“Stray Cats” (Arista). Tres norteamericanos en el Reino Unido a comienzos de los ochenta, Brian Setzer, Lee Rocker y Slim Jim Phantom, devolvieron credibilidad al rockabilly que periódicamente aparecía y rápidamente se esfumaba, como había ocurrido con los grupos y solistas británicos y estadounidenses de los setenta. El trío de la zona de New York conquistó al público inglés por su rock and roll agresivo más acorde con la época en que desarrollaron su sonido que con el de bandas y cantantes revivalistas. Con un repertorio en el que incluyen piezas propias de los componentes de Stray Cats, el grupo enseguida llegó a los oídos del público europeo con su primer elepé homónimo (1981) en el que participó como productor el veterano roquero Dave Edmunds. Algunas de las canciones del disco se convertirán en himnos de los nuevos amantes del rockabilly, algo emparentado con el punk, la new wave y, por qué no, también con los añejos ídolos de la Sun Records (el primer Elvis, por ejemplo) o los iconos Eddie Cochran, Gene Vincent y Dorsey Burnette. “Runaway Boys”, “Rock This Town” o “Rumble in Brighton”, de la cosecha de los gatos desacarriados, son algunas de las canciones que han quedado como representativas del nuevo rockabilly. El diseño de la carpeta del disco en la que aparece fotografiado el trío pertenece a Malcom Garret.

Canciones “Runaway Boys”, “Fishnet Stockings”, “Ubangi Stomp”, “Jeannie, Jeannie, Jeannie”, “Storm the Embassy”, “Rock This Town”, “Rumble in Brighton”, “Stray Cat Strut”, “Crawl Up and Die”, “Double Talkin’ Baby”, “My One Desire” y “Wild Saxaphone”.

Músicos: Brian Setzer (voz y guitarra), Lee Rocker (contrabajo) y Slim Jim Phantom (batería). Gary Barnacle (saxofón).

Otras portadas: Gonna Ball (1982), Ran’t Rave (1982), Rock Therapy (1986) y Blast Off! (1989).

“Shaka Zulu” (Warner Bros). Ladysmith Black Mambazo era un grupo conocido en los ambientes musicales africanos por su estilo “a cappella” que recogía canciones de la tradición zulú. Bajo la dirección de Joseph Shabalala, el grupo estaba formado por 10 hombres que grabaron en 1987 el elepé “Shaka Zulu” en Estados Unidos, apadrinados y producidos por Paul Simon, quien ya había tenido contacto con los sudafricanos en concreto cuando el compositor, cantante y músico de New Jersey registró el disco “Graceland”. En una etapa de difusión de la música africana en los circuitos musicales europeos y americanos, Ladysmith Black Mambazo constituyeron una revelación, sobre todo, por su calidad y su mensaje conciliador cuando todavía en el país de origen de la banda existía el apartheid. Canciones tradicionales, otras sobre la vida cotidiana y alguna pieza en inglés, calaron hondo en crítica y público de varios continentes, hasta el punto de que este disco consiguió el premio Grammy en el apartado de música popular. Desde entonces el grupo forma parte de los grandes relacionados con la música tradicional. Además su labor se amplía a la colaboración con conocidos grupos y solistas, así como la aparición de sus voces en bandas sonoras de películas de cine. La carátula del primer elepé más internacional de Ladysmith Black Mambazo, y preludio de lo que se llamaría música étnica, es obra del artista Peter Barret.

Canciones: “Unomathemba”, “Hello My Baby”, “Golgotha”, “King of Kings”, “Lomhlaba Kawunoni (The Earth Never Gets Fat)”, “How Long?”, “Ikhaya Lamaqhawe (Home of the Heroes)”, “Yibo Labo (These Are the Guys)”, “Rain, Rain, Beautiful Rain” y “Wawusho Kubani? (Who Were You Talking to?)”

Voces: Ldysmith Black Mambazo. Todas las canciones fueron compuestas por Joseph Shabalala.

Otras portadas: Induku Kethu (1984), Ulwandle Oluncgwele (1985), Inala (1986), Journey of Dreams (1988) y Unthombo Wamazi (1988).

“Greatest Hits” (London). Al Green (1946) es uno de los mejores representantes del soul sureño de Estados Unidos. La calidez de su voz y su falsete inconfundibles, así como su inspiración para componer, constituyen los principales valores a nivel artístico de este cantante del estado de Arkansas. Después de algunos discos imprescindibles de la música negroamericana de los años setenta, Green grabó en 1975 un elepé de grandes éxitos en el que se incluían algunos clásicos del soul como “Let’ s Stay Togheter”, “Call Me” o “Here I Am”, resaltados por un excelente acompañamiento instrumental con predominio de metal y sección rítmica. Con el paso del tiempo Green se convertiría en reverendo, pero esto no influiría mucho en su música, porque con el nuevo siglo volvería a grabar discos con la misma fuerza de sus mejores tiempos. En este caso, los seguidores de la música con alma recuperaban a un cantante en la línea de los grandes Sam Cooke, Otis Reding y Marvin Gaye, desaparecidos trágicamente y demasiado pronto. La portada de este grandes éxitos de Al Green incluye una fotografía del cantante en plan sexy hecha por Bob Levy.

