“Violent Femmes” (Slash Records). El trio de Milwake, Violent Femmes, comenzaba en 1982 su andadura musical con el elepé homónimo que con el paso del tiempo se convertiría en uno de los mejores de la década de los ochenta. Los tres entonces veinteañeros del estado de Wisconsin preferían los instrumentos acústicos para apoyar textos entre locos, divertidos e irreverentes, principalmente compuestos por Gordon Gano, quien comunicaba la furia de la juventud antisistema. Algunas de las piezas del disco demuestran las influencias del punk-rock auténtico “Blister in the Sun”, aunque otras, como “To The Kill” evidenciaban que el legado de la Velvet Underground había calado en los miembros de Violent Femmes, que entraba en la senda de los grupos independientes que años después alcanzarían su apogeo. Las diez canciones de este primer disco conforman un mosaico que demuestra la furia de tres jóvenes músicos dispuestos a seguir buscando más allá de los tópicos en que había caído el rock acomodado. Después de su excelente estreno, el trío continuará su andadura como una de las formaciones más respetadas en América y Europa. La carátula del disco incluye una obra de Ron Hugo.

Canciones: “Blister in the Sun”, “Kiss Off”, “Please Do Not Go”, “Add It Up”, “Confessions”, “Prove My Love”, “Promise”, “To The Kill”, “Gone Daddy Gone”
y “Good Feeling”.

Músicos: Victor de Lorenzo (batería, drums (snare), brass brum, tranceaphone y voz), Gordon Gano (guitarra, violin y voz) y Brian Ritchie (guitarra acústica, guitarra eléctrica, xilofón, slide whistle, jaw harp y voz). Mark VanHecke (piano).

Otras portadas: Hallowed Ground (1984), The Blind Leading the Nacked (1986) y 3 (1988).

“Abraxas” (CBS). Segundo disco de Santana (1970) con el que se consolida como una de las bandas con más porvenir de la década de los setenta, después de un primer elepé de notable éxito comercial y su consagración en directo durante el mítico festival de Woodstock (1969). Carlos Santana, líder de este combo del área de San Francisco, pero fuera del ámbito del denominado “acid rock”, supo en su momento llegar a un variopinto público gracias a su interés por realizar un mestizaje de músicas en el que se nota la influencia del jazz, blues, sonidos caribeños y el rock. Con una potente sección de ritmo, apoyada en timbales, congas y otras percusiones propias de la música afrocaribeña, teclados y una guitarra omnipresente y cálida, el disco “Abraxas” queda como uno de los hitos del rock. Su repertorio incluye nuevas versiones de piezas del bluesman británico Peter Green: “Black Magic Woman” y del latino Tito Puente: “Oye como va”, que obtuvieron el reconocimiento de los aficionados, pero también Carlos y sus compañeros demostraron una excelente imaginación a la hora de componer: “Singin Winds, Cryng Beasts”, "Incedent at Neshabur”, “Se acabó”, “Mother’s Daughter” y “Samba pa ti”, entre otras que mantienen su frescura inicial y entran en la categoría dentro de las mejores piezas del rock. La carpeta del disco recoge la obra “Annonciation”, del pintor alemán Mati Klarwein (1932-2002), un artista viajero que realizó varias portadas para discos de músicos de diferentes estilos.

Canciones: “Singing Winds, Crying Beasts”, “Black Magic Woman/Gypsy Queen”, “Oye como va”, “Incedent at Neshabur”, “Se acabó”, “Mother’s Daughter”, “Samba pa ti”, “Hope you’re Feeling Better” y “El Nicoya”.

Músicos: Carlos Santana (guitarra y voz), Greg Rolie (teclados y voz), Dave Brown (bajo), Mike Shrieve (batería), José Chepito Areas (timbales y conga). Rico Reyes (voz en “Oye como va” y voz y percusión en “El Nicoya”. Alberto Gianquinto (piano en “Incident at Neshabur”.

Otras portadas: Santana (1969), Santana III (1971), Santana & Buddy Miles! Live (1972), Caravanserai (1972), Love Devotion Surrender (1972), Wellcome (1973), Lotus (1974), Iluminations (1974), Greatest Hits (1974), Borboletta (1974), Amigos (1976), Festival (1977), Moonflower (1977), Maratón (1979), Shango (1982), Havana Moon (1983) y Blues for Salvador (1987).

“The late great Magic Sam’s Blues Band” (L+R). Magic Sam (1937-1969) es uno de los mejores guitarristas eléctricos de blues de la década de los sesenta, además de compositor de algunas piezas inolvidables como “All your love”, “Easy baby” o “Looking Good”. Representativo del “West Chicago”, Sam recogía el legado de los músicos del delta del Misisipi para adaptarlo a los tiempos que le tocó vivir, es decir blues eléctrico acompañado de su singular y magnética voz, lo cual le sirvió para trascender más allá de su ámbito como otros músicos contemporáneos de su estilo que tuvieron una excelente acogida en Estados Unidos y Europa, así como entre los aficionados al rock, a quienes sorprendió en sus principales templos como el Fillmore West. Este disco, editado después de su temprana desaparición, recoge grabaciones en Chicago de 1963 y 1964, pero también dos composiciones en directo el 3 de octubre de 1969 en el Royal Albert Hall de Londres, estas últimas dos meses antes de que Magic Sam muriese. La mayoría de las canciones fueron compuestas por Sam, pero también realiza acertadas versiones como “Hig heel sneakers”, de Tommy Tucker. Su apodo lo explica Nobert Hess: “Puede que te preguntes por qué le llaman Magic Sam, simplemente escucha este disco a buen volumen y notarás que la música es pura magia”. La portada del elepé incluye una fotografía del guitarrista, cantante y compositor hecha por Nobert Hess.

