The Fine Art Of Surfacing (Mercury). Tercer disco del grupo irlandés The Boomtown Rats, grabado en 1979 y con el que entra definitivamente en el olimpo de las bandas triunfadoras de la nueva ola, sobre todo por la canción I Don’ t Like Mondays, compuesta por el líder y cantante del sexto, Bob Geldof, quien a partir de entonces se convertirá en todo un fenómeno mediático hasta finales de la década de 1980. El elepé, además del número 1 en las listas del Reino Unido antes mencionado, ofrece un paseo por lo que constituye un adelanto de la música de los nacientes ochenta. Punk, ska, soul y otros estilos populares convenientemente actualizados por Geldof y su grupo como se puede comprobar tras oír canciones como Someone’s Loking At You, Diamond Smiles, Having My Picture Taken o Nothing Happened Today. La portada del disco recoge una ilustración del artista Lorne Miller.


Canciones: Someone’ s Looking At You. Diamond Smiles. Wind Chill Factor (Minus Zero). Having My Picture Taken. Sleep (fingers Lullaby). I Don’ t Like Mondays. Nothing Happened Today. Keep It Up. Nice ‘N’ Neat. When The Night Comes.


Músicos: Bob Geldof (voz), Gerry Cott (guitarra), Garry Roberts (guitarra y voz), Johnnie Fingers (teclados y voz), Pete Briquette (bajo y voz) y Simon Crowe (batería y voz).

Otras portadas: The Boomtown Rats (1977), Tonic For The Troop (1978) y Mondo Bongo (1981).

Cocodriles (Sire). El cuarteto Echo & The Bunnymen contribuyó a comienzos de la década de 1980 con su primer elepé a que la ciudad de Liverpool recuperase el esplendor musical adquirido durante la primera mitad de los sesenta. Echo & The Bunnymen recogía las influencias del punk tardío y la lejana psicodelia de la década prodigiosa. De la segunda se nota en las primeras canciones de los ingleses un tono en voz e instrumentos cercano a los californianos The Doors y los neoyorquinos The Velvet Underground, aunque la guitarra de Will Sergeant y la sección de ritmo apuntan hacia un lirismo entre épico y fatalista que determinará buena parte de las inconfundibles melodías de los británicos. El estreno discográfico de Echo & The Bunnymen queda como uno de los mejores elepés de inicios de los ochenta. En él se incluyen brillantes piezas como Goin Up, Do It Clean, Rescue, Pride y Happy Death Mean, entre otras, cantadas por Ian McCulloh. La carátula del disco se adorna con una fotografía realizada por Brian Griffin al grupo en el bosque de Rickmansworth.

Canciones: Going Up. Do It Clean. Stars Are Stars. Pride. Monkeys. Crocodiles. Rescue. Villiers. Read It in Books. Pictures on My Wall. All That Jazz. Happy Death Men

Músicos: Ian McCulloh (voz y guitarra), Will Sergeant (guitarra), Les Pattison (bajo) y Pete de Freitas (batería). David Balfe (teclados y producción).

Otras portadas: Heaven Up Here (1981), Porcupine (1983), Ocean Rain (1984), Echo & the Bunnymen (1987) y Reverberation (1990).

Arroutada Pangalaica (Dro). El quinteto coruñés Os Diplomáticos de Monte Alto presentaba en el año 1991 su primer disco de larga duración en el que aparecía registrada una completa colección de canciones divertidas con base en diferentes estilos como el folk, rock, punk, ska y música popular gallega. Con el apoyo de la Fundación Resentidos, liderada por el polifacético Antón Reixa, el estreno de los de Monte Alto no pasó desapercibido por representar una alternativa válida a los grupos que defendían las canciones tradicionales (de taberna, marineras, festivas, humorísticas), pero con una imagen más renovada y una explosiva mezcla de instrumentos tradicionales (acordeón) y roqueros (guitarra eléctrica, bajo y batería). Así piezas como A tropa da tralla, San Furancho, Maruja Pito o Non chas quero, todas cantadas en gallego, sentaron las bases de lo que en adelante se conocería como rock bravú, alentado por el líder de la banda de la popular barriada de la ciudad de A Coruña, Xurxo Souto. El diseño de la portada pertenece al propio Xurxo y la compañía discográfica Dro.

Canciones: Subastado. A tropa da tralla. Parrochas. San Furancho. Marujo Pita. Platinos. 120 capadores. Palavea. Dr. Kananga. Trangalla. Non chas quero.

Músicos: Xurxo Souto (voz), Rómulo Sanjurjo (acordeón), Juan Varela (guitarra), Mangüi Martín (bajo) y Marcos Viascón (batería).

Otras portadas: Parrús (1993) y ¡Avante toda! (1995).