Canciones: “Tired of Being Alone”, “Call Me (Come Back Home)”, “I’m Still in Love With You”, “Here I Am (Come and Take Me)”, “How Can You Mend a Broken Heart”, “Let’s Stay Together”, “I Can't Get Next to You”, “You Ought to Be With Me”, “Look What You Done for Me” y “Let’s Get Married”.

Músicos: Al Green (voz solista), Michael Allen (piano), Charles Hodges (órgano y piano) Archie Turner (piano) Howard Grimes (batería), Leroy Hodges (bajo), Mabon “Teenie” Hodges (guitarra), Jack Hole (trombón), Al Jackson, Jr. (bongos, congas y batería), Wayne Jackson (trompeta), Ed Logan (saxo tenor), James Mitchell (saxo barítono The Memphis Strings (cuerda), Willie Mitchell (arreglos de cuerda), Andrew Love Tenor (vocal) y Charles Rhodes (vocal).

Otras portadas: Back Up Train (1967), Green is Blues (1970), Get’ s Next to You (1971), Let’ s Stay Together (1972), I’ m Still in Love (1972), Call Me (1973), Livin for You (1973), Truth N’ Time (1978), The Christmas Album (1983) y Soul Survivor (1987).

“The 5000 Spirits or the Layers of the Onion” (Elektra). The Incredible String Band, mejor dicho Robin Williamson y Mike Heron grababan en el año1967 su segundo disco grande como grupo. En plena época de la psicodelia, este grupo británico de base folk captó la esencia de músicas en teoría exóticas que combinaban con estilos cercanos al folk y blues. Los dos músicos demostraban un notable dominio de instrumentos hasta entonces poco utilizados y procedentes de Asia y África. Solo algunos grupos y solistas famosos se atrevían a experimentar con sitares, tablas y otros instrumentos de percusión desconocidos para la mayoría seguidores del pop de los años sesenta. Aunque este tipo de sonido se pondría de moda hasta el punto que cualquier grupo con aspiraciones incluía el instrumento de turno que más convenía. Sin embargo, The Incredible String Band demostró una calidad y buen gusto insuperables por otros combos ingleses, pues Williamson y Heron avanzaron siempre con una base en la mejor tradición musical de las Islas Británicas. El diseño y trabajo artístico de la portada fueron llevados a cabo por Simon & Marijike, muy influenciados por la psicodelia y la estética mística procedente de Asía.

Canciones: “Chinese White” , “No Sleep Blues”, “Painting Box”, “The Mad Hatter's Song”, “Little Cloud”, “The Eyes of Fate”, “Blues for the Muse”, “The Hedgehog's Song”, “First Girl I Loved”, “You Know What You Could Be”, “My Name Is Death”, “Gently Tender” y “Way Back in the 1960's” Williamson 3:08

Músicos: Mike Heron (bajo, guitarra, armónica, viento, teclados y voz), Robin Williamson (flauta, guitarra, violín, batería, teclados, sitar, tamboura, gimbri, tiambales y voz), Licorice McKecnie (violín y teclados), John Hopkins (piano) y Somar (tabla y sitar).

Otras portadas: The Incredible String Band (1966), The Hangman’s Daughter (1968), Wee Tam (1968), Changing Horses (1969), The Big Huge (1969) y Be Glod for the Song Has No Ending (1970).

“Take A Heart” (PRT-Zafiro). The Sorrows era un grupo formado por jóvenes de Coventry, Strafford y Aberdeen que representaba la faceta más dura del pop británico en su mejor etapa, cuando los grupos del Reino Unido, con The Beatles al frente, eran recibidos tanto en el resto de Europa como al otro lado del Atlántico como innovadores dentro de la música popular de los años 60. Los miembros de The Sorrows, muy influenciados por el rhytm and blues, demuestran en su primer elepé de 1965 una tendencia al rock duro que llegaría otros grupos y en décadas posteriores alcanzaría un éxito masivo, sobre todo a partir de los setenta con las primeras bandas de “heavy”. Directos, agresivos y con potentes “rifss” de guitarras, acompañados por la potente voz de Don Fardon, la banda británica no llegó a ocupar el puesto de otras formaciones más afortunadas y de características parecidas. Sin embargo, el paso del tiempo dio la razón al quinteto de que algo estaba haciendo bien, porque canciones como “Take A Herat” o “I Don’ t Wanna Be Free” contienen la esencia del rock imperecedero. La portada del disco incluye una fotografía anónima de un grupo poco prolífico pero que es recordado por los seguidores del pop británico más auténtico.

Canciones: “Baby”, “No No No No”, “Take A Herat”, “She’ s Got The Action”, “How Love Used To Be”, “Teenage Setter”, I Don’ t Wanna Be Free”, “Don’ t Sing No Sad Songs For Me”, “Cara-lin”, “Whe Should Get Along Fine”, “Come With Me” y “Let Me In”.

Músicos: Don Maughn “Fardon” (voz), Philip (Phil) Packham (bajo), Wez Price (guitarra), Philip (Pip) Witcher (guitarra) y Bruce Finley (batería).


