The First And The Last (Statik Records)

New Race

Portada: Bob King, Mike Gethen y Marc Christowski

Durante los meses de abril y mayo de 1981, tres miembros de la banda australiana Radio Birdman, junto al guitarrista de The Stooges, Ron Asheton, y el baterista de MC5, Dennis Thompson, realizaron varias actuaciones en diferentes escenarios –Selina’s, Sgt. Peppers, Manly Vale Hotel y Crystal Ballroom-, bajo el nombre de New Race. La juventud de los australianos y la veteranía de los estadounidenses no supusieron ningún obstáculo a la hora de tocar en directo, como se puede apreciar en este elepé de dicha formación, en cuyos surcos queda clara la militancia roquera del quinteto. Cryng Sun, Haunted Road, Sad TV, Looking At You, November 22, 1963, Gotta Keep Moving o Columbia representan el rock acelerado y potente en el que confluyen los ritmos de las bandas más desquiciadas de Detroit, el hard de la costa Este norteamericana, el rock de garaje y el punk de finales de los setenta.

Canciones: Crying Sun. Haunted Road. Sad TV. Breaks My Heart. Looking At You. November 22, 1963. Alone In The End Zone. Love Kills. Gotta Keep Moving. Columbia.

Músicos: Ron Asheton (guitarra), Warwick Gilbert (bajo), Denis Tek (guitarra y voz), Dennis Thompson (batería y voz) Rob Younger (voz). Chris Masuak (guitarra en Columbia y Looking At You) y Clyde Bramley (voz en Crying Sun, Haunted Road y Columbia).

Más portadas: New Race (The First To Pay -1989- y The Second Wave -1999-). Radio Birdman (Radios Appear -1978- y Living Eyes -1981).

High Land, Hard Rain (Nuevos Medios) 1983

Aztec Camera

Portada: David Band

El cuarteto de Glasgow (Escocia) Aztec Camera estrena su primer elepé en el año1983 dentro del cambiante panorama musical del Reino Unido y con la ventaja de contar con un líder de talento, Roddy Frame, compositor sensible y singular guitarrista que aporta un sonido entre acústico e intimista a las canciones de su disco de presentación. En él destacan las composiciones tituladas Obvilious, The Bugle Sounds Again, Lost Outside The Tunnel y Queen’s Tattoos, que ponen de manifiesto el ingenio y el interés por parte de la banda desde un punto de vista innovador para levantar el ánimo de una música pop alicaída en la primera mitad de los ochenta. Exquisitos toques de guitarras mezclados con sonoridades soul, funk y psicodelia constituyen la estructura musical de High Land, Hard Rain, un disco de referencia del mejor pop de comienzos de la década de 1980.

Canciones: Oblivious. The Boy Wonders. Walk Out To Winter. The Bugle Sounds Again. We Could Send Letters. Pillar To Post. Realese. Lost Outside The Tunnel. Back On Board. Down The Dip.

Músicos: Roddy Frame (guitarra, armónica y voz), Campbell Owens(bajo), Bernie Clarke (órgano y piano) y Dave Ruffy (batería y percusión).

Más portadas: Knife (1984), Aztec Camera (1985), Love (1987) y New, Live And Rare (1988).

De todo corazón (Factoría) 2003

Pedro Ruy-Blas

Portada: fotografía de Fernando Suárez

Pedro Ruy-Blas (1949, Madrid) recordaba a Santiago Alcanda, en relación con el disco De todo corazón: “Lo quería llamar Spanish Harlem porque es un disco muy negro de canciones clásicas de siempre, auténticos estándar de la música en España, melodías que reposan en el inconsciente colectivo de cuatro o cinco generaciones de españoles. Y sólo he pretendido extraerles el poquito de blues que pueda haber dentro de ellas pero sin forzarlas, sin melismas que exageren su fondo blusero. Es un disco de cantante de jazz con estándares a lo americano, hecho con músicos que sienten, como yo, que el jazz es una forma de vivir y viven con respeto a ese principio”. En total, son 11 canciones que van desde el número 1 de los sesenta Black is black al más reciente La puerta de Alcalá, pasando por Alma, corazón y vida, Sixteen Tons, Mediterráneo, Cuando la vi o Mona Lisa. Pedro consigue con su inmejorable voz trasmitir todo el sentimiento del cantante que se esfuerza para comunicar la belleza que se puede sacar a la letra de una canción.

