Wind On The Water (MCA) 1975
David Crosby & Graham Nash
Portada: fotografía de Joel Bernstein


David Crosby (1941) y Graham Nash (1942) representan la esencia de un dúo musical de largo recorrido que como tal formación iniciaron su andadura discográfica en 1972, travesía en la que se incluyen actuaciones en directo y presencia en diferentes grabaciones de otros artistas. El segundo elepé de Crosby y Nash recoge la esencia de sonidos de los sesenta y setenta tras el parón creativo del supergrupo C,S,N&Y, gracias también a la presencia de un notable plantel de músicos y compositores, entre otros, David Lindley, Danny Kotch, Carole King, James Taylor o Jackson Browne, quienes pasan de melodías de acentuado lirismo a derroches guitarreros de recorrido ácido. Wind On The Water ofrece preciadas piezas que se suman a lo mejor de Crosby y Nash: Carry Me, Mama Lion, Take The Money And Run. Naked In The Rain y Low Down Payment demostraban el buen momento creativo de dos colegas con la ideas claras a la hora de componer y tocar.

Canciones: Carry Me. Mama Lion. Bittersweet. Take The Money And Run. Naked In The Rain. Love Work Out. Low Down Payment. Cowbaoy Of Dreams. Homeward Throught The Haze. Fielworker. To The Last Whale a) Critical Mass b) Wind On The Water.

Músicos: David Crosby (guitarras eléctricas y acústicas, piano acústico y voz), Graham Nash (órgano, piano acústico, guitarras y voz), James Taylor (guitarra acústica), Craig Doerge (piano y órgano), Leland Sklar (bajo), Russ Kunkel (batería), Tim Drummond (bajo), David Lindley (slide guitar y violín), Danny Kootch (guitarra eléctrica y voz), Joel Bernstein (guitarra y voz), Jackson Browne (voz), Carole King (piano acústico y voz), Levon Helm (batería), Stan Szeleot (piano eléctrico) y Ben Keith (slide guitar).

Más portadas: Graham Nash/David Crosby (1972), Whistling Down The Wire (1976), Crosby/Nash (2004) y Highlights (2006).

Apunte: David Crosby y Graham Nash inician el próximo jueves una nueva gira por diferentes ciudades de Estados Unidos y hasta el 9 de noviembre.

Plenilunio (WEA) 1997
Luar Na Lubre
Portada: fotografía de Sol Sagarminaga


Luar Na Lubre, formado en A Coruña, es uno de los grupos gallegos que comenzó su andadura en la segunda mitad de los ochenta pero que consiguió el reconocimiento a nivel internacional en la década siguiente, sobre todo a partir de su cuarta entrega discográfica titulada Plenilunio.En esta grabación el septeto reafirma su línea artística orientada, por un lado, a difundir la esencia de tradición musical gallega y, por otro, recoger influencias de otros ritmos, sobre todo la denominada celta (irlandesa, bretona, escocesa), que se escucha a partir de la primera pieza: la revitalizada O son do ar, del homónimo primer elepé del grupo. La inspirada y eficiente labor de los músicos, así como de los colaboradores, con la acertada voz de Rosa Cedrón al conjunto de composiciones, representa el principal valor de Plenilunio, que devuelve aires renovados piezas tales como Tu gitana, Cantiga de Falvan, Pola ponte de San Xoán, Pandeirada das fiandeiras o Romance de Bernaldo e Sabeliña que sustentaron la fama del grupo fuera de su tierra.

Canciones: O son do ar. Tu gitana. Ao-Tea-Roa. Roi Xordo. Os teus ollos. Ronsel. Pola ponte de San Xoán. Pandeirada das fiandeiras-Muiñeira de Ramelle. Sol de outono. Cantiga de Falvan. Romance de Bernaldino e Sabeliña. Galaecia.

Músicos: Rosa Cedrón (violonchelo y voz), Xan Cerqueiro (flautas), Daniel Sisto (guitarra acústica), Xulio Varela (bouzouki, trompa, tarrañolas y pandereta), Xavier Cedrón (violín), Patxi Bermúdez (bodhram, tambor y djimbek) y Bieto Romero (gaitas, acordeón diatónico y zanfona). Colaboran como también Xavier Ferreiro (percusión latina y efectos en 4,6,7,10,11 y 12), Xosé Álvarez (mandolina en 4 y 12), Paula Oanes (arpa celta en 2 y 9), Daniel Cerqueiro (guitarra acústica 1), Michel Canada (guitarra acústica en 5 y triángulo en 12) y Fernando Villar (teclados en 1 y 3).

Más portadas: O son do ar (1988), Beira Atlántica (1990), Ara Solis (1993), Cabo do Mundo (1999), XV Aniversario (2001), Espiral (2002), Hai un paraíso (2004), Saudade (2005) y Camiños da terra (2007).

Apunte: En el cuadernillo del cedé de Plenilunio, el director del Museo Arqueológico de A Coruña, Xosé María Bello Diéguez, escribía un sustancioso artículo bajo el título Luar na lubre (Luna llena) que, en otras asuntos se refería que. "La luz de la luna hiende la tierra, y se escucha un ritmo sordo de percusión profunda que es el pandero del amigo que ya no está. Es el sonido del dolmen, el antiguo ritmo de la semilla transformada en la espiga del eterno campesino neolítico que todos llevamos dentro".