Greatest Hits (Arista). Cuando en 1976 salió a la venta este disco recopilatorio, The Monkees formaba parte de la leyenda en torno a los grupos de pop que se montaron en Estados Unidos para engancharse al éxito de las bandas de la denominada “british invasión” de los sesenta, encabezadas por The Beatles. Las comparaciones en este caso también resultan odiosas, pero al final The Monkees se ha convertido en una referencia del pop. En este elepé de grandes éxitos se encuentran las mejores canciones del cuarteto con base en Los Ángeles (California), en concreto las correspondientes al periodo de tiempo 1966-1969. Avalados por el éxito de su serie para la televisión estadounidense, donde aparecían las figuras de la psicodelia y el underground sesenteros, los cuatro componentes del grupo contribuyeron a dejar algunas canciones inolvidables, ya fueran compuestas por otros o propias, como I’m Believer, Last Train To Clarksville, A Little Bit Me A Little Bit You, (I’m Not Your) Steppin’ Stone y Shades of Gray. La portada de este disco recoge la típica imagen del grupo para adolescentes que con el tiempo subiría muchos puestos en la escala del pop.

Canciones: (Theme from) The Monkees. Last Train To Clarksville. She. Daydream Believer. Listen to the Band. A Little Bit Me, A Little Bit You. I’m a Believer. I Wanna Be Free. Pleasant Valley Sunday. (I’m Not Your) Steppin’ Stone. Shades of Gray.

Músicos: Michael Nesmith (guitarra y voz), Peter Tork (bajo y voz), Micky Dolenz (batería, teclados, guitarra y voz) y Dave Jones (voz).

Otras portadas: The Monkees (1966), More Of The Monkees (1967), Headquarters (1967), Piscis, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. (1967), The Birds, The Bees & The Monkees (1968), Head (1969) y The Monkees Present (1969).

Alright Again! One More Mile (Compañía Fonográfica Española. Serie Bluesmen). Disco doble de Clarence Gatemouth Brown (1924-2004), uno de los guitarristas más representativos de la música popular negroamericana de la segunda mitad del siglo XX. Editado el doble álbum en España en 1984, el primer disco fue grabado los días 2 y 8 de junio de 1981 en el Studio In The Country, Bogalusa, Louisiana (título original: “Alright again!”. Ingeniero de grabación y mezclas: David Farell. Ayudante de grabación. Eugene Foster. Producido por Jim Bateman y Scott Bilington. El disco 2 fue grabado en octubre de 1982 en el Studio In The Country, Bogalusa, Louisiana (título original “One more mile”). Ingeniero de grabación y mezclas: David Farell. Ayudante de grabación: Bruce Irvine. Producido por Scott Billinton, Clarence Brown y Jim Bateman. Según Yorke Corbin: “Este es un álbum que Gate siempre había querido grabar hace muchos años. En realidad, estas sesiones son su primera oportunidad en dos décadas –desde su última grabación para la firma Peacock de Houston- de grabar con una gran banda de ritmo y “blues”. La selección de canciones es una mezcla de originales del nuevo Gatemouth Brown y canciones poco conocidas, compuestas por algunos de sus contemporáneos, más dos grabaciones del clásico material de Peacock. Se usó muy poco doblaje en la manufactura de este álbum. Después que ensayaba un tema, se grababa la orquesta en directo. En el álbum encontramos una unión maravillosa entre la presión y la sofisticación; la inconfundible guitarra de Gatemouth Brown y su violín le ponen fuego a un conjunto de arreglos difíciles de llevar a cabo y que nos muestran a un maestro de la música popular americana tocando en la cúspide de su forma”. El diseño de la portada corresponde a Susan Harsh. Fotografía: Sydney Byrd. Adaptación de la carpeta: Silvia Valentí

Canciones: Disco 1. A-Frosty (III). Strollin’ With Bones (I). Give Me Time To Explain. Baby Take It Easy (III/V). Sometimes I Slip (I/II/III). B-I Feel Alright Again (I). Alligator Boogaloo (IV). Dollar Got The Blues (I/III). Honey In The Be-Bo. Gate Walks To Board (III/IV)”. Disco 2.A-Information Blues. Song For Renee (I). Stranded (I/VI). Sunrise Cajun Style (I). Big Yard (VI).B-Ain’ t That Dandy (I). One More Mile (VI). I Wonder. Flippin’ Out. Near Baku (VI).


Músicos: Disco 1. Clarence Gatemouth Brow (voz, guitarra y violín (A4), Larry Sieberth (piano), David Fingers Fender (piano y órgano Hammond), Red Lane (guitarra rítmica), Myron Dove (bajo), Lloyd Herrman (batería), Bill Foots Samuel (saxos alto y tenor y arreglos de viento (I), Alvin Red Tyler (saxo tenor y arreglos de viento (II), Joe Chanpagnski Sunresi (saxo barítono y arreglos de viento (III), Stanton Davis Jr. (trompeta y areglos de viento (IV) y Jim McMillen (trombón y arreglos de viento (V). Disco 2. Clarence Gatemouth Brow (voz, guitarra y violín), Graig Wroten (piano), Miles Kevin Wright (bajo), Robert Shipley (batería), Bill Foots Samuel (saxos alto, tenor y barítono, flauta alto y arreglos de viento (I), Homer Brown (saxo tenor y arreglos de viento (VI), Bobby Campo (trompeta y flauta) Ernie Gautreau (trombón) y Tommy Moran (guitarra con pedal steel).

