Dressed To Kill (Casablanca) 1975
Kiss
Portada: fotografìa Bob Gruen

Kiss cuando lanzó su tercer disco grande ya se había convertido en un grupo atípico dentro del rock, atípico en el sentido de que, tras la imagen entre glam y de personajes de cómic, había toda una máquina de grabar elepés que subían como la espuma en las listas de éxito a la par que los estadios se llenaban para ver al cuarteto de Nueva York. Dressed To Kill representa la línea roquera de los dos anteriores elepés de la compenetrada y eficiente banda, que ofrece su imagen más callejera tanto en la portada como en el repertorio de 10 canciones, entre las que se encuentra uno de los himnos juveniles de los años setenta, que sonó infinitamente en las emisoras de radio de todo el mundo. Se trata de la pieza que cierra el disco, en concreto la titulada Rock And Roll Nite, que resume el estilo del grupo Kiss de entonces: descargas guitarreras controladas y cercanas al heavy, melodías respetables y estribillos pegadizos que conquistaban al público joven ávido de rock directo. En esa onda están también el resto de las canciones más representativas de Dressed To Kill, entre otras, Room Service, Ladies In Waiting, Rock Botton -con entrada acústica-, C'mon And Love, She y Love Herr All I Can.

Canciones: Room Service. Two Time. Ladies in Waiting. Getaway. Rock Bottom. C'mon and Love Me. Anything for My Baby. She. Love Her All I Can. Rock and Roll All Nite.

Músicos: Gene Simmons (bajo, guitarra rítmica, coros y voz principal), Paul Stanley (guitarras rítmica y solista, coros y voz), Ace Frehley (guitarra solista y coros) y Peter Cris (batería, coros y voz).

Más portadas: Kiss (1974), Hotter Than Hell (1974), Alive!(1975), Destroyer (1976), Rock and Roll Over (1976), Love Gun (1977), Alive II (1977) y Dynasty (1979).

Apunte: Cada uno de los miembros del grupo sacaron su respectivo elepé en 1978 bajo sus nombres es decir: Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley y Peter Criss.

Los viejos sabios y músicos de Cuba (Muxxic) 2000
Varios
Portada: J. Camacho

La música popular de Cuba es el resultado del mestizaje de ritmos procedentes de diferentes continentes, principalmente europeo y africano, que se escuchan por los cuatro puntos cardinales de la isla, y que desde las primeras décadas del siglo XX tuvieron una exclente aceptación fuera de dicho territorio insular. Con el fin del segundo milenio, diferentes estilos caribeños tuvieron otra vez una excelente promoción con la salida al mercado de grabaciones con la presencia de veteranos cantantes y músicos tanto de procedencia urbana como rural que salieron de su particular Héjira para reinterpretar con renovados folgos el son, la rumba, la charanga, el danzón, el bolero y la guaracha. Los viejos sabios y músicos de Cuba constituye el punto de encuentro trovadores cubanos experimentados en el arte del canto que resuelven con dinamismo y soltura canciones de toda la vida, entre otras, Obsesión, Nosotros, Me lo dijo Adela, No me llores más, A mí qué, Como baila Marieta o La mujer de Antonio.El Guayabero, Diógenes Montesdeoca, Humberto Rodríguez, Nené Álvarez y Laíto Sureda, acompañados por Los Soneros de Camacho, La Charanga Rubalcaba y Los Naranjos.

Canciones: Obsesión. Dame un traguito. Nosotros. Dos almas. Me lo dijo Adela. Mañana me voy pa' Sibanicú. 65 en 65. No me llores más. A mi qué. Como baila Marieta. Mosaico cubano. La mujer de Antonio.

Cantantes y músicos: Laito Sureda, Humberto Rodríguez, Diógenes Montesdeoca, Nené Álvarez, El Guayabero, Eddie Ciarreta, Los Soneros de Camacho, La Charanga Rubalcaba y Los Naranjos.

Más portadas: Antología del danzón (1961), Celebrando sus 80 años -Septeto Habanero- (2000), El son no ha muerto (2001) -Varios-, Goza mi charanga (2006) -La charanga de oro- y Guaracha cubana (2008) -Varios-..

Sequentialee (Mushroom Pillow) 2005
Tarik & la fábrica de colores
Portada: fotografía de Chus Antón

Tarik es el sosias de Álvaro Muñoz, un compositor y músico cordobés con amplia experiencia en el pop hispano, donde tras el parón de casi una década volvió con este Sequentialee, 11 canciones de variado marchamo estilístico, aunque con preferencia por el pop y la psicodelia. Así del primero resalta el arranque del repertorio con la excelente A balón parado, de resonancias beach boys, pero marcada por el fondo lírico que desprenden las composiciones de Tarik. En esa línea están también Oyendo canciones, Algo que cae como la lluvia -ésta en onda de rock alternativo- o Vengan todos los amantes. Tarik en su tercer disco demuestra no ajustarse a un sólo patrón estilístico como se puede comprobar al llegar a las canciones escritas en inglés, próximas al rock de los setenta, entre ellas Wasted Words, I Forgot The Lyrics y Cinnamon Girl, esta última versión de la pieza homónima de Neil Young en la que Tarik y su gente despliegan un sonido cañero con destacado protagonismo de las guitarras eléctricas. La oferta se completa con el instrumental Un apartamento el Père Lâchaise y la intimista Sé que algún día.

Canciones: A balón parado. Oyendo canciones Porque es domingo. Algo que cae como la lluvia. Wasted Songs. I Forgot The Lyrics. Cinnamon Girl. Vengan los amantes. Velvet Suicide. Una apartamento en Père Lâchaise. Sé que algún día.

Músicos: Álvarzo Muñoz (guitarras, órgano Farfisa, programaciones, bajo y voz), Paco Prieto (guitarras), Eric Jiménez (batería y percusión), Manolo Gordillo (bajo), Chema Martínez (voz), Paco (piano y órgano), Javi Cantudo (percusión), Limosine (percusión), Guti Soriano (órgano) y Ángel (trompeta).

Más portadas: Tarik y la Fábrica de Colores (1990), On the radio (1997) y El hueso y la carne (2007).