Collector's Item (Columbia) 1990
Grace Slick & The Great Society
Portada: foto collage de Michael Rachoff



The Great Society era uno de los cientos de grupos surgidos en San Francisco tras la primera invasión de los conjuntos de rock británicos, léase The Beatles, y que tenían como centro neurálgico el mítico Matrix Club, local de origen del ácid rock de la Costa Oeste norteamericana. Con la cantante Grace Slick al frente, The Great Society practicaba al comienzo un folk rock, escúchese la versión de Sally Go' Roun The Roses, cargado de esencias psicodélicas con algo de garaje rock, dado su elemental sonido que también se nutría de la mística hindú, raga rock y jazz de Coltrane, lo cual se puede apreciar en varias composiciones, entre otras Father y, sobre todo, en la introducción del famoso White Rabbit, antes de que Grace lo hiciese famoso como voz principal de The Jefferson Airplane, otro de los habituales, al principio, de The Matrix. El cedé Collector's Item recoge los elepés titulados Conspicuos Only In It Abseence y How It Was, de The Great Society, casi todo en directo en el referido escenario, más alguna canción rescatada para la versión digital, repertorio que representa muy bien la escena psicodélica de San Francisco antes de la explosión musical de 1967. Puedo decir que el álbum constituye el preparatorio para lo que vendría después con otros combos que tuvieron un recorrido más largo que la primera formación de Grace Slick.

Canciones: Sally Go Round The Roses. Didn't Think So. Grimly Forming. Somebody To Love. Father Bruce. Outlaw Blues. Often As I May. Arbitration. White Rabbit. That's How It is. Darkly Smiling. Nature Boy. You Can't Cry. Daydream Nightmare. Everybody Knows. Born To Be Burned. Father.

Músicos: Grace Slick (teclados y voz), Darby Slick (guitarra), David Minor (guitarra), Peter Vandergeler (bajo) y Jerry Slick (batería).

Más portadas: Born The Burned -1965- (1995)

Bueno pa gozar (Satchmo Records) 2000
La Big Latin Band
Portada: ilustración de Juanjo Malgar


La Big Latin Band, como su nombre indica, es una amplia formación en cuanto a músicos y repertorio aunque también como su nombre las preferencias se orientan a la música latina del área caribeña y la costa Este de Estados Unidos. Para ser más certero, el combo catalán devuelve al público el mestizaje de jazz y música caribeña de los años cuarenta, cuando las big bands no dudaban de incluir en sus repertorios composiciones de autores hispanos, además de músicos, en la mayoría de los casos los encargados de las percusiones. Así en esa línea camina Big Latin Band, un conjunto de músicos, bajo la dirección del pianista Ramón Escalé, que se caracteriza por su profesionalidad y veteranía en las lides artísticas de su ramo. Desde las composiciones llenas de ritmo afrocaribeño, Bueno pa gozar -cantada por la cubana Lucrecia, Y a mí qué y Bamba' e cuchara, a los sentimentales boleros, caso de Cómo fue, interpretado por Lupita, el disco sirve para realizar un sabroso repaso de ritmos latinos trufados de jazz, En tu ausencia o Sister Sadie, de salsa neoyorquina al estilo Fania en Pura novela y Sal S.A. Ante tal despliegue de buen hacer musical, reconozco que el título del disco se cumple con creces en las 11 composiciones del segundo cedé La Big Latin Band.

Canciones: Bueno pa gozar. Oye lo que te conviene. Retazos. Cómo fue. En tu ausencia. El panameño. Pura novela. Sister sadie. Sal S.A. ¿Ya mí qué? Bemba' e cuchara.

Músicos: Ramón Escalé (piano y dirección), Alfons Carrascosa, Gorka Benítez, Aljosa Mutic y Carlos Vecino (saxos), Javier Mezquita, Víctor Verges, Roger Font (trompetas), Juanjo Arrom, Pere Enguix (trombón), Ignasi Zamnora (bajo), Jordi Satorra (conga), Alex Ventura (paila) y Alberto Cabello (bongo). Invitados especiales, Paco Martínez (voz), Lucrecia (voz), Lupita (voz) y Vicenç (coros).

Más portadas: La Big Latin Band (1998) y Suite Llatina 0.7 (2003).

Tutankamon (Serdisco) 1975Iceberg
Portada: desconocida


Iceberg aparece como grupo en 1975 con un elepé en plan conceptual titulado Tutankhamon que representa una de las ofertas del rock catalán de los setenta, también denominado layetano. El quinteto orienta el repertorio del disco de estreno hacia un estilo personal tendente al jazz rock pero en esta ocasión más escorado hacia sonidos como el sinfonismo imperante en la década de 1970. El disco va a servir a Iceberg para redirigir su carrera hacia un sonido menos influenciado por imposiciones de discográficas y modas coyunturales. De lo último se puede apreciar en algunas de las composiciones, sobre todo en aquellas que están cantadas en inglés, por ejemplo, Too young to be pharaon -muy en la onda del hard setentero-, lo cual no impide que otras piezas apunten ya maneras del gran grupo que fue la banda de Max Sunyer y Kitflus. Guitarras y teclados son las guías señalan el camino del sonido global del grupo que se convertirá en la segunda mitad de los setenta en uno de los mejores tanto en directo como a nivel discográfico. Así Sunyer domina con rigor sus solos de guitarras y, por su parte, Kitflus aporta pasajes inspirados, algo habitual en todos las grabaciones y directos del combo catalán. Por tanto, Tutankhamon queda como el punto de despegue un tanto lastrado por el halo de rock sinfónico que desprendía el primer elepé de Iceberg, lo cual no fue óbice para que en el siguiente disco y nueva etapa brillase con todo su esplendor el estilo del grupo, netamente instrumental (ya sin cantante) y apoyado en el eficiente virtuosismo de sus líderes y compositores.