Otras portadas: San Antonio Ballbuster (1948), Guitar In My Hand (1949), The Blues Ain’ t Nothin’ (1972), Down South In The Bayou Country (1975), Gate’ s On The Heat (1975), Bogalusa Boogie Man (1976), Real Life (1987) y Standing My Ground (1989).

The Six Wives of Henry VIII (A&M Records). Este es el disco en solitario del pianista británico Rick Wakeman que le sirve para iniciar una ascendente carrera en la denominada música sinfónica de los años setenta. El teclista se inspiró en las seis esposas del rey Enrique VIII de Inglaterra con el fin de reinterpretar musicalmente las singulares personalidades de las mujeres del pintoresco y sangriento tirano de la monarquía inglesa. Con la colaboración de diferentes músicos del ámbito del rock británico, entre ellos sus compañeros del grupo Yes con el que acababa de grabar uno de los mejores elepés de la banda, Wakeman utiliza en las composiciones de The Six Wives of Henry VIII todo tipo de teclados como el entonces exótico melotrón, con el que pone las notas progresivas de este álbum de éxito en su época. Las seis canciones son indicativas de la inspiración de joven genio de los teclados en alza a comienzos de los setenta. El tiempo demostraría, con nuevas entregas discográficas, que cumplió las expectativas generadas con este disco primerizo en solitario. La carátula del disco ofrece una fotografía de Bruce Rae realizada a Rick Wakeman en el museo de Madame Tussaud.

Canciones: Catherine of Aragon. Anne of Cleves. Catherine Howard. Jane Seymour. Anne Boleyn. Catherine Parr

Músicos: Rick Wakeman (teclados), Alan White (batería), Barry de Souza (batería), Bill Bruford (batería), Chas Cronk (bajo), Chris Squire (bajo), Dave Cousins (banjo eléctrico), Steve Howe (guitarra), Dave Lambert (guitarra), Dave Winter (bajo), Frank Riccotti (percusión), Les Hurdle (bajo), Mike Egan (guitarra), Ray Cooper (percusión),
Sylvia McNeill (voz), Barry St. John (voz), Judy Powell (voz), Laura Lee (voz) y Liza Strike (voz).

Otras portadas: Piano Vibrations (1971), Journey To The Centre Of The Earth (1974), The Myths & Legnds Of King Arthur & The Knights Of The Round Table (1975), Lisztomania (1975), NO Earthy Connection (1976), White Rock (1976), 1984 (1981), Silent Nights (1985), Country Airs (1986) y Time Machine (1988).

Vampyria (Edigsa). Elepé grabado en el año 1974 por los pianistas catalanes Tete Montoliu (1933-1997) y Jordi Sabatés. El primero uno de los jazzmen destacados de Europa. El segundo comenzó en el ámbito del rock para convertirse en un notable divulgador tanto de la música popular como clásica, así como la composición de bandas sonoras para cine. La unión de estos pianistas de reconocido talento produjo este disco que incluye la comunicación entre los dos músicos mediante una docena de piezas muy intimistas e influenciadas por el jazz y la música contemporánea. La crítica en su día recordó que escuchando las composiciones del larga duración Vampyria, título de resonancias baudelerianas, se asiste a la metamorfosis estética del mito en una interpretación sorprendente por su agilidad y brevedad instrumental, "donde la improvisación y la espontaneidad sustituyen cualquier condicionamiento previo". El diseño de la carpeta del elepé corresponde a Edicions Raimon Cuixart.

Canciones: Canço de Bressol 3. Ligeia. Stonehenge. Mirando al caballo Claro. Blues Para el pianista de. Canço de Bressol 1. Canço de Bressol 2. Moyenne girl. Marcha fúnebre. Tristesses de la lune. Invitation au voyage. Canço de Bressol 4.

Músicos: Tete Montoliu (piano eléctrico) y Jordi Sabatés (piano clásico).

Otras portadas: De Tete Montoliu: Body And Soul (1971), Recordando a Line (1972), Tete! (1974), Tete a Tete (1976), Catalonia Folksongs (1977), Lunch In L.A. (1979), Catalonia Nights vol. 1 (1981), Catalonia Nights vol. 2 (1989) yThe Man From Barcelona (1990).
De Jordi Sabatés: Jordi Sabatés i Toti Soler (1973), El Seyor dels anells (1974), Ocells del més enllá, Tot L’ enyor de dema (1976), Duets amb Santi Arisa (1979), The Ragtime Dance (1983), Noche oscura (1984), A través del Mirall (1986) y El secret de la criolla (1988).

Nuevas aventuras (Dro). Cuarteto representativo de la nueva ola de León, Los Cardíacos ponía a la venta en 1986 su segundo elepé de reconocida influencia del rock de los años sesenta, es decir pop, psicodelia, soul y rhythm and blues. Entre las versiones con letra en español hay que destacar No cambies tus planes, Te vas a enterar y Alguien a quien amar, popularizadas sucesivamente por Rare Earth, The Kinks y Solomón Burke. En cuanto a la producción propia, los leoneses realizan un excelente trabajo en El adiós, La lluvia del ayer, Arden los corazones y Psicogótico, muestras del renacimiento que tuvo la psicodelia en la música pop de los años ochenta. El grupo se adentra también en la senda del pop con influencias de la canción española de raíz flamenca, caso de la pieza titulada Arden los corazones, que representa una parte de la versatilidad del grupo a la hora de exponer sus gustos musicales. El diseño de la carátula del elepé lleva la firma de Toño Pedrada, artista que supo adaptar su creación al gusto de entonces de los miembros de la banda leonesa.

