Canto On Guitar (MPS) 1970
Baden Powell
Portada: diseño y fotografía Bernhard Wetz

Baden Powell (1937-2000) es uno de los guitarristas brasileños más universales que contribuyó durante cuatro décadas a la difusión de la música popular de su país. Prolífico colaborador desde muy joven con diversos artistas. Hizo el recorrido a la inversa, es decir, pasó de la guitarra eléctrica a la clásica. Baden Powell aunque vinculado a la samba, bossa y otros géneros de la música brasileña, también estuvo abierto a la investigación de las raíces negras de su cultura de nacimiento. Esto queda más que demostrado en este disco grabado a comienzos de la década de 1970, con motivo de la gira por Europa que incluía Alemania, donde llegó a vivir varios años. Con exquisita sensibilidad para captar los matices de diferentes músicas: africana, europea, jazz, clásica y brasileña, Powell resulta adictivo hasta en los momentos de mayor improvisación en su música, como la que desarrolla junto a su grupo en Tres themas da fe afrobasileira, todo una inmersión en la mística del arte, como lo es también el espíritu que inspira a Samba em preludio, Qua quara qua qua o Marcha escocesa. Calidad y sentimiento están ineludiblemente unidos en las piezas del guitarrista de Río de Janeiro.

Canciones: Samba em preludio. Tres temas da fe afrobasileira, a) Pai (Un canto de Préto Velho), b) Filho (Batuque para um Orixá) y c) Sprito santo (Oxalá). Marcha escocesa. Tributo a um amigo. Qua quara qua qua. Cego do Nordeste.

Músicos: Baden Powell (guitarra y voz), Alfredo Bessa (Atabaque, berimbau y guica), Helio Schiaro (batería) y Ernesto Ribero Gonsalves (bajo y caxixi).

Más portadas: Como solista hasta final de la década de 1960. Apresentando Baden Powell e o seu violao (1959), Um violao na madrugada (1961), Baden Powell a vontade (1963), Le monde musical de Baden Powell (1964), Os Afro Sambas de Baden e Vinicius (1966), Ao vivo no Teatro Santa Rosa (1966), Tristeza on guitar (1967), Poema on guitar (1968) e 27 Horas de estudio (1969).

Apunte: La web http://www.brazil-on-guitar.de ofrece una completa información sobre el legado musical de Baden Powell.

4x10

1968
Crown Of Creation (RCA) 1968
Jefferson Airplane
Portada: Van Hamersveld sobre foto del hongo nuclear de Hiroshima

Jefferson Airplane encaraba el año 1968 con el su cuarto elepé oficial de estudio, un álbum menos experimental que el anterior, motivo por el que seguramente figura entre los discos del grupo que mejores ventas ha tenido. La Jefferson se encontraba en su momento más inspirado, tanto que la mayoría de los miembros del grupo contribuyó a la composición de 10 canciones del larga duración, pues sólo una no es de autoría de la banda de San Francisco. La tercera pieza Triad de la cara A fue aportada por David Crosby. Incluso el baterista Spencer Dryden demuestra que va más allá del percusionista tradicional, porque demostró conocimientos musicales en línea vanguardista en el título Chushingura. Las composiciones de más duración tuvieron que esperar a la entrega discográfica en soporto compacto de 2003 por motivos de estrategia. El público de aquella segunda mitad de la década de 1960 estaba más por composiciones como Lather, If You Feel, Crown Of Creation, Greasy Heart y The House At Poneil Corners, es decir rock más básico y guitarrero.

Canciones: Lather. In Time. Triad. Star Trek. Share A Little Joke. Chushingura. If You Feel. Crown Of Creation. Ice Cream Phoenix. Greasy Heart. The House At Pooneil Corners.

Músicos: Grace Slick (piano, órgano y voz), Marty Balin (guitarra y voz), Paul Kantner (guitarra y voz), Jorma Kaukonen (guitarra y voz), Jack Casady (bajo y voz) y Spencer Dryden (percusión, batería, piano, órgano y voz). David Crosby (guitarra), Charles Cockey (guitarra), Tim Davis (congas), Bill Goodwin (percusión), Dan Woody (bongos), Gary Blackman (percusión) y Gene Twombly (efectos sonoros).

Más portadas: Cleared Fot Take Off (2003), At Golden Gate Park-1969 (2006), Last Flight-1972 (2007), At The Family Dog Ballroom (2007) y Plastic Fantastic (2008).

Apunte: En soporte cedé en 2003, el disco Crow Of Creation, incluye también las canciones tituladas Ribump Ba Bap Dum Dum, Would You Like a Snack?, Share A Little Joke, The Saga of Sydney Spacepig y Candy Man. En 2015, Crown Of Creation se puso a la venta en doble LP de vinilo.

Ni una sombra en el horizonte (Rock Indiana) 2005
Burgas Beat
Portada: ilustración de Cándido Fernández Mazas

Burgas Beat se presentó con Ni una sombra en el horizonte, disco que pone de manifiesto que se está ante un grupo imprescindible para entender el pop rock gallego de la periferia, es decir hecho, con muy buen gusto, desde Ourense. Con antecedentes como Cosecha Roja, emblemático combo de los ochenta y noventa, no es extraño que el quinteto acierte con sus propuestas musicales siempre interesantes y nada complacientes con modas y modos de entender el rock. Burgas Beat nace con su pan bajo el brazo, un sonido largamente perseguido que bebe en la mejor tradición del rock versátil, armónico en las voces, teclados los necesarios pero envolventes y toques limpios de guitarras eléctricas, así como acariciantes acústicas para abrir boca en determinadas piezas, por ejemplo, la primera del cedé: Gaviotas. Pero esta canción no es más que el comienzo de un viaje por la ilusión de encontrar un sonido hecho en casa, sin imposiciones, y con la generosidad de dar los mejor que cada uno de los cinco miembros del grupo lleva dentro. En esa línea están Cuando llegue el buen tiempo, Revival, Barrio, Harto, Para eso, es decir toda la grabación, pruebas de la madurez de Burgas Beat, que no fosilización, en su estreno discográfico.

Canciones: Gaviotas. Cuando llegue el buen tiempo. Revival. Barrio. Harto. Para eso. Eléctrica puesta de sol. Ritmo secreto. Buenos propósitos. Dejar de soñar.

Músicos: Carlos Rego (guitarras acústicas, guitarras eléctricas y voz), Javier Doforno (guitarras acústicas, guitarras eléctricas, solos y coros), Antonio Rodríguez (bajo y coros), Francisco Vázquez (teclados y coros) y Aser Álvarez (batería).

Más portadas: Magín Blanco & Burgas Beat, Clic (2008).