Canciones: Tebas. Prólogo. Sacerdotes de Amon. Amarna. Lying on the sand. Amenofis IV (El hereje), Himno al sol. La muerte. Close to god. Too ypung to be pharaon. Tebas.

Músicos: Max Sunyer (guitarra), Josep Mas Kitflus (teclados), Primitivo Sancho (bajo), Jordi Colomer (batería) y Ángel Riba (voz y saxo).

Más portadas: Coses Nostres (1976), Sentiments (1977), En directe (1978) y Arc en cel (1979).

Double-Barreled Boogie (Maison De Blues) 2004
Memphis Slim & Rooselvet Sykes
Portada: dibujo de Alain Frappier




Memphis Slim (1915-1988) y Roosevelt Sykes (1906-1984), dos pesos pesados del blues intemporal, ocupan este espacio con la reseña de un disco grabado en el último mes de 1970 en un estudio de París, ciudad que siempre ha acogido con gratitud a los músicos negroamericanos, hasta el punto de que algunos de ellos fijasen su residencia en la capital francesa, como fue el caso del primer pianista mencionado. Los dos instrumentos conocieron el éxito temprano allá por la década de 1930, hasta mediados de los cincuenta, pero volvieron a reaparecer en las dos décadas siguientes en las cíclicas modas a favor del blues. Slim y Sykes contaban en su haber el dominio del teclado, facilidad para la composición y voces bastante aceptables, mejor modulación si canta Slim. Lo dicho se siente con intensidad al escuchar las 13 canciones incluidas en este cedé correspondiente a la reedición del LP puesto a la venta en 1975. Excepto, Going Down Slow y M&O Blues, las restantes piezas corresponden al legado de Slim y Sykes, quienes en su madurez constituían un espectáculo para disfrutar con sonidos básicos pero de hondo calado: blues, boogie, jazz, folk o rock, que brillaban con especial intensidad en canciones como Eagle Roc, 44 Blues, 47 TH Street Boogie o The Churning Man. El disco se intercala con comentarios de los músicos, lo que confiere al cedé, además de su indudable contenido artístico, un notable valor testimonial.

Canciones: Mr. Sykes Blues. Eagle Rock. Mis Ida B. Going Down Slow. M&S Boogie. 44 Blues. Soft And Mellow. The Churning Man. 47Th Street Boogie. M&O Blues. Roosevelt Daddy's Blues. Lost My Boogie.

Músicos: Memphis Slim (piano y voz) y Roosevelt Sykes (piano, guitarra acústica y voz).

Más portadas: De las misma colección, Memphis Heat, Southside Reunion, Born In Georgia, Chicago Blues Festival 1972, Mississippi Delta Blues y Rock And Roll Gumbo. La mayoría de ellos están comentados en este blog.

Apunte: La reedición en cedé de Double-Barreled Boogie incluye una canción extra, en concreto la titulada Lost My Boogie.

It's A Shame About Ray (Atlantic)
Lemonheads
Portada: fotografía de Jesse Peretz



Lemonheads es uno de los grupos norteamericanos que a finales de los ochenta que recogieron el legado del punk rock para darle una forma singular que se decantaría en el nuevo movimiento grunge, pero el grupo tuvo que adoptar otras formas, tras los primeros discos, para mantener la continuidad. En ese territorio se adentraba el álbum It's A Shame About Ray, reencuentro con el pop pulido pero no exento de vitalidad, lo cual confiere al disco un halo de clásico en su género. Con la colaboración de su contemporánea Juliana Hatfield (1967), Evan Dando gana en largura estilística, como se puede apreciar tras la escucha del repertorio de 13 canciones, dos de las cuales son versiones: respectivamente Frank Mills y Mrs. Robinson, que adquieren novedosos matices en esta puesta a punto de los años noventa. Vibrantes resultan las cuatro primeras piezas, entre ellas la que da título al elepé, así como Bit Part o Allison's Starting To Happen, entre otras. aunque también afloran las dotes cantautoras de Dando en Hannah & Gabi, de inspiración campestre. Como semejantes mimbres no es extraño, entonces, la reedición del disco con todo detalles de lujos de cuando fue grabado, incluidas imágenes en un DVD.

Canciones: Rockin' Stroll. Confetti. It's a Shame About Ray. Rudderless. My Drug Buddy. The Turnpike Down. Bit Part. Alison's Starting To Happen. Hannah and Gabi. Kitchen. Ceiling Fan in my Spoon. Frank Mills. Mrs. Robinson

Músicos: Evan Dando (guitarras y voz), David Ryan (batería) y Juliana Hatfield (bajo y voz).

Más portadas: Hate Your Friends (1987), Creator (1988), Lick (1988), Lovey (1990), Come On Feel The Lemonheads (1993), Car Button Cloth (1996) y Self Titled (2006).

Apunte: La reedición para coleccionistas de It's a Shame About Ray (2008) incluye, además de las 13 canciones originales, Shaky Ground, t's A Shame About Ray (maqueta), Rockin Stroll (maqueta), My Drug Buddy (maqueta), Hannah & Gabi (maqueta), Kitchen (maqueta), Bit Part(maqueta), Rudderless (maqueta), Ceiling Fan In My Spoon (maqueta) y Confetti (maqueta), y un DVD con It’s a Shame About Ray (music video), Ride With Me (live), Mrs. Robinson (music video), Alison's Starting To Happen (en vivo), Hannah & Gabi (vídeo musical), Half The Time (vídeo musical), Rockin Stroll (vídeo musical), Confetti (vídeo musical), It's About Time (en vivo) y My Drug Buddy (vídeo musical).

