“Labour of Love” (Virgin). Primer disco de la trilogía del grupo británico UB40 dedicada a recrear piezas estándares del reggae y ska, en este caso con tan buena fortuna y calidad que la primera entrega de Labour of Love (1983) llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos del Reino Unido y, por tanto también al ranquin de los discos más vendidos de los primeros ochenta. La formación multirracial se encontraba en un excelente momento creativo como se puede apreciar en este elepé, que no se concreta en una imitación de canciones conocidas de la música más representativa de la isla Jamaica que popularizaron fuera de su tierra insular gentes como Bob Marley, Jimmy Cliff, Eric Donaldson, The Melodians o The Slickers, por citar algunos solistas y grupos que se han convertido en clásicos de la música caribeña con voz inglesa. UB40 ofrece un sonido consistente e inspirado, también en las voces, hasta el punto que “Cherry Oh Baby”, “Keep On Moving”, “Red, Red Wine” o “Many Rivers to Cross” resultan tan creíbles como los originales a pesar del toque pop que imponen los teclados en algunos temas. Seis años después de este disco, se grabaría la segunda recopilación, ciclo que se cerraría con la tercera entrega en 1999. En la carátula del primer “Labour of Love” destaca la ilustración de David Dragon.

Canciones: “Cherry Oh Baby”, “Keep On Moving”, “Please Don’t Make Me Cry”, “Sweet Sensation”, “Johnny Too Bad”, “Red, Red Wine”, “Guilty”, “She Caught The Train”, “Version Girl” y “Many Rivers to Cross”.

Músicos: Astro (percusión), Mo Birch (voz), Jim Brown (batería), Ali Campbell (guitarra y voz), Robin Campbell (guitarra y voz), Earl Falconer (bajo), Josh Fifer (trompeta), Jack Graham (voz), Norman Hassan (percusión y voz), Jackie Mittoo (teclados), Brian Travers (saxofón), Ruby Turner (voz) y Michael Virtue (teclados).

Otras portadas: Signing Out (1980), Present Arms (1981), UB44 (1982), Live (1983), Geffery Morgan (1984), Baggariddim (1985), Rat in the Kitchen (1986), UB40 (1988) y Labour of Love II (1989).

“Del mio meglio” (EMI). La italiana Mina ofrecía en 1971 algunas canciones en directo en el elepé titulado “Del mio meglio”, primero de una serie numerada que tendrá continuidad durante años con diferentes piezas cantadas por la conocida como “tigresa de Cremona”. El repertorio fue grabado de actuaciones en directo, y las canciones fueron creadas en el periodo comprendido entre 1968 y 1971. Las piezas pertenecen a compositores conocidos del ámbito musical italiano, como Mogol, Rapetti, Luigi Tenco, Antonio Amurrio, Paolo Limiti y Franco Migliaci, quienes se adaptan perfectamente a la personalidad de la diva de la canción, que incluso se atreve con el “Yesterday” de The Beatles, un grupo al que Mina siempre le ha tenido especial querencia. “Io vivrò senza te”, “Vedrai vedrai”, “La voce del silenzo” o “Non credere”, pueden ser algunas de las canciones que mejor definen el estilo de la italiana a la hora de cantar con la fuerza y el sentimiento que la caracterizan, lo cual desde sus comienzos le sirvieron para traspasar fronteras, no sólo europeas, y convertirse en una de las artistas más conocidas internacionalmente. La portada del disco incluye una fotografía de Mina hecha por Roberto Bertolini.

Canciones: “Io vivrò senza te”, “Se stasera sono qui”, “Vedrai vedrai”, “Yesterday”, “La voce del silenzio”, “Io e te da soli”, “Vorrei che fosse amore”, “Un’ombra, Bugiardo e incosciente”, “Insieme”, “Quand’ero piccola” y “Non credere”.

Músicos: Mina (voz), A. Baldan (pianoforte y órgano), R. Ceragoli (batería), P. Presti (bajo) y E. Verardi (guitarra). Grabadas en directo en el auditorio Máximo de la RSI, del espectáculo “Cabaret” de la Radio Svizzera Italiana (“Io vivrò senza te”, “Vedrai vedrai” y “Yesterday”. Las canciones “Se stasera sono qui” y “La voce del silenzio”, grabadas en vivo en Bussola di Viareggio.

Otras portadas: Il cielo in una stanza (1960), Renato (1962), Mina (1964), Sabato sera (1967), Foy You (1969), Canta o Brasil (1970), Cinquemilaquarantatre (1972), Dalla Bussola (1972), Baby Gate (1974) Mina r. (1974), Italiana vol 1. y vol 2. (1982), Catene vbol. 1 y vol 2 (1984) y Rane Supreme vol 1 y vol. 2 (1987).

“Blue Jays” (Threshold Records). En uno de los momentos de parada en la producción discográfica de The Moody Blues, durante el año 1975, dos de sus integrantes: el guitarrista y el bajista, respectivamente Justin Hayward y John Lodge, grabaron el elepé titulado “Blue Jays”, un trabajo que constituía la continuidad por parte del dúo en la línea de la formación británica originaria de Birmingham. Hayward y Lodge compusieron una decena de canciones en la onda del pop sinfónico que practicaban desde 1967 en la conocida banda de “Nights in White Satin” o “Store in Your Eyes”. Los instrumentos de cuerda, sección de ritmo, guitarras y bajo en el único disco del dúo, sirve destacar el toque de música clásica habitual en las preferencia de Hayward y Lodge, quienes consiguen pasajes románticos, a veces, otras más melancólicos, como se puede comprobar al oír algunas de las piezas de este álbum: “Remenber Me, My Friend”, “Night Winter Years” o “Saved By The Music”, en los que también destacan sus moduladas voces. La carpeta del disco incluye en la portada una otoñal pintura de Phil Travers, artista habitual del grupo The Moody Blues, en la década de los setenta, y de algunos de sus miembros cuando grababan en solitario.