Who's Next (Polydor) 1971
The Who
Portada: fotografía de Ethan A. Russell

The Who con su quinto álbum grabado en estudio se consolidan en el olimpo del rock con el cambio de década. Who's Next está avalado por una trayectoria sin altibajos mantenida por Tommy, Live In Leed y la participación del cuarteto en el festival de la Isla de Wight de 1970. De nuevo el genio creador de Pete Townshend constituye un espaldarazo para que el grupo entre en la historia del rock con uno de los mejores álbumes de dicho estilo sobre el cual se han escrito cientos de páginas, lo cual convierte en recomendable una nueva escucha de Who's Net, un elepé que utilizando un símil de los setenta, cuando dominaba el formato de vinilo a 33 revoluciones por minuto, resulta redondo en todos los sentidos desde las canciones hasta la portada. The Who protagoniza una nueva vuelta de tuerca que adentra a la banda en un sonido duro que aleja al cuarteto del icono de combo adolescente, aunque mantenga la influencia del sonido opera rock tan en boga a comienzos de los setenta en las Islas Británicas. Incluso por citar un dato de su actualidad en relación con el LP, una de las series de más éxito de la televisión utiliza dos canciones del disco como careta de entrada y salida de los telefilmes.

Canciones: Baba O'Riley. Bargain. Love Ain't for Keeping. My Wife. The Song Is Over. Getting in Tune. Going Mobile. Behind Blue Eyes. Won't Get Fooled Again.

Músicos: Roger Daltrey (voz), John Entwistle (bajo, piano, brass y voz), Keith Moon (batería y percusión) y Pete Townshend (guitarra, órgano VCS3, ARP sintetizador, piano y voz).

Más portadas: Then And Now (2004) y Amazing Journey: The Story Of The Who (2007)

Apunte: La edición en formato cedé de Who's Next de 1995 incluye las canción extra Pure and Easy, Baby Don't You Do It, Naked Eye, Water, Too Much Of Anything, I Don't Even Know Myself y Behind Blue Eyes.

Moving Pictures (Mercury) 1981
Rush
Portada: fotografía de Deborah Samuel

Rush se internaba en la moderna década de 1980 con la grabación del elepé Moving Pictures, todo una demostración de que el hard rock estaba vivo y mejor que nunca en el caso del trío canadiense. Sin reparar en la utilización de artilugios tecnológicos de la época propicios para acompañar a un grupo básico de rock, los norteamericanos no caen en la tentación del manierismo posmoderno, al revés recalcan su dureza en un repertorio que al final resulta escueto, a pesar del largo desarrollo de las piezas incluidas en la grabación, pues ninguna baja de los cuatro minutos, cuando en aquellos ochenta se estaba volviendo al redil de las canciones para sencillos. Basta con seguir The Camera Eye o Red Bachatta, para darse cuenta que el inicio del disco con el literario Tom Sawyer no es un amago más de la dispersión imperante en el rock de los ochenta, pues el grupo pone al día la marca de la casa Rush, es decir rock con esencias del género progresivo directo y sin concesiones al aburrimiento. Incluso lo bordan en el instrumental YYZ, modélico y que mantiene su frescura inicial, como ocurre con la mayoría del repertorio, donde destaca asimismo el épico Witch Hunt, que en buena parte ha sido utilizado por la banda para agradar al público que asiste a las comparecencias en directo de Rush, una de las mejores bandas de rock duro.

Composiciones: Tom Sawyer. Red Barchetta. YYZ. Limelight. The Camera Eye. Witch Hunt. Vital Signs.

Músicos: Geddy Lee (bajo, Oberheim polyphonic, OB-X, mini moog, pedal sintetizador Taurus y voz), Alex Lifeson (guitarras de seis y doce cuerdas acústicas y eléctricas y pedal Taurus) y Neil Peart (batería, timbales, gong bajo de batería, campanas, glockenspiel, winds chines, bell tree, crotalos, cencerros y playwood).

Más portadas: Gold (2006), Snakes & Arrow Live (2008) y Retrospectiva Vol. 3 (2009).

Apunte: Más información de Rush, en el post fechado en Friday, January 9, 2009.

Another Time, Another Place (Virgin) 1974
Bryan Ferry
Portada: fotografía de Eric Bowman

Bryan Ferry (Sunderland-UK, 1945) continuaba la carrera en solitario a pesar del éxito ascendente de su banda Roxy Music durante la primera mitad de la década de 1970. Another Time, Another Place constituyó un salto cualtitativo en la discografía de Ferry, quien en su segundo elepé decide apostar por el soul y country, en el caso del segundo mediante piezas clásicas y modernas de dicho género. Con un acompañamiento musical que en ocasiones recuerda a Roxy Music en onda roquera, caso de la motowniana, The 'In' Crow, que abre el larga duración, Bryan facturó un disco que está entre los mejore situados de su carrera como solista. A ello contribuyen las adaptaciones de estándares de los estilos citados, entre otras, Smoke Gets In Your Eyes, Walk A Mile In My Shoes, Funny How Times Slips Away, You Are My Sunshine, (What A) Wonderful World, Gingerpoppin o Help Me Make It Through The Night, popularizadas, entre otros, por The Platters, Joe South, Elvis Presley, Willie Nelson, Gene Autry, Sam Cooke, Ike And Tina Turner y Kris Kritofferson. Bryan aprovecha la ocasión para incluir una canción propia, la que cierra el disco y da nombre al mismo, no exenta de barroquismo instrumental. Además, Ferry incluye It Ain't Me Babe, de Bob Dylan, al que vuelve a demostrar su admiración pues en su primer disco también había una canción del de Duluth, a quien ha dedicado su más reciente grabación Dylanesque.

Canciones: The 'In' Crow. Smoke Gets In Your Eyes. Walk A Mile In My Shoes. Funny How Time Slips Away. You Are My Sunshine. (What a) Wonderful World. It Ain't Me Babe. Fingerpoppin. Help Me Make It Through the Night. Another Time, Another Place.

Músicos: Bryan Ferry (armónica, órgano y voz), Henry Lowther (trompeta), Chris Mercer (saxo tenor), David O'List (guitarra), Ruan O'Lochlainn (saxo alto), John Porter (guitarra), Chris Pyne (trombón) y John Wetton (violín). Además colaboran Tony Carr, Tony Charles, Don Cirilo, Paul Cosh, Geoff Daley, Martin Drover, Bob Efford, Malcolm Griffiths, Jimmy Hastings, Morris Pert,John Punter, Alf Reece, Peter Robinson, Ronnie Ross, Bruce Rowlands, Steve Saunders, Alan Skidmore, Winston Stone, Mick Warner, Vicki Brown, Helen Chappelle, Barry St. John, Liza Strike, Ann Odell y Martyn Ford.