 
El rastro (19)

Juan Pardo

Novola

1970

• Leonor
• Meu ben dorme

Partners (Reprise) 1992
Flaco Jiménez
Portada: Gina Binkley



Flaco Jiménez (San Antonio-Tejas, 1939) es por mérito propio uno de los principales pilares de la moderna música fronteriza entre Méjico y el estado de Tejas, el estilo tex-mex, una forma mestiza de interpretar ritmos con instrumentos propios de la zona como, por ejemplo, el acordeón, en lo que respecta al componente latino de dicho arte. Con una larga carrera, sin desperdicio, Flaco Jiménez ha colaborado con todo tipo de músicos y compositores populares de Estados Unidos, donde está afincado, y de otros lugares del mundo, entre otros The Rolling Stones. En el disco aquí reseñado, el abundante plantel de invitados e invitadas pertenecen al lado del río Grande cuyos habitantes se expresan en inglés. La mayor parte de los acompañantes, por otra parte, representan de una u otra una manera el country rock contemporáneo. El primero en declarar su querencia por lo latino es Stephen Stills, el veterano guitarrista que en clave de country rock, con acordeón incluido, recupera el estilo de los mejores C,S,N & Young con la pieza que da título al cedé. A continuación, el propio Flaco ataca con todo su sentimiento jaranero la popular Marina para seguir con Carmelita, del desparecido Warren Zevon, pero interpretada por Dwight Yoakam. Linda Ronstadt no olvida sus raíces hispanas en El puente roto, mientras que John Hiatt también se adentra en los cantos fronterizos, pero Flaco vuelve a insistir como solista con Me está matando, un vallenato del colombiano Gildardo Montoya. Ry Cooder, uno de los admiradores y descubridores de Jiménez, así como Emmilou Harris y Los Lobos, completan el cartel de Partners, donde también hay espacio para un instrumental: Las golondrinas.

Canciones: Change Partners. Marina. Carmelita. El puente roto. Across The Bordeline. Me está matando. The Girls From Texas. West Texas Waltz. Las golondrinas. Eres un encanto. Don’ t Worry Baby.

Músicos: Flaco Jiménez (acordeón y voz), Stephen Stills (guitarra acústica y voz), Jimmy Day (steel guitar), Al Perkins (lap steel guitar), Leland Sklar (bajo), Willie Ornales (batería y voz), Óscar Tellez (cencerro, bajo sexto, percusión y voz), David Jiménez (batería), Rubén Valle (bajo), John Goux (guitarra acústica), Richard Bennett (requinto y guitarra acústica), Pete Anderson (guitarra eléctrica), Joe Morales (saxo alto), John Hiatt (guitarra acústica y voz), Harry Stinson (batería y voz), Jim Keltner (batería), Conrad Lozano (bajo), Ry Cooder (guitarra y voz), Louis Pérez (batería), David Hidalgo (guitarra eléctrica), César Rosas (guitarra acústica y voz), Steve Berlin (saxo tenor), Dwight Yokam (voz), Emmylou Harris (voz), Holly Dunn (voz) y Linda Ronstadt (voz).

Más portadas: El sonido de San Antonio (1980), Viva Seguin (1983), Arriba el Norte (1988), Flaco’s Amigos (1988), Entre humo y botellas (1989), San Antonio Soul (1991), Buena suerte señorita (1996), Said And Done (1998), Sleppytown (2002) y Fiesta del río (2006).

Apunte: La próxima actuación de Flaco Jiménez está prevista el 2 de noviembre, en el festival del día de los muertos, de Birmingham (Alabama).

Iratxo (Satchmo Records) 2002
Víctor de Diego
Portada: diseño de Juanjo Melgar

Víctor de Diego (1964) es uno de los saxofonistas del ámbito del jazz español con un amplio currículum discográfico y profesional que le han llevado a figurar entre los músicos más versátiles que sin renunciar a su estilo sabe transitar con comodidad por las composiciones propias y de los músicos que le acompañan. Su tercer disco, Iratxo, incluye nueve composiciones en la que tienen cabida todos los miembros del cuarteto: además del saxofonista están el ejemplar guitarrista Jordi Bonell y los no menos inspirados Rai Ferrer (bajista) y David Gómez (baterista), quienes aportan la energía necesaria a las piezas con tendencia a la improvisación, por ejemplo la que da título al cedé, Cambios o Escolapios, al recreo! En los tiempos lentos, con un discurso cool en el mejor sentido de la palabra, sobresale Vynes de tardor. En cuanto a la versatilidad antes referida, no se pueden dejar de escuchar Kandinsky y el ardor y Rockita. El propio De Diego reconocía, tras la edición de Iratxo, que compuso unos “temas pensando en esta formación y he querido que cada uno aporte alguna pieza para después darle al conjunto una sonoridad de banda porque la música depende en gran medida del equipo que la interprete. A lo largo de la historia del jazz hay canciones muy buenas desaprovechadas por los músicos y viceversa”.

Composiciones: Espejito Mágico. Kandinsky y el ardor. Sousse. Iratxo. Cambios. Vynes de tardor. Rockita El paso. Escolapios, al recreo!

Músicos: Víctor de Diego (saxos tenor y soprano), Jordi Bonell (guitarras), Rai Ferrer (bajo y bajo eléctrico) y David Gómez (batería).

Más portadas: Speak low (1993), Amaia (1996) y Oraindik ametsetan (2005).

Apunte: Iratxo obtuvo el premio al mejor disco del año 2002 de la Associació de Músics de Jazz de Catalunya.