Apunte: Burgas Beat estará el 30 de mayo en el café Auriense con una actuación acústica y el 31 en el Rock Club en una onda eléctrica. Ambos locales se encuentran en el casco histórico de Ourense.

Morrison Hotel (Electra) 1970The DoorsPortada: fotografía de Henry Diltz


The Doors como cuarteto original realizó en su última etapa excelentes discos que enlazan en calidad con los primeros. En esta línea está Morrison Hotel, el penúltimo LP oficial de la banda en estudio, que devuelve al cuarteto a sus orígenes: rock y blues principalmente, como se puede apreciar al oír los primeros compases de la canción que abre el elepé, Roadhouse Blues, donde el potente sonido de la banda, con el toque de armónica de John Sebastián incluido, adquiere resonancias del estilo básico que da nombre a la pieza. Otras canciones que quedan para siempre entre el mejor legado de The Doors son las tituladas You Make Me Real, Ship Of Fools, The Spy, Queen Of The Highway y Maggie McGill, aunque no hay que olvidar la balada Blue Sunday o las recuperadas Waiting For The Sun e Indian Summer. Todas ellas contribuyen a que Morrison Hotel no canse por muchas audiciones del mismo que se realicen, lo cual suele ocurrir con otros discos del cuarteto representativo del mejor rock de Los Ángeles.

Canciones: Roadhouse Blues. Waiting For The Sun.You Make Me Real. Peace Frog. Blue Sunday. Ship Of Fools. Land Ho. The Spy. Queen Of The Highway. Indian Summer. Maggie M’Gill.

Músicos: Jim Morrison (voz), Robbie Krieger (guitarra), Ray Manzarek (piano y órgano), John Desmore (batería), Ray Neopolitan (bajo en Peace Frog y Ship Of Fools), Lonnie Mack (bajo en Roadhouse Blues y Maggie M’Gill) y G. Puglese (John Sebastian) (armónica en Roadhouse Blues).

Más portadas: Bright Midnight Records (2000), Live In Detroit (2001), Live At The Aquarius Theatre: The First Performance (2001), Live At The Aquarius Theatre: The Second Performance (2001), Live In Hollywoosd Highlights From Aquarius Theater Performances (2002) y Live In Boston ’70 (2007).

 

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El rastro (10)

 

Los Secretos

Polydor

1982

• Todo sigue igual
• Trae en tu cara

Canto de pueblos andinos 1 (Emi Odeon Chilena) 1973
Inti-Illimani
Portada: dirección artística Ruben Nouzeilles

Inti-Illimani forma parte de la historia musical chilena del siglo XX y continúa en el candelero 40 años después de su fundación. Los miembros del mismo opinaban al hablar de la música de las zonas andinas de América del Sur: “Pretendemos mostrar una pequeña parte de la extraordinaria riqueza musical que encontramos enraizada en las alturas mediterráneas de nuestra América del Sur; esta música siendo un legado de siglos no pierde vigencia sino que, por el contrario, plantea un desafío a la generación de músicos americanos de hoy…En los arreglos e instrumentación de las canciones, así el tiple y el charango se unen al rondador en un albazo, las quenas y el charango dan una sonoridad especial a una vidala, la voz pasa a ser un motivo más junto a las zampoñas, la quena y el charango en un huaino del noroeste argentino, y el rondador combina su canto con la quena en un sanjuanito ecuatoriano. Al entregar este trabajo artesanal, realizado con cariño, con amor por lo nuestro, esperamos seguir ayudando, aún cuando sea en pequeña medida, a mirarnos por dentro, acompañando el despertar libertario de América latina con una búsqueda en sus entrañas bullentes de mágicos sonidos”. Prueba de la riqueza musical de los pueblos latinoamericanos son las 15 canciones incluidas en este disco, que pertenecen a la tradición de Argentina, Bolivia, Ecuador, México y Perú.

Canciones: Los Arados. Huajra. Nuestro Mexico. Dolencias. La Petenera. La Mariposa. Flor de Sancayo. Fiesta Puneña. Amores hallaras. A Vos te hay de pesar. Sirviñaco. Tema de la Quebrada de Humahuaca. Tinku. Papel de plata. Subida.

Músicos: En 1973 eran Horacio Salinas, Max Berrú, José Miguel Camus, Jorge Coulón, Horacio Durán y José Seves.

Más portadas: Desde los comienzos a 1979. Por la CUT (1968), Voz para el camino (1969), Si somos americanos (1969), Canto al programa (1970), Autores chilenos (1971), Canto para una semilla (1973), Viva Chile (1973), Canto de los pueblos andinos (1975), La nueva canción chilena (1974), Hacia la libertad (1976), Canto de pueblos andinos 2 (1976), Chile resistencia (1977), Canto para una semilla (1978), Canción para matar una culebra (1979) y Gracias a la vida (1979).

Apunte: El nombre del grupo chileno es motivo de polémica al existir dos formaciones. Por una parte está Inti-Illimani (nuevo) y por otro, Inti-Illimani (histórico).

Swarbrick (guimbarda) 1978
Dave Swarbrick
Portada: fotografía de Roman Salicki

Dave Swarbrick (Londres, 1941) es la figura fundamental del violinista folk del Reino Unido con un largo historial artístico desde los años cincuenta que le ha permitido convertirse en representante de la fusión de la música tradicional con la eléctrica. Swarb, como es conocido entre sus amistades, lanzó su primer disco en 1976 tras formar parte de grupos básicos del folk, con los que grabaría decenas de discos, así como con solistas. En su estreno discográfico contó con la colaboración de miembros de Fairport Convention, grupo en el que militó durante años, y Ceilidh Band, para recrear sus piezas favoritas de la música tradicional inglesa, previamente arregladas por Swarbrick. Dave destaca como violinista imaginativo a la hora de revivir viejas piezas como The Heilenman, My Singing Bird, Byker Hill o Ben Dorian, aunque tampoco hay que olvidar su faceta de mandolinista en Once I Loved A Maiden Fair y Arthur McBride/Snug In The Blanket.

Canciones: The Heilanman/Drowsty Maggie. Carthy´s March. The White Cockade/Doc Boyds Jig/Durham Rangers. My Singing Bird. The Nightingale. Once I Loved A Maiden Fair. The Killarney Boys Of Pleasure. Lady In The Boat/Rosin The Bow/Timor The Tartar. Byker Hill. The Ace An Deuce Of Pipering. Hole In The Wall. Ben Dorian. Hullichans/Chorous Jig. The 79 th’ s Farewelll To Gibraltar. Arthur McBride/Snug in The Blanket.