Otras portadas: Olds Songs, New Songs (1967) y Pink Purple, Yellow and Red (1987).

“Not Fragile” (Mercury). Los hermanos Bachman formaron el grupo canadiense que llevaba su apellido, formación conocida por un particular sonido guitarrero que consiguió hasta la segunda mitad de los setenta varios éxitos dentro del ámbito de las bandas de rock duro de Norteamérica. Con el antecedente de haber participado con anterioridad en The Guess Who, Randy Bachman dejó este grupo para reorientar su carrera, lo cual consiguió tras unos años de trabajo semianónimo y con la formación de la Bachman Turner Overdrive. Desde su primer disco homónimo, el cuarteto ya encaminaba sus pasos al estilo que tan buena acogida tendría en América y Europa, donde los Bachman con cada elepé siempre conseguían una o dos piezas impactantes. Not Fragile corresponde al año 1974, y al escuchar el disco se comprueba por dónde iba el hard-rock norteamericano. Como era habitual, la canción más comercial en este álbum fue “You Ain’ t Seen Nothing Yet”, aunque otras no pasaron desapercibidas como “Rooll on Down the Highway”, porque B.T.O. era un grupo que en sus comienzos ofrecía elepés aprovechables en la mayoría de las composiciones que contenían. El diseño de la carpeta de “Not Fragile” corresponde a Joe Kotleba y la parte artística de la misma a Jim Ladwig.

Canciones: “Not Fragile”, “Rock Is My Life, and This Is My Song”, “Roll on Down the Highway”, “You Ain’t Seen Nothing Yet”, “Free Wheelin’”, “Sledgehammer”, “Blue Moanin’”, “Second Hand” y “Givin’ It All Away”

Músicos: Randy Bachman (guitarra y voz), Robbie Bachman (percusión y batería), Blair Thornton (guitarra y voz), Frank Trowbridge (guitarra) y C.F. Turner (bajo y voz).

Otras portadas: Bachman-Turner Overdrive (1972), Bachman-Turner Overdrive II (1973), Four Wheel Drive (1975), Head On (1976), Freeways (1977), Street Action (1978), Rock n’ Roll Nights (1979) y Bachman-Turner Overdrive (1984).

“Rosalía de Castro” (Movieplay). El segundo disco del cantante, músico y compositor berciano Amancio Prada (1949) está dedicado enteramente a los versos de la universal poetisa gallega Rosalía de Castro, de quien en su primer elepé incluyó dos canciones de acuerdo con versos de la ilustre escritora. Amancio Prada en aquellos años de cambio constituyó un soplo de aire fresco para la canción en gallego, idioma que adoptó justo en el momento que se iba a producir una nueva orientación en la música popular de Galicia, tras la aparición en los sesenta del movimiento “Voces Ceibes”. Prada consiguió no pasar desapercibido con este disco de larga duración en el que se incluyen algunos de los versos más conocidos de Rosalía, además del reconocimiento de los paisanos de la poetisa a una voz alófona que, sin embargo, con el tiempo ahondaría en otros autores de la lírica gallega mediante canciones. Textos melancólicos, pero llenos de vitalidad, y una escueta instrumentación consagraron a Prada como uno de los cantautores más creíbles de la segunda mitad de los setenta. La carátula del disco recoge los retratos de Rosalía de Castro y su admirador.

Canciones: “Campanas de Bastabales”, “¡Pra Habana!”, “Cando era tempo de inverno”, “Mais o que ben quixo un dia”, “A xusticia pola man”, “Vamos bebendo”, “Adios rios, adios fontes”, “Paseniño, paseniño”, “¿Quén non xime?”, “Ya que de la esperanza”, “¿Qué pasa ao redor de min?” y “Corre o vento, o rio pasa”.

Músicos: Amancio Prada (voz y guitarra) y Eduardo Gattinoni (violoncelo).

Otras portadas: Vida e morte (1974), Caravel de caraveles (1976), Cántico espiritual (1977), Canciones de amor y celda (1979), Lelia Doura (1980), De la mano del aire (1984), Sonetos del amor oscuro (1986), A dama e o cabaleiro (1987) y Navegando la noche (1988).

“Stephen Stills” (Atlantic). Primer disco en solitario del tejano de nacimiento Stephen Stills que se puso a la venta en el año 1970, dedicado a Jimi Hendrix, el guitarrista que tocó en una de las piezas incluidas en este elepé “Old Times Good Times”. Con 25 años, Stills era un aventajado músico del rock tras su paso por varios grupos de fama en los sesenta y la colaboración en discos con otros instrumentistas de calidad. El estreno discográfico de Stephen resultó inmejorable, entre otros motivos, porque en diez canciones resume todas las influencias recibidas por el guitarrista hasta entonces. Además contó con la presencia de míticos personajes de la música rock asentados en la mayoría de los casos en California. El elepé recoge folk, blues, jazz, espiritual negro, rock y algún tímido apunte caribeño en las percusiones. La canción que abre el disco se grabaría de nuevo en directo con Crosby, Stills, Nash and Young, donde el tejano continuaría tocando mientras iba sacando otros discos en solitario. La fotografía de la portada del disco, donde aparece un Stephen Stills en pose folkie, fue realizada por el inimitable Henry Diltz.