Canciones: El adiós. Ya verás que bien. No cambies tus planes. Te vas a enterar. Alguien a quien amar. La lluvia del ayer. Arden los corazones. Psicogótico.

Músicos: Luismi (guitarra y voz), Kike (guitarra, bajo y voz), Mako (batería y voz) y Toño (teclados).

Más portadas: Los Cardíacos (1984) y Héroes y villanos (1992).

García (Nuevos Medios). Segundo elepé de Jerry García (1942-1995) pero con la colaboración de varios colegas de Greateful Dead, Robert Hunter y Bill Kreutzmann, quienes se aventuraban a grabar en solitario o a participar en discos de otros personajes del rock de la bahía de San Francisco. En este álbum se mantiene en las formas el estilo de los Grateful Dead más accesibles de sus grabaciones en estudio, principalmente de American Beauty y Workingman’s Dead. Muestras de esta tendencia, entre folkie, country y psicodelia, hay varias en el elepé: Deal, Sugaree, Loser, Too Lay Me Down y The Wheel, aunque a veces García apunta con hacia el rock ácido, como pasa en Spidergawd cuando no apuesta abiertamente por los sonidos experimentales de la música de vanguardia: Late For Supper. García tiene tiempo también para algunas piezas lentas como Bird Song y para demostrar su personal toque de guitarra en la mayoría de las composiciones escritas por él junto a sus compañeros Hunter y Kreutzmann. La portada del disco contiene un montaje fotográfico del maestro de la imagen Bob Seidemann.

Canciones: Deal. Bird Song. Sugaree. Loser.Late for Supper. Spidergawd. Eep Hour.To Lay Me Down. An Odd Little Place.The Wheel.

Músicos: Jerry Garcia (guitarras, pedal steel, bajo, piano, órgano y voz), Robert Hunter (guitarra), Bill Kreutzmann (batería), Michael Omartian (teclados), Larry Carlton (guitarra), Amos Garret (guitarra), Ben Benay (guitarra), Terry Adams (chelo), Richard Greene (violin), Bobbye Hall (percusión), Merry Clayton (voz), Clydie King (voz) y Maria Muldaur (voz).

Otras portadas: Hooteroll (1971), García (1974). Reflections (1976), Cats Under The Stars (1978), Run For The Roses (1982) y Almost Acoustic (1988).

El hombre del traje gris (BMG). El año de lanzamiento de este disco, 1988, Joaquín Sabina era uno de los cantautores que triunfaba en los escenarios españoles y vendía miles de discos a sus seguidores, un público heterogéneo al que cautivaba con sus canciones actuales en problemáticas y directas en letras, acompañadas de una música entre pop y rock que daba entrada a otros estilos populares, por ejemplo en este larga duración se incluye Rap del optimista. El propio Sabina manifestaba que era el elepé más serio de su vida, menos comercial y el más sentido. “Este disco es especialmente siniestro y macabro. Son doce historias de las que por lo menos diez son absolutamente pesimistas, porque la realidad es una absoluta desmesura”, añadía el cantante quien volvía a colocar varias canciones de este disco entre las más escuchadas, entre ellas ¿Quién me ha robado el mes de abril?, Una de romanos o Juegos de azar. El disco sería la carta de presentación de Joaquín en algunos países latinoamericanos donde pronto alcanzaría un importante éxito. La carpeta contiene un dibujo de Diseño de Juan Vida.

Canciones: Eva tomando el sol. Besos en la frente. ¿Quién me ha robado el mes de abril?. Una de romanos. Nacidos para perder. Peligro de incendio. ¡Al ladrón, al ladrón!. Los perros del amanecer. Rap del optimista.

Músicos: Joaquin Sabina (voz, coros y guitarra acústica), Pancho Varona (guitarraacústica, guitarra eléctrica y coros), Antonio García de Diego (guitarra acústica, guitarra eléctrica, teclados y coros), John Parsons (guitarra eléctrica), Jaime Asúa (coros y guitarra en Los perros del amanecer y ¿Quién me ha robado el mes de abril?, Javier Mora (teclados), Esteban Cabezas (bajo eléctrico, excepto en Eva tomando el sol y Quién me ha robado el mes de abril), José Nodar (bajo en Eva tomando el sol y Quién me ha robado el mes de abril), Javier Mora (bajo sintetizado en Los perros del amanecer y Cuando aprieta el frío), Sergio Castillo (batería acústica, excepto en Eva tomando el sol y Quién me ha robado el mes de abril), Paco Benito (batería acústica en Eva tomando el sol y Quién me ha robado el mes de abril, y batería programada en Los perros del amanecer), Vicente Climent (batería programada en Una de romanos), Wally Fraza (percusiones), Ester Godinez (percusiones y coros), Javier Paxariño (metales), Andreas Prittwitz (metales), José Luis Medrano (metales), Jim Kahisian (metales), Mercedes Doreste (coros), Maisa Hens (coros), Doris Calés (coros) y Osvaldo Larrea (bandoneón en Cuando aprieta el frío).