Canciones: “High heel sneakers”, “All your love”, “Tryin to make it”, “Call me if you need me”, “Look out Sam”, “Torturing my soul”, “Sometimes”, “Back door friend”, “Feeling good”, “All your fault”, “ Lookin Good” y “Easy baby”.

Músicos: Magic Sam (guitarra y voz), Mack Thompson (bajo) y Robert St. Julián (batería). Tocan también otros músicos desconocidos, según los créditos del disco.

Otras portadas: Magic Touch (1966), West Side Soul (1967) y Black Magic (1968).

“Sweetheart of the Rodeo” (Columbia Records). Después de tres años de éxitos discográficos y varios cambios de formación, The Byrds cambia de estilo en 1968 para grabar su primer elepé de country rock, un estilo que se mantendría en el grupo liderado por Roger McGuinn hasta su disolución definitiva a comienzos de la década de los setenta. De la formación original, en “Sweetheart of the Rodeo”, aparecen McGuin y Chris Hillman, pero también intervienen Gram Parsons y Kevin Kelly, así como otros reputados músicos de country, entre los que figuran Clarence White quien en la década de los setenta será uno de los mejores guitarristas del mítico grupo. Como de costumbre, The Byrds abren el repertorio de este álbum con una canción de Bob Dylan, adaptada al country, para continuar hasta un total de 11 canciones grabadas, aunque con el paso del tiempo en formato compacto se recuperaron ocho tomas diferentes: algunas repeticiones rechazadas en su día, nuevas canciones y algún instrumental. Entre el material están piezas de compositores folk y country, Woody Guthrie y Merle Haggard, entre otros, así como canciones de Gram Parsons, quien se convertirá a partir de entonces en un personaje de culto hasta su temprana desaparición. De este guitarrista, cantante y compositor se puede mencionar como una de las mejores canciones del disco “Hickory Wind”, aunque las restantes no desmerecen en nada a la hora de las comparaciones. El sonido es excelente en cuanto a que el cuarteto está magníficamente apoyado por avezados instrumentistas de música campestre norteamericana. “Sweetheart of the Rodeo” constituye un hito dentro del rock. The Byrds había encontrado una nueva vía que seguirá explotando en los siguientes discos. La carpeta del elepé recoge una parte del dibujo sobre la evolución de la vestimenta del vaquero del escultor, fotógrafo, pintor muralista, ilustrador y escritor uruguayo asentado en California José Jacinto “Jo” Mora (1876-1947), realizada en el año 1933.

Canciones: “You Ain’t Going Nowhere”, “I Am a Pilgrim”, “The Christian Life”, “You Don’t Miss Your Water”, “You’re Still on My Mind”, “Pretty Boy Floyd”, “Hickory Wind”, “One Hundred Years from Now”, “Blue Canadian Rockies”, “Life in Prison” y “Nothing Was Delivered”.

Músicos: Roger McGuinn (banjo, guitarra y voz), Gram Parsons (guitarra y voz), Chris Hillman (bajo, mandolina y voz), Roy M. “Junior” Husky (bajo), John Hartford (banjo y guitarra), Jon Corneal (batería), Earl Poole Ball (piano), Lloyd Green (steel guitar), Clarence White (guitarra), Kevin Kelley (batería) y Jaydee Maness (steel guitar).


Otras portadas: Mr. Tambourine (1965), Fifth Dimension (1966), The Best of The Byrds (1972), Preflyte (1973), The Byrds (1973) y The Byrds play Dylan (1980).

“Foosteps and Hearbeats” (Dro). Rory McLeod, hombre de circo, nómada, músico callejero, multiinstrumentista y cantor antisistema, desde muy joven este londinense de nacimiento viaja por todos los continentes con escaso equipaje y con muchas ganas de aprender del paisanaje que abundan en las ciudades y villas más insospechadas del planeta. El resultado de sus periplos es una música universal sin etiquetas, sencilla, alegre muchas veces, otras también melancólica. Su tercer disco grande, editado en 1989, ofrece un variado repertorio de canciones en el se percibe sin problema las muchas influencias adquiridas por McLeod en su provechosos viajes. Canciones de amor con fondo de música irlandesa, blues, folk en estado puro y hasta una pieza popular de raíz mejicana. Con instrumentos populares, entre ellos una omnipresente y juguetona armónica, Rory va dejando su huella musical de acuerdo con los recorridos por los países que ha visitado. De estilo inclasificable, Rory adelantó el a mediados de los ochenta lo que sería “world music”. La carátula del disco incluye una pintura de Paul Roden (toca el banjo en esta grabación) que capta el ambiente callejero en el que Rory McLeod se inspira para componer.

