores elepés de Status Quo es obra de Mick Wells.

Canciones: “Umleitung”, “Nanana”, “Something’s Going on in My Head”, “Mean Girl”, “Nanana”, “Gerdundula”, “Railroad”, “Someone’'s Learning” y “Nanana”.

Músicos: Mike Rossi (guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz), Ritchie Parfitt (guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano y voz), Allan Lancaster (bajo y guitarra elécrica) y John Coughlam (batería y diferentes percusiones). Colaboran: Bob Young (armónica), Bruce Foster (piano y voz).

Otras portadas: Picturesque Matchtickable Messages from Status Quo (1968), Spare Parts (1969), Ma Kelly’s Greasy Spoon (1970), Pilidriver (1973), Hello (1973), Quo (1974), On the level (1975), Live (1977), Just Supponsin’ (1980), 12 Gold Bars (1980) y In the Army Now (1986).

“Rainy Day” (EMI). El grupo bretón Gwendal representó el folk progresivo de los años 70 que se hacía en Francia, donde durante toda la década varias bandas y solistas difundieron el nuevo estilo. Tras su estreno discográfico en el que había mucho de música de raíz irlandesa, el grupo continuaría su andadura artística combinando diferentes estilos: clásica, folk, jazz y rock. Esta faceta heterodoxa quedó demostrada con creces en su tercer disco donde los instrumentos tradicionales se mezclan con otros eléctricos. Incluso en la cara B del disco se trata de dar un aire conceptual a esta parte de la grabación con un imaginario paseo por una geografía idealizada que termina con una pieza de jazz y música celta, esta última era una definición muy utilizada a finales de los setenta en varios países de Europa, y a la que se adscribieron distintos grupos y solistas. La carátula del disco número 3 de Gwendal es del gran dibujante de cómic Bilal, uno de los representantes de la banda diseñada más artística en Europa, cuando se estaba produciendo también un nuevo auge de este arte del siglo XX.

Composiciones: “Rainy Day”, “Cam Ye Ower Frae France”, “The Walls of Liscarroll”, “Butterfly”, “Intro”, “Promenade”, “Welcher Tanz Waschan Mesa”, “Promenade”, “The Pleausures of Home”, “High Could Cat”, “Millards e Six Soles d’ Eaux” y “Bop Celtique”.

Músicos: Bruno Barre (violín), Youenn Leberre (flautas, bombarda y saxofón), Jean Marie Renard (guitarra), Roger Schaub (bajo y guitarra eléctrica), Ricky Caust (guitarra y mandolina) y Arnaud Rogers (percusión).

Otras portadas: Irish Jig (1974), Joe Can’t Reel (1975), Les Mouttes se Battent 1979), En concert (1981), Locomo (1983) y Danse la Musique (1985).

“Alabama Blues!” (L+R Records). J.B. Lenoir (1929-1967) poco antes de su prematura muerte en un accidente de tráfico era un reputado bluesman que había causado impresión 15 años antes con su rock electrificado, su singular voz y su toque de guitarra, quizá fue un adelantado de lo que luego se denominaría rock and roll. En 1965, bajo la atenta mirada de Willie Dixon, grabó en la ciudad de Chicago el disco “Alabama Blues!, álbum cuyas canciones, todas compuestas por Lenoir, tenían una orientación combativa en el sentido de ataque al sistema social y político de discriminación racial que se aplicaba entonces en Estados Unidos. Un ejemplo es la cruda canción que da título al elepé, donde J.B. Lenoir ha sustituido la guitarra acústica por la eléctrica, lo cual junto a su concienciada voz producen más dramatismo en el material grabado. Sus agudas diatribas sirvieron para que muchos jóvenes negros del ámbito de la música se preocupasen y sintiesen orgullosos de su identidad. La intensidad y las letras de las canciones incluidas del disco motivaron que quedase archivado en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. La portada del elepé se cubrió con una fotografía de J.B. Lenoir realizada por Horst Lippman.


Canciones: “Alabama Blues”, “The mojo boogie’’, “God’s words’’, “The wale has swallowed me’’, “Move this rope’’, “I feel so good”, “Alabama march’’, “Talk to your daughter’’, “Mississippi road’’, “Good advice’’, “Vietnam’’ y “I want to go”.


Músicos: J. B. Lenoir (guitarra acústica y voz). Freddie Below (batería en la cara A-2/4/6 y en la cara B-2/6. Willie Dixon (voz adicional en la Cara A-6).