Canciones: Amar y vivir. Black is black. Mediterráneo. 16 Toneladas/Sixteen Tons. Alma, corazón y vida. Eres diferente. Cuando la ví. Tú, mi delirio. Get on your knees. Mona Lisa. La puerta de Alcalá.

Músicos: Pedro Ruy-Blas (voz), Horacio Icasto (piano y dirección musical), Víctor Merlo (contrabajo), Noah Shaye (batería), Jorge Pardo (saxo tenor, 1), Bob Sands (saxo tenor, 4,7 y 9) y Matthew L. Simon (fiscornio, 8 y 9).

Más portadas: Luna llena (1975), Dolores (1976), Asa-Nisi-Masa (1978), La puerta abierta (1978), Madre ciudad (1984), Teatro, circo y variedades (1998) y Ample (2008).

Apunte: Pedro Ruy-Blas ha intervenido como cantante en los musicales Jesucristo Superestar, Los Miserables, La bella Helena, La maja de Goya y Cats.

Amor de hermano (Dros East West) 1996 

Los Coyotes 

Portada: Víctor Aparicio y Pocateja 

Los Coyotes surgieron en Madrid a finales de los años setenta con una apuesta por el rock and roll primario para con posteridad evolucionar hacia un estilo propio difícil de definir pero que, por cierto, constituyó el punto de partida del tan manido sonido latino. El combo de Víctor Abundancia tuvo suficiente personalidad para apostar por rumbas, salsa, calipso y otras sonoridades caribeñas en tiempos de posmodernidad. De todo eso hay en este cedé recopilatorio de 17 canciones que van de 1983 a 1991, es decir desde el rockabilly de Muévete, de la primera etapa, a la canción de crooner Aguas bravas. De esta última decía su creador: "Meterse, subido a una piragua, en un paso difícil de un río de montaña provoca la misma sensación que meterme en ciertos asuntos en los que interviene el amor. Miedo". En el medio están, sin duda, piezas con garra, divertidas, bailables, costumbristas y satíricas. Lo mejor para comprobarlo es escuchar 300 kilos, 100 guitarras, La calientes noches del barrio, las chicas de las revistas guarras, De color de rosa, Esta noche me voy a bailar, Corazón de reloj y El mono.

Canciones: Muévete. 300 kilos. Fiesta salvaje. 100 guitarras La estación del amor. Las calientes noches del barrio. Razas. Las chicas de las revistas guarras. De color de rosa. Lo que dice Mari. Esta noche me voy a bailar. El típico español. Corazón de reloj. Tu mejor desayuno. El mono. Aguas bravas.

Músicos: De la primera época Víctor Abundancia (voz y guitarra), Fernando Gilabert (contrabajo), Nano del Valle (batería), Carlos Torero (batería y percusión), Ramón Godes (guitarras y sinetizador), Celestino Albizu (batería), Luis Carlos Esteban (programaciones), Javier Coble (sintetizadores) y Luis Lamas (guitarras). Colaboradores de aquel tiempo. Ulises Montero (saxos), Julián Hernández (guitarra española y ukelele), Collán Manzano (palmas y coros), Fernando Velasco (piano), Mari Paz Guillén (marimba), Olvido Gara, Carmen Madeirolas, Ester García, Teresa Panadero y Jeny (voces), Roberto Timaná (percusiones) y Yolanda Serrano (coros).

