“Careful” (Capitol Records). La nueva ola musical azotó con igual intensidad la costa Este y Oeste de Estados Unidos, lugares en los que a partir de la segunda mitad de los años setenta surgieron centenares de grupos y solistas con aspiraciones a subir al olimpo de las estrellas de la música popular. De la zona próxima al Océano Pacífico, en concreto de la ciudad de Los Ángeles, lugar de origen de muchos de los combos militantes en el punk y otros movimientos alternativos del rock y el pop, procedían The Motels, una guitarrista y cantante, junto a cuatro experimentados instrumentistas. Esta formación conoció la fama gracias a canciones de elaborado pop-rock como el que abre el disco, la titulada “Danger”, con saxofón incluido, u otras como “Bonjour Baby” y “Days Are OK (But the Nights Were Made for Love)”. Melodías acertadas para voz femenina, solos de guitarras calculados, teclados y saxofón nada apabullantes, así como una eficaz sección de ritmo, constituyen los cimientos sobre los que se asienta el sonido de “Careful”, segundo elepé de The Motels, que resulta más elaborado que el disco de estreno del quinteto californiano. Uno de sus poderes estaba en su líder Martha Davis, también compositora, que resultaba creíble incluso en las canciones menos complacientes. La carpeta del disco está adornada con una ilustración de Duggie Fields.

Canciones: “Danger”, “Envy, Careful”, “Bonjour Baby”, “Party Professionals”, “Days Are OK (But the Nights Were Made for Love)”, “Cry Baby”, “Whose Problem?”, “People, Places and Things” y “Slow Town “.

Músicos: Martha Davis (guitarra y voz), Martin Jourad (teclados y saxofón), Michel Goodroe (bajo), Brian Glascok (batería y percusión) y Tim McGovern (guitarra).

Otras portadas: The Motels (1979), All four one (1982), Little Robbers (1983) y Shock (1985).

“Empty Glass” (Atco). Aclamado por diferentes generaciones como uno de los guitarristas más carismáticos del rock, el inglés Pete Townshend, miembro fundador de The Who, comenzaba la década de los ochenta con la evidencia de encontrarse en una situación complicada tras la muerte en 1978 del baterista Keith Moon, compañero de grupo, el cambio en los gustos musicales de los jóvenes y la decadencia creativa del legendario cuarteto británico. Pete para olvidar sus problemas, vuelve a retomar su carrera en solitario en 1980 con la grabación en Nueva York del disco “Empty Glass”, donde se puede decir que mantiene una línea parecida a lo que hacía entonces con los reformados Who. La canción que abre el disco “Rouge Boys” está dedicada a The Sex Pistols, entre otras personas, y demuestra que cuando se lo propone Townshend saca la energía que le caracteriza, aunque también se adentra en la melancolía “I Am an Animal” o en el pop convencional mediante piezas como “Keep on Working”. Los salvajes solos de guitarra de Pete no aparecen por ningún lado, aunque su dominio del instrumento es notorio, y son sustituidos por los teclados, lo cual le da un tono amable a este tercer elepé de Townshend, quien a veces recupera el tono más grandilocuente de su banda en los casos de “Cat’ s in the Cupboard” y “Empty Glass”. El diseño de la carátula del elepé está firmado por Bob Carlos Clarke.

Canciones: “Rough Boys”, “I Am an Animal”, “And I Moved, Let My Love Open the Door”, “Jools and Jim”, “Keep on Working”, “Cat’s in the Cupboard”, “A Little Is Enough”, “Empty Glass” y “Gonna Get Ya”.

Músicos: Pete Townshend (guitarra, sintetizador, teclados y voz), James Asher (batería), Mark Brzezicki (batería), Raphael Budd (metal), John “Rabbit” Bundrick (teclados), Tony Butler (bajo), Peter Hope-Evans (armónica), Kenney Jones (batería) y Simon Phillips (batería).

Otras portadas: Who Came First (1972), Rough Mix (1977), All The Best Cowboy, Have Chinesse Eyes (1982), White City. A Novel (1985), Pete Towashed’s Deep En Live! (1986).

“It Don’t Bother Me” (Earmark). El escocés Bert Jansch es uno de los guitarristas acústicos más influyentes en el ámbito del rock, tal como reconocen clásicos de este estilo como Donovan, Jimi Page o Neil Young, quienes en su juventud escucharon los valorados discos de Bert, entre ellos, seguro, este segundo elepé en solitario titulado “It Don’ t Brother Me”. Jansch lanzó a finales de 1965 un total de 14 canciones, todas compuestas por el guitarrista, menos una. La única ajena es “Lucky Thirteen”, de John Renbourn, guitarrista, amigo y compañero en Pentangle, una de las principales bandas del folk británico de los sesenta. El segundo larga duración destaca por la depurada técnica de Jansch para interpretar canciones de orientación folk, baladas intimistas, alguno que otro sentido blues y hasta una canción de connotaciones políticas: “Anti-Apartheid”. También se aprecia la influencia de la música tradicional estadounidense en “900 Miles”, pieza que interpretó al banjo. Quince años después de la edición de este disco, Bert Jansch realizó versiones nuevas de la piezas “Ring-A-Ding Bird” y “As The Day Grows Longer Now”, que fueron incluidas en el álbum “Sketches”. El diseño de la portada es original de Brian Shuel, que utiliza una fotografía hecha al guitarrista.

Canciones: “On My Babe”, “Ring-A-Ding Bird”, “Tinker’s Blues”, “Anti Apartheid”, “The Wheel”, “A Man I’d Rather Be”, “My Lover”, “It Don't Bother Me”, “Harvest Your Thoughts Of Love”, “Lucky Thirteen”, “As The Day Grows Longer Now”, “So Long (Been on the Road So Long)”, “Want My Daddy Now” y “900 Miles”,

Músicos: Bert Jansh (guitarra acústica, banjo y voz) y John Rebourn (guitarra acústica en “My Lover” y “Lucky Thirteen”.