Músicos: Dave Swarbrick (violín, viola y mandolina), Bary Marriot (guitarra y piano), Martín McCarthy (guitarra), Simon Nicol (guitarra), Dave Pegg (bajo), Bruce Rowland (pandereta y tambor), Savourna Stevenson (arpa), Kate Graham (violín), Roger Marriot (melodeón) y Alan Robertson (acordeón).

Más portadas: Live At Jackson’s Lane (1998), English Fiddler. Swarbrick Plays Swarbrick (2003) y Straws In The Wind (206), con Martin Carthy.

Apunte: De entre los proyectos en los que participa Dave Swarbrick, hay que destacar el trío Swarb’s Lazarus y su disco Live & Kicking (2006).

Cactology. The Cactus Collection (Rhino) 1996
Cactus
Portada: Michael Ochs Archive

Cactus es uno de los grandes grupos estadounidenses de la década de 1970 por incluir en sus filas a destacados músicos que anteriormente habían militado en formaciones de éxito. En tres años de andadura, el cuarteto dejó cuatro álbumes en los que predominan rock duro, r&blues, blues y boggie, lo cual ha servido para que en su tiempo el combo fuese considerada la alternativa norteamericana a Led Zeppelin. Años después de su disolución, tres miembros originales del conjunto se reunieron con el cantante Jimmy Kunnes (ex Savoy Brown) para continuar con el nombre del grupo en discos y giras. Rusty Day había muerto en 1982. De los primeros, hay que señalar la grabación Cactus V (2006). No obstante, sin quitar mérito a ninguna de las etapas del grupo, yo me quedo con la primera por su frescura y novedad, siempre con la visión de una persona que vivió aquella época. De ella son todas las canciones del recopilatorio aquí comentado, 16 canciones de rock potente que no dejan indiferente a los amantes de sonidos básicos con voz aguda, guitarra desbocada y machacona sección de ritmo. Evil, Parchman Farm, You Can’t Judge A Book By The Cover, Alaska, Let Me Swim Rock N’ Children o Feel So God son algunos de los ejemplos del inolvidable sonido Cactus recogidos en la colección básica puesta a la venta por Rhino Records.

Canciones: Evil. Parchman Farm. You Can’t Judge A Book By The Cover. One Way...Or Another. Alaska. Long Tall Sally. Le Me Swim. Bro. Hill. Rock N’ Roll Children., Song Fror Aries. Restrictions. Oleo. Feel So Good. Rumblin’ Man. Bad Staff. Parchman Farm (live).


Músicos: Rusty Day (armónica, percusión y voz), Tim Bogert (bajo y coros), Jim McCarty (guitarra y slide guitarra) y Carmine Appice (percusión, batería y voz). Werner Fritzschings (guitarra), Duane Hitchings (órgano, piano y piano eléctrico), Peter French (voz) y Albhy Galuten (piano en Alaska).


Más portadas: Cactus (1970), One Way…Or Another (1971), Restrictions (1971) y Ot’ N’ Swenty (1972).

Apunte: Cactus en su nueva etapa mantiene su presencia en los escenarios. En este sentido, el cuarteto estará tocando en varias ciudades estadounidenses durante el próximo mes de junio.

For Trane (Blue Note) 1972
Johnny Hartman
Portada: Chuck Stewart y Patrick Roques

Johnny Hartman (1923-1983) es recordado por su calida voz de barítono y por acompañar en algunas piezas a John Coltrane, esto último con gran precisión y sentimiento. No es extraño pues que en momento de su vida recordase al gran saxofonista de jazz, al que dedica todo un disco grabado en Tokyo junto a convincentes músicos japoneses que saben atacar canciones con evidente swing, por ejemplo, My Favorite Things, Nature Boy, On Green Dolphin Street, Sometimes I’M Happy o S posin, pero también se adentran en complejas baladas como Violets For Your Furs, Summertime, Why Did I Cose You o My Funny Valentine, estándares de la música de jazz de todos los tiempos que convierten a Hartman a un clásico de las voces masculinas del siglo pasado.

Canciones: My Favorite Things. Violets For Your Furs. Nature Boy. Summertime. Why Did I Choose You, The Nearness Of You. I’m Glad There Is You. On Green Dolphin Steet. My Funny Valentine. Somemtimes I’ m Happy. S’posin’.

Músicos: Johnny Hartman (voz), Masako Kikuchi (piano), Yoshio Suzuki (bajo), Hiroshi Murakami (batería), Terumasa Hino (trompeta), Mikio Masuda (piano), Yoshio Ikeda (bajo) y Motohiko Hino (batería).

Más portadas: Johnny Hartman Sings (1948), Songs From The Heart (1955), And I Thought About You (1958), Sittin’ In With (1961), By To Say Hello (1963), The Voice Thatr Is! (1964), The Unforgettable (1966), I Love Everybody (1967), Live At Sometime (1977), Thank You For Everything (1978), Once In Every Life (1980) y This One’s For Tedi (1980).

Apunte: Clint Eastwood en su faceta de director cinematográfico incluyó varias canciones de Johnny Hartman en la banda sonora de la película Los puentes de Masison (1995).

Veneno (CBS) 1977
Veneno
Portada: Veneno

Veneno es el nombre de un grupo que nació, creció y murió en torno a su único elepé grabado en 1977 en un tiempo en que la música popular española se dispersaba por influencias foráneas y el cambio de tercio de los cantautores de diferentes regiones, el rock progresivo, el nuevo folk y el punk, aunque también dentro del flamenco se apuntaban nuevas experimentaciones. A estas últimas se apuntaba Kiko Veneno, quien con los hermanos Amador, dio salida a sus surrealistas composiciones sobre un fondo de guitarras flamencas tocadas a la vez y el barullo del bajo, batería, percusiones y palmas. Se notaba que había otra forma de entender el flamenco e influencias varias venidas del otro lado del Atlántico, pues Kiko siempre se ha declarado un admirador de Frank Zappa. Jipos y gitanos hacen buenas migas a la hora de poner a punto algo más de media hora larga de música que en su momento pasó desapercibida pero que marcaría un hito en la historia discográfica del rock hispano. El elepé es en la actualidad el número uno en las listas elaboradas por las revistas especializadas. A ello han contribuido piezas como Los animales, La muchachita, Los delincuentes o San José de Arimatea, todas ellas fuera de cualquier canon y escuela artística.

Canciones: Los animales. La muchachita. Indiopole. Los delincuentes. Aparta el corazón de las mangueras. San José de Arimatea. No pido mucho.

Músicos: Kilo Veneno (guitarra flamenca y voz), Raimundo Amador (guitarra flamenca), Rafael Amador (guitarra flamenca), Luis Cobos Manglis (guitarra flamenca), Pepe Lagares (bajo), Antonio Moreno el Tacita (batería), Noel Mújica (percusiones), El Bizco eléctrico (palmero) y Juan el Camas (palmero).