Canciones: “Love Like a Rock (In a Stormy Sea)”, “Till I Don't Know Who I Am”, “Collector Man”, “Moments Shared”, “Wandering Fool”, “Take Me Home”, “Singing Copper”, “A Kind of Loneliness” y “Mariachi’s Love Song”.

Músicos: Rory McLeod Guitar (armónica, percusión, trombón, batería, campanas, cucharas, bandore, finger cymbals, bottleneck guitarra, bajo y voz), Stephen Crocott (mandolina), Paul Roden (banjo), Neti Vaandrager (violin) y John Murphy (uillean pipes).

Otras portadas: Angry Love (1985), Kicking the Sawdust (1986) y Travelling Home (1991).

“Fuxan os Ventos” (Philips). A comienzos de los años setenta, un grupo mixto de doce jóvenes asentados en Lugo forman el grupo de tendencia folk Fuxan os Ventos, que constituiría una de las formaciones imprescindibles para entender la utilización del idioma propio en la canción gallega. Tras los comienzos en los escasos círculos de difusión de la música popular de aquellos años, Fuxan os Ventos consiguen pronto una excelente profesionalidad, avalada por las voces de sus componentes, unos adecuados arreglos musicales y la inclusión de textos de poetas gallegos, además de composiciones de sus miembros. En 1976 aparecía su primer disco con el mismo nombre del grupo. En la contraportada, sus integrantes definían su labor: “Cuando la canción es una necesidad vital, una expresión más del hecho de vivir cotidiano, cuando la canción significa compartir lágrimas, alegrías, trabajo, lucha… Cuando una comunidad siente todo esto, estamos delante de un producto cultural de un pueblo. Otra forma de canción es una canción muerta, adormecida y alienante”. El disco incluye 13 piezas, de las cuales la mayoría recogen textos de poetas gallegos (Celso Emilio Ferreiro y Ramón Cabanillas, entre otros), además de composición populares y de Fuxan os Ventos. Con este material, el disco se convierte en un referente de la evolución de la música popular gallega, que en el caso de este grupo en aquellos años suena a nuevo pero sin olvidarse de la rica tradición cultural de Galicia. El diseño de la carátula de este elepé es de M. Castan/I. Barea.

Canciones: “Fuxas os Ventos”, “O lelo”, “Canción pra escribir mañá”, “Canto de cego”, Labregos”, “Irmaus”, “No escuro”, “O afiadore”, “Compañeira”, “Alalá da Pena”, “Miña nai”, “O aradito” y “O lobo”.

Músicos: Manuel Fernández (flauta) y Joaquín Laria (arreglos de flauta y dirección musical). Voces y diferentes instrumentos (guitarras, percusión, zanfona) Fuxan os Ventos.

Otras portadas: “O Tequeletéquele” (1977), “Galicia canta ó neno” (1978), Sementeira (1979), “Chegaremos” (1980), “Quen a soubera cantar” (1981) y “Noutrora (1984).

“Stray Cats” (Arista). Tres norteamericanos en el Reino Unido a comienzos de los ochenta, Brian Setzer, Lee Rocker y Slim Jim Phantom, devolvieron credibilidad al rockabilly que periódicamente aparecía y rápidamente se esfumaba, como había ocurrido con los grupos y solistas británicos y estadounidenses de los setenta. El trío de la zona de New York conquistó al público inglés por su rock and roll agresivo más acorde con la época en que desarrollaron su sonido que con el de bandas y cantantes revivalistas. Con un repertorio en el que incluyen piezas propias de los componentes de Stray Cats, el grupo enseguida llegó a los oídos del público europeo con su primer elepé homónimo (1981) en el que participó como productor el veterano roquero Dave Edmunds. Algunas de las canciones del disco se convertirán en himnos de los nuevos amantes del rockabilly, algo emparentado con el punk, la new wave y, por qué no, también con los añejos ídolos de la Sun Records (el primer Elvis, por ejemplo) o los iconos Eddie Cochran, Gene Vincent y Dorsey Burnette. “Runaway Boys”, “Rock This Town” o “Rumble in Brighton”, de la cosecha de los gatos desacarriados, son algunas de las canciones que han quedado como representativas del nuevo rockabilly. El diseño de la carpeta del disco en la que aparece fotografiado el trío pertenece a Malcom Garret.

Canciones “Runaway Boys”, “Fishnet Stockings”, “Ubangi Stomp”, “Jeannie, Jeannie, Jeannie”, “Storm the Embassy”, “Rock This Town”, “Rumble in Brighton”, “Stray Cat Strut”, “Crawl Up and Die”, “Double Talkin’ Baby”, “My One Desire” y “Wild Saxaphone”.

Músicos: Brian Setzer (voz y guitarra), Lee Rocker (contrabajo) y Slim Jim Phantom (batería). Gary Barnacle (saxofón).

Otras portadas: Gonna Ball (1982), Ran’t Rave (1982), Rock Therapy (1986) y Blast Off! (1989).