Otras portadas: Bert Jansch (1965), Jack Orion (1966, Nicola (1967), Birthday Blues (1969), Rosemary Lane (1971), Moonshine (1973), L.A. Turnaround (1974), Santa Barbara Honeymoon (1975), Rare Conundrum (1977), Avocet (1979), Thirthen Down (1980), Heartbreak (1982), Front the Outside (1985), Leather Launderette (1989), Sketches (1990) y The Ornament Tree (1990).

“Vallecas” (Movieplay). Extremeño de nacimiento, vecino de la popular Vallecas, Luis Pastor, es el cantante insobornable que ha sabido evolucionar desde sus comienzos, en la década de los setenta, sin perder la esencia del cronista del tiempo que le toca vivir y sin caer en la autocomplacencia de la estrella de brillo efímero. En 1976 dedicaba un disco a su barriada de adopción, “Vallecas”, toda una ciudad en la gran capital, punto de partida de muchas luchas por la libertad. Con el apoyo en textos de diferentes escritores, como Jesús López Pacheco, León Felipe, Octavio Paz y Mario Benedetti, Luis le canta a la primavera, a los exiliados, al proletariado, al amor en tiempos de guerra, pero también pone música en compañía de un grupo de amigos, entre los que figuran los portugueses Fausto y Vitorino, así como destacados instrumentistas de jazz y rock y cantantes imprescindibles como Elisa Serna y Pablo Guerrero. Con semejante plantel de colaboradores no es de extrañar que “Vallecas” vaya más allá del disco de autor encorsetado en un estilo oportunista, al contrario varias de la canciones del elepé mantienen su frescura porque, como se decía en la presentación del disco, “los cantos, a veces, han de arañar los huesos y es correcto. La realidad lo hace”. Eso hace cualquiera de las piezas grabadas para “Vallecas”, desde la inicial “Coro de la primavera” a la que cierra el álbum: “Vamos juntos”. La carátula del elepé recoge un dibujo de Pedro Sánchez.

Canciones: “Coro de la primavera”, “Dos canciones para un gesto”, “Canción del exilio”, “Quisiera ser un verso manchado”, “Cancioneta”, “Vengan a ver”, “Nanas”, “Amar es combatir”, “Villancico para Rafael Alberti” y “Vamos juntos”.

Músicos: Luis Pastor (guitarras acústica y española, efectos y voz), Jean Pierre Torlois (guitarras acústica y eléctrica, mandolina y autoarpa), Carlos Llorente (flauta y percusión), Miguel Ángel Chastang (contrabajo y bajo eléctrico), Vitorino (acordeón, adufe, piano y voz), Fausto (percusión, palmas y voz), Elisa Serna (voz y palmas), Pablo Guerrero (voz y palmas) y Francis Maniglia (voz y palmas).

Otras portadas: Fidelidad (1975), Nacimos para ser libres, Amanecer (1981), Coplas del ciego (1983), Nada es real (1985), Por la luna de tu cuerpo (1986) y Agua abril (1988).

“Pedaços” (EMI-Odeon). La cantante Simone se convirtió en una de las más firmes representantes femeninas de la música popular brasileña al ser reconocida fuera de su lugar de origen, en los países de habla hispana por la canción “Começar de Novo”, compuesta por Ivan Lins y Vítor Martins, que formaba parte de la telenovela “Malú mujer”, y a nivel internacional por “Sob Medida, de Chico Buarque, de la banda sonora de la película “República dos Assasinos”, dirigida por Miguel Faria. Pero en el disco, editado en 1979, la cantante de Bahía afincada en Sao Paulo recurrió también a piezas escritas por otros reconocidos compositores de Brasil: Milton Nascimento, Fátima Guedes o Sueli Guedes, quienes pusieron letras a ritmos que representaban el movimiento de la bossa nova y la “saudade” del choro, aunque aparecen además alguna canción estandar y baladas de orientación pop, todas ellas reforzadas por el trabajo de un nutrido grupo de instrumentistas y cantantes de ambos sexos que aportan el mestizaje de una de las músicas más representativas del continente sudamericano. El diseño de la carpeta del elepé corresponde a Noguchi con fotografía de Fernando Carvalho.

Canciones: “Começar de Novo”, “Sob Medida”, “Povo da Raça Brasil”, “Condenados”, “Cordilheira”, “Outra Vez”, “Vento Nordeste”, “Saindo de Mim”, “Tô Voltando”, “Itamarandiba” y “Pedaço de Mim”.

Músicos: Gilson Peranzzetta (pianos acústico y eléctrico, órgano, sino y acordeón), Ivani Sabino (bajo), Jamil Joanes (bajo), Alemao (Olmir Strocker) (guitarra), Helio Delmiro (guitarra), Chico Batera (percusión), Alceu de Almeida Reis (cello), Nelson Ayres (piano Yamaha, piano eléctrico), William Caram (batería), Chico Betera (bongo), Pinduca (marimba), Roberto Sion (saxo alto), Serginho (saxo alto, marimba y flauta), Milton Nascimento (violao), Robertinho Silva (batería, caixa, surdo y agogô), Ubiratan (xéquere y tumbadora), Zéluiz, Marcio Lott, Ronaldo, Roberto, Toninho, Martizinha, Regininha, Regina y Luna (coro), Franco (voz), Copinha (flauta en sol), Jorginho (flauta en sol), Celso Woltzenlogel (flauta bajo), Braz Limongi (oboe), Maiton (piano, saxo soprano y voz), Toninho (cuerdas, violao, flauta y voz), Helio Delmiro (violao), Danilo Caimmy (flauta bajo, solo), Alceu (cavaquinho), Luna (tamborin), Elizeu (tamborin), Godinho (surdo), Marçal (cuica), Ed Maciel (trombón), Elizeu (agogó) y Franklin (voz). Orquesta de cuerdas: Pareshi (Spala), Vidal, Walter Hack, Carlos Eduardo Hack, Lana, Francisco Perrotta, Piersanti, Luiz Carlos, Astrogildo, Marcelo Pompeu, Wilson Teodoro y Virgílio Arraes (violines).Violas: Penteado, Stephany, Nelson Macedo y Nathércia. Cellos: Watson, Alceu, Iura y Bariola.