Más portadas: These Foolish Things (1973), Let's Stick Together (1976), In Your Mind (1977), The Bride Stripped Bare (1978), Boys and Girls (1985), Bête Noire (1987), Taxi (1993), Mamouna (1994), As Time Goes By (1999), Frantic (2002) y Dylanesque (2007).

Sahara (GRP) 1994
Russ Freeman & The Rippingtons
Portada: Bill Mayer

Russ Freeman & The Rippingtons ya estaban consolidados como una de las más eficientes formaciones de smooth jazz cuando salió a la venta Sahara, un disco de amplio colorido, como su portada, por poner un simil con la pintura. El guitarrista tejano muestra su faceta compositora aunque tampoco desdeña piezas de otros, como I'll Be Around, perteneciente a The Sppiners, una de las pocas cantadas, junto a Principles Of Desire, ambas representativas del soul refinado de la década de 1990. El resto del material incluido en Sahara se orienta hacia el pop, reggae y r&blues aderezados con los consabidos toques de jazz, tanto en las piezas más movidas como Native Sons Of A Distant Land, True Companion, 'Til We're Togheter Again, The Best Is Yet To Come o Porscha, como en los tempos lentos, casos de Journey's End y Girl With The Indigo Eyes. En cuanto a la composición que da título al disco, se escora hacia las nuevas músicas, un género como el smooth jazz, en el que caben las interpretaciones que se quieran. En la mayoría del repertorio destaca la música contagiosa y más bien alegre donde tienen un amplio protagonismo guitarras, teclados y cuidados toques de saxofón.

Composiciones: Native Sons Of A Distant Land. True Companion. I'll Be Around. Principles Of Desire. Sahara. 'Till We're Togheter Again. The Best Is Yet To Come. Journey's End. Girl With The Indigo Eyes. Porscha.

Músicos: Russ Freeman (guitarras eléctrica, acústica de 12 cuerdas, acústica de 6 cuerdas, guitarra barítona, programación, teclados, bajo y mandolina), Jeff Kashiva (Ewi, saxo tenor, saxo alto y saxo soprano), Kim Stone (bajo), Steve Reid (percusión), Tony Morales (batería), Tom McMorran (piano acústico y teclados), Phil Perry (voz), Kirk Whalum (saxo tenor), Art Wood (loops), Lynne Fiddmont (voz), Bridgette Bryant (voz), James Gilstrap (voz) y Phil Perry (voz).

Más portadas: Nocturnal Playground (1985), Moonlight (1987), Kilimanjaro (1988), Tourist In The Paradise (1989), Brave New World (1990), Curves Ahead (1991), Black Diamond (1997), Topaz (1999), Life On Tropics (2000) y Drive (2002).

Apunte: De las colaboraciones de Russ Freeman con otros músicos, hay que destacar los discos Benoit Freeman Project 1 (1994), 2 (2004) y From Tge Reddwoods To The Rockies (1998), éste con Craig Chaquico.

Dentro de este apartado de música folk, incluyo dos elepés del sello madrileño que también apostó por la música de los Balcanes y melodías antiguas, principalmente de Suiza, mediante la promoción de grabaciones de Kolinda y Urs Steiger.

Kolinda
1514 (1980)
Portada: Mariposa, de Robert Malaval

Composiciones: Játékos I. Három Árva. 1514. Tételek. Dorombének. Játékos II.
Tercer álbum del grupo húngaro, grabado en Francia, donde los miembros del sexteto crean las canciones dentro de los esquemas tradicionales de la música de Hungría, Rumanía y Bulgaria.

Urs Stieger
Die Gedanken Find Frei (1981)
Portada: Rolan Umbühl y Beinz Walti

Canciones: Die Gendanken Sin Frei. Pfanneflicker. Es Wollt Ein Maidleln Wasser Holn. Es Sin Emol. Zwoi Gspieli Gsi. Der Winter Ist Vergangen. Was Wolln Wir Auf Den Aben Tun. Wie Schon Bluht Uns Der Maien. Wenn Alle Brunnlein Fliessen. Der tTod Zu Basel. Ein Meidlein T'at Mir Klagen. Es Hett Ein Bidermann Ein Weib. Der DKuckuck Auf Dem Zaune Sass. Es Geht Eine Dunkle Wolke Herein. Schnurre. Es Wott Es Jungfraueli Reise. Mein Vater Wird Gesucht.

El instrumentista suizo Urs Steiger se adentra en la tradición juglaresca de la Edad Media de buscar, arreglar y cantar canciones, que interpreta acompañándose de zanfona, guitarra, guitarra barroca, laúd y cítara.

Music For The Native Americans (Capitol) 1994
Robbie Robertson & The Red Road Ensemble
Portada: diseño y fotografía de John Coy y David Jordan Williams

Robbie Robertson (Toronto, 1943), ex componente de The Band, se encargo de componer la banda sonora para un documental de televisión bajo el título Music From The Native Americans, nombre del tecer disco de larga duración del guitarrista de The Band, quien no renuncia a la tradicional, pues se nota en las piezas con esencia nativa, donde predominan la voz humana y la percusión, aunque también abundan teclados, guitarras eléctricas y programación en buena parte del repertorio. Así por un lado hay canciones que trasladan a territorio indio, como Mahk Jchi y Cherokee Morning Song, desnudas de instrumentos intrusos, pero predominan las composiciones donde la fusión entre música indígena y ritmos más actuales produce una ambientación atractiva y cargada de matices. En esa línea están Coyote Dance, Ghost Dance, The Vanishing Breed o Twister Hair, pero también está presente en estilo de Robertson ya apuntado en sus dos álbumes anteriore, y que se puede concretar en Golden Feather y Skinwalker, acordes con su dominio de la guitarra eléctrica y gusto por la presencia de un fondo sonoro de teclados.

Canciones: Coyote Dance. Mahk Jchi (Heartbeat Drum Song). Ghost Dance. The Vanishing Breed. It Is a Good Day to Die.Golden Feather. Akua Tuta. Words Of Fire, Deeds of Blood . Cherokee Morning Song. Skinwalker. Ancestor Song. Twisted Hair.