Más portadas: Mujer y sentimiento (1985), Las calientes noches del barrio (1987), De color de rosa (1988), Puro semental (1989), Tocando sus éxitos (1991) y 300 Kg (2004). Víctor Coyote: Lo bueno, dentro (1995), Lucha de migajas (2000), ¿A qué viene ahora silbar? (2004), Dos años luz y cuarto (2011).

Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus (Epic) 1970

Spirit

Portada: fotografía de Ira Cohen 

Spirit representa brillantemente a la segunda generación de bandas de la Costa Oeste de Estados Unidos que resumía la evolución de la psicodelia hacia un rock progresivo de gran predicamento en la década de los setenta, y del que se alimentaron figuras representativas de aquellos años, por ejemplo, David Bowie y T. Rex, en el Reino Unido, y Steely Dan, en Norteamérica. Consumados instrumentistas, tanto los más veteranos, como los jóvenes, Ed Cassidy y Randy California, respectivamente, los componentes de Spirit crearon un estilo inclasificable de variadas referencias: folk, blues, rock, jazz, soul, entre otras formas que configuraron ese todo innovador recogido en Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus, un álbum con un atractivo especial a 42 años de su grabación. Varias canciones han quedado como hitos del rock estadounidense durante el cambio de década como Nature’s Way, Animal Zoo, Mr. Skin, Space Child y Morning Will Come, que además de éxito pusieron muy alto el listón del grupo, que, por cierto, no volvería a repetir una grabación tan acertada.

Canciones: Prelude – Nothin’ To Hide. Nature’s Way. Animal Zoo. Love Has Found a Way. Why Can't I Be Free?. Mr. Skin. Space Child. When I Touch You. Street Worm. Life Has Just Begun. Morning Will Come. Soldier.

Músicos: Randy California (guitarra y voz), Ed Cassidy (batería y percusión), Jay Ferguson (voz y percusión), Joh Locke (teclados) y Mark Andes (bajo y voz).

Más portadas: Spirit (1968), The Family That Plays Togheter (196), Feedback (1972), Spirit Of 76 (1975), Farther Along (1976), Future Games (1977), Adventures Of Kaptain Kopter & Commander Cassidy in Potatoland (1981), The Thirteen Dream (1984), Rupture In The Chambers (1989).

Apunte: La version de 1996 en disco compacto de Twelve Dreams Of Dr. Sardonicus registra además las canciones extra Rougher Road, Animal Zoo (versión mono para sencillo), Morning Will Come (altenativa mono mix) y Red Light Roll On.

En recuerdo de Ed Cassidy

A Weekend With Jane (Matinée Recordings) 2003

Pale Sunday

Portada:

Disco en formato EP de presentación del entonces trío brasileño del área de Sao Paulo, Pale Sunday, que demuestra una acertada sintonía con el pop de siempre tamizado por ese toque indie que no va mucho más allá de la estructura musical en la que se integran guitarras, sección rítmica, algo de cuerda y voces muy aprovechadas, principalmente. Un poco más de 13 minutos repartidos en el repertorio donde nada sobra y que devuelve la credibilidad a una música en teoría intrascendente pero que está destinada a ocupar mucho tiempo en las escuchas de quienes prefieren las distancias cortas en sus preferencias musicales.

Canciones: A Weekend With Jane. Go Ahead. Today. The Girl With Sunny Smile.

Músicos: Luiz Gustavo (bajo y voz), Sineval Almeida (guitarra) y Fabricio Cantoni (guitarra).

Más portadas: Summertime? (2005), Shooting Star (2010) y The Fake Stories About You And Me (2012).