Más portadas: Seré mecánico por ti (1981), Si tu, si yo (1984), Pequeño salvaje (1987), El pueblo guapeao (1989), Está muy bien eso del cariño (1995), Punta paloma (1997), Puro veneno (1998), La familia pollo (2000), Un ratito de gloria (2001), Gira mundial (2002) y El hombre invisible (2005).

Apunte: Kiko Veneno da una especial importancia a las actuaciones en directo, para las cuales tiene dos modos de operar: acústico (en pequeños locales y teatros) y directo (grandes espacios). En el primer de los casos el toca la guitarra española y se acompaña de un bajo y percusionista. Cuando toca en lugares más amplios utiliza también la guitarra flamenca, y se acompaña de un guitarrista (eléctrica), bajista, baterista, teclista, percusión y coros).

Maldita la hora (Nena Records) 2000Maldita la horaPortada: diseño gráfico Render Proyectos/Begoña Franco

Maldita la hora es el nombre de un grupo valenciano que presentó su primer disco de larga duración durante el año 2000 en el sello discográfico creado por Carlos Goñi, quien colaboraba con su guitarra en la primera canción del cedé. El sexteto ofrecía en su estreno discográfico un prometedor repertorio de base pop roquera que se apoyaba en letras nada desdeñables y muy por encima de otros combos más conocidos. El grupo asimismo mostraba una versatilidad fuera de dudas con incursiones en ritmos latinos como la rumba y ritmos latinos asentados composiciones propias entre las que hay que destacar Como te quiero, Nada vale, Sé que miente, La mejor de las maneras, Soledad o Hay que ver. En fin, una grabación con personalidad propia que no tuvo la acogida que se merecía, pues detrás estaba un grupo de músicos jóvenes pero curtidos en los escenarios más variopintos.

Canciones: Como te quiero yo. Nada vale. Sé que miente. El espejo del alma. La mejor de las maneras. Soledad. Hay que ver. Serafín. Aquello que esperabas. Perdido.

Músicos: Vicente Silvestre (voz solista y coros), Jorge Ramos (guitarras y coros), Vicente Marco (guitarras), Vicente Espinosa (batería), Luis Luján (bajo y coros), Rafa Carrión (piano y teclados). Carlos Goñi (guitarra solista en Como te quiero yo), Ricardo Esteva (guitarra española en Se que miente y El espejo del alma), Pau Chafer (piano en Nada vale y Como te quiero), Kyke Serrano (piano en Hay que ver), Paco Bernal Salpicao (cajón en Sé que miente), Pepe Cantó (percusión en 1,2,3,4,5,6 y 8) y Anna Baeza (voz en Hay que ver).

Más portadas: La discográfica Nena Records puso a la venta también el disco de pop rock valenciano de los años 80 titulado Pyjamarama.

Bicos de sol (Zouma Records) 2000
Beladona
Portada: eMotive

Beladona realizaba su estreno discográfico en el año 2000 con el cedé titulado Bicos de sol, en el que dentro del apartado instrumental hay que destacar la presencia del arpa, teclados, acordeón, gaitas, percusiones, guitarras y flautas, que facilitan un estilo más ecléctico y abierto a influencias de otras músicas, como, por ejemplo, Centolos, de toque entre marinero e irlandés, o la tradicional francesa Mineta, que orienta hacia el folk progresivo de batería y bajo eléctrico, aunque también hay guiños a la música popular, Vinde axiña. Asimismo, otra de las características de Beladona es el protagonismo de la voz de Elena Paz, quien ofrece distintos registros, desde la dulzura a los ritmos bailables, respectivamente Añas de Gargamala y Mineta. En cuanto a la producción propia, Beladona cumplió el cometido en su disco de estreno, y hasta ahora única grabación, del que se pueden escuchar con agrado Cadaloba y la pieza que da título al cedé. No hay que olvidar que Beladona militaron músicos de reconocida trayectoria en la música gallega, al participar en grabaciones de Mutenrohi, Berrogüetto, Uxía, Susana Seivane y Cristina Pato, entre otros y otras, es decir la generación de jóvenes instrumentistas, en la mayoría de los nombres citados, que comenzaron su andadura en la década de 1990.

Canciones: Mineta. Añas de Gargamala. Caldaloba. Vinde Axiña. Ruada de Doade. Centolos. Ruiseñor. Trullada de Melón. Mar de chumbo. Bicos de sol.

Músicos: Elena Paz (arpa, teclado y voz), Daniel Vilar (guitarra acústica), Javier Abad (low wistle, flauta de pico y gaita), Jorge Juncal (teclado y acordeón), José Liz (bouzuki, requinto, ocarina y gaita), y Fran Gómez (congas, djembé y percusiones). Pablo Pérez (bajo eléctrico), Luis Carballo (batería) y Paco Juncal (violín acústico).

Apunte: Daniel Vilar y José Liz formaron el grupo Entre trastes, con el que grabaron en Zouma Records, a finales de 2006, el disco que lleva el título de la referida formación.

Buena Vista Social Club presenta (World Circuit) 2000
Omara Portuondo
Portada: fotografía de Francis Giacobetti

Omara Portuondo (La Habana, 1930) es conocida como la reina del filin, un apelativo nada gratuito en la larga carera artística de esta veterana cantante de amplio registro, recuperada por el Buena Vista Social Club al igual que otros ilustres cantantes y músicos de Cuba. El secreto de Omara está, según sus palabras, en las enseñanzas de sus padres, quienes inculcaron a las hijas el amor por la canciones, hecho determinante para que en primer lugar se dirigiese hacia la danza en el Tropicana, donde realizó el salto a la música, donde en los primeros tiempos recaló en el jazz que se hacía en los clubes de La Habana. No obstante, en su evolución Omara volvería a reencontrarse con las canciones aprendidas de niña en el hogar, es decir todos los estilos populares de la isla caribeña. Así en este larga duración se encuentran guajira, boleros, mambos, habaneras y son, todos ellos perfectamente ejecutadas por unos instrumentistas realmente eficientes en su labor, a lo cual ayuda dar esplendor la voz cargada de matices de Omara Portuondo, quien abre el disco con la pieza tradicional La sitiera y lo cierra con la composición de Ernesto Lecuona, Siempre en mi corazón. En medio de las dos se encuentran alegría y melancolía casi a partes iguales con otras composiciones, entre las que figura la versión de The Man I Love (El hombre que yo amé), de George & Ira Gershwin, a ritmo de bolero.

Canciones: La sitiera. He perdido contigo. ¿Dónde estabas tú?. Mariposita de primavera. Canta lo sentimental. Ella y yo. No me vayas a engañar. No me llores más. Veinte años. El hombre que yo amé. Siempre en mi corazón.