Canciones: “This Morning”, “Remember Me, My Friend”, “My Brother”, “You”, “Nights Winter Years”, “Saved By The Music”, “I Dreamed Last Night”, “Who Are You Now”, “Maybe” y “When You Wake Up”.

Músicos: Justin Hayward (guitarra y voz), John Lodge (bajo y voz), Graham Deakin (batería), Kirk Duncan (piano), Jim Cockey (violin), Tom Tompkins (viola) y Tim Tompkins (cello).

Otras portadas: Justin Hayward; Songwriter (1977), Night Flight (1980) y Classic Blue (1989). John Lodge; Natural Avenue (1977).

“Hontz Gaua” (Xoxoa). Segundo disco del sexteto vasco Haizea que con el paso del tiempo se ha convertido en uno de las grabaciones más importantes del folk-rock progresivo de los años 70. Las cinco piezas registradas en 1979, una de ellas ocupa toda una cara del elepé, adentran a quien escucha en un sonido principalmente acústico que sirve para mezclar la música de raíz popular con el rock y el jazz, de ahí que en algunos momentos se de entrada a la guitarra y a una contundente sección de ritmo, como ocurre, por ejemplo, con “Arnaki”. También destacar la limpia voz de Amaia Zubiría, a la altura de las mejores cantantes del folk-rock anglosajón, del que se notan algunas influencias en este álbum, aunque el idioma vasco es utilizado como soporte literario que consigue un impresionante lirismo, caso de “Anderea” o “Argizagi Hederra”. En “Hontz Gaua” se incluyen asimismo instrumentos como el violín, flauta, percusiónes y cello, entre otros, que sirven para resaltar melodías de excelente factura como las del largo pasaje que completa la carra B del disco: “Hontz Gaua”, un derrroche de sensibilidad a cargo de todos los componentes del sexteto, quienes no dudan en adentrarse en pasajes psicodélicos. El diseño de la carpeta del disco fue realizado por el propio grupo.



Canciones: “Anderea”, “Egunarn Hastapena”, “Argizabi Hederá”, “Arnaki” y “Hontz Gaua”.




Músicos: Xabier Lasa (guitarra y voz), C. Busto (batería, percusión y xilofón), Xabier Iriondo (flauta y guitarra), Gabriel Berrena (contrabajo y bajo eléctrico) y Amaia Zubiría (voz).

Otras portadas: Haizea (1977).

“The Velvet Underground & Nico” (Polydor). Una de las bandas más influyentes del rock tuvo su origen en New York bajo el mecenazgo del artista plástico Andy Warhol, quien se encargaría de la producción del primer disco de la citada formación liderada por el neoyorquino Lou Reed y el galés John Cale, quienes estaban apoyados por el guitarrista Sterling Morrison, la percusionista Maureen Tucker y la cantante y modelo alemana Nico. El resultado de la combinación de personajes tan dispares dio origen a un elepé de 11 canciones, la mayoría compuestas por Reed y Cale, que constituyen en la mayoría de los casos piezas rompedoras y adelantadas a su tiempo, tanto por su música como por sus textos. John Cale aporta sus conocimientos musicales que lo vinculaban con la música contemporánea, mientras que Lou Reed demuestra su cercanía al rock, jazz y blues, pero desde un punto de vista diferente en el que ahonda en los aspectos menos difundidos de la vida cotidiana en una gran ciudad, entre otros la drogadicción, el sadomasoquismo y el nihilismo. “Sunday Morning”, “I’ m Waiting for the Man”, “Heroin”, “There She Goes Again” e “I’ ll Be your Mirror” son algunas de la canciones representativas de este álbum de preserntación de “The Velvet Underground”, que el paso del tiempo no impide que se mantengan como pequeñas joyas del rock y también como punto de referencia para muchos grupos y solistas de diferentes generaciones. La carátula del disco, también una de las más conocidas dentro de la símbología pop, es obra del mencionado Andy Wharhol.

Canciones: “Sunday Morning”, “I’m Waiting for the Man”, “Femme Fatale”, “Venus in Furs”, “Run Run Run”, “All Tomorrow’s Parties”, “Heroin”, “There She Goes Again”, “I’ll Be Your Mirror”, “The Black Angel’s Death Song” y “European Son”.

Músicos: Lou Reed (guitarras, teclados y voz), John Cale (bajo, piano, guitarra, teclados y viola), Sterling Morrison (bajo y guitarras), Maureen Tucker (bajo, percusión y batería) y Nico (voz).

Otras portadas: White Light/White Heat (1967), The Velvet Underground (1969), Loaded (1970), Live at Max’ s Kansas City (1972), Velvet Underground Live (1974).