Otras portadas: Simone (1973), Quatro paredes (1974), Gotas d’Agua (1975), Face a Face (1977), Cigarra (1978), Amar (1981), Corpo e alma (1982), Desejos (1984), Vicio (1987) y Seduçao (1988).

“Tommy” (Polydor). El cuarteto británico The Who afrontaba la década de los setenta con la salida al mercado en mayo de 1969 del disco doble “Tommy”, primera ópera rock del grupo, género musical que se podía llevar al directo, como quedó demostrado en el festival de Woodstock, donde fue presentada una de sus piezas, en concreto “We re Not Gonna Take It”, lo cual confirmó una vez más el éxito de la banda inglesa en Estados Unidos, cuyas actuaciones constituían la afirmación de un espectáculo intenso presidido por una música dura y la sincronización de los cuatro componentes del combo. A partir de su puesta en venta, “Tommy” adquirió el marchamo de la mejor ópera rock hasta entonces, con la consiguiente trascendencia a otros ámbitos. Así la historia escrita por el guitarrista Pete Townshed, sobre un ser ciego, sordo y mudo que recupera sus sentido en la edad adulta hasta convertirse en mago del pinball y guía espiritual, consigue la carta de seriedad al ser grabada en septiembre de 1971 en versión sinfónica con la Orquesta Sinfónica de Londres. Después vendrían sus adaptaciones al teatro y al cine. De la película se encargaría Ken Russell que sería estrenada en 1975 y de la que también habría banda sonora diferenciada del disco original. De este quedaron para la posteridad roquera algunas canciones como “I’m free”, “The Acid Queen” o“Pimball Wizard”, es decir las que mejor se adaptan al formato pop de no más de cuatro minutos de duración, aunque también se incluyen pasajes largos: “Underture”, instrumental de cerca de diez minutos. El disco doble a pesar de su unidad como álbum conceptual recuerda que a The Who como un grupo influido por diferentes estilos musicales que se perciben en su ópera y con los que llevaban conviviendo desde su formación a comienzos de los sesenta, desde rhythm blues a elaborado pop. El diseño e ilustración de la portada están firmados por Mike McInnerney.

Canciones: “Overture”, “It’s a Boy”, “1921”, “Amazing Journey”, “Sparks”, “The Hawker”, “Christmas”, “Cousin Kevin”, “The Acid Queen”, “Underture”, “Do You Think It’s Alright?”, “Fiddle About”, “Pinball Wizard”, “There’s a Doctor”, “Go to the Mirror!”, “Tommy, Can You Hear Me?”, “Smash the Mirror”, “Sensation”, “Miracle Cure”, “Sally Simpson”, “I’m Free”,“Welcome”, “Tommy's Holiday Camp” y “We’re Not Gonna Take It”.

Músicos: Roger Daltrey (armónica y voz), Pete Townshend (guitarra, tecaldos y voz), John Entwistle (bajo, teclados y voz) y Keith Moon (batería y voz).

Otras portadas: My Generation (1965), A Quick One (1966), The Who Sell Out (1967), Magic Bus (1968), Live at Leeds (1970), Who’ s Next (1971), Meaty Bigand Bouncy (1971), Quadrophenia (1973), The Who by Numbers (1975), Who Are You (1978) y The Kids Are Alright (1979).

“Running on Empty” (Asylum Records). Disco en directo de Jackson Browne con material grabado en actuaciones, detrás del escenario y en el autobús de los músicos en gira, según el compositor y cantante norteamericano, que a partir de este elepé comenzó a ser más conocido, en parte por la vieja canción “Stay” del grupo Maurice Williams and The Zodiacs, que volvió a ser éxito de ventas en 1977 gracias a la versión que incluía la voz en falsete de David Lindley, multiinstrumentista y colaborador habitual de Browne, como la mayoría de los participantes en el primer disco oficial en vivo de Jakson. Tras unos primeros elepés en estudio de gran calidad que lo encumbraron entre los cantantes-compositores de culto, Browne realizó una gira por Estados Unidos de la que recogió una parte mínima de las canciones utilizadas en vivo, la mayoría composiciones propias, aunque aparezcan algunas foráneas como la ya mencionada “Stay” y “Cocaine”, del bluesman Reverendo Gary David. Los cortes primero y tercero de la cara A, “Running on Empty” y “You Love the Thunder”,“sirven en primer lugar para dar nombre y ofrecer un estilo más roquero en comparación con el intimismo típico del Jackson Browne de grabaciones como “For Everyman” o “Late for the Sky”. Tampoco faltan guiños al country-rock en alza de mediados de los setenta, estilo que se confirma también como uno de los preferidos por Browne para este disco en directo. Violines, steel guitar y guitarras acústicas, son los instrumentos que apoyan composiciones de aire campestre y folk que trascienden fuera del ámbito de los especialistas en géneros musicales para llegar a un público variado, lo cual consiguió un Jackson Browne más asequible a partir de “Running on Empty”. Joel Bernstein firma el montaje fotográfico utilizado para adornar la carpeta del disco.

Canciones: “Running on Empty”, “The Road”, “You Love the Thunder”,“Shaky Town”, “Love Needs a Heart”,“Nothing but Time”,“The Load-Out” y “Stay”.

Músicos: Jackson Browne (guitarra, piano, teclados y voz), David Lindley (violin, guitarra, steel guitar, lap steel guitar y voz), Craig Doerge (teclados), Jon Douglas Haywood (bajo y voz), Dani “Kootch” Kortchmar (guitarra, percusión y voz), Rus Kunkel (batería y percusión), Leland Sklar (bajo), Joel Bernstein (voz) y Rosemary Butler (voz).