Otras portadas: Inventario (1978), Malas compañías (1980), Ruleta rusa (1984), Juez y parte (1985), En directo (1986) y Hotel, dulce hotel (1987).

Fathers and Sons (Compañía Fonográfica Española). Uno de los músicos más influyentes del blues moderno, Muddy Waters (1915-1983) no tenía inconveniente en grabar con músicos blancos más jóvenes, como queda demostrado en este disco doble que incluye una parte en estudio y otra en directo. Muddy es sin duda el padre de esta pequeña historia musical recogida en Chicago en abril del año 1969 por la compañía Chess. Sus hijos son Mike Bloomfield, Paul Butterfield y Buddy Miles, a quienes se suman otros músicos de blues como Otis Spann, Donald Duck Dunn, Samy Lay, Jeff Carp, Paul Sbell y Phil Upchurch. La guitarra eléctrica con bottleneck de Muddy Waters resalta por su tono agudo en este repaso por algunas de las composiciones más conocidas del bluesman y las versiones de piezas de Willie Dixon y Eddie Boyd. Un dibujo de Don Wilson adorna la portada de este disco doble, en la que se reinterpreta un motivo pictórico de la capilla Sixtina realizado por Miguel Ángel

Canciones: All Aboard. Mean Disposition. Blow Wind Blow. Can’ t Lose What You Ain’t. Never Had. Walkin’ Thru The Park. Forty Days And Forty Nights. Standin’ Round Cryn’. I’m Ready. Twenty Four Hours. Sugar Sweet. Long Distance Call. Baby Please Don’t Go. Honey Bee. The Same Thing. Got My Mojo Working (part. 1). Got My Mojo Working (part. 2).

Músicos: Muddy Waters (guitarra y voz), Otis Spann (piano), Michael Bloomfield (guitarra), Paul Butterfield (armónica), Donal Duck Dunn (bajo), Sammy Lay (batería), Buddy Miles (batería), Jeff Carp (armónica), Paul Asbell (guitarra rítmica) y Phil Upchurch (bajo).

Otras portadas: At Newport (1960), Folk Singer (1964), Down On Stovall’s Plantation (1966), After The Rain (1969), The London Muddy Waters Sessions (1971), Woodstock Album (1975), I’ m ady (1978), Muddy Mississippi Waters Live (1979) y King Bee (1981).

Horses (Arista Records). Una vez más un disco grabado en la ciudad de Nueva York se convierte en hito de los cambios de rumbo del rock. Si diez años atrás la formación The Velvet Underground nacía como banda rompedora e iconoclasta a seguir en lo sucesivo por diferentes generaciones, a finales de 1975 Patti Smith recogería el testigo de abanderada de una nueva forma de hacer el rock. Su primer disco grande, Horses, sin grandes despliegues instrumentales pero apoyado en un sonido de rebosante energía propio de las bandas de garaje, anuncia el nacimiento del punk mediante cantos como la relectura de Gloria o Land. La segunda representa a la Patti Smith más lírica a su manera, emparentada con otros representantes del rock con ínfulas literarias (Jim Morrison, por ejemplo), que no duda en componer todas las canciones. Algunas son auténticos poemas sobre el devenir existencial de las criaturas que pueblan una gran urbe, entre las que hay que tener en cuenta también Birdland, Free Money, Kimberly y Break It Up. La fotografía de Patti Smith en la portada fue realizada por su compañero de bohemia neoyorquina, el fotógrafo Robert Mapplethorpe (1946-1989).

Canciones: Gloria (In Excelsis Deo y Gloria). Redondo Beach. Birdland. Free Money. Kimberly. Break It Up. Land (Horses, Land of a Thousand Dances y La Mer(de). Elegie.

Músicos: Patti Smith (guitarra y voz), Richard Sohl (piano), Lenny Kaye (guitarra), Ivan Kral (bajo, guitarra y voz) y Jay Dee Daugherty (batería). Tom Verlaine (guitarra) y Allen Lanier (guitarra). Produccion. John Cale.