Músicos: Robbie Robertson (guitarra, teclados y voz), Bill Dillon (guitarra, bajo, Chamberlin, Omnichord y guitorgan), Douglas Spotted Eagle (flauta, teclados y programación), Patrick Leonard (órgano, teclado y progrmación), Réjean Bouchard (guitarra eléctrica), Jeff Smallwood (guitarra acústica), Elodie Lauten (teclados), Jean Daniel (violín alto), Alex Acuña (percusión), John Barlit (percusión), Tony Green (bajo), Benito Concha (batería), Sebastian Robertson (batería), Denis Toupin (batería y voz), Sal Fararas (batería), Rita Coolidge (voz), Priscila Coolidge (voz), Laura Satterfield (voz), Claude Pelletter (voz), Kasthin (voz), Florent Vollant (voz), Claude McKenzie (voz), Delphine Robertson (voz), Bonnie Jo Hunt (voz), Ulali and Silvercloud Singers (coro), Jim Wilson (programación) y Dave Pickell (programación).

Más portadas: Robbie Robertson (1987), Storyville (1991) y Contact From The Underworld Of Red Boy (1998).

La ruta del americana (Borderdreams) 2004
Varios
Portada: Bernardo Mur García

Americana sirve para definir el género que tiene como origen la tradición musical norteamericana basada en folk, blues, jazz, country, rock, entre otros sonidos,  y que son utilizados por grupos y solistas en la década de los noventa, aunque sus origenes se pueden rastrear en las sendas abiertas por pioneros del country rock de los sesenta, outlaws, sureños y nuevo rock americano. Pero lo mejor para disipar dudas, es escuchar el doble diso compacto titulado La ruta americana, un excelente documento que da las claves de esa música propia de Estados Unidos, entre la tradición más escondida y la modernidad menos amable con el sistema, es decir la conjunción entre tradicional y alternativo. 

Los discos recogen 35 canciones de cantantes de ambos sexos, desde jóvenes como Cindy Bullens, Geg Tropper, Jay Farrar, Maura O' Conell, Scot Miller, Kate Campbell, Eleni Mandell, Dayna Kurtz, Vic Chesnutt, Thomas Anderson o Ainara LeGardon, a veteranos que ya hicieron sus pinitos en los sesenta, entre otros Townes Van Zant, Delbert McClinton, Billy Joe Shaver o Rodney Crowell. En el medio están otros artistas de esa amalgama musical que es la americana, gentes que han tocado todos los palos habidos y por haber, pero siempre desde un punto de vista diferente a lo comercial. De ellos se pueden citar a Jason Ringenber, Mark Eitzel, Chuck Prophet, Vic Chesnutt, Mark Olson, Victoria Williams, Johhny Dowd o Terry Lee Hale. Además hay un buen plantel de grupos que pasan del folk al punk, del rock sureño al blues, del honky tonk al swing, del country más irreverente al pop guitarrero. En esa mescolanza de estilos y ritmos están Drive By Truckers, Rick Hopkins & Luminarios, The Flatlandes, Texana Dames, The Resentments, Horsepower, Lilium, The Walkabouts, William Grant Conspiracy, Centro -Matic o Friends Of Dean Martin. Como se puede ver una lista para dar y tomar, pero que no decepcionará a los buenos degustadores de música popular de Estados Unidos, por eso antes de leer los créditos es mejor colocar el disco en el lugar que le corresponde para que suene, luego habrá tiempo de saber quién o quiénes son los intérpretes más atractivos a nivel musical.

Canciones: CD1. World For The Knowing.Crossing Guard. One Less Heartache. Marry Me. Cherry Red. Like A Hurricane. Neverland. I Don´t Want To Lose You Yet. Baby, Do You Love Me Still?. Picture Cards Can't Picture You. Hard Time With Sunday. World So Full. Inisheer. Amtrack Crescent. Old Weakness. Deja Blues. A Perfecto World. When Your Dream Lovers Die.

CD 2: Hutterite Mile. No Other Love. Another Lonely Day. Hel Me Make It Through The Night. Love Gets In The Way. I', Through. Bells Of St. Mary. Ode To N2 O. Lover. The River People. Soft Hand. Wedding Dress. Flashes & Cables. Lost Horizon. Rainer's Song. Theremin Cider. In The Mirror.

Músicos, cantantes y grupos: CD 1. Teddy Morgan Rich Hopkins. Jason Ringenberg. Drive By Trukers. Five Horse Johnson. Jay Farrar. Cindy Bullens & Steve Earle. Eddie Spaghetti. The Flatlanders. Texana Dames. Tony Joe White. The Resentments. Greg Tropper & Maura O' Connelll. Scott Miller. Delbert McClinton. Billy Joe Shaver & Tod Snider. Kate Campbell & Rodney Crowell. Townes Van Zandt.

CD2. 16 Horsepower. Chuck Prophet. Eleni Mandell. Mark Eitzel. Dayna Kurtz. Vic Chesnutt. Mark Olson & Creekdippers. Rainer. Lilium. The Walkabouts. Willard Grant Conspiracy. Johnny Dowd. Centro Matic. Friends Of Dean Martínez. Terry Lee Hale. Thomas Anderson. Ainara LeGardon.

Más portadas: Americana: The Very Best Of New American Music (2003), This Is Americana (2004), Come The Mountain. Old Time Music For Modern Times (2005) y Country & West Coast. The Birth Of Country Rock (2006).

¿Hay alguien ahí? (Polygram) 1995

Los Suaves
Portada: fotógrafos Gorospe, Núñez, Picañol y Fenollar

Los Suaves, tras el éxito de la gira 1994-1995, decidieron poner en circulación un triple CD con las grabaciones realizadas en alguno de los escenarios visitados en ese periodo y en directo en la sala 1 de los Estudios Kirios. En total más de dos horas y media de música en directo, lugar en que el grupo ourensano se mueve con habilidad y total conexión con un público siempre entregado, porque la banda gallega es sin duda uno de los referentes del rock an roll de barrio en las grande ciudades españolas. Rock contundente, directo, sin concesiones a la comercialidad y una base literaria que capta enseguida el público, Los Suaves desarrollaron en ¿Hay alguien ahí? Un completo repertorio donde se encuentran desde las primeras canciones de la banda, pasando por las más recientes de entonces, a versiones de Chuck Berry, Rosendo y Phil Lynott. Guitarras furibundas al estilo del rock duro y callejero, apoyadas en una potente sección de ritmo, y la voz inconfundible de Yosi, constituyen los poderes de Los Suaves que bordan sus canciones más conocidas. De ellas hay una buena lista en la triple entrega en directo, entre otras, No puedo dejar el rock, Maldita sea mi suerte, Dolores se llamaba Lola, Malas noticias, Pardao, Chaqueta de cuero, Peligrosa María, Siempre igual, El afilador, Nena te voy a dejar o Esta noche no se duerme, algunas auténticos himnos de los seguidores del combo ourensano, pues en algún caso el cantante dio paso al público que interpretó sin equivocarse, por ejemplo, Dolores se llama Lola. El triple cedé está dedicado a Rory Gallagher (1949-1995), una de las referencias de Los Suaves, como son los autores de las canciones que versionea el grupo, sobre todo Phil Lynott.