Blondie (Chrysalis) 1976
Blondie
Portada: fotografía de Shig Ikeida



Blondie tiene sus orígenes como banda en la nueva ola neoyorquina surgida en torno a la sala CBGB durante la segunda mitad de la década de 1970 cuando se estaba produciendo un importante cambio en el ámbito del pop rock. Con un sonido cercano a los sesenta, Deborah Harry con su grupo apostaba en sus comienzos por las canciones cortas con instrumentación sencilla, desde las guitarras eléctricas sin grandes virtuosismos al sonido retro del órgano Farfisa que constibuyeron, sin embargo, a instalarse en los planes de muchos grupos y solistas con ínfulas de modernidad. No es extraño, por tanto, que piezas como X-Offender, In the Flesh, A Shark In Jets Clothing, Riffle Range o The Attack Of The Giant Ants entrasen con buen bien en la escala de valores musicales de la juventud que reclamaba el cambio generacional que no se estaba produciendo en el rock.

Canciones: X-Offender. Little Girl Lies. In the Flesh. Look Good in Blue. In the Sun. A Shark in Jet's Clothing. Man Overboard. Rip Her to Shreds. Rifle Range. Kung-Fu Girls. The Attack of the Giant Ants.

Músicos: Deborah Harry (voz), Chris Stein (guitarra y bajo), Gary Valentine (guitarra y bajo), James Destri (piano, órgano Farfia y sintetizador Roland) y Clement Burke (batería). Ellie Greenwich, Micki Harris e Hilda Harris (voces de fondo).

Más portadas: Plastic Letters (1977), Parallel Lines (1978), Eat To The Beat (1979), Autoamerican (1980), The Hunter (1982), No Exit (1999) y Live By Request (2004).

Apunte: La reedición en formato cedé de Blondie incluye cinco canciones más: Out in the Streets (1975 maqueta), The Thin Line (1975 maqueta), Platinum Blonde (1975 maqueta), X-Offender" (versión sencillo) y In the Sun (versión sencillo).

Willy And The Poor Boys (Fantasy) 1969
Creedence Clearwater Revival
Portada: fotografía de Basul Parik


Credeence Clearwater Revival demostró en 1969 que ser prolífico en grabaciones no significaba perder en calidad. Una prueba está en los tres álbumes facturados por el cuarteto californiano en dicho año, entre los que se encontraba Willy And The Poor Boys, donde John Fogerty y su banda demuestran además su particular homenaje a la música con raíces de su país de nacimiento. Es decir, como el resto de los discos, ritmos sencillos pero auténticos como folk, country, blues, r&blues, soul, swamp, rockabilly. No es extraño, por tanto, que en el cuarto disco de Creedence Clearwater se incluyen, además de las omnipresentes composiciones de John, piezas tradicionales como The Midnight Special o Cotton Fields. Esta última del repertorio de Leadbelly, a quien semeja que el grupo quisiera devolverle el favor con Poorboy Shuffle, que recuerda aquellas formaciones de blues ambulante que recorrían el sur de Estados Unidos con variados espectáculos. Down On The Corner, Feelin’ Blue, Fortunate Son o Don’t Look Back contribuyen también a promocionar sonidos añejos pero desde un punto de vista en el que confluyen vitalismo, sencillez y rock and roll, como no, pero de finales de los sesenta sin pasar por el tamiz de modas coyunturales.

Canciones: Down on the Corne. It Came Out of the Sky Fogerty. Cotton Fields. Poorboy Shuffle. Feelin’ Blue. Fortunate Son. Don’t Look Now. The Midnight Special. Side O’the Road. Effigy.

Músicos: John Fogerty (guitarra, armónica y voz), Tom Fogerty (guitarra rítmica y voz), Stu Cook (bajo) y Doug Clifford (batería).

Portadas: Creedence Clearwater Revival (1968), Bayou Country (1969), Green River (1969), Cosmo’s Factory (1970), Pendulum (1970), Mardi Gras (1972), Live In Europe (1973) y Creedence Clearwater Revival: Box Set (2001).

Apunte: La celebración este año del 40 aniversario de la salida al mercado del primer elepé de Creedence Clearwater Revival incluye la reedición de sus seis primeros discos grandes.

Argus (Decca) 1972
Wishbone Ash
Portada: Hipgnosis

Wishbone Ash es una de esas formaciones de rock británicas que el paso del tiempo no pone en evidencia a sus primeras grabaciones, como Argus, realizada en mayo de 1972 y todo un compendio de rock sin aditivos en lo que se refiere a definiciones, pero lleno de matices que engrandecen las siete canciones originales del elepé. Desde la primera canción, Time Was, el cuarteto demuestra predisposición hacía armonías vocales evocadoras, duelos de guitarras eléctricas, tempos lentos con predominio de las acústicas y una compacta sección de ritmo. Con semejantes poderes, no es extraño que a comienzos de los setenta Wishbone Ash entrase con fuerza en el terreno del rock duro, pero matizado con otros sonidos como folk, blues, boogie, rok progresivo. Piezas de larga duración, como la antes mencionada, Sometime World o The King Will Com, ofrecen la esencia para que los músicos demuestren su tendencia a la compenetración que se mantiene desde el comienzo de suaves y evocadoras guitarras acústicas que sirven de presentación a juego de las dos guitarras eléctricas que a veces marcan un ritmo tendente a la mesura y nunca al desmadre.

Canciones: Time Was. Sometime World. Blowin’Free. The King Will Com. Leaf And Stream. Warrior. Throw Down the The Sword.

Músicos: Andy Powell (guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz), Ted Turnes (guitarras eléctrica, guitarra acústica y slide guitar), Martin Turner (bajo) y Steve Upton (batería y percusión). John Tout (órgano en Throw Down The Sword).