Otras portadas: Radio Ethiopia (1976), Easter (1978), Wave (1979) y Dream of Life (1988)

The Tannahill Weavers (Guimbarda). Este quinteto escocés grabó su tercer elepé en un estudio de Edimburgo en 1979, año en que la denominada música celta se encontraba en un excelente momento. Asimismo el elepé supuso una vía de promoción de la música tradicional de las Islas Británicas, pues la mayoría de las composiciones pertenecen al acervo popular, solamente Farewell To Fiunary y Lady Mary Anne corresponden a autores contemporáneos. Éstas y las demás canciones contribuyeron a que Tannahill Weavers obtuviera en 1980 la nominación de mejor grupo de música folk. En el disco se incluyen tanto piezas instrumentales como cantadas de gran vitalidad como The Geese In The Bog/The Jig of Slurs, Tae The Weavers Gin Ye Gang/The Blackberry Bush, Willie Cummings/The Red Speckled Hen/Dalena McKay o The Gipsy Laddie, que sirven para realizar un repaso a las distintas melodías y danzas tradicionales de Escocia, con protagonismo de instrumentos de viento (gaitas y flautas) y cuerda (violín, mandolina, banjo y guitarra acústica) aunque a veces la melancolía invade el ambiente con baladas como la ya mencionada Farewell To Fiunari, Ned Of The Hill (Or Captain Carswell)/The Yewe Wi’The Crooked Horn/The Marquis Of Tullibardine o Lady Mary Anne. La carátula del elepé presenta la fotografía de un medallón diseñado por Norman MacLeod. La adaptación de la carpeta es de Ángel González Ortiz.

Canciones: The Geese In The Bog/The Jig Of Slurs. Jock Stewart. Tae The Weavers Gin Ye Gang/The Blackberry Bus. Farewell To Fiunary/Heather Island. Willie Cummings/The Red Speckled Hen/Dalena McKay. The Marchant’s Son/Dr. Ross 50 th Welcome The Argyllshire Gathering. Ned Of The Hill (Or Captain Carswell/The Yewe Wi’The Crooked Horn/The Marquis Of Tullibardine. The Gipsy Laddie. Lady Mary Anne.


Músicos: Alan Macleod (gaitas), Michel Ward (violín), Roy Gullane (guitarra y banjo), Hudson Swan (guitarra y mandolina) y Phil Smillie (flautas).





Otras portadas: Are You Sleeping Maggie (1976), Old Woman’s Dance (1978), Tannahill Weavers IV (1981), Land Of Light (1986) y Cullen Bay (1990).

Blows Against The Empire (RCA). Uno de los guitarristas del grupo californiano Jefferson Airplane, decide grabar un disco grande en 1970 con el título de Paul Kantner Jefferson Starship. En él participan, entre otros, varios miembros de Grateful Dead, Crosby, Nash y Jack Casady, quienes a la vez son amigos y colaboradores en proyectos musicales que desarrollaban desde finales de los sesenta en San Francisco. El disco se basa en una novela de ciencia ficción escrita en términos contraculturales por Kantner, quien sitúa a sus personajes en la búsqueda de un planeta para poder vivir en libertad. El disco mantiene la esencia musical de los últimos discos de Jefferson Airplane, aunque se incluyen teclados y efectos de sonido que combinan muy bien en las canciones más espaciales, incluso resulta curioso el pedal steel de Jerry García en Have You Seen The Stara Tonite, una de las mejores piezas del elepé. Del resto hay que resaltar el rock pesado de Mau Mau y Let’s Go Together, así como las armonías vocales de Kantner con Grace Slick en la psicodélica A Child Is Coming. La portada de la carpeta del elepé se adorna con una escena representativa del arte popular ruso de una caja de laca pintada.

Canciones: Mau Mau (Amerikon). The Baby Tree. Let’s Go Togheter. A Child Is Coming. Sunrise. Hijack. Home. Have You Seen The Stars Tonite. X.M. Starship.

Músicos: Paul Kantner (guitarra, banjo, bajo y voz), Grace Slick (piano y voz), David Crosby (guitarra y voz), Jack Cassady (bajo), Harvey Brooks (bajo), Jack Casady, Joey Covington (batería y congas), Jerry García (guitarra, banjo y pedal steel), David Freiberg (voz), Mickey Hart(percusión), Peter Kaukonen (guitarra), Bill Kreutzmann (batería) y Graham Nash (congas y voz).

Otras portadas: Sungfigther (1971), Baron Von Tollbooth & The Chrome Nun (1973) y The Planet Earth Rock Andl Roll Orchestra (1983).

Surfing With The Alien (Food For Thought). El estadounidense Joe Satriani es uno de los mejores guitarristas de rock que iniciaron su andadura discográfica en los años 80 con grabaciones instrumentales de gran calidad. El virtuosismo de Satriani facilita su faceta de difundir la música instrumental con especial protagonismo de la guitarra eléctrica, pues en los años de sus primeros discos era muy difícil acceder a la grabación de un álbum instrumental de base roquera. En esta línea se encuentra su segundo elepé que no identifica al músico con un estilo concreto, pues en las 10 composiciones del álbum hay de todo un poco aunque con predominio de rock duro, heavy y algún boggie acelerado. Always With Me, Always With You, Satch Boggie, Circles, Lords Of Karma y Echo constituyen excepcionales vehículos para el lucimiento de este guitarrista de inimitable técnica plena de sensibilidad que lo hace más accesible a un variopinto público y lo convierte en uno de los mitos vivientes del rock. La portada del disco, grabado en 1987, es obra de Jim Kolowski.



Canciones: Surfing With The Alien. Ice 9. Crusing Day. Always With Me Always With You. Sarch Boogie. Hill Of The Skull. Circles. Lords Of Karma. Midnight. Echo.