Canciones: CD1. No puedo dejar el rock. Maldita sea mi suerte. Dile siempre que no estoy. La noche se muere. Dolores se llamaba Lola. ¿Pobre jugador!. Si pudiera. Viajando al fin de la noche. No me mires. Parece que aún fue ayer. Malas noticias. Pardao. Por una vez en la vida.

CD2. Hendrix. Dame rock and roll. Chaqueta de cuero. Johnny B. Goode. Corazón de rock & roll. Massacre. Baby Please Don't Go. El afilador. Peligrosa María. Siempre igual. Maneras de vivir. Dolores se llamaba Lola.

CD3. Sin empleo. A Caín. Ahora que me dejas. Nena te voy a dejar. Pobre Sara. Esta noche no se duerme.

Músicos: Yosi (guitarra, armónica y voz), Alberto Cereijo (guitarra solista, guitarra de ritmo y coros), Montxo Costoya (guitarra de ritmo y coros), Charli (bajo) y Gelo (batería).

Más portadas: Malas noticias (1993), Santa Compaña (1994), San Francisco Express (1997), Víspera de todos los santos (2000), Si yo fuera Dios (2003) y El jardín de las delicias (2005).

Apunte: Sobre otro disco de Los Suaves, hay datos en el post Tuesday, July 11, 2006.

Dedicado a Charli y compañía, por siempre Suaves.

Fotografía de Iñaki Osorio.

10 de Paco (Nuevos Medios) 1995
Jorge Pardo y Chano Domíguez
Portada: fotografía de Ortiz Echagüe

Chano Domínguez y Jorge Pardo, pianista y saxofonista respectivamente, son dos músicos españoles que partiendo de su amor al jazz han sabido misturarlo con el flamenco hasta el punto de que ambos músicos ofrecen un producto creíble y alejado del pastiche en que se cae, aunque sea sin querer, cuando no se dominan estilos que encandilan. Pero Chano y Jorge, aficiones, nacimiento y compañías relacionadas con el flamenco aparte, tienen tras de sí un recorrido lleno de grabaciones y conciertos donde el flamenco es el arte por antonomasia que desde jóvenes han saboreado en todos los sentidos. Entre los dos llegaron a un acuerdo para realizar un homenaje al guitarrista Paco de Lucía, con quien Jorge ha tocado en numerosas ocasiones. El resultado son diez piezas del repertorio del maestro de Algeciras que se abre con los tangos Sólo quiero caminar, donde destaca la voz de Chonchi Heredia, y se cierra con la melancólica Canción de amor. En el medio están diferentes palos que se adaptan al jazz o viceversa, desde ritmos festeros como rumba (Playa Carmen y Río ancho), y bulerías (La tumbona) a jondura a tope en la taranta Se me partió la barrena, pasando por cantes de ida y vuelta como la colombiana Monasterio de sal. Domínguez y Pardo también recuperan el homenaje que de Lucía hicera a Chick Corea bajo el título Chiquito, composición donde el jazz predomina sobre flamenco, incluso se puede escuchar una música inclasificable, caso de Zyrab que nace de la versatilidad de Domínguez y Pardo, la misma que tiene el homenajeado en 10 de Paco.

Composiciones: Sólo quiero caminar. Chiquito. Río ancho. Zyriab. La tumbona. Se me partió la barrena. Almoraima. Playa del Carmen. Monasterio de sal. Canción de amor.

Músicos: Jorge Pardo (saxos y flauta), Chano Domínguez (piano), Javier Colina (contrabajo), Tino di Geraldo (percusión), Luis Dulzaides (tumbadoras, bongos y chékere), Conchi Heredia “Chonchi” (voz y palmas) y El conde (palmas).

Más portadas: De Paco de Lucía: Paco de Lucía interpreta a Manuel de Falla (Phonogram, 1978), Sólo quiero caminar (Phonogram, 1981), Live... one summer night (1984), Ziryab (Polygram, 1991), Live in América (Polygram, 1994). De Jorge Pardo: 2332 (1997), Mira (2001) y Vientos flamencos (2005). De Chano Domínguez: Sí (2001), Mira como viene (2003), Oye como viene (2003), Flamenco Jazz (2005), New Flamenco Sound (2006) y Acércate más (2006).

Apunte: Hay referencias sobre discos donde tocan Jorge Pardo y Chano Domínguez en los post Sunday, March 16, 2008. Wednesday, December 5, 2007.

El rastro (35)

Juan Pardo
Ariola
1973

• My guitar (intro)
• My guitar
• Nowhere
• Something's Bad
• Lonely Man
• My Brother
• Maria Magdalena
• Boy Of Fifteen
• Simply
• I've Got A Rose
• Nothing New
• My Guitar

Songs The Lord Taught (IRS) 1980
The Cramps
Portada: fotografía de David Arnoff

The Cramps se estrenaban con la década de 1980 mediante el lanzamiento de su primer elepé en estudio, todo un revulsivo en la manera de abordar el rockabilly, tanto a nivel estético como musical, es decir apartándose de la brillantilla y tupés, así como de las guitarras eléctricas de ejecución limpia. Nunca mejor comparación se hizo cuando se dijo que era a la música como una serie B al cine. Estéticas y éticas aparte, el grupo indudablemente despertó la atención al representar una nueva manera de abordar el rock and roll para convertirlo en psycobilly, un saco en el que igual se podían amontonar furiosos alegatos de los roquers más extravagantes, como el garaje rock pre punk de los sesenta a las instropecciones del underground setentero, por tanto ante tanto despropósito en el cambiante panorama de comienzos de los ochenta no es extraño que Alex Chilton, rara avis en aquellos años, se fijase en los cuatro émulos de la familua Munster. El resultado son vitamíncas piezas alentadas por una voz esquizofrénica y zumbidos fuzz que no pasaron despercibidos, incluso cuando miraron hacia canciones ajenas como Strychnine, Tear It Up o el canónico Fever. Mientras en el haber de la banda quedan registrados por su firmeza TV Set, Garbageman. I Was A Teenage Werewolf Sunglasses After Dark, Zombie Dance y I'M Cramped. Mejor estreno no pudieron hacer The Cramps, un ejemplo a seguir por las bandas más desquiciadas del rockabilly garajero.