Canciones: “Love the One You’re”, “Do for the Others” , “Church (Part of Someone)”, “Old Times Good Times”, “Go Back Home”, “Sit Yourself Down”, “To a Flame, Black Queen”, “Cherokee” y “We Are Not Helpless”.

Músicos: Stephen Stills (guitarra, órgano, Bajo, percusión, teclados, “drums steel” y voz), Jimi Hendrix (guitarra), Eric Clapton (guitarra), Booker T. Jones (órgano, teclados y voz), Calvin “Fuzzy” Samuels (bajo), John Barbata (batería), Richard Hayward (batería), Conrad Isadore (batería), Dallas Taylor (batería), Jeff Whittaker (conga), Sidney George (flautas y viento), Priscilla Coolidge, Rita Coolidge, David Crosby, Cass Elliot, Priscilla Jones, Claudia Lanier, Shirley Matthews, Graham Nash, Judith Powell, John Sebastian, Larry Steele Vocals, Liza Strike y Tony Wilson (voces).

Otras portadas: Stephen Stills (1971), Manassas (1972), Down on the road (1973), Stills (1975), Live (1975), Illegal Stills (1976), Thoroughafare Gap (1978), Rigth by you (1984) y Stills Alone (1991).

Asfalto (Chapa Records). Dentro de los grupos madrileños que comenzaron su andadura musical en los años setenta, Asfalto es, sin duda, uno de los que ha dejado grato recuerdo por su dedicación al rock tanto en directo como mediante la grabación de discos de larga duración. De los elepés no se puede pasar por alto el primero del grupo  que lleva su nombre. Con un sonido entre rock progresivo y pop de calidad, cuando cantar en español era una arriesgada aventura, Asfalto tuvo continuidad durante unos años con la lógica evolución hacía otros ritmos. De su primer larga duración (1978) quedan un buen número de canciones representativas del mejor del rock de los setenta. “Capitán Trueno”, “Ser urbano” y “Días de escuela”, por ejemplo, sonaron con fuerza en las efemes de las radios en plena transición democrática, reafirmando las posibilidades del rock nativo frente a la invasión anglosajona. Música directa sin caer en excesos del progresismo dominante de comienzos de los años setenta y textos comprometidos con la realidad, esparcen la esencia de la primera y mejor formación de Asfalto. La portada futurista, muy en la onda del cómic artístico de moda en aquellos tiempos, es una ilustración de Félix Bronchado.

Canciones: Ya está bien, Capitán Trueno, Ser urbano, Días de escuela, Todos los días, Quiero irme-La huida, Rocinante, La isla del amor y Emigrante.

Músicos: Lele Laina (guitarra eléctrica y voz), Julio Castejón (guitarra eléctrica y voz), José L. Jiménez (bajo y voz) y Enrique Cajide (batería).

Otras portadas: Al otro lado (1978), Ahora (1979), Déjalo así (1982), Más que una intención (1983), Cronophobia (1984) y Corredor de fondo (1986).

Canción: Capitán Trueno

“It’s A Beautiful Day” (Columbia). Desde San Francisco a finales de 1969, “It’s A Beautiful Day” formaba parte de los grupos de la segunda oleada de los sesenta que se movían por la bahía junto a otras afamadas bandas que tomaban el relevo del acid-rock para adentrarse en otras sonoridades. Con un indiscutible líder, el violinista David LaFlame se convirtió en uno de los músicos más versátiles del hasta entonces rock californiano. Su dominio del instrumento le sirvió para componer una música en la que tenían cabida sonidos clásicos, el rock, el folk, el blues, la psicodelia e incluso ritmos de procedencias exóticas para la época (Asía y Este de Europa). Sin embargo, entre las canciones que más han perdurado en el tiempo están la que abre el álbum: “White bird”, todo un himno generacional, y la siguiente “Hot Summer Day”, en las que, por otra parte, se aprecia el inconfundible sonido “It's A Beautiful Day”, acompañado por las deliciosas voces femeninas de tan singular formación. La carátula del elepé corresponde a la compañía Globe Propaganda, conocida por sus colaboraciones en diseños de portadas para otras bandas californianas.

Canciones: “White Bird”, “Hot Summer Day”, “Wasted Union Blues”, “Girl With No Eyes”, “Bombay Calling”, “Bulgaria” y “Time Is”.

Músicos: David LaFlamme (violin y voz), Linda LaFlamme(órgano, piano, piano eléctrico, celeste y harpsichord), Hal Wagenet (guitarra), Mitchell Holman (bajo), Val Fuentes (batería), Patti Santos (voz, pandereta, campanas, block y gourd) y Bruce Steinberg (armónica).

Otras portadas: Marryng Maiden (1970), Choice Quality Stuff Anytime (1971) y At Carniege Hall (1972).