Más portadas: Wishbone Ash (1970), Pilgrimage (1971), Wishbone Four (1973), Live Dates (1973), There’s the Rub (1974), Locked In (1976), New England (1976), Front Page News (1977), No Smoke Without Fire (1978), Just Testing (1980), Number the Brave (1981), Twin Barrels Burning (1982), Raw to the Bone (1985), Nouveau Calls (1987) y Here To Hear (1989)

Apunte: La edición remasterizada en cedé de Argus, correspondiente al año 2002, incluye las piezas del epé promocional Live From Menphis: Jail Bait, The Pilgrim y Phoenix.

12 (New Rose) 1990
Elliot Murphy
Portada: fotografía de Alain Duplantier

Elliot Murphy continuaba su prolífica carrera discográfica en el comienzo de la década de 1990 con la grabación de un doble elepé de carácter intimista con referencias a personajes míticos y alusiones a los viajes del cantante norteamericano por varios países. Realizada en París y Lausanne, Murphy se rodeó de un generoso plantel de músicos entre los que estaba el habitual ex Modern Lovers Ernie Broks, así como instrumentistas europeos, con lo cual con semejantes mimbres no es extraño que 12, titulo de la grabación, el repertorio de los dos vinilos mantenga desde principio a final la atención de quien lo escuche. El primer disco ofrece una docena de canciones que comienzan con The Looser, pieza que realza la fijación de Murphy hacia la generación perdida de la literatura norteamericana. Continúan hermosas composiciones The Maladie & The Medicine, Destiny, On Elvis Prelsey’ Bhirtday, de fondo velvetiano, Mr. Coofee y Sun Flower, representativas de esas voz rota con fondo de guitarras acústicas y armónica, así como teclados. El segundo disco mantiene alto el listo con una mirada hacia atrás, en concreto a los setenta, como se puede comprobar al oír los primeros compases All The Way From Tokyo o Max’s Kansas City, homenaje a la meca del rock neoyorquino. Luego están canciones más complejas como The Spider And The Honey, con chelo incluido, y otras más abiertas e intemporales Some Like Steve Mcqueen, Let It Rain, The Dolly Sisters, Eliza y Where Is Baby, que mantenían a Elliot Murphy en el candelero de los rock stars, aunque sin estridencias mediáticas, gracias a un público fiel sobre todo en Europa.

Canciones: The Loser. Sicily (Tropic Of Separation), Sacrifice. The Malady & The Medicine. Destiny. On Elvis Presley’s Birthday. Grretings Fromo Sydney. The Price I Pay. The Epicenter!!!. Mr. Coffee. No I...I Couldn’t Touch You. Sun Flower. Automatic Erotic. All The Way From Tokyo. Bilingual Lover. All That Money Can Do. You’re Gonna Chase Love Away: Max’s Kansas City. The Spider ‘n The Honey. The Dolly Sisters. Sad After Sex. Somenthing Like Steve McQueen. Eliza. Where Is My Baby?. Let It Rain...

Músicos: Elliot James Murphy (guitarra, armónica, batería programada y voz), Ernie Broks (bajo), Roger Robindore (bongos y percusión), Tony Machine (batería), Art Labriola (teclados), Nora York (voz), Benoit Urban (acordeón), William Schote (chelo), Michael Vanderberghe (bajo acústico), François Tiset (guitarra) y Eric Navet (batería).

Más portadas: Rainy Season (2000), La Terre Comune (2000), Last Of The Rock Stars (2001), Soul Surfing (2002), The Next Wave (2002), Strings Of The Storm (2003), Never Say Never (2005) y Murphy Gets Muddy (2005).

Apunte: Elliot Murphy tiene en la red una elegante página de sus seguidores franceses. http://graphikdesigns.free.fr/elliot-muphy-site.html
 

 
El rastro (18)

 

Mimo y Los Jumps

Phillips

1963

• Adiós, mundo cruel
• Oh, oh Rosy
• Déjame bailar
• Twist sensacional

Deliverin’ (Epic) 1971
Poco
Portada: fotografía de Fred Lombardi

Poco se consolidaba a comienzos de la década de los setenta como una de las mejores formaciones de country rock de Estados Unidos, tanto en estudio como en directo el quinteto demostraba una excelente predisposición a interpretar material propio gracias a la presencia en el grupo de conocidos músicos como Richie Furay, Jim Messina o Rusty Young. Como prueba de esa inicial eficiencia queda el álbum grabado en actuaciones celebradas en el Boston Music Hall y New York Felt Forum, donde son notorias la energía, dominio instrumental y armonías vocales que confirmaría a dicha formación como una de las mejores de su estilo durante el resto de la década de los setenta. Canciones como C’mon, Heart That Music, Kind Woman o You’d Better Think Twice, así como los dos popurrís de country rock con ingredientes del mejor pop sesentero, estilo de sobras conocidos por los miembros de Poco, aportan frescura al sonido campestre que comenzará a salir de su ortodoxia para electrificarse sin complejos gracias a jóvenes como los que hicieron posible Deliverin'.

Canciones: I Guess You Made It. C'mon.Hear That Music. Kind Woman. Medley: Hard Luck / Child’s Claim To Fame / Pickin Up The Pieces. You’d Better Think Twice. A Man Like Me. Medley: Just In Case It Happens, Yes Indeed / Grand Junction / Consequently So Long.

Músicos: Rusty Young (steel guitar y dobro), Jim Messina (guitarra eléctica Telecaster y guitarra acústica de 6 cuerdas), Richie Furay (guitarras eléctricas y guitarra acústica de 6 cuerdas), Timmy Schmit (bajo y voz) y George Grantham (batería).