Canciones: T.V. Set. Rock On The Moon. Garbageman.I Was a Teenage Werewolf. Sunglasses After Dark.The Mad Daddy. Mystery Plane. Zombie Dance.What's Behind the Mask?. Strychnine. I'm Cramped. Tear It Up. Fever.

Músicos: Lux Interior (cantante), Poison Ivy Rorschach (guitarra), Bryan Gregory (guitarra), Nick Knox (batería) y Booker C (órgano en Fever).

Más portadas: Psychedelic Jungle (1981), Smell Female (1983), Date Costh Elvis (1986)m Flamejob (1994) y Fiends Of Dope Island (2003).

Apunte: En la edición en CD de 1998 se incluyen las canciones extra: I Was a Teenage Werewolf (With False Start) -Original Mix-, Mystery Plane -Original Mix-, Twist and Shout, I'm Cramped" -Original Mix- y The Mad Daddy -Original Mix-.

Legendary Masters Series (UA) 1972
Eddie Cochran
Portada: diseño Bob Cato


Eddie Cochran (1938-1960) es una de las figuras clave del rock and roll cuya muerte prematura en accidente de tráfico dejó abierto el interrogante de cómo hubiese sido su madurez artística tras el éxito arrollador durante la segunda mitad de los cincuenta. Quizá para desvelar la incógnita ayuden los dos elepés de Legendary Masters Series que constituyen interesantes documentos sonoros para apreciar por dónde se movía Cochran, quien enseguida conquistó al público adolescente, como otros roqueros, con canciones que llevan el sello indiscutible de Eddie, entre las más conocidas, Summertime Blues, C' mon Everybody, Let's Togheter o Somheting Else. Pero la potencia en voz y en solos de guitarras eléctricas tambien aparecen cuando Cochran se dedica a revisar canciones de otros que sonaban allá por la segunda mitad de los cincuenta, leánse Jeanie, Jeanie, Jeanie, Blue Suede Shoes, Nervous Breakdown o Long Tall Sally, donde queda demostrado que Eddie era más que un rubio bien parecido, pues con veinte años ya estaba bastante curtido en los estudios de grabación. En ellos dejó también huella de baladas, como Three Stars, en recuerdo de Holly, Valens y Booper, entre otras que se pueden escuchar en el sin duda mejor recopilatorio del cantante y guitarrista, quien se movió bastante en el ambiente country, estilo al que se afiliaron más adelante muchos roqueros ya en plena madurez, del que hay una buena representación en Pretty Little Devil. Incluso hay un instrumental Eddie Blue's, un blues con raíces Milk Cow Blues, el mismo que grabó en sus primeras sesiones Elvis, y un canto tradicional: Cotton Picker, por tanto queda demostrado que Cochran no es un autor de un par de éxitos y nada más.

Canciones: LP 1. Skinny Jim. Let's Get Together. Eddie's Blues. Little Lou. Pink Pegged Slacks. Jeanie Jeanie Jeanie. Something Else. Pretty Little Devil. Who Can I Count On. Thinkin' About You. Opportunity. Latch On. I'm Ready. Three Stars. Cotton Picker.

LP. 2 Summertime Blues. Cut Across Shorty. Milk Cow Blues. My Way. Blue Suede Shoes. Nervous Breakdown. C'mon Everybody . Sittin' in the Balcony. Twenty Flight Rock. Teenage Cutie. Hallelujah, I Love Her So. Fourth Man Theme. Weekend. Boll Weevil. Long Tall Sally.

Músicos: Eddie Cochran (guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano bajo, batería y voz), Jerry Capehart (slapping box, pandereta y palmas), Hank Cochran (guitarra) Connie Guybo Smith (bajo), Jesse Salles (batería), Earl Palmer (bajo), Ray Johnson (piano), Irving Asby (guitarra), Ray Stanley (piano), Jewel Grant (saxo), Plas Johnson (saxo), Jackie Kelso (saxo), Larry D'Agostini (guitarra), Gene Riggio (batería), Dic D'Agostini (piano y guitarra), Paul Coffman (saxo), Jim Stiver (piano), Mike Hendersopn (saxo) y Mike Deasy (saxo). Faltan los nombres de algunos músicos y cantantes de coros que colaboraron con Cochran en varias de las canciones recogidas en el doble de United Artists Records.

Más portadas: Mighty Mean (2003) y Complety Sweet (2008).

Apunte: Otro post sobre Eddie Cochran. Friday, June 9, 2006.

4x10

1969

Mira hacia tí (Hispavox)
Miguel Ríos

Portada: fotografía de Ontañón

Miguel Ríos (Granada, 1944) lanzaba su primer elepé en 1969 cuando ya era un conocido y asentado roquero que también sabía entonar baladas. Desde la aparición de su primer disco en 1962 bajo el nombre artístico de Mike, el cantante granadino se mantuvo fiel a sus principios musicales: el rock que ha sido la guía de su larga vida artística, de la cual ha decidido retirarse con un recorrido por toda España con la Gira Memorias de la carretera. Pero antes de su medio siglo en el candelero musical, Miguel Ríos preparaba el camino hacia el éxito internacional que le llegaría poco después de la edición de Mira hacia tí. En este elepé destaca una de las facetas en que Miguel sobresale, aunque el se considere más roquero que crooner, la balada, aspecto que engrandece más su figura, y que cuenta con verdaderos hitos en el pop español como El río, Contra el cristal o Good bye quiere decir adiós, piezas que antes habían conocido el éxito en formato sencillo, pero que Miguel recuperó para su estreno en larga duración. En buena parte de las canciones destaca la presencia de Waldo de los Ríos (1934-1977) en la dirección y arreglos orquestales que aportan frescura y grandiosidad al pop de la mejor línea británica que desprenden Mira hacia tí, Vuelvo a Granada, El viaje, Yo solo soy un hombre o Mi vida fue. La mano de Waldo estaría detrás también del gran éxito Himno a la alegría, basado en el último movimiento de la Novena de Beethoven. Por su parte, Miguel Ríos aportaba tres canciones propias sobre un total de 11 que estaban firmadas por Juan Pardo, María Ostiz, Fernando Arbex y T.Luz/A. Saínz, en cuanto a compositores españoles, mientras que J. Hendricks y J. Phillips era los autores extranjeros traducidos al español por Miguel, quien a partir de entonces encarará su carrera hacia el rock con aciertos notables que le valieron el conocimiento de diferentes generaciones.