Otras portadas: Down in Mississippi (1966), Natural Man (1968), Cusade (1970), Natural Man (1970) y J. B.Lenoir: Gonna Give You Good Advine (1981).

“Osibisa” (MCA Records). Tres músicos ghaneses, un nigeriano, uno de Antigua y otro de Trinidad formaron el grupo Osibia en el Reino Unido, formación que se presentó al público internacional en 1971 con el elepé que lleva el nombre septeto. La banda, más allá del exotismo de los vestidos, sombreros e instrumentos musicales, se convirtió en un auténtico revulsivo en el ámbito del rock de comienzos de los setenta, al abrir dicho estilo a nuevos ritmos, como había hecho un par de años antes en Estados Unidos el grupo Santana. El público identificó a Osibisa con la música africana, que sin duda sus miembros tocaban, pero también en su primer disco había ritmos caribeños, por razones obvias de la procedencia de dos de sus miembros, jazz, rock y algo de blues. Una demostración de este mestizaje musical se produce en la pieza que abre el disco grande, la titulada “The Dawn”, y sirve asimismo para apreciar la diferencia del grupo con otras formaciones contemporáneas de los circuitos de actuaciones de las Islas Británicas. Se puede decir que este combo abrió el camino a la música del continente negro hasta entonces desconocida, salvo algún éxito puntual, pero que en la década de los ochenta tendría su más importante periodo de difusión sobre todo en Europa. La carátula del disco pertenece al inconfundible y gran diseñador Roger Dean

Canciones: “The Dawn”, “Music for Gong Gong”, “Ayiko Bia”, “Akwaaba”, “Oranges”, “Phallus C” y “Think About the People”.

Músicos: Teddy Osei (saxo tenor sax, flauta, percussion africana y voz), Sol Amarifio (batería), Mac Tontoh (trompeta y flugel horn), Spartacus R (bajo y percussion), Wendell Richardson (guitarra y voz), Robert Bailey (órgano, piano y timbales) y Loughty Lasisi Amao ( saxos tenor y barítono y conga).

Otras portadas: Woyaya (1971), Heads (1972), Osibirock (1974), OJah Awake (1976), Black Maic Night (1977), Welcome Home (1977) y Mystic Energy (1980).

“There Must Be a Better World Somewhere” (MCA). B.B. King (1925) entraba con buen pie en su quinta década dentro de la música, como ha ocurrido siempre con este guitarrista universal y uno de los principales representantes del blues eléctrico. Con la colaboración de músicos más jóvenes que él, entre los que había elegido una compacta sección de viento, y el apoyo como compositores de Doc Pomus y Dr. John, King supo adaptarse a los tiempos y poner su guitarra a disposición de un estilo entre el jazz, el soul y el blues. Sin perder su clásico toque de guitarra, Riley B King. toca elegantes melodías y domesticados blues a los que añade su madura pero convincente voz. Sin ser su mejor disco, “There Must Be a Better World Somewhere” contiene alguna que otra pieza magistral como “Born Again Human” o “The Victim”, una en tiempo lento, la otra más rápida, muy en la línea de las canciones grabadas en estudio por el rey, quien en sus buenos tiempos era uno de los mejores al interpretar blues en directo. La carpeta del larga duración se cubre con un dibujo de Ron Kriss.

Canciones: “The Victim”, “More, More, More”, “You’re Going With Me”, “Life Ain’t Nothing But a Party”, “Born Again Human” y “There Must Be a Better World Somewhere”.

Músicos: B.B. King (guitarra y voz), Dr. John (teclados), Prettie Purdie (batería), Wilbur Bascomb (bajo), Hugh McCraken (guitarra). Sección de viento, Hank Crawfor (saxo alto), David Fathead Newman (saxo tenor), Ronald Cuber (saxo baritone), Tom Malone (trombón), Waymon Reed (trompeta) y Charlie Miller (trompeta). Acompañamiento vocal a cargo de Donny Gerrard, Carmen Twillie y Vennette Gloud, en “More, More, More”.

Otras portadas: My Kina of Blues (1956), The Blue (1958), B.B. King Wails (1960), Easy Listening Blues (1962), Live at the Regal (1965), Blues on Top of Blues (1968), Lucille (1968), Completely Well (1969), Back in the Alley (1970), Indianola Mississippi Seeds (1970), Live in Cook County Jail (1971), L.A. Midnight (1972), Midnight Believer (1978), Take it Home (1979), Love Me Tender (1982), Blues’n’ Jazz (1983), King of the Blues Guitar (1985) y B.B. King Early’ 50s Classics (1988).