Otras portadas: Jackson Browne (1972), For Everyman (1973), Late fo the Sky (1974), The Pretender (1976), Lawyers in Love (1983), Lives in the Balance (1986) y World in Motion (1980).

“Bluesmen 2” (Guimbarda). Blues grabado en la penintenciaría de Angola en el Estado de Luisiana (Estados Unidos), en fechas sin concretar, pero que puede ser a comienzos de los sesenta. Henry Oster recogió blues en estado puro, interpretado por hombres privados de la libertad y que cumplen condena en una cárcel granja del sur de Norteamérica. El disco es un excelente documento de la tradición musical negroamericana, que en el caso de los cantantes y músicos encarcelados también sigue los patrones del blues, es decir adaptar viejas canciones a sus experiencias. En el caso de las 13 canciones incluidas en este recopilatorio, la mayoría está relacionada con la falta de libertad, el desarraigo y la temática sexual, pero con una fuerte carga de crudeza que impone su recogida en un lugar en el que faltan los medios sofisticados de grabación para pulir un estilo que no lo necesita en casos como los de estos reclusos cantantes instrumentistas, quienes se expresan de mejor o peor manera, aunque con sinceridad. “Penitentiary blues”, Ball on chain for me”, “Lonesome blues”, “Standing at the Greyhound bus station”, “Rock me mama” y “Tell me pretty baby” muestran la otra cara de los bluesmen más marginales que necesitan la música como terapia o como forma de comunicarse. La carpeta del disco ofrece la imagen sin firma de una escena habitual de un lugar de trabajo para los reclusos negros.

Canciones: “Duckin’ and dodging”, “My baby got to go”, “Penitentiary blues”, “Lonesome blues”, “They’ll miss when I’ m gone”, “Rock me mama”, “Boll weevil blues”, “Hard headed woman”, “Standing at the Greyhound bus station”, “Tell me pretty baby”, “Ball an chain for me”, “Bad luck blues” y “Going to my old used to be”.

Músicos: Hogman Maxey, John Henry, Otis Webster, Guitar Welch, J. Butcher y The Cool Cats.

Otras portadas: Angola Prison Worksongs (1959).

“Ti, Galiza” (Ariola). El lugués de O Valadouro, Miro Casabella, con una década de trabajo musical, incluida su presencia en el movimiento Voces Ceibes, grababa en octubre de 1976 su primer elepé en solitario dedicado a su tierra y paisanos. Las canciones del disco con arreglos y dirección musical de José María Branco y Luis Pedro Faro, incluye asimismo instrumentación popular, gaitas y zanfona, que realza la galleguidad de este trabajo, donde la música se apoya en textos de conocidos autores gallegos. Xosé Manuel Casado, Ramón Cabanillas, Celso Emilio Ferreiro, Luis Pimentel, Uxío Novoneyra y Xavier Costa, cuando no es el autor el que presenta un texto propio o la adaptación de alguna estrofa popular. Las letras de las canciones de los citados escritores de diferentes generaciones representan una tendencia social muy en la línea del trabajo de Miro Casabella, implicado a mediados de los setenta, como ya había hecho con anterioridad, en la búsqueda de la normalización de la lengua y cultura gallegas. Esta tendencia resalta sobre todo en canciones recitadas como la que da el título al elepé o “Comenzo de canto” en las que se evidencia la reivindicación nacionalista. La cubierta del disco representa el grabado “Son moitos anos de estar no potro…compañeiros”, de Enrique Ortiz Alonso.

Canciones: “O meu pai”, “A maleta”, “A gran muralla”, “María Soliña”, “Anacos”, Ti, Galiza”, “Canzón para que un neno non durma”, “Goethe”, “O mariscal”, “Comenzo de canto” y “A bandeira”.

Músicos: Miro Casabella (zanfona y voz), Luis Pedro Faro (flautas del renacimiento caja y percusión), Xosé Casal (gaita), Miguel López (gaita), José María Branco (órgano Hammond y zanfona) y Anxeles Rubial (voz).

Otras portadas: Treboada (1979).

“Water Bearer” (Bronze Records). Sally Olfield sorprendió con su primer elepé en solitario grabado en 1978 en el que se incluía la popular canción “Mirrors”, pero el disco iba más allá de la grabación coyuntural destinada a la lista de éxitos. Sally, hermana de otros músicos, entre los que destaca Mike Olfield, quien colabora en el larga duración de estreno, demuestra ser una excelente instrumentista y una sensible compositora que se atreve a la adaptación musical de obras literarias, como algunas de las más épicas de J.R.R. Tolkien, antes del éxito cinematográfico alcanzado por el “Señor de los anillos” tres décadas después. “Water Bearer” ofrece una cara con una pieza de larga duración “Song of the Quendi”, llena de sensibilidad, instrumentación copiosa y voces anelicales, que culmina con la pegadiza pero atractiva “Mirrors”. La segunda cara se aproxima más al pop y al rock pero se agradece la presencia, además de teclados de toda clase, de instrumentos propios de lo que luego se denominaría “world music”. La portada del elepé recoge una vaporosa fotografía de Paul Wakefield, que se adelanta a la estética de la “new age”.

Canciones: “Water Bearer”, “Songs of the Quendi: Night Theme/Ring Theme/Wam Pum Song/Nenya/Land of the Sun”, “Mirrors”, “Weaver”, “Night of the Hunter’s Moon”, “Child of Allah”, “Song of the Bow”, “Fire and Honey” y “Song of the Healer”.

Músicos: Sally Oldfield (guitarras acústica, eléctrica y española mandolina, marimba, tubaphone, glockenspiel, pipe organ, percusión, teclados, viento, arreglos y voz), Mike Oldfield (mandolina), Brian Burrows (saxo tenor y voz), Herbie Flowers(double bass), Tim Weather (percusión y cymbals), Jean Price (arpa), Frank Ricotti (percusión, cabassa, bongos, vibrafono y Trevor Spencer (percusión y batería).

Otras portadas: Easy (1979), Celebration (1980), Femme (1987) y Collection (1988).