Para finalizar las palabras de despedida de Miguel que aparecen en su página web: "No es cosa común que un artista se despida de los escenarios. Lo normal es que te despidan. Yo he tenido la suerte de poder elegir el momento justo para decirle adiós a la carretera, y al público que me ha traído hasta aquí, a las puertas de mis 65 años. Llevo casi 50 en este oficio y, milagrosamente, me he mantenido con un nivel aceptable de creatividad y en una forma vocal y física para muchos envidiable".

Canciones: El río. Contra el cristal. Good-bye quiere decir adiós. El viaje. No sabés como sufrí. Mira hacia tí. Yo solo soy un hombre. Mi vida fue. Vuelvo A Granda. Soy algo que quisieras borrar. El cartel.

Músicos: Miguel Ríos (voz), David Waterston (órgano y armónica) Charlie Gutiérrez (guitarra rítmica), Ricardo Acedo (bajo), Jay Herrero Jr. (batería) y Waldo de los Ríos (arreglos y dirección orquestal).

Más portadas: Sus primeros EP's 1962-1963, Todas su grabaciones en discos Philips 1963-1965 e Historia de una búsqueda 1974-1977. Estos tres títulos están en el sello Ramalama. Otros títulos: La encrucijada (1984), El año del cometa (1986), Miguel Ríos (1988), Directo al corazón (1990), Como si fuera la primera vez (1996) y Solo o en compañía de otros (2008).

A Turtle's Dream (Verve) 1994
Abbey Lincoln
Portada: fotografía de Carol Friedman

Abbey Lincoln (Chicago, 1930) se rodeó en este disco de grupo de músicos jóvenes para ofrecer otra inspirada obra donde resalta la hermosa voz de la cantante norteamericana, quien salvo en un par de ocasiones se encargó de componer el repertorio de A Turtle's Dream, un disco donde confluyen lirismo a raudales gracias la siempre cálida foz de Abbey. La primera canción define el estilo ecléctico de Abbey, pues se puede decir que en Throw Away no hay un estilo definido aunque prime en lo instrumental el toque característico de guitarra acústica de Pat Metheny. A continuación, A Trutle's Dream, Down Here Below y Nature Boy, Abbey pone el acento bop a su modo, es decir sabiendo llevar su voz a los sentimientos que las letras recogen, algo en lo que la cantante destaca notablemente. Incluso se atreve con la canción francesa, ese el caso de Avec le temps, de Léo Ferré, donde otra vez Metheny pone el contrapunto instrumental a la melancólica historia narrada por Lincoln, quien ya sea con acompañamiento de grupo de jazz o con arreglos de cuerda no pierde credibilidad en ese sentimiento que despliega en cada interpretación, preñada de feeling y swing, cuando lo requiere la ocasión, por ejemplo en Sould've Been, My Love Is You, Storwise, Not To Worry y Being Me. De las dos canciones ajenas, a las firmadas por Ferré y Eden Ahdez, hay que añadir la pieza Hey, Lordy Mama, cuya parte musical corre a cargo de Nina Simone, un blues eléctrico en la línea más elegante del sonido de Chicago con la guitarra de Lucky Peterson en primer plano.

Músicos: Abbey Lincoln (voz), Julien Lourau (saxos tenor y soprano), Roy Hargrove (trompeta), Pat Metheny (guitarras acústica y eléctrica), Lucky Peterson (guitarra eléctrica y voz), Kenny Barron (piano), Rodney Kendrick (piano), Michael Bowie (bajo), Charlie Haden (bajo), Christian McBride (bajo), Victor Lewis (batería), Sandra Billingslea (violín), Pierre Blanchard (violín), Vincent Pagliarin (violín), Frédéric Fymard (viola), Anne-Gaelle Bisquay (chelo), Marc Gilet (chelo) y John Robinson (chelo).

Canciones: Throw It Away. A Turtle's Dream.. Down Here Below. Nature Boy. Avec Le Temps. Should've Been. My Love Is You, Storywise. Hey, Lordy Mama. Not To Worry. Being Me.

Más portadas: That's Him (1957), It's Magic (1958), Abbey Is Blue (1959), Straight Ahead (1961), People in Me (1973), Golden Lady (1980), Talking To The Sun (1983), Abbey Sings Billie, Vol. 1 & 2 (1987), The World Is Falling Down (1990), You Gotta Pay the Band (1991), Devil's Got Your Tongue (1992), When There is Love (1992 ), Painted Lady ( 1995), Who Used to Dance (1996 ), Wholly Earth (1999), Over the Years ( 2000), It's Me (2003) y Abbey Sings Abbey (2007).

Raï (Manteca) 2000
Varios
Portada: diseño de dan@mystery

Raï, a nivel general, es la palabra que sirve para definir la música popular argelina que surgió de barriadas a las afueras de la ciudad de Orán. Aunque los orígenes del raï moderno se sitúian en la década de 1920, no va a ser hasta los años setenta del siglo pasado cuando se popularice esa música, cuando en ella a la tradicional percusión beduina y otros instrumentos se unen teclados, sintetizadores y cajas de ritmos, a la vez que se producen fusiones con otros ritmos como como pop, rock, reggae, funk, música disco, hasta el punto que para el integrismo islamista es considerado hostil a las tradiciones religiosas, con el resultado de varios cantantes asesinados en la década de los noventa y el consiguiente éxodo de muchos artistas hacia lugares más seguros y alejados del Magreb. Y es que el raï, además de opinión muchas veces particular, tiene un componente reivindicativo que critica cualquier interferencia moral, política o económica sobre la vida de las personas, aunque a comienzos del siglo XX se trataba de una música que buscaba la diversión de la comunidad bereber, pero la posterior urbanización y el nacimiento de barrios marginales en las grandes ciudades del Magreb dieron origen al moderno raï que jóvenes de ambos sexos bailan en discotecas. Raï. The besto of the oiriginal North African grooves ofrece más de una hora de música distribuida en 15 canciones que interpretan entre otros Cheb Khaled, Haïm, Malik, Cheba Nouria, Cheikha Remitti y Mohamed Mahdi, quienes expresan desde la música con raíces en el espíritu bereber o los ritmos electrónicos preferidos en los barrios populares, cuando no aparecen fusiones con el hip hop o el flamenco, por citar dos estilos diferentes de los tantos que también inspiran a los cantantes y compostiores de raï.