“Breafkfast in the Field” (Windham Hill). Primer elepé del guitarrista Michael Hedges (1953-1997), un virtuoso de la acústica que causó sorpresa en su debut discográfico. Con una técnica hasta entonces poco conocida y una gran imaginación para componer, Hedges era el autor de todas las piezas incluidas en su álbum de presentación, donde colabora el pianista George Winston. A partir de entonces se convertiría en una de las figuras indiscutibles de la discográfica Windham Hill, pionera del estilo que luego se denominó “new age”, donde sin embargo había excelentes instrumentistas como Hedges, quien en su estreno, además de florituras a la guitarra había mucha imaginación por explotar. En siguientes trabajos quedaría claro que Michael no era el típico guitarrista de temporada. Sólo su trágica y prematura muerte evitó comprobar su evolución musical. La portada del disco tiene como motivo principal una fotografía de Leo Holub, muy en la cuidada línea de Windham Hill de ofrecer una imagen de calidad tanto en el contenido como en el continente.

Composiciones: “Layover”,“The Happy Couple”, “Eleven Small Roaches”, “The Funky Avocado”, “Baby Toes”, “Breakfast in the Field”, “Two Days Old”, “Peg-Leg Speed King”, “The Unexpected Visitor”, “Silent Anticipations” y “Lenono”.

Músicos: Michael Hedges (guitarra acústica), Michael Manring (fretless bass) y George Winston (piano).

Otras portadas: Aerial Boundaries (1985), Live on the Double Planet (1987) y Watching My Life go by (1987).

“Last of the Brooklyn Cowboys” (Reprise Records). Arlo Guthrie (1947) hacia frente a la primera mitad de la década de los setenta con su mejor arma, la canción. Trece en total en el séptimo disco en solitario desde sus comienzos en 1967. En plena época de la canción intimista, los nuevos cantautores y el pujante country-rock, Guthrie junior se hizo con una generosa lista de músicos y cantantes que acudieron sin problemas a la cita en Hollywood para grabar en 1973 “Last of the Brooklyn Cowboys”, donde desde el título de las piezas y del álbum queda claro que Arlo se movía a gusto entre la combinación de composiciones populares y otras más urbanas. Dos temas instrumentales, uno de ellos de raíz irlandesa, varias composiciones prestadas (de Bill Halley, Bob Dylan y de su padre Woody, entre otros) y dos canciones de Arlo, llenan un disco muy de su tiempo y con un excelente fondo musical gracias a la presencia de reputados instrumentistas en la mayoría de los casos del ámbito del country-rock. La portada tiene como principal motivo una instantánea del fotógrafo y gran paisajista Marty Evans.

Canciones: “Farewell O’Gara”, “Gypsy Davy”, “This Troubled Mind Of Mine”, “Week On the Rag”, “Miss the Mississippi and You”, “Lovesick Blues”, “Uncle Jeff”, “Gates Of Eden”, “Last Train”, “Cowboy Song”, “Sailor’s Bonnett”, “Cooper’s Lament” y “Ramblin’ Round”.

Músicos: Arlo Guthrie (piano, armónica, guitarra, banjo y voz), Jim Keltner, Jerry Wiggins, Richard Hayward y Gene Parsons (batería), Bob Glaub, Doyle Singer, Lee Sklar, Thad Maxwell, Chuck Rainey, John Pilla y Doyle Singer (bajo), Don Rich (guitarra, dobro y violin), Jerry Brightman (guitarra metálica, steel guitar y banjo), Jesse Ed Davis, Buddy Alan, Bob Morris, Ry Cooder, Clarence White, John Pilla y Grady Martin (guitarras), Doug Dillard (banjo), George Bohanon, Dick Hyde y Gene Coe (instrumentos de metal), Jim Gordon, Jim Shaw y Mike Utley (teclados), Nick De Caro (acordeón), Don Cristlieb (fagot), Buddy Collette (clarinete), William Green (oboe), Ernie Watts (flauta) y Jessie Smith, Clydie King, Vanetta Fileds, Gene Merlino, Thurle Ravenscroft, Robert Tebow y Bill Cole (acompañamiento vocal).

Otras portadas: Alice’s Restaurant (1967), Running Down the Road (1969), Washington Country (1970), Hobo’s Lullaby (1972), Arlo Guthrie (1974), Amigo (1976), The Best of Arlo Guthrie (1977), Precious Friend (1982), Someday (1986) y Baby’s Storytime (1990).