“Trilogy” (Atlantic). Tercer disco en estudio de Emerson, Lake & Palmer, grupo británico representativo del rock sinfónico de comienzos de la década de los setenta. El trío, conocido en el ambiente de la música progresiva y más desde su actuación en el Festival de la Isla de Wight, recogía los excesos y bondades de un estilo con excelente aceptación entre un buen número de melómanos. “Trilogy” (1972) demuestra el virtuosismo de los tres músicos ingleses, jóvenes aún pero con una envidiable trayectoria artística. A sus dotes de instrumentistas se añadía una excelente puesta en escena para la época. Bajo el liderazgo del teclista Emerson, cuyo nombre aparece en la mayoría de las composiciones de este disco, excepto “Hoedown”, de Aaron Copland (1900-1990), el grupo interpreta nueve piezas con el rock como base pero con guiños a la música clásica más contemporánea, una línea que mantendría el grupo hasta su disolución a finales de los setenta, aunque habría alguna reagrupación posterior, pero ya sin el éxito de sus primeros años. La carátula del disco fue realizada por el colectivo Hipgnosis.

Canciones: “The Endless Enigma Part One”, “Fugue”, “The Endless Enigma Part Two”, “From the begenning”, “The Sheriff”, “Hoedown”, “Trilogy”, “Living Sin” y “Abaddon’s Bolero”.

Músicos: Keith Emerson (órgano Hammond, piano Steinway, zoukra, moog sintetizador IIIC y mini moog modelo D), Greg Lake (voz, bajo, guitarra eléctrica y guitarra acústica) y Carl Palmer (percusión).

Otras portadas: Emerson, Lake and Palmer (1970), Tarkus (1971), Pictures at an exhibition (1971), Brain Salad Sugery (1973), Wellcome back my friend to the show that never ends (1974) y Love beach (1978).

“New Riders of the Purple Sage” (Columbia). Estreno discográfico en 1971 de New Riders of the Purple Sage con el título del grupo nacido bajo el amparo de Jerry García, alma mater de Grateful Dead y persona siempre muy involucrada con el folk y el country evolucionados. El éxito del country rock entre los jóvenes, en parte a las propuestas de The Byrds, Flyng and Burrito Brothers, Nitty Gritty Dirt Band y otros grupos de finales de los sesenta, contribuyó a la aparición de nuevas bandas de excelentes músicos y compositores sensibles que causaron impacto y a la vez rechazo entre los más puristas de los sonidos campestres norteamericanos. En contraposición a estos últimos, New Riders es un ejemplo de formación de country rock que suena más roquera, dinámica, incluso comercial, pero sin por ello perder la esencia country en sus composiciones, la mayoría del guitarrista John Dawson. Como al principio, el grupo fue una alternativa a Grateful Dead puesta en marcha por Jerry García, éste colaboraría con el banjo y steel guitar, también lo haría su colega de combo Mike Hart en la batería, y Comander Cody al piano. La carátula del disco está firmada por Michael Ferguson y Alton Kelly.

Canciones. “I Don’t Know You”, “Whatcha Gonna Do”, “Portland Woman”, “Henry”, “Dirty Business”, “Glendale Train”, “Garden of Eden”, “All I Ever Wanted”, “Last Lonely Eagle” y “Louisana Lady”.

Músicos: John Dawson (Marmaduke) (guitarra y voz), David Nelson (voz, guitarra acústica y mandolina), Dave Torbert (bajo y guitarra acústica), Spencer Dryden (batería percusión), Micky Hart (batería y percusión) y Commander Cody (piano).

Otras portadas: Powelide (1972), Gypsy Coboy (1972), The Adventures of Panama Red (1973), Home, Home on the road (1974), Brujo (1974), O What a Might Time (1975), New Riders (1976), The Best of the Purple Sage (1976), Who are these guy (1977), Marin County Live (1977) y Vintage NRPS (1986).

“Déjà vu” (Atlantic). Un año después de la grabación de su primer disco, Crosby, Stills and Nash incorporaban a Neil Young como compositor, guitarrista y cantante del supergrupo en aquel tiempo triunfador con sus canciones entre acústicas y eléctricas. Con el canadiense, la banda adquiría un tono más roquero como demostraba en “Deja vu”, el mejor elepé grabado en estudio por esta formación afincada en California. De nuevo, como había pasado con su anterior disco grande, casi todas las canciones son de los mencionados Crosby, Stills, Nash and Young, salvo el himno generacional “Woodstock”, compuesto por la canadiense Joni Mitchell, habitual también, tanto como compositora y cantante como pintora, en los álbumes de los cuatro. Rock, country-rock y algo de psicodelia constituyen los estilos más apreciados en el disco, donde quedaron registradas importantes piezas, como “Carry On”, “Déjà vu”, “Amost Cut My Hair”, “Helpless” o “Country Girl”. Creatividad desbordante y compenetración entre los músicos participantes ayudaron también situar a este disco entre los mejores de comienzos de los setenta. La portada, diseñada por Gary Burden, recoge una fotografía de tono sepia y ambientación "western" del inconfundible Henry Diltz.

Canciones: “Carry On”, “Teach Your Children”, “Almost Cut My Hair”, “Helpless”, “Woodstock”, “Déjà vu”, “Our House Listen”, “8. 4 + 20”, “Country Girl: Whiskey Boot Hill/Down, Down, Down/"Country Girl" (I Think You're Pretty)” y “Everybody I Love You”.