Músicos: Omara Portuondo (voz), Ibrahim Ferrer (voz, 8), Pio Leyva (voz, 6), Rubén González (piano), Orlando Cacaito López (bajo), Amadito Valdés (timbales), Ángel Ferry Domech (cogas), Filiberto Sánchez (bongos), Carlos González (bongos, 11), Alberto Virgilio Valdés (maracas y clave, 4), Roberto García (guiro), Lázaro Villa (clave), Manuel Galbán (guitarra, 5), Elíades Ochoa (guitarra, 1 y 2), Compay Segundo (guitarra, 6), Gilberto Papi Oviedo (tres, 8), Manuel Guajiro Mirabal (trompeta, todos solos), Yaure Muñiz (trompeta y flugehorn), Alejandro Pichardo (trompeta), Daniel Ramos (trompeta), Jesús Aguaje Ramos (trombón, todos solos), Demetrio Muñiz (trombón), Pantaleón Sánchez (saxo alto, todos solos), Javier Zalba (saxo alto y soprano), Antonio Jiménez (saxo tenor), Rafael Jimmy Jenks (saxo tenor), Carlos Fenández (saxo trenor), Ventura Gutiérrez (saxo barítono), Rafael Lázaro Inciarte (clarinete, 6), Haskel Armenteros (clarinete, 6), Dania Valdés (coros), Teresita García Catarla (coros), Xiomara Valdés (coros), Lázaro Villa (coros), Jesús Aguaje Ramos (coros), Pedro Dapestre González (violín), Humberto Legat (violín), Aeyoth Marichal (violín), Gerardo García (violín), Rogelio Martínez (violín), Ariel Sarduy (violín), Hugo Cruz (violín), Julián Corrales (violín), Angel Zaldivar (viola), José Marón (viola), Rafael Cutiño (viola), Roberto Herrera (viola), Arelia Zaldivar (chelo), Roy Ávila Serrano (chelo. Cuareto de cuerda en 4. Augusto Diego (violín), Ariel Sarduy (violín), José Marón (violín) y Arelis Zaldivar (violín). Roger Beaujolais (vibes).

Más portadas: Cuarteto Las D’Aida (1957), Magia negra (1959), Como un milagro (1966), Omara (1967), Omara Portuondo y Martín Rojas (1974), Tal vez Omara Portuondo (1981), Pensamientos (1995), Palabras (1996), La novia del feeling (1997) y Flor de amor (2003).

Coleccionables

El camino del blues ABC Records/Mediterráneo 1976
Portadas: grabados en cobre de Miguel Aranda

L.A. Midnight
B.B. King

Cara A
1. I Got Some Help I Don't Need (B.B. King-Dave Clark). 5'42''
B.B. King (guitarra y voz); Bob Bryant (trompeta); Red Callendar (tuba); Red Holloway (saxo tenor); Plas Johnson (saxo barítono); Jesse Davis (guitarra); Joe Walsh (guitarra); Paul Harris (piano); Victor Feldman (piano eléctrico); Brian Garofalo (bajo Fender); Bob Morin (batería). Arreglos de vientos por Jimmy Bond.
2. Help The Poor (Charlie Singleton) 3' 30''
B.B. King (guitarra), John Browning (trompeta); Joe Burton (trombón); Earl Turbinton Jr. (saxo alto); Louis Hubert (saxo tenor); Ron Levy (piano); Mel Brow (guitarra); Wilbert Freeman (bajo Fender); Sonny Freeman (batería); Victor Feldman (congas); Clif Coulter (pandereta).
3. Can't You Hear Me Talking To You? (B.B. King-Dave Clark) 3'19''
B.B. King (guitarra y voz), Taj Mahal (armónica); Cliff Coulter (piano); John Turk (órgano); Randy Wolf (guitarra); Ron Brown (bajo Fender); Earl Palmer (batería); Victor Feldman (ongas).
4. Midnight (B.B. King) 8'14''
B.B. King (guitarra); Jesse Davis (guitarra); Joe Walsh (guitarra); Victor Feldman (piano); Ron Brown (bajo Fender); Earl Palmer (batería); Jeff Davis (guitarra, lado izquierdo); B.B. King (guitarra, centro); Joe Walsh (guitarra, derecha).
Cara B
1. Sweet Sixteen (B.B.King-Joe Josea) 7'01''
B.B.King (guitarra y voz); John Browning (trompeta); Joe Burton (trombón); Earl Turbinton Jr. (saxo alto); Louis Hubert (saxo tenor); Ron Levy (piano); Mel Brown (guitarra); Wilbert Freeman (bajo Fender); Sonny Freeman (batería).
2. (I Believe) I've Been Blue To Long (B.B. King-Dave Clark9 4'50''
B.B. King(guitarra y voz); Red Callendar (tuba); Taj Mahal (guitarra); Randy Wolfe (guitarra); Jesse Davis (guitarra); Paul Haris (piano); Brian Garofalo (bajo Fender); Bob Morin (batería).
3. Lucille's Granny (B.B. King) 7'53''
B.B. King (guitarra); Jesse Davis (guitarra); Joe Walsh (guitarra); Bobby Bryant (trompeta); Red Callendar (tuba); Red Holloway (saxo tenor); Plas Johnson (saxo barítono); Victor Feldman (piano); Ron Brown (bajo Fender); Earl Palmer (batería); Sandy Konikoff (pandereta); Jimmy Bond (arreglos de viento).

The Blues Singer
Jimmy Witherspoon

Cara A
1. Evening (R. Swain) 3'09''
2. I Don't Know (W. Mabon) 2'58''
3. No Rolling Blues (J. Whiterspoon) 4'03''
4. Going Down Slowly (J. St. Louis) 4'59''
Cara B
1. Pay The Consecuence (B. Facyson) 3'07''
2. Just A Dream (Broonzy) 3'52''
3. Blow Wind Blow (J. Witherspoon) 4'00''
4. Look Granny Run, Run (Schuman-Ragavoy) 3'00''
5. Nobody Wants To Hear Nobody's Trouble (Stewart-Elgin-Ragavoy) 3'35''

Jimmy Witherspoon (voz); Charlie Musselwhite (armónica); Barry Goldberg (órgano); Brother Jack McDuff (órgano); Danny Kalb (guitarra); Harvey Mandel (guitarra); Johnny Pate (arreglos y dirección de orquesta).