Más portadas: Indian Summer ( 1977), Legend (1978), Under The Gun (1980), Blue And Gray (1981), Cowboys & Englishmen (1982), Ghost Town (1982), Inamorata (1984), Legacy(1989), Running Horse (2002), Keeping The Legen Alive (2004), Bareback At Big Sky (2005), The Wildwood Sessions (2005).

Apunte: Poco en sus últimas formaciones ha contado con los veterano Rusty Young y Paul Coton, así como George Lawrence (batería) y Jack Sundrud (bajo). Su página web www.poconut.com informa de actuaciones en directo en diversos escenarios de Estados Unidos hasta diciembre de este año.

Un buen momento (Warner) 1995

MClan

Portada: diseño de Manuel Guio

MClan se estrenó a nivel de disco grande con Un buen momento, grabado en Memphis, una excelente carta de presentación dentro el panorama del rock español un tanto escorado hacia el pop en la segunda mitad de los noventa. Desde la primera canción la formación murciana deja claro sus preferencias por el rock guitarrero en el que se notan las influencias del rock sureño, el hard y en general en rock setentero (desde Rolling Stones a Led Zeppelin). Lo dicho antes no conduce a que MClan se limite en su cedé de presentación a un grupo de versiones, todo lo contrario la personalidad de los músicos, incluido el cantante, queda patente en la 11 canciones que destacan además por la buena producción que supo sacar lo mejor de cada uno de los miembros de la banda murciana. Se calienta, Volando alto, Miro alto, Dentro de la esfera, Hermana o Ron vudú son algunas de las composiciones que demostraron que desde el primer disco MClan se convirtió en una de las mejores ofertas de rock cantado en español.

Canciones: Se calienta. En mis manos. Un buen momento. Volando alto. Miro atrás. Dentro de la esfera. Perdido en la ciudad. Hermana. Donde el río hierve. No sabes hacerlo bien. Ron vudú.

Músicos: Carlos Tarque (voz, coros y pandereta), Ricardo Ruipérez (guitarra rítmica y dobro de 12 cuerdas), Santiago Campillo (guitarra solista, guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, dobro y slide), Pascual Saura (bajo), José Antonio Otero (batería) e Iñigo Uribe (órgano Hammnod, piano acústico, Fender Rhodes y Wurlitzer eléctric piano). Arreglos de metales Memphis Horns: Andrew Love y Wayne Jackson), Susan Marshall y Jackie Johnson (coros), Dock M. (percusiones) y Robert Nightwak (armónica).

Más portadas: Coliseum (1997), Usar y tirar (1999), Sin enchufe (2001), Defectos personales (2002), Sopa fría (2004), Retrovisión (2006) y Memorias de un espantapájaros (2008).

Apunte: MClan continúa con el tour de 2008, Las calles están ardiendo, en Bermeo- Bizkaia (11 de septiembre), Alcorcón-Madrid (12 de septiembre), Valencia de Don Juan-León (13 de septiembre), Ourense (18 de septiembre), Basauri-Bizcaia (27 de septiembre), Murcia (4 de octubre), Crevillente-Alicante (5 de octubre), Zaragoza (10 de octubre), Las Palmas de Gran Canaria (25 de octubre), Barcelona (30 de octubre) y Madrid (13 noviembre).

1991 (Atlantic) 1991
Lynyrd Skynyrd
Portada: Randy Tuten

Lynyrd Skynyrd volvía a reunir a cinco miembros originales de la banda sureña para grabar 1991, disco de 11 canciones compuestas por Rossingtyon, King y Van Zant. El último, hermano del cantante original del grupo fallecido en accidente de aviación, quien recuerda mucho a Ronnie pero sin la intensidad y matices de éste en la voz. Rock sureño, boogie y alguna pieza acústica. La primera cara recoge seis canciones encabezadas por las peleonas Smokestack Lightning, Keeping The Faith y Southern Women, para dar paso a la calma de Pure & Simple, donde los duros guitarristas se dan un respiro al cambiar sus instrumentos eléctricos por acústicos. En la misma línea sureña, de largos desarrollos de guitarras eléctricas, con sección rítmica de dos baterías, se incluye las tres primeras canciones de la cara B, a las que siguen a un ritmo más sosegado Mama (Afraid To Say Goodbye) y End Of The Road.

Canciones: Smokestack Lightning. Keeping The Faith. Southern Women. Pure & Simple. I’ve Seen Enough. Backstreet Crawler. Good Thing. Money Man. It’s A Killer. Mama (Afraid To Say Goodbye). End Of The Road.

Músicos: Johnny Van Zant (voz), Gary Rossington (guitarra), Ed King (guitarra), Randall Hall (guitarra), Leon Wikelson (bajo), Billy Powell (teclados), Artimus Pyle (batería y percusión) y Custer (batería). Coros: Dale Krantz Rossington, Stephanie Bolton y Susan Marshall.

Más portadas: Gold & Platinum (1979), The Last Rebel (1993), Twenty (1997), Edge of Forever (1999) Christmas Time Again (2000) y Vicious Cycle (2003).

Apunte: Lynyrd Skynyrd continúa realizando actuaciones en directo como grupo de rock sureño que conserva sólo a un miembro original, el teclista Billy Powell.