Músicos: David Crosby (guitarra y voz), Grahan Nash (guitarra, teclados y voz), Stephen Stills (guitarra, teclados y voz), Neil Young, armónica, piano, teclados y voz), Dallas Taylor (percussion y batería), Greg Reeves (bajo y percusión), Jerry García (steel guitar y slide guitar) y John Sebastian (armónica).

Otras portadas: Crosby, Stills and Nash (1969), 4 Way Street (1971), So Far (1974), CSN (1977), Daylight Again (1982), Allies (1983) y American Dream (1988).

“El Rayo X” (Ayslum). El californiano David Lindley (1944) es sin duda uno de los más solicitados músicos de la Costa Oeste norteamericano, algo así como el perejil de todas las salsas del pop y rock de los setenta recogidos en una larga lista discos de primeras figuras de dichos estilos. Tras su paso por el grupo psicodélico Kaleidoscope, David se convirtió en dominador de instrumentos de cuerda de todo tipo requerido para grabar con gentes como Jackson Browne, Ry Coder, Warren Zevon, Emmilou Harris, Linda Ronstadt, Crosby, Stills and Nash, America, James Taylor…, hasta que en 1981 decidió grabar su primer disco en solitario con el título “El Rayo X”, nombre también del combo que acompañaba a Lindley. La presentación no pudo ser mejor entre otros motivos porque David no dudó en incluir algunos estándares junto a composiciones propias y de los componentes de su banda. Rock and roll, blues, soul, zydeco, reggae, tex-mex y sonidos caribeños constituyen la base sonora de este excelente elepé que sirvió para que David Lindley se diera a conocer mediante una gira con su grupo en Europa, donde obtuvo una excelente acogida, avalado principalmente por su dominio del directo a pesar de estar considerado como músico de estudio. El diseño de la carpeta del disco es obra de Jimmy Watchel.

Canciones: “She Took off My Romeos”, “Bye Bye Love”, “Mercury Blues”, “Quarter of a Man”, “Ain’t No Way”, “Twist and Shout Medley”, “El Rayo X”, “Your Old Lady Glick”, “Don’t Look Back”, “Petit Fleur”, “Tu-Ber-Cu-Lucas and the Sinus Blues” y “Pay the Man”.

Músicos: David Lindley (bajo, violin, guitarra acústica, guitarra eléctrica, whistle, slide guitar, bandurria y voz), Ras Baboo (percusión y voz), Bob Glaub (bajo), Reggie McBride (bajo), William D “Smitty” (órgano y teclados), Curt Bouterse (dulcimer), Jorge Calderon (voz), Jackson Browne (voz), Garth Hudson (viento y teclados), Bill Payne (órgano) e Ian Wallace (batería).

Otras portadas: Win This Record (1982), El Rayo live (1983) y Very Geasy (1988).

“Kerouac’s last dream” (Guimbarda). El neoyorquino Ramblin’Jack Elliot (1931) ha sobrevivido a diferentes generaciones desde el final de la II Guerra Mundial gracias a su personalidad inquieta y viajera que le ha llevado a codearse con diferentes personajes. Desde sus comienzos como vaquero músico, por medio queda su amistad con los representantes de la beat generation y el reconocimiento de folkies y roqueros, Jack Elliot mantiene intacta la imagen de cantautor comprometido con el ser humano. Para expresarse a sun anchas y comunicar experiencias, sólo necesita una guitarra y canciones propias y ajenas, de amigos o del repertorio popular norteamericano. Los días 24 y 25 de abril de 1980, el cantante y compositor Brooklyn entraba en el Tonsrtudio de St. Blasien de Northeim en la entonces Alemania Occidental para recordar a su amigo y tocayo Jack Kerouac y a toda una generación de inconformistas cuyo legado se mantiene a pesar del paso del tiempo. Este último sueño de Kerouac incluye conocidas piezas de viejos maestros como Woody Guthrie y Roy Acuff, incluso recupera una canción del malogrado Tim Hardin. El diseño de la carátula pertenece a Hartmunt Rosen y Jerken Diederich, que utilizan para la misma una fotografía del primero.

Canciones: “Buffalo Skinners”, “Pretty Boy Floyd”, “Cup of coffeee”, “Roving gambler”, “Blue eyes cryin’in the rain”, “The cuckoo”, “Talkin’Fishin”, “1913 Massacre”, “Carpenter” y “912 Greens”.

Músicos: Ramblin’ Jack Elliot (voz y guitarra).

Otras portadas: The Rambling Boys (1957), Jack takes the floor (1958), Ramblin’ Jack Elliot (1961), Jack Elliot at the Second Fret (1962), Muleskinner (1964), Jack Elliot (1964), Young Brigham (1967) y Hard Travelin (1989).