Funky Town
T-Bone Walker

Cara A
1. Goin't To Funky Town (T. Bone Walker) 5'00''
2. Party Girl (E.J. White-T. Bone Walker) 3'05''
3. Why My Baby (Keep On Brotherin Me) (T. Bone Walker) 2'50''
4. Jealous Woman (T. Bone Walker) 3'00''
5. Goin To Build Me A Playhouse (E.J. White-T.Bone Walker) 3'40''
Cara B
1. Long Skirt Baby Blues (T. Bone Walker) 2'26''
2. Struggling Blues (G.C. McDaniel-T. Bone Walker)
3. I'm In An Awful Mood (C.C. McDaniel-T. Bone Walker) 4'20''
4. I Wish My Baby (Would Come Home At Night) (T.Bone Walker) 2'55''

T. Bone Walker (guitarra y voz). Resto de la banda (desconocido).

Ain't Sick No More
Homesick James

Cara A
1. 13 Highway (J.A.Williamson) 3'06''
2. 12 Year Old Boy (J.A. Williamson) 3'24''
3. Buddy Brown (J.A. Williamson) 3'54''
4. Fayette County Blues (J.A.Williamson) 3'54''
5. In Love (J.A.Williamson) 2'49''
Cara B
1. My Baby's Gone (J.A.Williamson) 2'55''
2. Little And Low (J.A.Williamson) 3'01''
3. I Need Love (J.A.Williamson) 3'14''
4. Ain't Doin' No Good (J.A.Williamson) 3'22''
5. Sugar Mama (J.A.Williamson) 4'02''
6. Woman I Love (J.A.Williamson) 3'29''

Homesick James (guitarra y voz), Dave Myers (bajo), Eddie Taylor (guitarra), Snooky Prior (armónica) y Willie Smith (batería).

Buddy Guy, Junior Mance & Junior Wells
Buddy Guy, Junior Mance & Junios Wells

Cara A
1. Taldin' Bout Women Obviosuly (Buddy Guy-J. Wells) 9'50''
2. A Motif Is Just A Riff (Buddy Guy) 7'27''
3. Buddy's Blues (buddy Guy) 3'25''
Cara B
1. Hoochie Coochie Man (Willie Dixon) 5'17''
2. Five Long Years (Eddie Boyd) 5' 50''
3. Rock Me Mama (A. Crudup) 5'35''
4. Ain't No Need (Junior Wells) 4'28''

Buddy Guy (guitarra acústica y voz), Junior Wells (armónica y voz) y Junior Mance (piano).

Chicago Blues Festival 1972. House Of The Blues Vol. 12 (Movieplay) 1975
Johnny Shines
Portada: dibujo de Máximo Moreno

Johnny Shines (1915-1992) comenzó a tocar en los años 30 cuando triunfaban Blind Lemmon Jefferson, Lonnie Jonson, Charley Patton y Robert Johnson, grandes guitarristas de blues, incluso con el último mencionado recorrió el profundo para actuar en donde merecía la pena y así cobrar unos cuantos dólares. Como todos los bluesmen que supieron evolucionar de lo rural a lo urbano, se afincó en Chicago, donde se hizo un nombre en la escena musical. Sin embargo Johnny Shines no grabó discos de larga duración hasta la década de los sesenta cuando el revival del blues, época en que el guitarrista tuvo la oportunidad de demostrar que se estaba ante un auténtico representante del blues rural, del Delta, que tocaba su instrumento con el característico bottleneck, a la vez que entonaba con voz fuerte blues propios y en algunos casos adaptados de los clásicos de dicho estilo, como por ejemplo Freight Train o The Devil’s Daughter, entre otros que se pueden escuchar en este disco.

Canciones: I Bilieve I Make A Change. Nobody’s Fault But Mine. Back To The Steemill. The Devil’s Daughter. A Bide My Wish. Mean Black Gobblerg. Los Letter Blues. Freight Train. My Bestfriend. The Blue Horizon.

Músicos: Johnny Shines (guitarra y voz) y Luther Jonson (guitarra en Mean Black Gobblerg, Freight Train y The Blue Horizon

Más portadas: Masters Of Moderns Blues Vol. 1 (1966), Last Nights’ Dream (1968), Johnny Shines With Big Walter Horton (1969), Hey-Ba-Ba-Re-Bop! (1971), Standing A The Crossroads(1971), Sitting On Top Of The World (1972), Country Blues (1974), Too Wet To Plow (1975), Robert Jr. Lockwood & Johnny Shines: Hanging’ On (1980), Mister Blues Is Black To Story (1981), Blind Will Dukes (1984) y Back To The Country (1991).

Apunte: Johnny Shines grabó en 1950 un sencillo para la Chess Records, junto a Little Walter y Jimmy Rodgers.

A la vida, al dolor (Movieplay) 1975
GualbertoPortada: diseño y fotografías Rafael Díaz Moreno

Gualberto García (1945) es uno de los claros referentes del rock progresivo sevillano de finales de los sesenta y comienzos de los setenta que, tras el paso por el grupo Smash, realizó una interesante carrera musical en solitario que descubrió su talento tanto al tocar como al componer. A la vida, al dolor, grabado en plena explosión de la canción de autor, constituye un elepé refrescante que va más allá de un estilo concreto, pues al sitar hindú se añaden otros instrumentos más usuales como guitarras de palo y eléctricas, violín, flauta, bajo, batería, percusiones, a los que acompañan la voz jonda de Enrique Morente. La primera cara del disco titulada A la vida incluye cuatro canciones relacionadas con la primavera y la naturaleza, en las que aparecen melodías interesantes en las que los instrumentos dan paso a las voces y viceversa, creando así un una amalgama en la que se mezclan desde sonidos orientales a flamenco, pasando por rock introspectivo. Toda la cara, es decir Canción de la primavera, Canción del agua, Canción de las nieves y Canción del arco iris, no tiene desperdicio por la calidad y el sentimiento demostrados por los intérpretes en conjunto. La otra parte de la grabación destaca por los diálogos instrumentales como los de Terraplén, Prisioneros, Tarantos y Diálogo interior, sin olvidar la voz de Morente, que adelantan en muchos años un sonido, convenientemente domesticado, de éxito.
          
Canciones: A la vida: Canción de la primavera. Canción del agua. Canción de la nieve. Canción del arco iris. Al dolor: Terraplén. Prisioneros. Tarantos (para Jimi Hendrix). Diálogo interior.

Músicos: Gualberto (guitarra española de arpegios, guitarra flamenca, guitarras eléctricas, sitar, palmas y voz), Antonio Díaz (guitarra acústica de 6 cuerdas, bajo y palmas), Art (violín y viola), Todd (guitarra de 12 cuerdas, guitarra acústica, trompeta y voz), Willie Rodríguez Trujillo (batería, maracas, palmas y percusiones), Carlos Carcamo (flauta) y Enrique Morente (cantaor).

Más portadas: Vericuetos (1976), Sin comentario (1977), Otros días (1979), Puente mágico (1993) –con el guitarrista Ricardo Miño- y Con trastes (1998) –con R. Miño-.