“Right place, wrong time” (Guimbarda). El guitarrista Otis Rush realizó a finales de los años 40 el periplo habitual de los músicos de blues de la zona de Misisipi consistente en instalarse en la ciudad de Chicago, donde comenzaría su carrera artística al ser contratado por algunos de los sellos discográficos de la gran ciudad que difundirían su potente voz y su estimulante toque de guitarra. Tras varios éxitos en los años años cincuenta y su aceptación en la década siguiente por el público blanco dentro de los circuitos que incluían los grandes templos de actuación del rock, caso del Fillmore, Otis se convertiría en un instrumentista de referencia del sonido West Side de Chicago. En el año 1971 grababa en San Francisco el elepé “Right place, wrong time”, pero tendrían que pasar seis años para que el disco fuese distribuido a nivel internacional de cara a los aficionados al blues eléctrico. Rush demuestra una vez más sus excelentes dotes de guitarrista, cantante y compositor. En este elepé aparecen diez piezas, de las cuales cuatro son del guitarrista, quien demuestra un ejemplar conocimiento de la música negra al tocar no sólo blues, porque algunas composiciones están influidas por el soul y el rock. “Tore up”, “Right place, wrong time”, “Easy go” y “Take a look behind”, son las canciones firmadas por Rush donde se pone de manifiesto todo su poder e influencias antes citadas, pero también hay que reconocer su acertada reinterpretación de temas de otros compositores como el encendido “Natural ball” o la reposada canción con mucha alma titulada “Rainy night in Georgia”. Todas ellas contribuyen a afianzar la figura de unos de los principales representantes del blues de Chicago, aunque comercialmente no haya tenido el éxito de otros colegas de su generación y estilo. La portada del disco fue diseñada por Elisabeth Fromager.

Canciones: “Tore up”, “Right place, wrong time”, “Three times a fool”, “Rainy night in Georgia”, “Natural ball”, “I wonder why”, “Your turn to cry”,“Lonely man” y“Take a look behind”.

Músicos: Otis Rush( vocal y guitarra), John Kahn (bajo), Fred Burton (guitarra rítmica), Ira Kamin (órgano), Ron Stallings (saxo tenor), Doug Killmer (bajo), Bob Jones (batería), Mark Naftalin (piano), John Wilmeth (trompeta) y Hart McNee (saxo alto).


Otras portadas: This One’ s Good Un (1968), Mourning in the Morning (1969), Door the Door-with Albert King (1970), Screamin’ and Cryin’ (1974), Cold Day in Hell (1976), Lost Blues (1977), Troubles, Troubles (1978), Groaning the Bles (1980) y Other Takes 1956-58 (1980).

“Smiddyburn”(Guimbarda). El londinense Dave Swarbrick tenía tras de sí un abultado currículo dentro de la música británica de base tradicional, antes de comenzar su periplo en solitario, pues su nombre aparece en las grabaciones de grupos y solistas esenciales del citado estilo: Ceilidh Band, Martin McCarthy, Ian Campbelll Folk Group y Fairport Convention. Indiscutible y creativo violinista, Dave en su quinto elepé titulado “Smiddyburn” encadena diferentes piezas populares del rico folclore de las Islas Británicas para adaptarlas a su particular forma de entender la música con raíces, en ocasiones se acerca al rock, en otras suena más tradicional, pero sobre todo derrocha virtuosismo al tocar el violín tanto en los tiempos lentos como en los más movidos. También hay que destacar en este disco la colaboración de los mejores instrumentistas de entonces del folk y del folk-rock del Reino Unido, entre otros Richard Thompson, Dave Pegg, Simon Nicol y Bruce Rowland, entre otros. La carpeta del disco incluye una fotografía sin firma de un paisaje en el atardecer.

Canciones:“ What ye wha I met the streen-The ribbons of the redhead girl-Ril gan ainm”, “Sir Charles Cootye”, “I have a wife of my ow- Lady Mary Haye’s scoth measure”, “Wishing-The victors return-The gravel walk”, “When the battle is over”, “Sword dance-The young black cow”, “Sean O’ Dwywer of the glen-The hag with the money-Sleepy Maggie” y “It suits me well”.

Músicos: Dave Swarbrick (violín, mandolina y voces), Richard Thompson (guitarra, mandolina y mandocello), Dave Pegg (bajo y mandolina), Simon Nicol (guitarra), Dave Mattacks (batería y percusión), Beryl Marriot (piano y acordeón), Roger Marriot (armónica), John McCormick (contrabajo) y Bruce Rowland (batería).

Otras portadas: Swarbrick (1976), Swarbrick II (1977), The Ceilidh (1978), Live at the Whitehear (1983) y Fittin’ (1983).

“River Deep, Mountain High” (AM Records). El matrimonio compuesto por el guitarrista Ike y la cantante Tina Turner se atrevió a ser producido por Phil Spector, un personaje conocido en el ambiente artístico de la década de los sesenta por sus propuestas novedosas como el denominado muro de sonido, una técnica de grabar varias pistas de acompañamiento para obtener un sonido a veces apabullante que tuvo aceptación entre varios grupos y solistas. En el caso del famoso dúo de soul, el estilo de Spector sirvió sobre todo para que la canción que da título al elepé quedase como uno de los hitos de los años sesenta. Sin embargo, en el disco a pesar del trabajo de Spector, la voz de Tina Turner se muestra poderosa e inspirada, pero también Ike contribuye con varias piezas compuestas por este importante guitarrista negro, entre ellas “IIdolize You”, “A Fool in Love”, “Make’ Em Wait” y “Duch Fool for You”, en las que se nota la esencia del mejor blues acelerado y soul, terrenos en los que mejor se movían Ike y Tina. El disco también recoge algunas notables versiones de piezas de conocidos compositores: “A Love Like Tours”, de Holland-Dozier-Holland, “Save the Last Dance for Me”, de Doc Pomus, y “Every Day I Have To Cry”, de Arthur Alexander. La fotografía de la carátula pertenece al actor Dennis Hooper.