Músicos: Joe Satriani (guitarra, bajo, teclados, percusión y batería programada), Bong Bob Smith (batería programada, diseño de sonido y percusión), Jeff Campitelli (batería y percusión), John Cuniberti (percusión) y Jeff Kreeger (pre produción programada y diseño de sonido).





Otras portadas: Not Of This Heart (1986) y Flyng In A Blue Dream (1989).

Toto (CBS). La historia del grupo Toto es el cuento perdurable de las bandas de rock que pusieron en marcha músicos de sesión con ganas de protagonismo y éxito, como es el caso de esta formación de Los Ángeles (California). A finales de los setenta (1978), reputados instrumentistas deciden entrar en la industria discográfica después de años de trabajo con todo tipo de combos y solistas, lo cual contribuirá a que Toto desde el primer momento se encumbre en las emisoras, discotecas y actuaciones en directo dentro de los cánones de la AOR (rock orientado para los adultos). La habilidad de sus miembros estaba en el aprovechamiento de estilos populares como el rock, funk, hard, r&b y new wave, que mezclados inteligentemente produjeron bombazos como Hold the line, todo un himno de finales de los setenta que contribuyó además a crear escuela entre grupos seguidores de la estela de Toto. En su estreno discográfico resaltan también piezas como I’ll Suply The Love, Georgy Porgy, Girl Goodbye y Angela. La carátula de este disco tiene protagonista al conocido artista norteamericano Philip Garris.



Canciones: Child’ s anthem. I’ll Suplí The Love. Georgy Porgy. Manuela Run. You Are The Flower. Girl Goodbye. Takin’ IT Back. Rockmaker. Hold The Line. Angela.



Músicos: Boby Kimball (voz), Steve Lukather (guitarra y voz), David Hungate (bajo), David Paich (teclados y voz), Steve Porcaro (teclados y voz) y Jeffrey Porcaro (batería y percusión).

Otras portadas: Hydra (1979), Turn Back (1981), Toto IV (1982), Isolation (1984), Fahrenheit (1986) y The Sevent One (1988).

“Crash” (Virgin). El grupo de Liverpool Orchestral Manoeuvres In The Dark mantenía a mediados de los años ochenta su condición de banda de referencia de la música electrónica dentro del pop, pero con la entrada de otros instrumentos en teoría más tradicionales que hacían más soportable una música de esencia minimalista y repetitivas melodías, la cual buscaba, una vez pasada la fase sorpresa de los inicios, su tabla de salvación en los mercados norteamericano y japonés. OMD ofrece en este disco representativo de su madurez pocas innovaciones, pero sí piezas bailables con gancho para los seguidores de su música como So In Love, Secret, Bloc Bloc Bloc o 88 Seconds In Greensboro. El resto del disco se concreta en el intento de demostrar la entrega de los componentes de la formación inglesa a la hora de elaborar melodías y la apariencia de modernidad en una etapa de burbuja modernista que comenzaba a desinflarse. Los ejemplos son respectivamente Hold You y TheLights Are Going Out. La portada del elepé recoge una pintura del artista británico Paul Slater, que copia al pintor americano Hopper, en concreto su obra Early Sunday Morning, fechada los años 30.

Canciones: So In Love. Secret. Bloc Bloc Bloc. Women III. Crush. 88 Secons In Greensboro.The Nativa Daughter Of The Golden West. La Femme Accident. Hold You. The Lights Are Going Out.



Músicos: Paul Humphreys (teclados electrónicos, piano y voz), Andrew McCluskey (guitarra, bajo, teclados electrónicos y voz), Malcom Holmes (batería y percusión acústica y electrónica) y Martin Cooper (saxofón, teclados electrónicos y voz). Stephen Hague (teclados electrónicos y guitarra), Graham Weir (trombón y guitarra eléctrica), Neil Weir (trompeta) y Maureen Humphreys (voz).





Otras portadas: Organisation (1980), Architecture & Morality (1981) y The Pacific Age (1986).

David Gilmour (EMI-Odeón). La presentación discográfica en solitario del guitarrista inglés David Gilmour se producía en el año 1978 cuando el grupo en el que militó en Pink Floyd durante más de una década aún se mantenía como una de las mejores bandas de rock británica de todos los tiempos, principalmente para sus seguidores, o como una representación de los dinosaurios del rock, según la denominación de los más jóvenes que preferían la nueva ola y sus secuelas a la hora de escuchar o tocar música. A pesar de que los tiempos estaban cambiando en el panorama discográfico, Gilmour apostaba en su disco homónimo por un sonido próximo al de Pink Floyd, pero desde un punto de vista menos grandilocuente. Si la primera composición del disco, el instrumental Mihalis, semeja una de las composiciones de la citada formación británica, también es verdad que la guitarra de Gilmour semeja más suelta, más libre del protagonismo de otros instrumentos y efectos. Esto se percibe de forma más rotunda en las mejores canciones del elepé There No Way Out Of Here, So Far Away, Short And Sweet, No Way y I Can’t Breathe Anymore, que constituyen el adelanto de la carrera fructífera del inspirado guitarrista. En el diseño de la portada del disco intervinieron el colectivo Hipnosis y David Gilmour.