Greetings From L.A. (WB) 1972
Tim Buckley
Portada: Cal Schenkel

Tim Buckley con el séptimo álbum Greetings from L.A., tres años antes de su temprana muerte, daba un cambio de dirección musical y a favor de los ritmos característicos del r&blues, el soul, el funk y el jazz, géneros que acompañaba excelentemente con su voz carnal, pues el cantante la utilizaba como un instrumento más que iba contando experiencias de una sexualidad exacerbada, lo cual se aprecia en la mayoría del corto pero intenso repertorio de Greetings from L.A. Lo dicho, la pose más musical de Buckley se adapta a la presencia de variados instrumentos, sobre todo de cuerda y metal, que hacen del disco una de las mejores grabaciones de la última etapa de Tim, quien aprieta el fuelle y sale airoso en su lucha por alejarse de la cargada atmósfera en que se encontraba el rock en la primera mitad de la década de 1970. De esa búsqueda, sale airoso hasta el punto de dar un sentido nuevo a su obra musical. Del disco, inspirado en la megaurbe californiana, quedan algunas piezas incuestionable y de rara belleza como Sweet Surrender, Get On Top, Devil Eyes, Honk Kong Bar o Make It Right.

Canciones: Move With Me. Get on Top. Sweet Surrender. Nighthawkin. Devil Eyes. Hong Kong Bar. Make It Right.

Músicos:Tim Buckley (guitarra y voz), Lee Underwood (guitarra y teclados), Joe Falsia (guitarra), Reinhold Press (bajo), Chuck Rainey (bajo), Kevin Kelly (órgano y piano), Harry Hyams (viola), Ralph Schaeffer (viola), Louis Kievman (violín), Robert Konrad (violín y guitarra), William Kurash (violín), Jesse Ehrlich(chelo), Paul Norros (saxofón), Eugene Siegel (saxofón), Jerry Goldstein (percusión y arreglos), Carter Collins (congas) y Ed Greene (batería).

Más portadas: Dream Letter: Live In London 1968 (1990), Live At The Trobadour 1969 (1994), Honeyman-Live 1973 (1995), The Dream Belong To Me. Rare And Unrealeased 1968-1973 (201) y Morning Glory: The Tim Buckley Anthology (2001).

Gaitas, violines y otras hierbas 2 (Dro) 1993 
Varios 
Portada: ilustración de Manuel Trujillo 

Gaitas, violines y otras hierbas 2 es un recopilatorio de dos discos que recoge música y celta y derivados, según se lee en la portada de este doble cedé, editado en 1993 en una de las etapas expansión de la música folk europea, aunque también aparecen en menor medida composiciones de décadas anteriores. La formación escocesa Capercaille abre el primer disco de la antología con la inconfundible voz de Karen Matheson. Siguen la canadiense Loreena McKennitt, bajo la influencia de la canción irlandesa; el inolvidable Pentangle en su etapa más americana y con una versión de la reconocible e intemporal Will the circle be unbroken. De la etapa del anterior grupo, es Fairport Convention, otros de los combos esenciales del folk británico, además en su mejor momento cuando en las filas del mismo militaban gentes como Sandy Denny, Ian Matthew, Richard Thompson, Ashely Hutchings, Simon Nicol y Martin Lamble. Unos años antes habían asentado las bases del folk renovado inquietos jóvenes que supieron ampliar horizontes musicales. Estoy hablando de The Incredible String Band, conjunto del que se recupera October song, grabada en 1966. De la etapa de la salida al mercado de Gaitas, violines y otras hierbas son bandas que en los noventa tuvieron un importante reconocimiento de crítica y público, por ejemplo la inglesa The Oyster Band, los irlandeses The Pogues, los españoles Celtas Cortos, Tansands The Levellers, Weeding, Parties And Anything, que reivindican un sonido más festivo y abierto a otros estilos más eléctricos.