Canciones: “River Deep - Mountain High”, “I Idolize You”, “A Love Like Yours (Don't Come Knocking...”, “A Fool in Love”, “Make’Em Wait”, “Hold on Baby”, “I’ll Never Need More Than This”, “Save the Last Dance for Me”, “Oh Baby!”, “Every Day I Have to Cry”, “Such a Fool for You” y “It’s Gonna Work Out Fine”.

Músicos: Producción, Phil Spector; arreglos, Jack Nitzche; cantante, Tina Turner. Instrumentistas, Leon Russell, Barney Kessel, Glen Campbell, Ike Turner y otros.

Otras portadas: The soul of Ike and Tina Turner (1960), The sound of Ike and Tina Turner (1961), Dance with Ike & Tina Turner & Their Kings of Rhythm Band (1962), Ike & Tina Turner Revue Live (1964), Live! The Ike and Tina Turner Show (1965), So Fine (1968), The Hunter (1969), Workin’ Togheter (1971) y Notbusch City Limits (1973).

“Deltics” (Reflejo). Segundo elepé del británico Chris Rea (1950) que salía al mercado el último año de la década de los setenta y que suponía la búsqueda por parte del guitarrista y compositor de un sonido personal que no alcanzaría difusión masiva hasta mediados de los ochenta, cuando su fama trascendió más allá de Europa con algunos álbumes superventas. En “Deltics” se nota el dominio de la guitarra eléctrica por parte de Rea, quien recoge en esta grabación influencias varias, desde el rock and roll a soul, boggie, blues y jazz. Del primero hay bastantes evidencias, por ejemplo en la pieza que abre disco “Twisted Wheel” o “Don’t want your best friend”, pero el peso de la música negroamericana se impone en el resto de las composiciones de Chris: “Dance”, “Raincoat and a Rose” y “Deltics”, donde de vez cuando brillan los solos de guitarra sobre orquestaciones. También a la hora de ponerse tierno Rea convence con alguna balada, caso de la que cierra el elepé: “Seabird”. La portada del disco incluye una fotografía hecha por Jacques Lowe a Chris Rea de paseo por una playa batida por las olas.

Canciones: “Twisted wheel”, “The things lovers should do”, “Dance (don’t think)”, “Raincoat and a Rose”, “Cenotaph/Letter from Amsterdam”, “Deltics”, “Diamonds, She gave it all away”, “Don’t want your best friend”, “No Qualification” y “Seabird”.

Músicos: Chris Rea (sintetizador, teclados, guitarra y voz), Robert Ahwry (guitarra), Martin Ditcham (percusión), Kevin Leach (teclados), Dave Mattacks (batería), Max Middleton (teclados) y Eoghan O’Neill (bajo).

Otras portadas: Chris Rea (1982), On the beach (1986), Dancing with the strangers (1987), New light tnrough old windows (1988) y Road to hell (1989).

“Tren de medianoche” (Polydor). Tercer disco del grupo La Frontera, que en el año 1987 ya había obtenido el reconocimiento del público por su particular rock and roll. En “Tren de medianoche” el combo afincado en Madrid resalta su estética de protagonistas de filme del Oeste parta promocionarse, como se puede apreciar en la carátula del elepé. Liderados por Javier Andreu, los miembros de la banda grabaron el disco en Ibiza e incluyeron canciones que variaban entre el rock directo y elemental a baladas con voces cuidadas, caso de la canción que lleva el título del disco. “Otro trago más”, “El rey de la noche”, “Siete calaveras” o “El fantasma del ahorcado” indican el estilo por el que apostaba La Frontera en la segunda mitad de los ochenta, una especie de banda sonora de película “espagueti-western” cantada en español y con ritmo roquero. En fin un divertimento para los componentes de la banda, quienes más adelante crearían algunos éxitos comerciales gracias a una mejor producción y muchas horas de giras por España con actuaciones en vivo. La portada del disco recoge una fotografía de Leticia Felgueroso a los miembros de La Frontera al lado de un viejo vagón de mercancías en una estación de ferrocarril madrileña.

Canciones. “Otro trago más”, “El rey de la noche”, , “Aunque el tiempo nos separe”, “Siete calaveras”, “¿Quién rompió el hechizo?”, “Habitación 206”, “Tren de medianoche”, “Mi destino”, “Todo cambiará mañana”, “El fantasma del ahorcado”, “Siempre hay algo que celebrar”.

Músicos: Javier Andreu (guitarra acústica, banjo y voz), Quino Maqueda (guitarras y coros), José Battaglio (guitarras y coros), Tony Marmota (bajo y coros), Daniel Parra (batería y coros), Eric-Jam Harmsen (teclados).

Otras portadas: La Frontera (1985), Si el whisky no te arruina (1986), Palabras de fuego (1990) y Capturados vivos (1992).