“The Legacy of the blues vol.3” (Discophon). El pianista Champion Jack Dupree (1910-1992), después de una larga carrera musical en Estados Unidos con comienzo en New Orleans y continuidad en Chicago y New York, decidió a finales de la década de los cincuenta instalarse en Europa donde se quedó hasta su muerte. Su aceptación por los aficionados al blues del Viejo Continente sirvió para que Jack Dupree reorientase su carrera musical, acorde con un estilo singular dentro del blues más genuino de instrumentista trashumante, cuyo repertorio se nutría de composiciones propias y de otras aprendidas en su largo peregrinaje por los escenarios de diferentes ciudades estadounidenses desde finales de los años 20. Ya instalado en Europa, Champion continuó actuando y grabando discos como éste de 1972. Las diez canciones incluidas se registraron en los Estudios Morgan de Londres, bajo la producción de Sam Charters y la colaboración de músicos representativos del blues rock británico. El pianista de New Orleans ofrece un repertorio que va desde el crítico “Vietnam Blues” al desenfadado “Drunk again”, pero también hay tiempo para el dramatismo en “Down and out”. La fotografía de la carpeta es de Mike Audsley y el diseño de Meter Viking.

Canciones: “Vietnam Blues”, “Drunk again”, “Found my baby gone”, “Anything you want”, “Will it be”, “You’ re the one”, “Down and out”, “ Roamin’ Special”, “The life I lead” y “Jit-A-Bug Jump”.

Músicos: Champion Jack Dupree ( piano y voz), Huey Flint (batería), Benny Gallagher (bajo), Peter Curtley (guitarra) y Paul Rowan, armónica.

Otras portadas: Champion Jack's Natural & Soulful Blues (1961), Trouble, Trouble (1962), The Women Blues of Champion Jack Dupree (1961), Cabbage Greens (1963), From New Orleans To Chicago (1966), Whe You Feel The Feeling You Was Feeling (1968), Scooby Dooby Doo (1969), The Heart Of The Blues Is Sound (1969), Incredible (1970), The Hamburg Session (1974), Blues For Everybody (1976), Boogie Woogie, Booze And Wild Wild Women (1977) e I Had That Dream (1982).

“Quico Maria del Mar” (Ariola). Representantes de la Nova Canço Catalana, aquella de la década de los sesenta, Maria del Mar Bonet y Francesc “Quico” Pi de la Serra evolucionaron con el tiempo hacia repertorios eclécticos pero siempre con el idioma natal como bandera. En 1979, el barcelonés y la mallorquina se unieron para grabar un disco de larga duración en el que se ponía de manifiesto lo dicho anteriormente. Canciones compuestas por Pi de la Serra, inconfundibles en cuanto a su lirismo sincero, otras que interpretaron artistas foráneos como Billie Holiday y Stevie Wonder, entre otros, así como la inolvidable “Es fa llarg esperar”, de Pau Riba, completan este álbum que tuvo continuidad en un espectáculo desarrollado durante los días comprendidos entre el 7 y el 17 de junio de 1979 en el Teatre Romea de Barcelona. Acertada unión que también propició la puesta en escena de una excelente banda de músicos, entre los que figuraban reputados instrumentistas del ambiente musical de Cataluña. Tras esta experiencia, Pi de la Serra y Maria del Mar Bonet continuaron en solitario sus sólidas carreras artísticas. El diseño de la carátula es obra de América Sánchez, que utilizó una fotografía de Maria del Mar y Quico realizada por Toni Catany.

Canciones: “Jim”, “Cançó de l’atzar”,“La marxa del president, “Petita festa”, “Cada dia tinc manies”, “L’amor tot s’ho val”, “Repoblació forestal”, “Oració”,“Nocturna”, “Es fa llarg esperar”.

Músicos: Pi de la Serra (voz y guitarras, Maria del Mar Bonet (voz), Manuel Camp (teclados), Gabriel Rosales (guitarras), Albert Moraleda (bajo eléctrico y contrabajo), Pipo Tuduri (percusión), Santi Arisa (batería) y Aurelio Vila (viola, violín y saxo tenor).

Otras portadas: De Maria del Mar Bonet; Maria del Mar Bonet (1974), Cançons de festa (1976), Saba de terrer (1979), Jardi Tancat (1981), Cançons de la nostra Mediterrànea (1981) y Brevari d’ amor (1982). De Pi de la Serra; Francesc Pi de la Serra (1967), Disc-conforme (1971), Triat i gabellat (1971), Palau dels Sports (1976), Pijama de saliva (1982) y Quico, rendeix-te (1987).

“Forever Changes” (Elektra). Este disco de la mítica banda Love constituye una de las apreciadas grabaciones de la cosecha de 1967, en especial del ámbito del rock. Desde Los Ángeles, Arthur Lee (1945-2006) y su grupo se consolidaron para la posteridad con uno de los álbumes más apreciados de todos los tiempos, aunque en él se resumen los diferentes estilos que Love practicó durante su corta pero interesante vida artística. Psicodelia, guitarras hendrixianas, folk-rock, rock de garaje, baladas sublimes, acertada combinación de orquesta con guitarras acústicas y pasajes con trompetas mexicanas omnipresentes, contribuyeron a realzar la música que en la segunda mitad de los sesenta se practicaba en California. Love, sin la transcendencia de, por ejemplo, Beachs Boys, The Byrds, The Doors, Moby Grape, Frank Zappa and The Mothers of Invention, Jefferson Airplane o Greateful Dead, dejaron un legado inolvidable en canciones como “Alone Again”, “A House Is Not Motel”, “Andmoreagain” y en las siete posteriores. Todas contienen atractivos suficientes como para encandilar a diferentes generaciones que ven en este disco la prueba de inspiración de un grupo de jóvenes que utilizaban la música para dar salida a sus esperanzas y frustraciones. En 2003, Arthur Lee realizó un gira por Europa que sirvió para la grabación de “Forever Chages: Live”. La portada del disco es obra de Bob Pepper.