Cruel Sister-Reflection (Guimbarda) 1979
Pentangle
Portada: grabado de Alberto Durero



Cruel Sister salió a la venta en Inglaterra en 1970. Un año después se editaba Reflection, pero en España ambos se pondrían a la venta en 1970 en un disco doble de la discográfica Guimbarda. Respectivamente el cuarto y quinto álbumes de Pentangle, los repertorios de ambos se diferencian bastante. Cruel Sister recoge cinco canciones tradicionales de la música de las Islas Británicas. Otra vez Pentangle funciona como una de las mejores formaciones de folk del continente europeo. Los cinco componentes del grupo mantienen un perfecto equilibrio, incluso en los 18 minutos de Jack Orion, donde sobresalen las guitarras de John Renbourn y Bert Jansh. Aunque acústico desde sus comienzos, Pentangle no descarta la utilización de la guitarra eléctrica a cargo de John Renbourn, tanto en Cruel Sister como en Reflection. Este último ofrece un sonido más cercano a la música americana al incluir algunas piezas tradicionales de Norteamerica como Will The Circle Be Unbroken, aunque el grupo mantiene sus señas de identidad mediante la confluencia de varios estilos en su repertorio: folk, blues, rock, música clásica y ritmos de diferentes partes del mundo.

Canciones: A Maid That’ s Deep In Love. When I Was In My Prime. Lord Franklin. Cruel Sister. Jack Orion. Wedding Dress. Omie Wise. Will The Circle Be Unbroken?. When I Get Home. Rain And Snow. Helping Hand. So Clear. Reflection.

Músicos: Jacquie McShee (voz), John Renbourn (guitarra acústica, guitarra eléctrica, sitar y voz), Bert Jansch (guitarra acústica, banjo, dulcimer de los Apalaches, recorder, concertina y voz), Terry Cox (batería, percusión, dulcitone, glockenspiel y voz) y Dani Thompson (contrabajo).

Más portadas: Open The Door (1985), In The Round (1986) y So Early String (1989).

Apunte: Los cinco miembros originales de Pentangle se reunieron en 2007 para recibir el premio a su trayectoria en el folk, galardón que le fue concedido por la emisora BBC, donde el quinteto realizó una actuación.

Música instrumental de los Apalaches (Guimbarda) 1979
Varios
Portada: Guimbarda-CFE


Música instrumental de los Apalaches constituye un importante documento fonográfico elaborado gracias al viaje realizado por Diane Hamilton, Liam Clancy y Paul Clayton durante el verano de 1956 con la finalidad de recuperar piezas populares en los estados de Virginia y Carolina del Norte. La grabación recogió composiciones instrumentales en las que se tocaron banjo de cinco cuerdas, guitarra, violín, dulcimer y armónica, todos ellos muy utilizados en el sur de Estados Unidos en parte debido a la tradición de trasmitir los conocimientos y dominios de los mismos de generación en generación. No obstante, la mandolina se incorporó más tarde en los territorios sureños puesto que se utilizaba en las bandas de cuerda de carácter profesional. Los músicos participantes en este recopilatorio nunca antes habían grabado, excepto Hobart Smith, quien lo había hecho para la Library of Congress. El disco se abre con Cripple Creek, una danza muy popular que se toca y canta en el sur de Estados Unidos. Siguen otras melodías que fueron compuestas durante el siglo XIX y, en algunos casos, importadas del Viejo Continente, principalmente de las Islas Británicas.

Instrumentistas y canciones:
Cara A
1. Hobart Smith….Cripple Creek— 1´45”. Violín. Hobart Smith......Pateroller song —Canción del guardián...1´40”. Banjo. 3. Etta Baker......One dime blues—Blues de los 10 centavos...3´00”. guitarra. 4. Boone Reid........Sourwood mountain—La montaña de Sourwood...1´48”. Banjo de cinco cuerdas. 5. Etta Baker.....Goin’down the road feeling bad—Bajando por el camino sintiéndome mal…1´21”. Guitarra. 6. Edd Presnell….Amazing grace—Sorprendente gracia…1´43’’. Dulcimer. 7. Richard Chase…..The girl I left behind me—La chica que dejé atrás…1´23”. Armónica. 8. Lacy Phillips…Marching jaybird—El gran andarín”…1´19”. Banjo de cinco cuerdas. 9. Hobert Smith….John Brown´s dream—El sueño de John Brown.1´30”. Violín. 10. Ed Presnell….Sally Goodin. 1´00”. Dulcimer.
Cara B
1. Etta Baker….Railroad Bill…2´35”. Guitarra. 2. Laley Phillips…Soldier’s joy—La alegría del soldado. 1´56”. Banjo de cinco cuerdas. 3. Richard Chase.....Molly Brooks…1´18”. Armónica. 4. Hobart Smith…Pretty Polly—Preciosa Polly…1´25”. Violín. 5. Boone Reid……..Johnson boys—Los chicos de Johnson….1´27”. Banjo de cinco cuerdas. 6. Etta Baker.......John Henry….2´37”. Guitarra. 7. Hobart Smith…Drunken hiccups”—Hipo de borracho…1´07”. Violín.
8. Edd Presnell.... Shady Gove—Alameda sombreada…1´05”. Dulcimer. 9. Etta Baker......Bully of the town—El matón de la ciudad…2´55”. Guitarra. 10. Richard Chase.....Skip to my Lou—Salta sobre mi Lou…1´27”. Armónica.

Más portadas: Instrumental Music of the Southern Appalachians: Traditional Years (2006), reedición en soporte CD del disco aquí comentado.

Apunte: Etta Baker (1913-2006), una guitarrista de culto que tocaba desde los tres años, hizo sus primeras grabaciones para este disco de música de los Apalaches. En la grabación no utiliza púa, mientras que en la pieza titulada John Henry afina la guitarra con acorde abierto y la toca con la hoja de una navaja. Por su parte, el padre de la guitarrista, padre Boone Reid interpreta dos solos de banjo de cinco cuerdas.