“Violent Femmes” (Slash Records). El trio de Milwake, Violent Femmes, comenzaba en 1982 su andadura musical con el elepé homónimo que con el paso del tiempo se convertiría en uno de los mejores de la década de los ochenta. Los tres entonces veinteañeros del estado de Wisconsin preferían los instrumentos acústicos para apoyar textos entre locos, divertidos e irreverentes, principalmente compuestos por Gordon Gano, quien comunicaba la furia de la juventud antisistema. Algunas de las piezas del disco demuestran las influencias del punk-rock auténtico “Blister in the Sun”, aunque otras, como “To The Kill” evidenciaban que el legado de la Velvet Underground había calado en los miembros de Violent Femmes, que entraba en la senda de los grupos independientes que años después alcanzarían su apogeo. Las diez canciones de este primer disco conforman un mosaico que demuestra la furia de tres jóvenes músicos dispuestos a seguir buscando más allá de los tópicos en que había caído el rock acomodado. Después de su excelente estreno, el trío continuará su andadura como una de las formaciones más respetadas en América y Europa. La carátula del disco incluye una obra de Ron Hugo.

Canciones: “Blister in the Sun”, “Kiss Off”, “Please Do Not Go”, “Add It Up”, “Confessions”, “Prove My Love”, “Promise”, “To The Kill”, “Gone Daddy Gone”
y “Good Feeling”.

Músicos: Victor de Lorenzo (batería, drums (snare), brass brum, tranceaphone y voz), Gordon Gano (guitarra, violin y voz) y Brian Ritchie (guitarra acústica, guitarra eléctrica, xilofón, slide whistle, jaw harp y voz). Mark VanHecke (piano).

Otras portadas: Hallowed Ground (1984), The Blind Leading the Nacked (1986) y 3 (1988).

“Abraxas” (CBS). Segundo disco de Santana (1970) con el que se consolida como una de las bandas con más porvenir de la década de los setenta, después de un primer elepé de notable éxito comercial y su consagración en directo durante el mítico festival de Woodstock (1969). Carlos Santana, líder de este combo del área de San Francisco, pero fuera del ámbito del denominado “acid rock”, supo en su momento llegar a un variopinto público gracias a su interés por realizar un mestizaje de músicas en el que se nota la influencia del jazz, blues, sonidos caribeños y el rock. Con una potente sección de ritmo, apoyada en timbales, congas y otras percusiones propias de la música afrocaribeña, teclados y una guitarra omnipresente y cálida, el disco “Abraxas” queda como uno de los hitos del rock. Su repertorio incluye nuevas versiones de piezas del bluesman británico Peter Green: “Black Magic Woman” y del latino Tito Puente: “Oye como va”, que obtuvieron el reconocimiento de los aficionados, pero también Carlos y sus compañeros demostraron una excelente imaginación a la hora de componer: “Singin Winds, Cryng Beasts”, "Incedent at Neshabur”, “Se acabó”, “Mother’s Daughter” y “Samba pa ti”, entre otras que mantienen su frescura inicial y entran en la categoría dentro de las mejores piezas del rock. La carpeta del disco recoge la obra “Annonciation”, del pintor alemán Mati Klarwein (1932-2002), un artista viajero que realizó varias portadas para discos de músicos de diferentes estilos.

Canciones: “Singing Winds, Crying Beasts”, “Black Magic Woman/Gypsy Queen”, “Oye como va”, “Incedent at Neshabur”, “Se acabó”, “Mother’s Daughter”, “Samba pa ti”, “Hope you’re Feeling Better” y “El Nicoya”.

Músicos: Carlos Santana (guitarra y voz), Greg Rolie (teclados y voz), Dave Brown (bajo), Mike Shrieve (batería), José Chepito Areas (timbales y conga). Rico Reyes (voz en “Oye como va” y voz y percusión en “El Nicoya”. Alberto Gianquinto (piano en “Incident at Neshabur”.

Otras portadas: Santana (1969), Santana III (1971), Santana & Buddy Miles! Live (1972), Caravanserai (1972), Love Devotion Surrender (1972), Wellcome (1973), Lotus (1974), Iluminations (1974), Greatest Hits (1974), Borboletta (1974), Amigos (1976), Festival (1977), Moonflower (1977), Maratón (1979), Shango (1982), Havana Moon (1983) y Blues for Salvador (1987).

“The late great Magic Sam’s Blues Band” (L+R). Magic Sam (1937-1969) es uno de los mejores guitarristas eléctricos de blues de la década de los sesenta, además de compositor de algunas piezas inolvidables como “All your love”, “Easy baby” o “Looking Good”. Representativo del “West Chicago”, Sam recogía el legado de los músicos del delta del Misisipi para adaptarlo a los tiempos que le tocó vivir, es decir blues eléctrico acompañado de su singular y magnética voz, lo cual le sirvió para trascender más allá de su ámbito como otros músicos contemporáneos de su estilo que tuvieron una excelente acogida en Estados Unidos y Europa, así como entre los aficionados al rock, a quienes sorprendió en sus principales templos como el Fillmore West. Este disco, editado después de su temprana desaparición, recoge grabaciones en Chicago de 1963 y 1964, pero también dos composiciones en directo el 3 de octubre de 1969 en el Royal Albert Hall de Londres, estas últimas dos meses antes de que Magic Sam muriese. La mayoría de las canciones fueron compuestas por Sam, pero también realiza acertadas versiones como “Hig heel sneakers”, de Tommy Tucker. Su apodo lo explica Nobert Hess: “Puede que te preguntes por qué le llaman Magic Sam, simplemente escucha este disco a buen volumen y notarás que la música es pura magia”. La portada del elepé incluye una fotografía del guitarrista, cantante y compositor hecha por Nobert Hess.