“Teaser and the Firecat” (A&M). Este disco de Cat Stevens corresponde a la mejor etapa artística del cantante y compositor británico, cuando su particular estilo se encontraba asentado gracias a sus dos anteriores álbumes, respectivamente “Mona Bon Jakon” y Tea for the Tillerman”, algunas de cuyas canciones se difundieron con éxito fuera del Reino Unido. En 1971, “Teaser and the Firecat” convierte a Cat Stevens en uno de los compositores más populares de habla inglesa, entre otros motivos por piezas fundamentales de su obra como “Rubylove”, “Morning Has Broken”, “Moonshadow” y “Peace Train”, que se han convertido en clásicos del pop de los setenta. Con un ajustado acompañamiento musical en el que destacan las guitarras acústicas, piano y coros vocales, algún que otro instrumento exótico, caso del bouzouki griego de “Rubylove”, complementan las sensibles e intimistas canciones no exentas de calidad incluidas en “Teaser and the Firecat”. La carátula del disco, como ocurre con otras de elepés de Cat Stevens, presenta una ilustración del propio cantante, quien también acierta en esta faceta artística.

Canciones: “The Wind”, “Rubylove”, “If I Laugh”, “Changes IV”, “How Can I Tell You”, “Tuesday’s Dead”, “Morning Has Broken”, “Bitterblue”, “Moonshadow” y “Peace Train”.

Músicos: Cat Stevens (guitarra, teclados y voz), Alun Davies (guitarra), Rick Wakeman (piano), Harvey Burns (batería), Gerry Conway (batería y voz), Angelos Hatzipavli (bouzouki), Andreas Toumazis (bouzouki), Larry Steele (bajo y conga) y Del Newman (cuerdas).

Otras portadas: Matthew & Son (1967), Mona Bone Jakon (1970), Tea for the Tillerman (1970), Catch Bull at Four (1972), Foreigner (1973), Buddha and the Chocolate Box (1974), Izitso (1977) y Back to Earth (1978).

“Manassas” (Atlantic). El guitarrista tejano Stephen Stills era conocido suficientemente a comienzos de los años setenta como para que cualquiera de sus grabaciones generase interés entre los asiduos del mundo del rock. Con un espectacular currículum, Stills puso en marcha un proyecto musical bajo el evocador nombre de Manassas, banda en la que militaban miembros de The Byrds, Flyng and Burrito Brothers, Dillards y reputados músicos de sesión, algunos de los cuales era acompañantes de la otra superbanda en la que tocaba Stephen: Crosby, Stills, Nash and Young. El debut discográfico de “Manasas” se produce en el año 1972 con el doble elepé homónimo que está divido en cuatro partes, en las que se evidencia la excelente comunicación entre los miembros del grupo para desarrollar con pericia y sensibilidad todas las composiciones incluidas en las cuatro caras de los dos discos. El primero recoge piezas enmarcadas en estilos como el rock, música caribeña (principalmente la percusión), bluegras y country, mientras que el segundo disco está dedicado al folk-rock, blues y rock. En total 16 canciones muy aprovechables para transitar por un sonido que ahonda en la evolución del rock de los años setenta. La carpeta del disco está adornada con una fotografía del septeto, hecha por Ira H. Wexler.

Canciones: “Song Of Love”, “Rock And Roll Grazies”, “Cuban Bluegrass”, “Jet Se (Sigh)”, “Anyway”, “Bath Of Us (Bound To Lose)”, “Fallen Eagle”, “Jesus Gave Love Away For Free”, “Colorado”, “So Begings The Task”, “Hide It So Deep”, “Don’ t Look At My Shadow”, “It Doesn’t Matter”, “Jhonny’s Garden”, “Bound To Fall”, “How Far”, “We Move Around”, “The Love Gangster”, “What To Do”, “Right Now”, “Treasure (Take One)” y “Blues Man”.

Músicos: Stephen Stills (voz, guitarras eléctrica y acústica y teclados), Al Perkins (guitarra, steel guitar y voz), Chris Hillman (guitarra, mandolina y voz), Joe Lala (timbales, conga, percusión y voz), Calvin “Fuzzy” Samuel (bajo), Paul Taylor (teclados), Dallas Taylor (batería), Jerry Aiello (teclados), Byron Berline (violin), Roger Bush (bajo acústico), Bill Wyman (bajo) y Sidney George (armónica).

Otras portadas: Down the Road (1973).

“Life’s A Riot With Spy Vs Spy” (Utility). El británico Billy Bragg con sus veintitantos años a cuestas se presentaba en 1983 con un mini elepé que anunciaba la línea a seguir por este trovador izquierdista en la línea de los cantautores más combativos surgidos en la década de los treinta. En esta ocasión la hipotética arma era una guitarra eléctrica a la que Billy sacaba sonidos poco condescendientes con las melodías, pues de lo que se trataba era de narrar las miserias de un presunto estado de bienestar en declive, desde el punto de vista de un joven de izquierdas que apostaba por la independencia frente a las grandes compañías discográficas. Era la etapa de la primera ministro Margaret Tatcher, del paro, el consumismo desaforado, las ilusiones perdidas de una juventud que no levanta cabeza, el militarismo, el amor traumático y otras grandes y pequeñas cosas que Bragg va describiendo en las ocho canciones de su debut discográfico, de su estilo poco pulido pero directo. El diseño de la carpeta del disco corresponde a la línea artística utilizada por Go! Discs.

Canciones: “The Milkman Of Human Kindness”, “To Have And To Have Not”, “Richard”, “A New England”, “The Man In The Iron Mask”, “The Busy Girl Buys Beauty” y “Lovers Town Revisited”.

Músicos: Billy Bragg (guitarra eléctrica y voz).

Otras portadas: Talking With the Taxman About Poetry (1986), Workers Playtime (1988), The Internationale (1990) y Don’ t Try This At Home (1991).