Canciones: “Alone Again Or”, “A House Is Not a Motel”, “Andmoreagain”, “The Daily Planet”, “Old Man”, “The Red Telephone”, “Maybe the People Would Be the Times or...”, “Live and Let Live”, “The Good Humor Man He Sees Everything Like”, “Bummer in the Summer” y “You Set the Scene”.

Músicos: Arthur Lee (guitarras y voz), John Echls (guitarra), Bryan MaClean (guitarra y voz), Ken Forssi (bajo) y Michael Stuart (batería y percusión).

Otras portadas: Love (1966), Da Capo (1967), Tour Sail (1969), Out Here (1969), False Start (1970), Reel to Real (1974) y Love Live (1982).

“Chocolate Kings” (Manticore). Fogueados en los movidos ambientes del pop y rock de Italia de los años sesenta, los miembros del grupo Premiata Forneria Marconi se encontraban bajo el manto protector de la superbanda Emerson, Lake and Palmer, en el momento de grabar en Milán este disco durante los meses de junio y julio de 1975. Representantes del rock progresivo de aquella década, PFM mostraba un estilo próximo a sus mecenas y también a otras formaciones de rock sinfónico: King Crimson, Yes y Genesis, incluso en Chocolate Kings todas las composiciones fueron cantadas en inglés. Tanta influencia no impidió que el grupo italiano reorientara el influyente rock progresivo hacia sus cualidades innatas a la hora de tocar, componer y cantar. Teclados, guitarras, sección rítmica y violín alcanzan en piezas largas, Paper Charms, una singular expresividad a la que no fueron ajenos públicos de distintos continentes, en los que PFM realizaba actuaciones en directo. La carpeta del disco fue diseñada por Bob Nisbert, Anthony Telson & Associates. El dibujo lo realizó el artista David Draper.

Canciones: “From Under”, “Arlequín”, “Chocolate Kinas”, Out Of The Roundbabout” y “Paper Charms”.

Músicos: Franz Di Cioccio (batería, percusión y voz), Patrick Djivas (ripper bas), Franco Mussida (guitarra y voz), Mauro Pagani (woodwinds y violín), Flavio Premoli (teclados y voz) y Bernando Lanzetti (cantante).

Otras portadas: Storia di un minuto (1972), Per un amico (1972), Photos and ghosts (1973), L’ Isola di niente (1974), Cook (1974), Jef Lag (1977), Passpartù (1978), Suonare suonare (1980), Come ti va in riva alla città (1982), PFM? PFM! (1984) y Miss Baker (1987).

“La canción de Juan Perro” (Ariola). Radio Futura decidió a finales de de 1986 dirigirse a New York para grabar el que sería uno de sus mejores discos de estudio, y en el que sobresale la efectiva sección de viento presente en la mayoría de las canciones. La banda, con sede en Madrid y liderada por los hermanos Auserón, destacaba sobre la generalidad de grupos surgidos en torno a la denominada movida de comienzos de los años ochenta. Un disco anterior, que rompía con su imagen de diseño, y actuaciones en directo en las que demostraban cada vez más profesionalidad, dio paso a una grabación con excelentes piezas que entraban en diferentes ámbitos musicales: rock, soul, funk, reggae y rock latino, estilo esta último del que fueron pioneros en España. Todas las canciones fueron compuestas por Santiago Auserón, menos “Annabel Lee”, poema del escritor norteamericano Edgar Alan Poe. “La canción de Juan Perro” constituyó un importante avance en la línea musical de Radio Futura, que contó en este álbum con algunas canciones de éxito, “37 grados”, “A cara o cruz”, “La negra flor”, “Luna de agosto”, “El canto del gallo” o la referida “Annabel Lee”, que salió en formato sencillo (single). La portada del disco, titulada “El canto del gallo”, es de Juan Navarro Baldeweg.

Canciones: “37 grados”, “En un baile de perros”, “El hombre de papel”, “A cara o cruz”, “Lluvia del porvenir”, “La negra flor”, “Annabel Lee”, “Luna de agosto”, “La mala hora”, “El canto del gallo” y “Paseo con la negra flor”.

Músicos: Santiago Auserón (voz y guitarra española), Luis Auserón (bajo), Enrique Sierra (guitarra eléctrica), Pedro Navarrete (teclados) y Carlos Torrero (batería y perscusión electrónica). Colaboradores: Metales, The Uptopw Horns: Crispin Cloe (saxo alto y barítono), Arno Hecht (saxo tenor), Hollywood Paul Literal (trompeta) y Bob Funk (trombón). Daniel Ponce (percusión), Jo Dworniak (segunda guitarra) y Javier Monforte (guitarra).

Otras portadas: Música moderna (1980), La ley del desierto (1984), De un país en llamas (1985), Escuela de calor (1989), Veneno en la piel (1990) y Tierra para bailar (1991).