Canciones: “High heel sneakers”, “All your love”, “Tryin to make it”, “Call me if you need me”, “Look out Sam”, “Torturing my soul”, “Sometimes”, “Back door friend”, “Feeling good”, “All your fault”, “ Lookin Good” y “Easy baby”.

Músicos: Magic Sam (guitarra y voz), Mack Thompson (bajo) y Robert St. Julián (batería). Tocan también otros músicos desconocidos, según los créditos del disco.

Otras portadas: Magic Touch (1966), West Side Soul (1967) y Black Magic (1968).

“Sweetheart of the Rodeo” (Columbia Records). Después de tres años de éxitos discográficos y varios cambios de formación, The Byrds cambia de estilo en 1968 para grabar su primer elepé de country rock, un estilo que se mantendría en el grupo liderado por Roger McGuinn hasta su disolución definitiva a comienzos de la década de los setenta. De la formación original, en “Sweetheart of the Rodeo”, aparecen McGuin y Chris Hillman, pero también intervienen Gram Parsons y Kevin Kelly, así como otros reputados músicos de country, entre los que figuran Clarence White quien en la década de los setenta será uno de los mejores guitarristas del mítico grupo. Como de costumbre, The Byrds abren el repertorio de este álbum con una canción de Bob Dylan, adaptada al country, para continuar hasta un total de 11 canciones grabadas, aunque con el paso del tiempo en formato compacto se recuperaron ocho tomas diferentes: algunas repeticiones rechazadas en su día, nuevas canciones y algún instrumental. Entre el material están piezas de compositores folk y country, Woody Guthrie y Merle Haggard, entre otros, así como canciones de Gram Parsons, quien se convertirá a partir de entonces en un personaje de culto hasta su temprana desaparición. De este guitarrista, cantante y compositor se puede mencionar como una de las mejores canciones del disco “Hickory Wind”, aunque las restantes no desmerecen en nada a la hora de las comparaciones. El sonido es excelente en cuanto a que el cuarteto está magníficamente apoyado por avezados instrumentistas de música campestre norteamericana. “Sweetheart of the Rodeo” constituye un hito dentro del rock. The Byrds había encontrado una nueva vía que seguirá explotando en los siguientes discos. La carpeta del elepé recoge una parte del dibujo sobre la evolución de la vestimenta del vaquero del escultor, fotógrafo, pintor muralista, ilustrador y escritor uruguayo asentado en California José Jacinto “Jo” Mora (1876-1947), realizada en el año 1933.

Canciones: “You Ain’t Going Nowhere”, “I Am a Pilgrim”, “The Christian Life”, “You Don’t Miss Your Water”, “You’re Still on My Mind”, “Pretty Boy Floyd”, “Hickory Wind”, “One Hundred Years from Now”, “Blue Canadian Rockies”, “Life in Prison” y “Nothing Was Delivered”.

Músicos: Roger McGuinn (banjo, guitarra y voz), Gram Parsons (guitarra y voz), Chris Hillman (bajo, mandolina y voz), Roy M. “Junior” Husky (bajo), John Hartford (banjo y guitarra), Jon Corneal (batería), Earl Poole Ball (piano), Lloyd Green (steel guitar), Clarence White (guitarra), Kevin Kelley (batería) y Jaydee Maness (steel guitar).


Otras portadas: Mr. Tambourine (1965), Fifth Dimension (1966), The Best of The Byrds (1972), Preflyte (1973), The Byrds (1973) y The Byrds play Dylan (1980).

“Foosteps and Hearbeats” (Dro). Rory McLeod, hombre de circo, nómada, músico callejero, multiinstrumentista y cantor antisistema, desde muy joven este londinense de nacimiento viaja por todos los continentes con escaso equipaje y con muchas ganas de aprender del paisanaje que abundan en las ciudades y villas más insospechadas del planeta. El resultado de sus periplos es una música universal sin etiquetas, sencilla, alegre muchas veces, otras también melancólica. Su tercer disco grande, editado en 1989, ofrece un variado repertorio de canciones en el se percibe sin problema las muchas influencias adquiridas por McLeod en su provechosos viajes. Canciones de amor con fondo de música irlandesa, blues, folk en estado puro y hasta una pieza popular de raíz mejicana. Con instrumentos populares, entre ellos una omnipresente y juguetona armónica, Rory va dejando su huella musical de acuerdo con los recorridos por los países que ha visitado. De estilo inclasificable, Rory adelantó el a mediados de los ochenta lo que sería “world music”. La carátula del disco incluye una pintura de Paul Roden (toca el banjo en esta grabación) que capta el ambiente callejero en el que Rory McLeod se inspira para componer.

Canciones: “Love Like a Rock (In a Stormy Sea)”, “Till I Don't Know Who I Am”, “Collector Man”, “Moments Shared”, “Wandering Fool”, “Take Me Home”, “Singing Copper”, “A Kind of Loneliness” y “Mariachi’s Love Song”.

Músicos: Rory McLeod Guitar (armónica, percusión, trombón, batería, campanas, cucharas, bandore, finger cymbals, bottleneck guitarra, bajo y voz), Stephen Crocott (mandolina), Paul Roden (banjo), Neti Vaandrager (violin) y John Murphy (uillean pipes).