Apunte: “Soy flamenco porque he nacido aquí y uso sus estructuras para expresarme. Ni lo intento, vamos. Al contrario, cuando escribo cosas para músicos clásicos, saben que esa cosita flamenca que le doy al toque se tiene o no se tiene. Pero a mí también me faltan cosas de los clásicos. Un clásico que toca flamenco tiene complejo porque no llega a meterse totalmente.
Yo, como siempre estoy en medio, puedo coger el flamenco y basarme en él. Si eres fiel a ti mismo, sólo tienes que ser coherente con tu cultura. Yo me he criado aquí en Sevilla, pero mis referencias eran los Beatles, Jimi Hendrix y los Rolling Stones. Los flamencos también, pero eso lo tenía tan a la mano que con dieciséis años le di la vuelta al mundo. Y con veinte me fui a América a conocer a Frank Zappa y a Hendrix y a todo el mundo. Y eso, quieras que no, lo mezclo con el flamenco”. Gualberto, en entrevista de Silvia Calado Olivo.

Q.Tips (Chrysalis) 1980
Q.Tips
Portada: Art-Art

Q. Tips era una banda escocesa adscrita a los sonidos de la Tamla Motown, Stax, Atlantic, r&blues y también al blue-eyed soul, al igual que otros compatriotas que han triunfado desde los años sesenta hasta la actualidad. La voz de Paul Young ayuda sin duda a la credibilidad de esta banda en la que también destacaban la guitarra y la sección de metal, que ayudaron a revitalizar en tiempos de nueva ola roquera a clásicos negros como Some Kinda Wonderful, Tracks Of My Tears o SYSLJFM, aunque en el haber de la banda, más allá de la revitalización de estándares souleros, se apuntaban composiciones propias con gancho y solvencia interpretativa como Please Don’t Stay At Home, You Ar The Life Inside Of Me, A Man Can’t Lose y Keep Your Shoes On, entre otras, donde se notaba la eficiencia compositiva del saxofonista Stewart Blandmer. Una pena que el grupo se desbandara enseguida, pero su propuesta no fue en balde, porque en esa misma década el soul sirvió de inspiración a muchos otros combos y solistas.

Canciones: Some Kinda Wonderful. Tracks Of My Tears. Please Don’t Stay at Home. You Are the Life Inside of Me. The “In” Crowd. (Now I’m Left With A) Beautiful Memory. SYSLJFM (The Letter Song). A Man Can’t Lose (What He Don’t Have). Uncle Willy. Different World. Keep Your Shoes On.

Músicos: Paul Young (voz), Stewart Blandmer (saxo alto y voz), Steve Fix-It Farr (saxo barítono y voz), Tony Hughes (trompeta), Ian (The Rev) Kew (teclados), Garth Watt-Roy (guitarra y voz), Mick Pearl (bajo) y Barry Watts (batería). John Gilford (guitarra en SYSLJFM).

Más portadas: Live At Last (1982), Come Back…Live (1984) y Live In Concert (1991).

Apunte: El cantante Paul Young desrrolló una exitosa carrera en solitario a partir de su primer larga duración No parlez (1983).

¡Pum! (RCA) 1971

Andrés do Barro
Portada: fotografía de Pedro A. Martínez Parra

Andrés do Barro (1947-1989). “Hay intérpretes de vida efímera que, sin embargo, dejaron ciertas huellas personales, las que ahora nos permiten revisar su discografía que, aun breve, resulta sumamente interesante. Es el caso de Andrés do Barro, cantautor que desarrolló su carrera entre 1969 y 1974, en lo concerniente a sus grabaciones. Con actuaciones personales la mantuvo algunos años más, aunque ya sin la frescura de ese periodo durante el cual desarrolló un tipo de canción regionalista, a caballo entre el folclore tradicional y la adecuación a su tiempo. Repasar ahora la vida y obra del cantante gallego resulta un ejercicio amén de interesante, justo cuando algunos más significativos aún están en el recuerdo de muchos: O tren, Corpiño xeitoso, San Antón, Pandeirada…Fueron sus más celebradas canciones, a las que de algún modo están incorporadas al moderno repertorio folclórico de su tierra”. Manuel Román.

“Andrés do Barro paso de Edigsa a RCA, le ayudó Juan Pardo (también hijo de la hibridez ferrolana) e hizo lo que nadie hiciera ni después haría: repetir números uno en las listas de canciones de España, entidad monolítica y despreciadora, cantando en gallego; cantando mal en gallego; sin dejar que algún cantante capaz de controlar la necesidad de droga cantase por el”. Xavier Alcalá.

“No quisiera, con todo, hacer leña del árbol caído, de quien, como Andrés Lapique do Barro, después de tener el éxito y el dinero a manos llenas, murió en el mayor olvido de los olvidos. Una pena. Desde pequeño me jodieron los juguetes rotos. Yo guardo un grato recuerdo de Andrés, chaval de la Porta Nova ferrolana”. Vicente Araguas.

“Cuando el yo bucólico del cantor empezaba a distinguir entre los árboles y los pájaros de su comarca y los de la vecina, entonces brotaba el cantautor regionalista. El campo era también geografía política. La tierra no era de todos, como querían los cosmopolitas hippies, sino de los que en cada terruño tenían su partida de nacimiento en regla… Pero curiosamente, todos estos primeros cantantes no eran en sí mismos regionalistas, autonomistas o nacionalistas (como quiera el lector), en el sentido de hacer patria de su geografía, sino de su lengua… Otro caso similar fue Andrés do Barro, quien desde que en el 69 debutó con O tren, interpretado en su idioma original gallego, pasó a engrosar las filas de esta tropa. El mercado discográfico, como siempre que reinventa una receta de consumo, y demandaba esos aires periféricos, y Do Barro estaba allí, en el momento oportuno para su descubrimiento. En el 70, amplió más su radio de fans con Corpiñoi xeitoso. Hacía una música de fácil digestión, aunque no exenta de gracia. En el 71, tras intercalar temas y versiones bilingües, tocó techo con Pandeirada, y después todavía aguantó sin las misma fortuna casi una decena de singles más”. Gerardo Irles.

Canciones: Llorar por llorar. Fogar de Breogán. A unos ojos verdes. Meu Amor. Pum. Un pouquiño mambo…ou asi. Foi meu día feliz. En Río de Janeiro. Pandeirada. Quiero que quiero.

Música: Arreglos de Pedro Oltra de Angelis y Paolo Ormi. Todas las canciones, música y letra, Andrés Do Barro. Fogar de Breogán y A uns ollos verdes, colaboración de letra: Xavier Alcalá.