 En cuanto al segundo disco, comienza el repertorio con el guitarrista británico Richard Thompson, un folkie influyente dentro del ámbito roquero. Continúan June Tabor con The Oyster Band, los pioneros The Dubliners, el reputado cantautor escocés Ewan Maccoll, los irlandese Moving Hearts, Beausoleil y su animoso sonido cajún, el folk evolucionado de Malicorne, las canadienses hermanas McGarrigle, el frances y ex Malicorne Gabriel Yacoub reconvertido en cantautor sólido y evocador, los castellanos La Musgaña y los madrileños enamorados de la música celta Labanda. El disco doble cumple a la perfección su objetivo de promocionar la música folk al capturar tendencias diversas y de distintas nacionalidades que constituyen ejemplos vivos de la cultura europea de la segunda mitad del siglo XX, pero con vocación de continuidad como demuestra el hecho de que algunos de los nombres citados representan eficientemente la profundidad de las raíces del folk.

Composiciones: CD1. Waiting for the wheel to turn. Bonny Portmore. Will the circle be unbroken?. Meet on the ledge. October song. The road to Santiago. Sally Mclennane. Odin. Eye of the Average. Outside/inside. Roaring days. CD 2. Two left feet. Lullaby of London. Anna Liffey. Dirty Town. McBrides. La danse de la vie. La mule. En fialnt ka quenouille. Les choses plus simples. Wooden box. Lubican. La batalla de Somme.

Músicos y cantantes: CD 1. Capercaille. Loreena McKennitt. Pentangle. Fairport Convention. The Incredible String Band. The Oyster Band. The Pogues. Celtas Cortos. Tansands. The Levellers. Weeding, Parties And Anything. CD 2. Richard Thompson. June Tabor & The Oyster Band. The Dubliners. Ewan Mccoll. Moving Hearts. Beausoleil. Malicorne. Kate & Anna McGarrigle. Gabriel Yacoub. Ancient Beat Box. La Musgaña. Labanda.

Más portadas: Gaitas, violines y otras hierbas (1992), Antologie de la musique traditionelle française vols. 1/2 (1977), The best of Irish folk 1 and 2 (1996), Trobadours of British folk vols. 1/2/3 (1995), Naciones celtas (1997).

Black Sabbath (Vertigo) 1970

Black Sabbath 

Portada: de Keef

Black Sabbath realizó un excelente estreno discográfico al comienzo de la década de 1970 y sentó las bases del heavy metal venidero, en las que tienen cabida también la escalada a los primeros puestos de ventas de discos, algo hasta entonces casi inusual en las listas de éxitos. La buena acogida de Black Sabbath tuvo más que ver con las propuestas musicales del disco que con estéticas y posicionamientos satánicos previos a la instauración del denominado rock gótico. Herederos de la mejor tradición del blues rock, los miembros de la banda británica supieron darle una vuelta de tuerca a la música y orientarla hacia nuevas generaciones que enseguida cayeron rendidas antes piezas ya clásicas del rock duro como: Black Sabbath, The Wizard, Behind The Wall Of Sleep. N.I.B. o Evil Woman. La voz de Ozzy Osbourne, la guitarra de Iommi y la sección de ritmo crearon escuela y sirvieron de guía a muchos grupos a ambos lado del Atlántico, tanto que en la actualidad el rastro de los Sabbath se puede encontrar en grupos cuyos miembros aún no habían nacido cuando salió el elepé homónimo del combo de Birmingham.

Canciones: Black Sabbath. The Wizard. Behind Wall Of Sleep. N.I.B. Evil Woman. Sleeping Village. The Warning. Wicked World.

Músicos: Tommi Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería) y Ozzy Osbourne(voz y armónica).

Más portadas: Paranoid (1971), Master Of Reality (1971), Black Sabbath Vol. 4 (1972), Sabbath Bloody Sabbath (1973), Sabotage (1975), Technical Ectasy (1976), Never Say Die! (1978), Heaven And Hell (1980), Mob Rules (1981), Live Evil (1982), Born Again (1983), The Eternal Idol (1987), Headlles Cross y Past Live (2002).