“Shaka Zulu” (Warner Bros). Ladysmith Black Mambazo era un grupo conocido en los ambientes musicales africanos por su estilo “a cappella” que recogía canciones de la tradición zulú. Bajo la dirección de Joseph Shabalala, el grupo estaba formado por 10 hombres que grabaron en 1987 el elepé “Shaka Zulu” en Estados Unidos, apadrinados y producidos por Paul Simon, quien ya había tenido contacto con los sudafricanos en concreto cuando el compositor, cantante y músico de New Jersey registró el disco “Graceland”. En una etapa de difusión de la música africana en los circuitos musicales europeos y americanos, Ladysmith Black Mambazo constituyeron una revelación, sobre todo, por su calidad y su mensaje conciliador cuando todavía en el país de origen de la banda existía el apartheid. Canciones tradicionales, otras sobre la vida cotidiana y alguna pieza en inglés, calaron hondo en crítica y público de varios continentes, hasta el punto de que este disco consiguió el premio Grammy en el apartado de música popular. Desde entonces el grupo forma parte de los grandes relacionados con la música tradicional. Además su labor se amplía a la colaboración con conocidos grupos y solistas, así como la aparición de sus voces en bandas sonoras de películas de cine. La carátula del primer elepé más internacional de Ladysmith Black Mambazo, y preludio de lo que se llamaría música étnica, es obra del artista Peter Barret.

Canciones: “Unomathemba”, “Hello My Baby”, “Golgotha”, “King of Kings”, “Lomhlaba Kawunoni (The Earth Never Gets Fat)”, “How Long?”, “Ikhaya Lamaqhawe (Home of the Heroes)”, “Yibo Labo (These Are the Guys)”, “Rain, Rain, Beautiful Rain” y “Wawusho Kubani? (Who Were You Talking to?)”

Voces: Ldysmith Black Mambazo. Todas las canciones fueron compuestas por Joseph Shabalala.

Otras portadas: Induku Kethu (1984), Ulwandle Oluncgwele (1985), Inala (1986), Journey of Dreams (1988) y Unthombo Wamazi (1988).

“Greatest Hits” (London). Al Green (1946) es uno de los mejores representantes del soul sureño de Estados Unidos. La calidez de su voz y su falsete inconfundibles, así como su inspiración para componer, constituyen los principales valores a nivel artístico de este cantante del estado de Arkansas. Después de algunos discos imprescindibles de la música negroamericana de los años setenta, Green grabó en 1975 un elepé de grandes éxitos en el que se incluían algunos clásicos del soul como “Let’ s Stay Togheter”, “Call Me” o “Here I Am”, resaltados por un excelente acompañamiento instrumental con predominio de metal y sección rítmica. Con el paso del tiempo Green se convertiría en reverendo, pero esto no influiría mucho en su música, porque con el nuevo siglo volvería a grabar discos con la misma fuerza de sus mejores tiempos. En este caso, los seguidores de la música con alma recuperaban a un cantante en la línea de los grandes Sam Cooke, Otis Reding y Marvin Gaye, desaparecidos trágicamente y demasiado pronto. La portada de este grandes éxitos de Al Green incluye una fotografía del cantante en plan sexy hecha por Bob Levy.

Canciones: “Tired of Being Alone”, “Call Me (Come Back Home)”, “I’m Still in Love With You”, “Here I Am (Come and Take Me)”, “How Can You Mend a Broken Heart”, “Let’s Stay Together”, “I Can't Get Next to You”, “You Ought to Be With Me”, “Look What You Done for Me” y “Let’s Get Married”.

Músicos: Al Green (voz solista), Michael Allen (piano), Charles Hodges (órgano y piano) Archie Turner (piano) Howard Grimes (batería), Leroy Hodges (bajo), Mabon “Teenie” Hodges (guitarra), Jack Hole (trombón), Al Jackson, Jr. (bongos, congas y batería), Wayne Jackson (trompeta), Ed Logan (saxo tenor), James Mitchell (saxo barítono The Memphis Strings (cuerda), Willie Mitchell (arreglos de cuerda), Andrew Love Tenor (vocal) y Charles Rhodes (vocal).

Otras portadas: Back Up Train (1967), Green is Blues (1970), Get’ s Next to You (1971), Let’ s Stay Together (1972), I’ m Still in Love (1972), Call Me (1973), Livin for You (1973), Truth N’ Time (1978), The Christmas Album (1983) y Soul Survivor (1987).

“The 5000 Spirits or the Layers of the Onion” (Elektra). The Incredible String Band, mejor dicho Robin Williamson y Mike Heron grababan en el año1967 su segundo disco grande como grupo. En plena época de la psicodelia, este grupo británico de base folk captó la esencia de músicas en teoría exóticas que combinaban con estilos cercanos al folk y blues. Los dos músicos demostraban un notable dominio de instrumentos hasta entonces poco utilizados y procedentes de Asia y África. Solo algunos grupos y solistas famosos se atrevían a experimentar con sitares, tablas y otros instrumentos de percusión desconocidos para la mayoría seguidores del pop de los años sesenta. Aunque este tipo de sonido se pondría de moda hasta el punto que cualquier grupo con aspiraciones incluía el instrumento de turno que más convenía. Sin embargo, The Incredible String Band demostró una calidad y buen gusto insuperables por otros combos ingleses, pues Williamson y Heron avanzaron siempre con una base en la mejor tradición musical de las Islas Británicas. El diseño y trabajo artístico de la portada fueron llevados a cabo por Simon & Marijike, muy influenciados por la psicodelia y la estética mística procedente de Asía.