Más portadas: Me llamo Andrés Lapique Do Barro (1970), Andrés Do Barro (1974) y Andrés Do Borra. Todas sus grabaciones en RCA 1969-1972 (2003).

Apunte:  http://andresdobarro.galeon.com.
www.otrenquemeleva.com. www.dobarrismo.com.

Louisiana Swamp Blues (Capitol) 1996
Guitar Slim, Clarence Bon T Garlow, Boo Breeding, Clifton Chenier, Boo Zoo Chavis
Portada: ilustración de Joe Cardiello

El blues de los pantanos y el zydeco son dos ritmos estilos representativos de la fusión de músicas africanas y europeas que se produjeron en el estado de Louisiana y se proyectaron internacionalmente a partir de la década de los cincuenta del siglo pasado. En el recopilatorio Lousiana Swamp Blues se recogen 23 composiciones interpretadas por artistas representativos de dichos estilos que fueron grabadas entre los años 1951 y 1955, principalmente en Nueva Orleáns, aunque hay varias realizadas en Lake Charles y Hollywood. El blues está representado por Guitar Slim, Clarence Bon Ton Garlow y Boo Breeding, tres instrumentistas que se adentran en un sonido eminentemente urbano, Standin’ At The Station o My Love (She’s Gone), pero que, en los casos, del segundo y el tercero no escapan al mestizaje con otros ritmos en auge durante los años cincuenta, como el r&b, Country Woman, o los propios de la fusión que se hacía en Louisiana, por ejemplo el cajón, Flip Flop y Jumpin At The Zadacoe. En cuanto al zydeco no falta el gran Clifton Chenier y también el menos conocido Boo Zoo Davies, quienes aportan conocidas piezas entre las que destacan Rockin’ Hop y Paper In My Shoe.

Canciones: Guitar Slim, Cryn’ In The Morning. Bad Luck Is On Me. New Arrival. Standin’ At The Station. Clarence Bon Tom Garlow, New Bon To Roulay. Hey, Mr. Bon Ton. You Got Me Crying. Dreaming. I’m Hurt. Flip Flor. Jumping At The Zadacoe. Boo Breeding, I Can’ Fly. My Love (She’s Gone). Country Woman. Clifton Chenier, Lousiana Stomp. Cliston Blues. Tell Me. Rockin’ The Bop. Bon Zoo Chasis, Boo Zoo Stomp. Paper Im My Shoe.

Músicos: Guitar Slim & His Band y His Playboys. Clarence Bon Ton Garlow, con la cantante Emma Lee (6 y 7). Boo Breeding. Clifton Chenier. Boo Zoo Chavis.

Más portadas: Louisiana Blues (1970), Louisiana Swamp Blues volume 1 (1995), Zydeco: The Essential Collection (2002), New Orleans Guitar -4 CD- (2006), y Zydeco, The Essential Pulse Series -2 CD- (2008)

Apunte: Paradise Faded. The Fight For Louisiana, es el título de un documental que informa sobre la costa de dicho estado y los peligros que se ciernen sobre ella como ciclones tipo Katrina. Bajo la dirección de Jared Arsement, el audiovisual cuenta con una interesante banda sonora.

Projecto ninguém (Runa Records) 2000
Ball-Cans
Portada: dibujo de Ana Domínguez

Projecto ninguém, un colectivo de músicos afincado en Galicia que partía de una iniciativa de investigación multiartística que incluía escenografía, realizó una grabación de algo más de una hora distribuida en 16 composiciones de música gallega y ritmos de los Balcanes, aunque hay cabida para otros estilos: jazz, pop o rock. Todos ellos ahondan en la historia de amistad entre dos mujeres, una bosnia y otra norteamericana, según el guión teatral de Matei Visniec. En lo musical hay que destacar la utilización de instrumentos de varios continentes, muy en la onda de la world music, por ejemplo en Letanía. En otros casos se recurre al jazz, folk, música clásica, muñeira o los ya mencionados ritmos balcánicos, estos últimos como puentes con la cultura oriental, aderezado con buen humor, por ejemplo, A muinheira impossivel. Rumba, Nove tiros mais unha punhalada, Makedonsko, Fonemancipées, Doors & Windows y Vodka ska da quartet son algunas de la piezas a tener en cuenta en este trabajo. Al final, según los autores de Projecto ninguém, no se proponía ningún mensaje, ni contar nada, más bien se tratar de hacer preguntas: ¿quién hace la guerra? ¿quién lanza bombas? ¿quién vota a los responsables? ¿es nadie? En resumen: ¿es la búsqueda del poder el mejor remedio contra la frustación personal? Estas preguntas se hacían con motivo de la entonces reciente guerra en los Balcanes.

Canciones: Rumba. Nove tiros mais unha puñalada. Macedónia. Letanía. Feito co lateral. Entresonhos. Alborrana de acó sobar. Makedonsko. Sete de trebos. Cuscús Turika. Paso dobre de Folgoso. Fonemancipées. Doors & Windows. Vodka ska a quartet. A muinheira, imposible. More sokol pie.

Músicos: Mariam Tuñón (piano), Jose L. Deus (piano, teclados), Javier Cedrón (violín), Rosa Cedrón (violonchelo y voz), Roberto Grandal (acordeón), Pablo Torneiro (acordeón), Suso Vaamonde (gaida, gaita y zanfona), Brais Maceiras (gaita), José Ramón Bugliot Buggy (flauta), Ruth Pazo (flauta), Mantel Monteo (flauta), Nuria de León (piano gallego, arpa celta y voz), Marcos Represas (saxo soprano, clarinete y requinto), José Antonio Neira (oboe), Gezin Malaj (fagot), Pablo Sax (saxo soprano), José Ramón Rodríguez (saxo barítono), José Luis Silva Pachote (trompa), Pablo Blanco (trompeta), Lorenzo Castro (bombardino y trombón), Ramón Feáns Chiri (guitarra acústica), Antonio Fresedo (mandola), Iago G. Moro (bajo y voz), Pablo Pérez (bajo y contrabajo), Francisco Vecino Chisco (marimba), Jacobo Gallego (djembé y bongos), José Lois Romero (darbuka, pandereta, bombo, tamboril, bordhram y caja), Anxo García (batería), Jacobo Gallego (batería), Leo Giraldo Pimentel (batería), Marcos M. Vázquez (batería), Nicolai Storedie (timbales, pandereta y plato), Alicia Cabezal (pandereta y voz), Philip Coppin (zanfona), Paloma Suanzes (voz), Guadi Galego (voz), Uxía Senlle (voz), Carolina Soneira (voz), Stephanie Parent (voz y sonidos de danza), Manuel Lousas (voz), Sonia Lebedynski (voz), Nicolai Storedic (utensilios de cocina y labranza).