“Tomorrow” (WEA). El trompetista sudafricano Hugh Masekela, junto al grupo Kalahari, grabó en la ciudad de Londres en 1986 el elepé titulado “Tomorrow”, que se abría con la canción “Bring Back Home”, alusiva a la liberación y vuelta a casa del líder de la mayoría negra de Sudáfrica Nelson Mandela. En la segunda mitad de los ochenta, la música africana había obtenido un notable reconocimiento a nivel internacional, principalmente en Europa, de ahí que muchos grupos y solistas de diferentes países del continente negro pudiesen dar salida a sus obras y promocionarlas por todo el mundo. Además, conocidas estrellas del pop, como Paul Simon, grabaron con formaciones africanas, que de esta manera fueron conocidas fuera de sus lugares de origen. Hugh Masekela, sin embargo, era un veterano trompetista que ya había tenido éxito desde comienzos de los sesenta tanto en Sudáfrica como en América y Europa, al representar entonces las figuras emergentes del jazz periférico. En “Tomorrow”, Masekela está acompañado de músicos africanos que facilitan el sonido “beat” sudafricano de este disco, principalmente en las canciones con lengua nativa como la reivindicativa y ya mencionada “Bring Back Home”, “Mayibuye” y “Ke Bale”. Por otra parte, las piezas cantadas en inglés recogen el multiculturalismo de Masekela y sus acompañantes, quienes no dudan en aproximarse a otros sonidos, por ejemplo, jazz-rock, funk y música caribeña, todos ellos con el fondo de unos coros muy africanos. El diseño de la carpeta del disco corresponde a Johnny String, Bill Lovelady, Kenni & Tony, quienes se apoyaron en una fotografía de Carolina Irwin y John Ross.

Canciones: “Bring Back Home”, “Mayibuye”, “Kebale”, “London Fog”, “Everybody’s Standing Up”, “Bird On The Wing”, “Somethng For Nothing” y “Serengeti”.

Músicos: Hugh Masekela (voz, flugelhorn, trompeta y percusión). Kalahari: John B. “Longwe” Selolwame (guitarras y voz), Mopati “Bully” Tsienyane (batería y voz), Banjo T Mosele (guitarra rítmica), Michael Timothy (teclados y sintetizador), Francis Fuster (congas y percusión), Aubrei Oaki (bajo) y Sonti Mndebele (voz). Músicos adicionales: Don Freeman (teclados, sintetizador, bajo, saxo y flauta), Bill Lovelady (guitarras acústica y eléctrica), Richard Stevens (batería), Clive “Mayuyu” Mngaza (batería) Michael Osapanin (trombón) y Mark Millington (saxo tenor). Voces adicionales: Tu Nokwe, Tsepo Tshola, Patricia Knight y Beverly Skeele

Otras portadas: Trumpet Africane (1962), The Casting Impression of Ooga Booga (1966), Grr (1966), The Promise of a Future (1968), I Am Not Afraid (1973), The Boy’s Doin’ It (1975) y Techno Bush (1984).

“The Live Adventures of Michael Bloomfield & Al Kooper” (Columbia). Dos de los instrumentistas más carismáticos de los sesenta, el guitarrista Michael Bloomfield y el teclista Al Kooper se volvían a unir en septiembre de 1968 para protagonizar unas actuaciones en el legendario Fillmore West de San Francisco, que iban a quedar recogidas en un disco doble en el que también aparecen otros artistas conocidos como Carlos Santana y Paul Simon. De este último se incluye “The 59th Street Bridge Song”, una versión muy en la onda del rock que se desarrollaba en la bahía de San Francisco, pero esta canción no es la única que toma prestada el dúo. Dentro de esa línea participativa y de compartir experiencias se pueden escuchar “I Wonder Who”, “The Weight”, “That’ s All Right” o “Green Onions”. El resto del repertorio incluido en este álbum sirve para comprobar el sonido en directo con sus aciertos y fallos de dos grandes del rock de los sesenta que ya habían coincidido juntos en alguno de los discos de Bob Dylan y actuaciones en directo del mismo. La carátula del disco recoge el retrato realizado a los Bloomfield y Koper por Norman Rockwell (1894-1978), uno de los grandes pintores e ilustradores norteamericanos del siglo XX.

Canciones: “Opening Speech”, “The 59th Street Bridge Song”, “I Wonder Who”, “Her Holy Modal Highness”, “The Weight”, “Mary Ann”, “Together ‘Til The End Of Time”, “That’s All Right”, “Green Onions”, “Opening Speech”, “Sonny Boy Williamson”, “No More Lonely Nights”, “Dear Mr. Fantasy”, “Don’t Throw Your Love” y “Finale–Refugee”.

Músicos: Michael Bloomfield (guitarra eléctrica), John Kahn (bajo), Al Kooper (guitarra eléctrica, teclados y voz), Carlos Santana (guitarra) y Paul Simon (voz).

Otras portadas: Supersession (1968).

“Barrabás” (RCA). El ex baterista de Los Brincos y compositor, Fernando Arbex (1941-2003) ponía en marcha un grupo a comienzos de los setenta en Madrid, después de varios intentos de reorientar su carrera fuera de la influencia del pop que tantos éxitos le había dado. Con Barrabás, Arbex consiguió ya con su primer disco un sonido más cercano a los ritmos caribeños reconducidos por la industria discográfica y la música negroamericana más bailable de entonces, principalmente el funk. El debut del grupo madrileño en 1972 constituye sin duda un acierto porque varias canciones consiguen en aquellos años de cambios musicales el reconocimiento del público y de los programadores de las emisoras de radio dedicadas a la promoción musical. Entre las piezas que han permanecido a pesar del paso del tiempo están “Wild Safari” y“Woman”, aunque entre el resto del repertorio se encuentran otras opciones interesantes: “Cheer Up” o “Rock and Roll Everybody”, que destacan por la frescura del sonido comercial de Barrabás, que en pocos años se convertiría en uno de los grupos españoles más vendedor de discos y en pionero del denominado sonido latino. La portada del disco no aparece firmada, aunque Salvador Domínguez en el libro titulado “Bienvenido Mr. Rock…” escribe que el diseño de la carátula corresponde al cantautor y artista plástico Luis Eduardo Aute.