Canciones: “Chinese White” , “No Sleep Blues”, “Painting Box”, “The Mad Hatter's Song”, “Little Cloud”, “The Eyes of Fate”, “Blues for the Muse”, “The Hedgehog's Song”, “First Girl I Loved”, “You Know What You Could Be”, “My Name Is Death”, “Gently Tender” y “Way Back in the 1960's” Williamson 3:08

Músicos: Mike Heron (bajo, guitarra, armónica, viento, teclados y voz), Robin Williamson (flauta, guitarra, violín, batería, teclados, sitar, tamboura, gimbri, tiambales y voz), Licorice McKecnie (violín y teclados), John Hopkins (piano) y Somar (tabla y sitar).

Otras portadas: The Incredible String Band (1966), The Hangman’s Daughter (1968), Wee Tam (1968), Changing Horses (1969), The Big Huge (1969) y Be Glod for the Song Has No Ending (1970).

“Take A Heart” (PRT-Zafiro). The Sorrows era un grupo formado por jóvenes de Coventry, Strafford y Aberdeen que representaba la faceta más dura del pop británico en su mejor etapa, cuando los grupos del Reino Unido, con The Beatles al frente, eran recibidos tanto en el resto de Europa como al otro lado del Atlántico como innovadores dentro de la música popular de los años 60. Los miembros de The Sorrows, muy influenciados por el rhytm and blues, demuestran en su primer elepé de 1965 una tendencia al rock duro que llegaría otros grupos y en décadas posteriores alcanzaría un éxito masivo, sobre todo a partir de los setenta con las primeras bandas de “heavy”. Directos, agresivos y con potentes “rifss” de guitarras, acompañados por la potente voz de Don Fardon, la banda británica no llegó a ocupar el puesto de otras formaciones más afortunadas y de características parecidas. Sin embargo, el paso del tiempo dio la razón al quinteto de que algo estaba haciendo bien, porque canciones como “Take A Herat” o “I Don’ t Wanna Be Free” contienen la esencia del rock imperecedero. La portada del disco incluye una fotografía anónima de un grupo poco prolífico pero que es recordado por los seguidores del pop británico más auténtico.

Canciones: “Baby”, “No No No No”, “Take A Herat”, “She’ s Got The Action”, “How Love Used To Be”, “Teenage Setter”, I Don’ t Wanna Be Free”, “Don’ t Sing No Sad Songs For Me”, “Cara-lin”, “Whe Should Get Along Fine”, “Come With Me” y “Let Me In”.

Músicos: Don Maughn “Fardon” (voz), Philip (Phil) Packham (bajo), Wez Price (guitarra), Philip (Pip) Witcher (guitarra) y Bruce Finley (batería).


Otras portadas: Olds Songs, New Songs (1967) y Pink Purple, Yellow and Red (1987).

“Not Fragile” (Mercury). Los hermanos Bachman formaron el grupo canadiense que llevaba su apellido, formación conocida por un particular sonido guitarrero que consiguió hasta la segunda mitad de los setenta varios éxitos dentro del ámbito de las bandas de rock duro de Norteamérica. Con el antecedente de haber participado con anterioridad en The Guess Who, Randy Bachman dejó este grupo para reorientar su carrera, lo cual consiguió tras unos años de trabajo semianónimo y con la formación de la Bachman Turner Overdrive. Desde su primer disco homónimo, el cuarteto ya encaminaba sus pasos al estilo que tan buena acogida tendría en América y Europa, donde los Bachman con cada elepé siempre conseguían una o dos piezas impactantes. Not Fragile corresponde al año 1974, y al escuchar el disco se comprueba por dónde iba el hard-rock norteamericano. Como era habitual, la canción más comercial en este álbum fue “You Ain’ t Seen Nothing Yet”, aunque otras no pasaron desapercibidas como “Rooll on Down the Highway”, porque B.T.O. era un grupo que en sus comienzos ofrecía elepés aprovechables en la mayoría de las composiciones que contenían. El diseño de la carpeta de “Not Fragile” corresponde a Joe Kotleba y la parte artística de la misma a Jim Ladwig.

Canciones: “Not Fragile”, “Rock Is My Life, and This Is My Song”, “Roll on Down the Highway”, “You Ain’t Seen Nothing Yet”, “Free Wheelin’”, “Sledgehammer”, “Blue Moanin’”, “Second Hand” y “Givin’ It All Away”

Músicos: Randy Bachman (guitarra y voz), Robbie Bachman (percusión y batería), Blair Thornton (guitarra y voz), Frank Trowbridge (guitarra) y C.F. Turner (bajo y voz).

Otras portadas: Bachman-Turner Overdrive (1972), Bachman-Turner Overdrive II (1973), Four Wheel Drive (1975), Head On (1976), Freeways (1977), Street Action (1978), Rock n’ Roll Nights (1979) y Bachman-Turner Overdrive (1984).