Canciones: Chabressi. Nsalfik. Gouli Rani Nebrik. Wahlaich. Lilla. Le Cauchemard. Salam. Madanitche. Dalali. Katrat Alya Hadra. Chab Rassi. Harfet. Hanari.

Cantantes y grupos: Cheb Khaled. Chab Sahraoui & Fadela. Cheb Abdallah. Haïm. Rasto. Youcef. Cheba Houria. Houri & Le Grande Tradiotionnel Cnaqua. Cheb Youcef. Mohamed Mahdi. Djamel Beneylles. Cheikha Remitti. Cheikh Djelloul Remchaqui. Cheikh Meftah.

Más portadas: Le Monde du Raï (1987), Maroc Night Fever (1991), The Guide To Raï (2002), Hip Hop Raï (2003), La nuit Raï (2005), Algerian Raï, Best Of (2007), Oran-Oujda Raï Express (2007) y 1970's Algerian proto-raï underground (2008).

Transit (OmTown) 2000
A.J. Croce
Portada: fotografía de Alison Dyer

Adrian James Croce (Bryn Mawr, Pennsylvania, 1971) con su cuarto disco de larga duración deja claro que se ciñe al título, Transit, pue decide ir hacia adelante s en lugar de quedarse en el estilo que ha servido de inspiración a sus anteriores elepés. Ese paso estilístico se percibe desde la primera composición, Maybe, una canción de indiscutible urdidumbre power pop escorado hacia el territorio británico, lo cual no quiere decir que A.J. Pierda ni un ápice de su poder para montar pequeñas joyas musicales, las cuales abundan en Transit. El cantautor estadounidense no renuncia al piano pero permite que otros teclados, en teoría más modernos, entren para ocupar un destacado protagonismo en todas las canciones, junto a guitarras eléctricas, creándose así estructuras que más pertenecen al pop rock que a la música con raíces, aunque cabe preguntarse si el pop no es ya también roots music. Pero dejo disquiciones para centrarme en el disco, donde Croce junior resalta su indiscutible lirismo que con base en el conocimiento de la tradición musical de su país le srive para lanzarse con seguridad en brazos del pop rock que desprenden It's Only Me, Summer Can't Come Too Soon, The Bargain, Everyman, What I Wouldn't Do o Change, por no citar todo el repertorio del cedé, una prueba de la versatilidad nada impostada de quien igual bebe en fuentes británicas como Zombies, The Beatles o Elvis Costello, sin olvidarse de sus compatriotas Ray Charles o Beach Boys.

Canciones: Maybe. It's Only Me (Oh Ya-Ya). Turn Out the Light. Summer Can't Come Too Soon. The Bargain. Find Out Now. Everyman.What I Wouldn't Do. Change. Five. She Was Always Right. Don't Leave Me Now.

Músicos: A. J. Croce (piano, órgano, Wurlitzer, piano eléctrico, music box y voz), Michael James (guitarras), David Zemen (Hammond B-3, melotrón, Wurlitzer eléctrico, Vox Continental, teclados, pandereta, clavinete, acordeón, guitarra acústica y voz), Brad Cummings (bajo), Frank Reina (batería)Michael Bizar (guitarra y guitarra acústica), Sami Tormamen (batería adicional), Urban Olsson, Grayson Sumby, David Zemen, Alex Davis, Jenny Sipprelle y Jason Rankins (coros).

Más portadas: A. J. Croce (1993), That's Me in the Bar (1995), Fit to Serve (1998), Adrian James Croce (2004), Cantos (2006) y Cage of Muses (2009).

Apunte: A.J. Croce es hijo del cantautor Jim Croce (1943-1973). http://www.jimcroce.com/

The Kick Inside (EMI) 1978
Kate Bush
Portada: Splash Studio y Jay Myrdal

Kate Bush (1958) alcanzó un alto nivel artístico con su presentación discográfica The Kick Inside, primer elepé de la cantautora británica, donde hay un generoso repertorio de canciones que demuestran el talento de la entonces joven compositora, convertida en una de las mejores referencias de la canción femenina de los ochenta. Producida por David Gilmour, Kate enseguida se hace un hueco en la música pop gracias a la pieza Wuthering Heights, en la que descubre la extremada expresividad de su aguda voz y su bagaje literario basado en un romanticismo entre trágico y místico como el recogido de Cumbres borrascosas para dar forma al éxito antes comentado. Pero, The Kick Inside no se limita a la composición más conocida de Kate, quien en su primera entrega busca un estilo, basado, eso sí en la versatilidad a la hora de componer, con o sin ayuda de músicos como el guitarrista de Pink Floyd. Desde un acercamiento al folk rock progresivo de los setenta en el Reino Unido, Moving, al rock de James And The Cold Gun, pasando por alguna entrega a la psicodelia de la factoría británica: The Saxophone, la cantante también experimenta con la sensualidad que aplica a Fel It o L'Amour Looks Something Like You, hasta completar un álbum también alegre en algunos casos, como ocurre con Kite, de ritmo reggae, estilo en auge durante segunda mitad de los setenta, aunque no se pueden perder de vista la orquestal The Man Wild The Child In His Eyes, Oh The Be In Love, Them Heavy People o The Kick Inside, canciones que en una primera escucha pueden pasar desapercibidas, pero que dan cuenta de un elaborado trabajo vocal y una notable conjunción instrumental.

Canciones: Moving. The Saxophone Song. Strange Phenomena. Kite. The Man With The Child In His Eyes. Wuthering Heights. James And The Cold Gun. Fell It. Oh To Be In love. L'Amour Looks Something Like You. Them Heavy People. Room For The Life. The Kick Inside.

Músicos: Kate Bush (piano y voz), Iam Bairnson (guitarras, mandolina y voz), Duncan Mackay (piano eléctrico, sintetizador, órgano y clavinet), David Paton (bajo, guitarra acústica, guitarra eléctrica y voz), Stuart Elliot (batería), Barry de Souza (batería), Bruce Lynch (bajo), Paul Keogh (guitarras), Alan Parker (guitarras), Andrew Powell (teclados y celeste), Alan Skidmore (saxofón), Morris Pert (percusión y boo bams), Paddy Bush (mandolina y voz) y David Katz (orquestación).

Más portadas: Lionheart (1978), Never for Ever (1980), The Dreaming (1982), Hounds of Love (1985), The Sensual World (1989), The Red Shoes (1993) y Aerial (2005).