Canciones: Mihalis.There’s No Way Out Of Here. Cry From The Street. So Far Away. Short And Sweet. Raise My Rent. No Way. Deafinitely. I Can’t Breathe Anymore.

Músicos: David Gilmour (guitarras, teclados y voz), Rick Wills (bajo y voz), Willie Wilson (batería y percusión), Carlena Williams (voz), Debbie Doss (voz), Shirley Roden (voz), MickeyWeaver (piano).

Otras portadas: About Face (1984).

Switch (Polydor). Golden Earring es uno de los grupos más veteranos de Europa que brilla con luz propia desde comienzos de los años sesenta cuando sus miembros se colaron en la escena musical anglosajona sin complejos y con profesionalidad a la hora de competir con otras bandas más aclamadas. Tras el reconocimiento internacional por el elepé Moontan, en el que se incluía el éxito discográfico Radar Love, Golden Earring se convierte en quinteto al incorporar a un teclista que aparece en los créditos de Switch, disco grabado en 1975 por los músicos holandeses en uno de sus mejores momentos creativos. Sin dejar de lado su potente rock, la banda mantiene la contundencia instrumental de guitarras eléctricas, apoyadas por teclados de tendencia sinfónica, en tres de las mejores canciones de la primera cara: Love Is A Rodeo, The Switch y Kill Me (Ce Soir), así como Troubles&Hassles en la segunda. No obstante a su pesar de su tendencia hard, muy apoyada en la voz de Barry Hay, el grupo diversifica su elaborada oferta hacia terrenos de la música negra como el soul y ska, o bien hacia el rock progresivo, mediante composiciones como Tons Of Time, Daddy’s Gonna Save My Soul y The Lonesome D.J. El artista holandés Coorstian De Vries se encargó de ilustrar la portada del elepé.



Canciones: Intro/Plus Minus Absurdio. Love Is A Rodeo. The Swith. Kill Me (Ce Soir). Tons Of Time. Daddy’s Gonna Save My Soul. Troubles&Hassles. The Lonesome D.J.

Músicos: Barry Hay (voz), George Kooymans (guitarras y voz), Rinus Gerritsen (bajo y armónica), Cesar Zuiderwyk (batería y percusión) y Robert Jan Snips (teclados). Eelco Gelling (slide guitar), Bertus Borges (saxofón) y Robert Jan Stips (arreglos de cuerda en Kill Me (Ce Soir).

Otras portadas: Miracle Mirror (1968), Heigh Miles High (1969), Golden Earring (1970), Moontan (1973), To The Hit (1976), Live (1977), Prisioner Of The Night (1982) y Cut (1982).

En el Olympia (Polydor). Paco Ibáñez, trovador, voz del pueblo de España puesto a cantar, que canta en libertad, que nunca dice: no puedo más y aquí me quedo. Paco Ibáñez, el que vive en paz con los hombres y en guerra con sus entrañas, pero que sigue soñando un mundo al revés y al que la música militar nunca le supo levantar. Nacido en Valencia y residente en París durante años, fue en la capital francesa el 2 de diciembre de 1969, en el mítico escenario del Olimpia, donde grabó este disco doble que recoge canciones de sus primeros discos, aquellos en los que expuso su particular trabajo de difusor de poetas españoles de diferentes épocas. Paco Ibáñez popularizó versos de gentes tan dispares como el Arcipreste de Hita y José Agustín Goytisolo, Góngora y Gloria Fuertes, Quevedo y Blas de Otero, Jorge Manrique y Gabriel Celaya. También están recogidos versos de Antonio Machado, León Felipe, Federico García Lorca, Luis Cernuda, Rafael Alberti y Miguel Hernández. Otro poeta, éste de la canción francesa y amigo de Paco Ibáñez, aporta la mala reputación, todo un canto de inconformismo y rebeldía.

La grabación realizada en el último año de la década de los sesenta no pierde su intención de revolucionar los sentimientos de quien escuchas canciones melancólicas, a veces; otras, alegres, y siempre a favor de la libertad. Todo un clásico, la prueba está en que gentes de distintas edades se saben de memoria varias de las canciones incluidas en los dos discos. La fotografía de la portada es de J.P. Leloir.

Canciones: Déjame en paz amor tirano. Es amarga la verdad. Lo que puede el dinero. Nocturno. Soldadito boliviano. A Galopar. Canción del jinete. Coplas por la muerte de su padre. Y ríase la gente. Como tú. España en marcha. Balada del que nunca fue a Granada. Proverbios y cantares. Palabras para Julia. La mala reputación. Me llamarán. Me queda la palabra. Villancico. Me lo decía mi abuelito. Un español habla de su tierra. Andaluces de Jaén. La poesía es un arma cargada de futuro. A galopar.

Músicos: Paco Ibáñez (guitarra española y voz).

Otras portadas: Paco Ibáñez 1 (1964), Paco Ibáñez 2 (1967), Paco Ibáñez 3 (1969), A flor de tiempo (1978), Paco Ibáñez canta a Brassens (1980) y Por una canción (1990).