Canciones: “Wild Safari”, “Try and Try”, “Only for Men”, “Never in This World”, Woman”, “Cheer Up”, “Rock and Roll Everybody” y “Chicco”.

Músicos: Fernando Arbex (batería y voz), Juan Vidal (piano y piano), Miguel Morales (guitarra acústica, bajo y voz), Ricky Morales (guitarra y voz), Ernesto “Tito” Duarte (saxofón, flauta, percusión y voz) e Iñaki Egaña (voz y bajo).

Otras portadas: Power (1973), Soltad a Barrabás (1974), Heart of the city (1975), Watch Out (1976), Bestial (1982), Piel de Barrabás (1982) y Forbidden (1984).

“David’ s Album” (Vanguard). Disco country de Joan Baez, grabado en 1969 en Nasvhille, la capital de dicho estilo, donde conocidos músicos de sesión de la citada ciudad colaboraron con la cantante y compositora, quien dedicó este álbum a su entonces marido, David Harris, militante antibelicista durante la década de los sesenta. Canciones tradicionales, entre otras “”Will The Circle Be Unbroken”, “Poor Wayfaring Stranger” y “Just A Closer Walk With Thee; composiciones de conocidos del country como “Glad Bluebird Of Happines” o “My Home’s Across The Blue Ridge Mountains”, y alguna aportación de nuevo compositor, caso de “Hickory Wind”, de Gram Parsons, constituyen la base del larga duración. Joan se adapta muy bien a los ritmos campestres apoyada por un grupo de excelentes profesionales, entre los que figuran “The Jordanaires”. La cantante con su inconfundible y bien afinada voz también aprovecha para incluir alguna composición de su propiedad, con lo cual el álbum dedicado a su marido descubre la versatilidad de la artista que consigue, a la vez, uno de sus mejores discos de estudio. Bajo la dirección de Jules Halfant, la propia Joan Baez se encargó del dibujo de la portada que retrata a David Harris.

Canciones: “If I Knew”, (N. Duschek, P. Marden) “Rock Salt And Nails”, (B. Phillips), “Glad Bluebird Of Happiness”, (D. Skrabak), “Green, Green Grass Of Home”, (C. Putnam), “Will The Circle Be Unbroken”, (traditional), “The Tramp On The Street”, (J. Baez, G. Cole, M. Solomon), “Poor Wayfaring Stranger”, (traditional), “Just A Closer Walk With Thee”, (traditional) , “Hickory Wind”, (B. Bucannan, G. Parsons) y “My Home’s Across The Blue Ridge Mountains” (T. Ashley)

Músicos: Joan Baez (guitarra y voz), Harold Bradley (guitarra), Ken Buttrey (batería), Fred Carter (mandolina), Pete Drake (steel guitar), Junior Huskey (bajo), Tommy Jackson (violin), The Jordanaires (voces), Jerry Kennedy (guitarra), Grady Martin (dobro, guitarras y mandolina), Mimi Fariña (voz),, Bill Purcell (piano), Norbert Putnam (bajo), Jerry Reed (guitarra), Hargus Robbins (piano y teclados), Hal Rugg (dobro, steel guitar y guitarras), Buddy Spicher (violin y viola) y Pete Wade (guitarra)

Otras portadas: Joan Baez (1960), Joan Baez II (1961), Joan Baez V (1964), Farevell Angelina (1965), Any Day Now (1968), One Day at a Time (1970), Blessed Are (1971), Gracias a la vida (1974), Diamonds & Rust (1975), Very Early Joan (1983) y Recently (1988).

“Mediterráneo” (Novola-Zafiro). Joan Manuel Serrat, el “noi del Poble Sec”, poeta del día a día, de las pequeñas cosas, de la libertad, grababa durante el año 1971 en Milán uno de sus discos más conocidos y escuchados: el que lleva el nombre del mar que baña su tierra natal. Con esta obra, Serrat se universaliza al captar la esencia de la vida, el amor, la muerte, el paisaje, la alegría. En fin, como dice en una de las canciones de este disco:”Son aquellas pequeñas cosas/que nos dejó un tiempo de rosas/en un rincón/en un papel/ o en un cajón”. Todas las canciones fueron compuestas por Serrat, quien sin embargo incluye un poema del escritor, entonces en exilio, León Felipe, que lleva el título de “Vencidos”, un amargo canto al que se contraponen composiciones más optimistas como la que da título al disco o “Vagabundear”. Cual juglar moderno tampoco faltan los cantos de amor alegres y amargos de “La mujer que yo quiero” y “Lucía”, esta última todo un himno de diferentes generaciones que acogieron sin complejos las sinceras estrofas del cantante catalán, quien además supo captar la soledad de “Pueblo blanco”, la infancia perdida para siempre en “Barquito de papel” y el desencuentro entre madre e hija en “Qué va a ser de ti”. Todas estas canciones han contribuido desde 1971 a consolidar el disco “Mediterráneo” como uno de los más importantes de la música popular española, pues sus letras con patrimonio de millones de personas que se las saben de memoria estrofas como “Quizás porque mi niñez/sigue jugando en tu playa/y escondido tras las cañas/duerme mi primer amor;/llevo tu luz y tu olor/por dondequiera que vaya”. La portada del elepé fue diseñada por Enric Satué con fotografías de Colita.

Canciones: “Mediterráneo”, “Aquellas pequeñas cosas”, “La mujer que yo quiero”, “Pueblo blanco”, “Tío Alberto”, “Qué va ser de ti”, “Lucia”, “Vagabundear”, “Barquito de papel” y “Vencidos”.

Músicos: Joan Manuel Serrat (voz). Gian Piro Reverberi y Juan Carlos Calderón (dirección musical). Juan Carlos Calderón, Gan Piero Reverberi Antoni Ros Marbá (arreglos).