“Rosalía de Castro” (Movieplay). El segundo disco del cantante, músico y compositor berciano Amancio Prada (1949) está dedicado enteramente a los versos de la universal poetisa gallega Rosalía de Castro, de quien en su primer elepé incluyó dos canciones de acuerdo con versos de la ilustre escritora. Amancio Prada en aquellos años de cambio constituyó un soplo de aire fresco para la canción en gallego, idioma que adoptó justo en el momento que se iba a producir una nueva orientación en la música popular de Galicia, tras la aparición en los sesenta del movimiento “Voces Ceibes”. Prada consiguió no pasar desapercibido con este disco de larga duración en el que se incluyen algunos de los versos más conocidos de Rosalía, además del reconocimiento de los paisanos de la poetisa a una voz alófona que, sin embargo, con el tiempo ahondaría en otros autores de la lírica gallega mediante canciones. Textos melancólicos, pero llenos de vitalidad, y una escueta instrumentación consagraron a Prada como uno de los cantautores más creíbles de la segunda mitad de los setenta. La carátula del disco recoge los retratos de Rosalía de Castro y su admirador.

Canciones: “Campanas de Bastabales”, “¡Pra Habana!”, “Cando era tempo de inverno”, “Mais o que ben quixo un dia”, “A xusticia pola man”, “Vamos bebendo”, “Adios rios, adios fontes”, “Paseniño, paseniño”, “¿Quén non xime?”, “Ya que de la esperanza”, “¿Qué pasa ao redor de min?” y “Corre o vento, o rio pasa”.

Músicos: Amancio Prada (voz y guitarra) y Eduardo Gattinoni (violoncelo).

Otras portadas: Vida e morte (1974), Caravel de caraveles (1976), Cántico espiritual (1977), Canciones de amor y celda (1979), Lelia Doura (1980), De la mano del aire (1984), Sonetos del amor oscuro (1986), A dama e o cabaleiro (1987) y Navegando la noche (1988).

“Stephen Stills” (Atlantic). Primer disco en solitario del tejano de nacimiento Stephen Stills que se puso a la venta en el año 1970, dedicado a Jimi Hendrix, el guitarrista que tocó en una de las piezas incluidas en este elepé “Old Times Good Times”. Con 25 años, Stills era un aventajado músico del rock tras su paso por varios grupos de fama en los sesenta y la colaboración en discos con otros instrumentistas de calidad. El estreno discográfico de Stephen resultó inmejorable, entre otros motivos, porque en diez canciones resume todas las influencias recibidas por el guitarrista hasta entonces. Además contó con la presencia de míticos personajes de la música rock asentados en la mayoría de los casos en California. El elepé recoge folk, blues, jazz, espiritual negro, rock y algún tímido apunte caribeño en las percusiones. La canción que abre el disco se grabaría de nuevo en directo con Crosby, Stills, Nash and Young, donde el tejano continuaría tocando mientras iba sacando otros discos en solitario. La fotografía de la portada del disco, donde aparece un Stephen Stills en pose folkie, fue realizada por el inimitable Henry Diltz.

Canciones: “Love the One You’re”, “Do for the Others” , “Church (Part of Someone)”, “Old Times Good Times”, “Go Back Home”, “Sit Yourself Down”, “To a Flame, Black Queen”, “Cherokee” y “We Are Not Helpless”.

Músicos: Stephen Stills (guitarra, órgano, Bajo, percusión, teclados, “drums steel” y voz), Jimi Hendrix (guitarra), Eric Clapton (guitarra), Booker T. Jones (órgano, teclados y voz), Calvin “Fuzzy” Samuels (bajo), John Barbata (batería), Richard Hayward (batería), Conrad Isadore (batería), Dallas Taylor (batería), Jeff Whittaker (conga), Sidney George (flautas y viento), Priscilla Coolidge, Rita Coolidge, David Crosby, Cass Elliot, Priscilla Jones, Claudia Lanier, Shirley Matthews, Graham Nash, Judith Powell, John Sebastian, Larry Steele Vocals, Liza Strike y Tony Wilson (voces).

Otras portadas: Stephen Stills (1971), Manassas (1972), Down on the road (1973), Stills (1975), Live (1975), Illegal Stills (1976), Thoroughafare Gap (1978), Rigth by you (1984) y Stills Alone (1991).

Asfalto (Chapa Records). Dentro de los grupos madrileños que comenzaron su andadura musical en los años setenta, Asfalto es, sin duda, uno de los que ha dejado grato recuerdo por su dedicación al rock tanto en directo como mediante la grabación de discos de larga duración. De los elepés no se puede pasar por alto el primero del grupo  que lleva su nombre. Con un sonido entre rock progresivo y pop de calidad, cuando cantar en español era una arriesgada aventura, Asfalto tuvo continuidad durante unos años con la lógica evolución hacía otros ritmos. De su primer larga duración (1978) quedan un buen número de canciones representativas del mejor del rock de los setenta. “Capitán Trueno”, “Ser urbano” y “Días de escuela”, por ejemplo, sonaron con fuerza en las efemes de las radios en plena transición democrática, reafirmando las posibilidades del rock nativo frente a la invasión anglosajona. Música directa sin caer en excesos del progresismo dominante de comienzos de los años setenta y textos comprometidos con la realidad, esparcen la esencia de la primera y mejor formación de Asfalto. La portada futurista, muy en la onda del cómic artístico de moda en aquellos tiempos, es una ilustración de Félix Bronchado.

Canciones: Ya está bien, Capitán Trueno, Ser urbano, Días de escuela, Todos los días, Quiero irme-La huida, Rocinante, La isla del amor y Emigrante.