Otras portadas: Angry Love (1985), Kicking the Sawdust (1986) y Travelling Home (1991).

“Fuxan os Ventos” (Philips). A comienzos de los años setenta, un grupo mixto de doce jóvenes asentados en Lugo forman el grupo de tendencia folk Fuxan os Ventos, que constituiría una de las formaciones imprescindibles para entender la utilización del idioma propio en la canción gallega. Tras los comienzos en los escasos círculos de difusión de la música popular de aquellos años, Fuxan os Ventos consiguen pronto una excelente profesionalidad, avalada por las voces de sus componentes, unos adecuados arreglos musicales y la inclusión de textos de poetas gallegos, además de composiciones de sus miembros. En 1976 aparecía su primer disco con el mismo nombre del grupo. En la contraportada, sus integrantes definían su labor: “Cuando la canción es una necesidad vital, una expresión más del hecho de vivir cotidiano, cuando la canción significa compartir lágrimas, alegrías, trabajo, lucha… Cuando una comunidad siente todo esto, estamos delante de un producto cultural de un pueblo. Otra forma de canción es una canción muerta, adormecida y alienante”. El disco incluye 13 piezas, de las cuales la mayoría recogen textos de poetas gallegos (Celso Emilio Ferreiro y Ramón Cabanillas, entre otros), además de composición populares y de Fuxan os Ventos. Con este material, el disco se convierte en un referente de la evolución de la música popular gallega, que en el caso de este grupo en aquellos años suena a nuevo pero sin olvidarse de la rica tradición cultural de Galicia. El diseño de la carátula de este elepé es de M. Castan/I. Barea.

Canciones: “Fuxas os Ventos”, “O lelo”, “Canción pra escribir mañá”, “Canto de cego”, Labregos”, “Irmaus”, “No escuro”, “O afiadore”, “Compañeira”, “Alalá da Pena”, “Miña nai”, “O aradito” y “O lobo”.

Músicos: Manuel Fernández (flauta) y Joaquín Laria (arreglos de flauta y dirección musical). Voces y diferentes instrumentos (guitarras, percusión, zanfona) Fuxan os Ventos.

Otras portadas: “O Tequeletéquele” (1977), “Galicia canta ó neno” (1978), Sementeira (1979), “Chegaremos” (1980), “Quen a soubera cantar” (1981) y “Noutrora (1984).

“Stray Cats” (Arista). Tres norteamericanos en el Reino Unido a comienzos de los ochenta, Brian Setzer, Lee Rocker y Slim Jim Phantom, devolvieron credibilidad al rockabilly que periódicamente aparecía y rápidamente se esfumaba, como había ocurrido con los grupos y solistas británicos y estadounidenses de los setenta. El trío de la zona de New York conquistó al público inglés por su rock and roll agresivo más acorde con la época en que desarrollaron su sonido que con el de bandas y cantantes revivalistas. Con un repertorio en el que incluyen piezas propias de los componentes de Stray Cats, el grupo enseguida llegó a los oídos del público europeo con su primer elepé homónimo (1981) en el que participó como productor el veterano roquero Dave Edmunds. Algunas de las canciones del disco se convertirán en himnos de los nuevos amantes del rockabilly, algo emparentado con el punk, la new wave y, por qué no, también con los añejos ídolos de la Sun Records (el primer Elvis, por ejemplo) o los iconos Eddie Cochran, Gene Vincent y Dorsey Burnette. “Runaway Boys”, “Rock This Town” o “Rumble in Brighton”, de la cosecha de los gatos desacarriados, son algunas de las canciones que han quedado como representativas del nuevo rockabilly. El diseño de la carpeta del disco en la que aparece fotografiado el trío pertenece a Malcom Garret.

Canciones “Runaway Boys”, “Fishnet Stockings”, “Ubangi Stomp”, “Jeannie, Jeannie, Jeannie”, “Storm the Embassy”, “Rock This Town”, “Rumble in Brighton”, “Stray Cat Strut”, “Crawl Up and Die”, “Double Talkin’ Baby”, “My One Desire” y “Wild Saxaphone”.

Músicos: Brian Setzer (voz y guitarra), Lee Rocker (contrabajo) y Slim Jim Phantom (batería). Gary Barnacle (saxofón).

Otras portadas: Gonna Ball (1982), Ran’t Rave (1982), Rock Therapy (1986) y Blast Off! (1989).

“Shaka Zulu” (Warner Bros). Ladysmith Black Mambazo era un grupo conocido en los ambientes musicales africanos por su estilo “a cappella” que recogía canciones de la tradición zulú. Bajo la dirección de Joseph Shabalala, el grupo estaba formado por 10 hombres que grabaron en 1987 el elepé “Shaka Zulu” en Estados Unidos, apadrinados y producidos por Paul Simon, quien ya había tenido contacto con los sudafricanos en concreto cuando el compositor, cantante y músico de New Jersey registró el disco “Graceland”. En una etapa de difusión de la música africana en los circuitos musicales europeos y americanos, Ladysmith Black Mambazo constituyeron una revelación, sobre todo, por su calidad y su mensaje conciliador cuando todavía en el país de origen de la banda existía el apartheid. Canciones tradicionales, otras sobre la vida cotidiana y alguna pieza en inglés, calaron hondo en crítica y público de varios continentes, hasta el punto de que este disco consiguió el premio Grammy en el apartado de música popular. Desde entonces el grupo forma parte de los grandes relacionados con la música tradicional. Además su labor se amplía a la colaboración con conocidos grupos y solistas, así como la aparición de sus voces en bandas sonoras de películas de cine. La carátula del primer elepé más internacional de Ladysmith Black Mambazo, y preludio de lo que se llamaría música étnica, es obra del artista Peter Barret.