Otras portadas: Ara que tinc vint anys (1967), Cançons tradicionals (1968), Dedicado a Antonio Machado, poeta (1969), Mi niñez (1970), Serrat /4 (1970), Miguel Hernández (1972), Per al meu amic (1973), Para vivir (1974), 1978 (1978), Cada loco con su tema (1983), Serrat al Grec (1983), Fa vint anys qe tinc vint anys (1984), El Sur también existe (1985) y Sinceramente teu (1986).

“Cantata Sudamericana” (Philips). La tucumana Mercedes Sosa (1935) protagoniza en 1972 la grabación de “Cantata Sudamericana”, en cuya composición intervienen el músico Ariel Ramírez y el escritor Félix Luna, también argentinos como la cantante. En forma de obra conceptual, aunque cada canción sea independiente en estilo, Mercedes Sosa se encarga de poner su inspirada voz para hacer un particular recorrido por diferentes países sudamericanos con el objetivo de difundir ritmos que van desde los más populares a otros desconocidos. Sin embargo, el disco se abre con la pieza titulada “Es Sudamérica mi voz”, que se acompaña de instrumentos de la música popular de este continente pero sin definir ningún estilo, como si se tratase de la canción colectiva de los pueblos que habitan América del Sur. Bossa nova, música toba, ritmos de la Pampa, vals peruano, cantos religiosos y melodías caribeñas están representadas magníficamente, gracias sobre todo a la personal y profunda voz de Mercedes Sosa, fiel en todo momento a los cantos auténticos de los diferentes lugares de Latinoamérica. La carátula del elepé ofrece una ilustración de Mellari.

Canciones:”Es Sudamérica mi voz”, “Canta tu canción”, “Antiguos dueños de flechas”, “Pampas del sur”, “Acércate cholito”, “Oración al sol”, “Sudamericano en Nueva York” y “Alcen la bandera”.

Músicos: Mercedes Sosa (voz), Ariel Ramírez (piano y clavecín), Kelo Palacios (charango), Raúl Mercado (quena), George Kenny (órgano), Gustavo Fernández (requinto), Santiago Bertiz (cuatro y guitarra), Domingo Cura (percusión), León Jacobson (percusión), Enrique Roizner (percusión), Óscar Além (contrabajo), Raúl Cerruti (aseor de los ritmos tobas) y Los Arroyemos (conjunto vocal).

Otras portadas: Canciones con fundamento (1965), Yo no canto por cantar (1966), Con sabor a Mercedes Sosa (1966), Mujeres argentinas (1969), El grito de la tierra (1970), Traigo un pueblo en mi voz (1973), A que florezca un pueblo (1975), Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui (1977), A quién doy (1980), En Argentina (1982) y Vengo a ofrecer mi corazón (1985).

“Gravity” (Scotti Brothers) De James Brown (1933-2006), una de las grandes figuras de la música negra desde los años cincuenta, escribía en 1969 el crítico de música pop, el británico Nik Cohn: “Se ha convertido en algo más complejo que un mero cantante: es el símbolo definitivo de todo lo que los negros pueden ser, del dinero que pueden ganar, del estilo que pueden conseguir, de la arrogancia que pueden alcazar…Es un hombre pequeño, más bien feo, pero es un bailarín maravilloso, con una voz rara, histérica, penetrante, increíblemente alta. Little Richard, Arthur Brown, John Lennon, P.J. Proby…todos son cuchicheadores a su lado. Y básicamente lo que hace es construir un esquema sencillo: una corta frase musical muy sincopada, que machaca una y otra vez, haciéndose contestar por la orquesta, y estableciendo una repetición infinita, subiendo poco a poco la tensión hasta llegar a ser casi dolorosa físicamente”. A pesar de su grandeza, Brown también pasó por momentos difíciles, así en la segunda mitad de los ochenta grababa el elepé “Gravity” (1986), un disco en el que el denominado “mister dinamita” reivindicaba su aportación a estilos modernos entonces funk, hip-hop y rap, a los cuales, sin duda, se adelantó. El disco recoge algunas canciones con la fuerza característica que Brown sabía trasmitir en sus actuaciones, a pesar de la producción muy en la onda de los ochenta con apabullante presencia de modernos teclados e instrumentos programados: “Gravity”, “Tur Me Loose, I’ m Dr. Feelgood” y “Goliat”, mientras que en la parte más suave, pero de calida y profunda voz, como en los viejos tiempos, convence “Return To Me”. Por su parte, “Living In America”, uno de los éxitos de este disco, formaba parte de la banda sonora de la patriótica película Rocky IV. La portada de “Gravity” incluye una fotografía de Bonnie Schiffman, quien retrataba a un sonriente y rejuvenecido Brown.

Canciones: “Gravity”, “Let’s Get Personal”, “How Do You Stop”, “Turn Me Loose, I’m Dr. Feelgood”, “Living In America”, “Goliath”, “Repeat The Beat (Faith)” y “Return To Me”

Músicos: James Brown (órgano y voz), Dan Hartman (sintetizador, guitarra, bajo, teclados, programación y voz ), Eddie Fairlight III (percusión y batería), Crispin Cioe, Bob Funk , Arno Hecht Horn y Hollywood Paul Litteral (metales), Ray Marchica (batería), Charlie Midnight (voz), Alison Moyet (voz), Maceo Parker (saxo alto), George Recile (batería), T.M. Stevens Guitar (bajo y voz), Stevie Ray Vaughan (guitarra), Steve Winwood (sintetizador) y Art Wood (batería)

Otras portadas: Please Please Please (1959), Night Train (1961), Live At The Apollo (1963), Pure Dynamite, Live At The Royal (1964), I Got You (I Feel Good) (1966), Cold Sweat (1967), Live At The Apollo (1968), Getting’ Down To It (1969), Soul On Top (1970), Sex Machine (1970), Revolution Of The Mind (1971), There It Is (1972), Black Caesar (1973),The Payback (1973), Hell (1974), The Original Disco Man (1981), Bright It On! (1983) y Doing to Death 1970-1973 (1984).