Músicos: Lele Laina (guitarra eléctrica y voz), Julio Castejón (guitarra eléctrica y voz), José L. Jiménez (bajo y voz) y Enrique Cajide (batería).

Otras portadas: Al otro lado (1978), Ahora (1979), Déjalo así (1982), Más que una intención (1983), Cronophobia (1984) y Corredor de fondo (1986).

Canción: Capitán Trueno

“It’s A Beautiful Day” (Columbia). Desde San Francisco a finales de 1969, “It’s A Beautiful Day” formaba parte de los grupos de la segunda oleada de los sesenta que se movían por la bahía junto a otras afamadas bandas que tomaban el relevo del acid-rock para adentrarse en otras sonoridades. Con un indiscutible líder, el violinista David LaFlame se convirtió en uno de los músicos más versátiles del hasta entonces rock californiano. Su dominio del instrumento le sirvió para componer una música en la que tenían cabida sonidos clásicos, el rock, el folk, el blues, la psicodelia e incluso ritmos de procedencias exóticas para la época (Asía y Este de Europa). Sin embargo, entre las canciones que más han perdurado en el tiempo están la que abre el álbum: “White bird”, todo un himno generacional, y la siguiente “Hot Summer Day”, en las que, por otra parte, se aprecia el inconfundible sonido “It's A Beautiful Day”, acompañado por las deliciosas voces femeninas de tan singular formación. La carátula del elepé corresponde a la compañía Globe Propaganda, conocida por sus colaboraciones en diseños de portadas para otras bandas californianas.

Canciones: “White Bird”, “Hot Summer Day”, “Wasted Union Blues”, “Girl With No Eyes”, “Bombay Calling”, “Bulgaria” y “Time Is”.

Músicos: David LaFlamme (violin y voz), Linda LaFlamme(órgano, piano, piano eléctrico, celeste y harpsichord), Hal Wagenet (guitarra), Mitchell Holman (bajo), Val Fuentes (batería), Patti Santos (voz, pandereta, campanas, block y gourd) y Bruce Steinberg (armónica).

Otras portadas: Marryng Maiden (1970), Choice Quality Stuff Anytime (1971) y At Carniege Hall (1972).

“Trilogy” (Atlantic). Tercer disco en estudio de Emerson, Lake & Palmer, grupo británico representativo del rock sinfónico de comienzos de la década de los setenta. El trío, conocido en el ambiente de la música progresiva y más desde su actuación en el Festival de la Isla de Wight, recogía los excesos y bondades de un estilo con excelente aceptación entre un buen número de melómanos. “Trilogy” (1972) demuestra el virtuosismo de los tres músicos ingleses, jóvenes aún pero con una envidiable trayectoria artística. A sus dotes de instrumentistas se añadía una excelente puesta en escena para la época. Bajo el liderazgo del teclista Emerson, cuyo nombre aparece en la mayoría de las composiciones de este disco, excepto “Hoedown”, de Aaron Copland (1900-1990), el grupo interpreta nueve piezas con el rock como base pero con guiños a la música clásica más contemporánea, una línea que mantendría el grupo hasta su disolución a finales de los setenta, aunque habría alguna reagrupación posterior, pero ya sin el éxito de sus primeros años. La carátula del disco fue realizada por el colectivo Hipgnosis.

Canciones: “The Endless Enigma Part One”, “Fugue”, “The Endless Enigma Part Two”, “From the begenning”, “The Sheriff”, “Hoedown”, “Trilogy”, “Living Sin” y “Abaddon’s Bolero”.

Músicos: Keith Emerson (órgano Hammond, piano Steinway, zoukra, moog sintetizador IIIC y mini moog modelo D), Greg Lake (voz, bajo, guitarra eléctrica y guitarra acústica) y Carl Palmer (percusión).

Otras portadas: Emerson, Lake and Palmer (1970), Tarkus (1971), Pictures at an exhibition (1971), Brain Salad Sugery (1973), Wellcome back my friend to the show that never ends (1974) y Love beach (1978).

“New Riders of the Purple Sage” (Columbia). Estreno discográfico en 1971 de New Riders of the Purple Sage con el título del grupo nacido bajo el amparo de Jerry García, alma mater de Grateful Dead y persona siempre muy involucrada con el folk y el country evolucionados. El éxito del country rock entre los jóvenes, en parte a las propuestas de The Byrds, Flyng and Burrito Brothers, Nitty Gritty Dirt Band y otros grupos de finales de los sesenta, contribuyó a la aparición de nuevas bandas de excelentes músicos y compositores sensibles que causaron impacto y a la vez rechazo entre los más puristas de los sonidos campestres norteamericanos. En contraposición a estos últimos, New Riders es un ejemplo de formación de country rock que suena más roquera, dinámica, incluso comercial, pero sin por ello perder la esencia country en sus composiciones, la mayoría del guitarrista John Dawson. Como al principio, el grupo fue una alternativa a Grateful Dead puesta en marcha por Jerry García, éste colaboraría con el banjo y steel guitar, también lo haría su colega de combo Mike Hart en la batería, y Comander Cody al piano. La carátula del disco está firmada por Michael Ferguson y Alton Kelly.