Canciones: “Unomathemba”, “Hello My Baby”, “Golgotha”, “King of Kings”, “Lomhlaba Kawunoni (The Earth Never Gets Fat)”, “How Long?”, “Ikhaya Lamaqhawe (Home of the Heroes)”, “Yibo Labo (These Are the Guys)”, “Rain, Rain, Beautiful Rain” y “Wawusho Kubani? (Who Were You Talking to?)”

Voces: Ldysmith Black Mambazo. Todas las canciones fueron compuestas por Joseph Shabalala.

Otras portadas: Induku Kethu (1984), Ulwandle Oluncgwele (1985), Inala (1986), Journey of Dreams (1988) y Unthombo Wamazi (1988).

“Greatest Hits” (London). Al Green (1946) es uno de los mejores representantes del soul sureño de Estados Unidos. La calidez de su voz y su falsete inconfundibles, así como su inspiración para componer, constituyen los principales valores a nivel artístico de este cantante del estado de Arkansas. Después de algunos discos imprescindibles de la música negroamericana de los años setenta, Green grabó en 1975 un elepé de grandes éxitos en el que se incluían algunos clásicos del soul como “Let’ s Stay Togheter”, “Call Me” o “Here I Am”, resaltados por un excelente acompañamiento instrumental con predominio de metal y sección rítmica. Con el paso del tiempo Green se convertiría en reverendo, pero esto no influiría mucho en su música, porque con el nuevo siglo volvería a grabar discos con la misma fuerza de sus mejores tiempos. En este caso, los seguidores de la música con alma recuperaban a un cantante en la línea de los grandes Sam Cooke, Otis Reding y Marvin Gaye, desaparecidos trágicamente y demasiado pronto. La portada de este grandes éxitos de Al Green incluye una fotografía del cantante en plan sexy hecha por Bob Levy.

Canciones: “Tired of Being Alone”, “Call Me (Come Back Home)”, “I’m Still in Love With You”, “Here I Am (Come and Take Me)”, “How Can You Mend a Broken Heart”, “Let’s Stay Together”, “I Can't Get Next to You”, “You Ought to Be With Me”, “Look What You Done for Me” y “Let’s Get Married”.

Músicos: Al Green (voz solista), Michael Allen (piano), Charles Hodges (órgano y piano) Archie Turner (piano) Howard Grimes (batería), Leroy Hodges (bajo), Mabon “Teenie” Hodges (guitarra), Jack Hole (trombón), Al Jackson, Jr. (bongos, congas y batería), Wayne Jackson (trompeta), Ed Logan (saxo tenor), James Mitchell (saxo barítono The Memphis Strings (cuerda), Willie Mitchell (arreglos de cuerda), Andrew Love Tenor (vocal) y Charles Rhodes (vocal).

Otras portadas: Back Up Train (1967), Green is Blues (1970), Get’ s Next to You (1971), Let’ s Stay Together (1972), I’ m Still in Love (1972), Call Me (1973), Livin for You (1973), Truth N’ Time (1978), The Christmas Album (1983) y Soul Survivor (1987).

“The 5000 Spirits or the Layers of the Onion” (Elektra). The Incredible String Band, mejor dicho Robin Williamson y Mike Heron grababan en el año1967 su segundo disco grande como grupo. En plena época de la psicodelia, este grupo británico de base folk captó la esencia de músicas en teoría exóticas que combinaban con estilos cercanos al folk y blues. Los dos músicos demostraban un notable dominio de instrumentos hasta entonces poco utilizados y procedentes de Asia y África. Solo algunos grupos y solistas famosos se atrevían a experimentar con sitares, tablas y otros instrumentos de percusión desconocidos para la mayoría seguidores del pop de los años sesenta. Aunque este tipo de sonido se pondría de moda hasta el punto que cualquier grupo con aspiraciones incluía el instrumento de turno que más convenía. Sin embargo, The Incredible String Band demostró una calidad y buen gusto insuperables por otros combos ingleses, pues Williamson y Heron avanzaron siempre con una base en la mejor tradición musical de las Islas Británicas. El diseño y trabajo artístico de la portada fueron llevados a cabo por Simon & Marijike, muy influenciados por la psicodelia y la estética mística procedente de Asía.

Canciones: “Chinese White” , “No Sleep Blues”, “Painting Box”, “The Mad Hatter's Song”, “Little Cloud”, “The Eyes of Fate”, “Blues for the Muse”, “The Hedgehog's Song”, “First Girl I Loved”, “You Know What You Could Be”, “My Name Is Death”, “Gently Tender” y “Way Back in the 1960's” Williamson 3:08

Músicos: Mike Heron (bajo, guitarra, armónica, viento, teclados y voz), Robin Williamson (flauta, guitarra, violín, batería, teclados, sitar, tamboura, gimbri, tiambales y voz), Licorice McKecnie (violín y teclados), John Hopkins (piano) y Somar (tabla y sitar).

Otras portadas: The Incredible String Band (1966), The Hangman’s Daughter (1968), Wee Tam (1968), Changing Horses (1969), The Big Huge (1969) y Be Glod for the Song Has No Ending (1970).