Canciones. “I Don’t Know You”, “Whatcha Gonna Do”, “Portland Woman”, “Henry”, “Dirty Business”, “Glendale Train”, “Garden of Eden”, “All I Ever Wanted”, “Last Lonely Eagle” y “Louisana Lady”.

Músicos: John Dawson (Marmaduke) (guitarra y voz), David Nelson (voz, guitarra acústica y mandolina), Dave Torbert (bajo y guitarra acústica), Spencer Dryden (batería percusión), Micky Hart (batería y percusión) y Commander Cody (piano).

Otras portadas: Powelide (1972), Gypsy Coboy (1972), The Adventures of Panama Red (1973), Home, Home on the road (1974), Brujo (1974), O What a Might Time (1975), New Riders (1976), The Best of the Purple Sage (1976), Who are these guy (1977), Marin County Live (1977) y Vintage NRPS (1986).

“Déjà vu” (Atlantic). Un año después de la grabación de su primer disco, Crosby, Stills and Nash incorporaban a Neil Young como compositor, guitarrista y cantante del supergrupo en aquel tiempo triunfador con sus canciones entre acústicas y eléctricas. Con el canadiense, la banda adquiría un tono más roquero como demostraba en “Deja vu”, el mejor elepé grabado en estudio por esta formación afincada en California. De nuevo, como había pasado con su anterior disco grande, casi todas las canciones son de los mencionados Crosby, Stills, Nash and Young, salvo el himno generacional “Woodstock”, compuesto por la canadiense Joni Mitchell, habitual también, tanto como compositora y cantante como pintora, en los álbumes de los cuatro. Rock, country-rock y algo de psicodelia constituyen los estilos más apreciados en el disco, donde quedaron registradas importantes piezas, como “Carry On”, “Déjà vu”, “Amost Cut My Hair”, “Helpless” o “Country Girl”. Creatividad desbordante y compenetración entre los músicos participantes ayudaron también situar a este disco entre los mejores de comienzos de los setenta. La portada, diseñada por Gary Burden, recoge una fotografía de tono sepia y ambientación "western" del inconfundible Henry Diltz.

Canciones: “Carry On”, “Teach Your Children”, “Almost Cut My Hair”, “Helpless”, “Woodstock”, “Déjà vu”, “Our House Listen”, “8. 4 + 20”, “Country Girl: Whiskey Boot Hill/Down, Down, Down/"Country Girl" (I Think You're Pretty)” y “Everybody I Love You”.

Músicos: David Crosby (guitarra y voz), Grahan Nash (guitarra, teclados y voz), Stephen Stills (guitarra, teclados y voz), Neil Young, armónica, piano, teclados y voz), Dallas Taylor (percussion y batería), Greg Reeves (bajo y percusión), Jerry García (steel guitar y slide guitar) y John Sebastian (armónica).

Otras portadas: Crosby, Stills and Nash (1969), 4 Way Street (1971), So Far (1974), CSN (1977), Daylight Again (1982), Allies (1983) y American Dream (1988).

“El Rayo X” (Ayslum). El californiano David Lindley (1944) es sin duda uno de los más solicitados músicos de la Costa Oeste norteamericano, algo así como el perejil de todas las salsas del pop y rock de los setenta recogidos en una larga lista discos de primeras figuras de dichos estilos. Tras su paso por el grupo psicodélico Kaleidoscope, David se convirtió en dominador de instrumentos de cuerda de todo tipo requerido para grabar con gentes como Jackson Browne, Ry Coder, Warren Zevon, Emmilou Harris, Linda Ronstadt, Crosby, Stills and Nash, America, James Taylor…, hasta que en 1981 decidió grabar su primer disco en solitario con el título “El Rayo X”, nombre también del combo que acompañaba a Lindley. La presentación no pudo ser mejor entre otros motivos porque David no dudó en incluir algunos estándares junto a composiciones propias y de los componentes de su banda. Rock and roll, blues, soul, zydeco, reggae, tex-mex y sonidos caribeños constituyen la base sonora de este excelente elepé que sirvió para que David Lindley se diera a conocer mediante una gira con su grupo en Europa, donde obtuvo una excelente acogida, avalado principalmente por su dominio del directo a pesar de estar considerado como músico de estudio. El diseño de la carpeta del disco es obra de Jimmy Watchel.

Canciones: “She Took off My Romeos”, “Bye Bye Love”, “Mercury Blues”, “Quarter of a Man”, “Ain’t No Way”, “Twist and Shout Medley”, “El Rayo X”, “Your Old Lady Glick”, “Don’t Look Back”, “Petit Fleur”, “Tu-Ber-Cu-Lucas and the Sinus Blues” y “Pay the Man”.

Músicos: David Lindley (bajo, violin, guitarra acústica, guitarra eléctrica, whistle, slide guitar, bandurria y voz), Ras Baboo (percusión y voz), Bob Glaub (bajo), Reggie McBride (bajo), William D “Smitty” (órgano y teclados), Curt Bouterse (dulcimer), Jorge Calderon (voz), Jackson Browne (voz), Garth Hudson (viento y teclados), Bill Payne (órgano) e Ian Wallace (batería).

Otras portadas: Win This Record (1982), El Rayo live (1983) y Very Geasy (1988).