Beatin' Aroun De Bush (1990)

Hugh Masekela

Portada: ilustración de Bruce Dundore

Hugh Masekela (KwaGuqa, 1939) es uno de las principales representantes vivos del jazz africano que además cuenta en su haber con el honor de difundir la música africana en Europa y América. Grabado en 1990 en California cuando en su país de origen, Sudáfrica, se preparaban para importantes cambios, Masekela aprovechó el tirón del afro beat que en aquella década había entrado con fuerza en los principales sellos discográficos y montó un disco donde se aprecian notables influencias del pop, smooth jazz y los ritmos africanos más próximos al trompetista y compositor sudafricano, quien aprovecha piezas ajenas para llevarlas a su terreno como los casos de la que abre el disco Stoppin' Out, de Joe Jackson, y Rock With You, de Rod Temperton. Masekela despliega sus ritmos más inspirados en aquellas composiciones que lo trasladan a su querida tierra de origen. Por tanto, Beatin' Aroun de Bush es un disco alegre, donde música y canto se reencuentran a menudo para enriquecerse y expresar que la fusión puede ser posible entre ritmos urbanos y tribales. Basta con escuchar Ngena-Ngena, en las dos versiones: instrumental y cantada, Batsumi, Poina, Languta, Sekumjalo, U-Mama y la pieza que da título al disco, casi una hora de buenas y cálidas vibraciones.

Composiciones: Steppin' Out. Ngena-Ngena (instrumental). Ngena (a capella). Batsumi. Rock With You. Polina. Languta. Sekunjalo. U-Mama. Beatin' Around De Busch.

Músicos: Hugh Masekela (flugelhorn, teclados y voz), Teco Cardoso (saxo tenor), Tony Cedras (guitarra, acordeón, teclados, arreglos y voz), Gboyaga Adelaja (teclados), Richard Cummings (teclados), George Doring (guitarra), Richard Druz (percusión, batería, timbales y arreglos), Todd Jasmin (teclados), Morris Goldberg (saxo alto y gaita), Francis Fuster (percusión y conga), Gene Jackson (batería), Bakithi Khumalo (bajo y voz), Remi Kabaka (batería y talking drum), Damon Duewhite (batería), Lawrence Matshiza (guitarra), Yaw Opoku (bajo), Stanley Todd (guitarra), Dudu Pukwana (arreglos), Thandi Bhengu Clydene Jackson Edwards, Pauline Faraee, Ronald Kunene, Cussie Lunene, Lebohang Morake, Jynnifer Quick, Ambition Sandqnela, Sandy Simmons, Guy Spells y Fred White (voces).

Más portadas: Sixty (2000), Live at the BBC (2002), Still Grazing (2004), Revival (2005), Live At The Market Theatre (2007) y Phola (2009).

Apunte: Más información sobre Masekela, pinchad: 

http://caratulascoque.blogspot.com.es/search?q=tomorrow+(WEA)

We Are Like The Ocean (Edigsa) 1977

Barry Melton

Portada: pintura de Monte Dolark

Tercer elepé en solitario del guitarrista Barry Melton (1949), ex miembro de The Fish de Country Joe, grabado en 1977 y que dedicaba el disco a su hijo recién nacido, Kingsley Langer. Todas las canciones son fruto de la inspiración de Melton, excepto Travelling en la que colabora con su amigo Country Joe, al que se había unido en ese mismo año para revitalizar al grupo que dio fama a los dos, plan del que salió un disco con los pescados originales, pero que pasó desapercibido. En cuanto a We Are Like The Ocean, en el terreno musical cuenta con un discreto pero efectivo grupo de músicos que desarrollan un sonido suave sin caer en blanduras sonoras. Hay varias canciones interesantes, por ejemplo She’ s a Love, donde la guitarra de Melton se hace más intimista y menos ácida que en su época psicodélica. Hay también agradecimientos a la tierra de promisión, California, y algunos mensajes ecologistas, todo con una banda sonora agradable que sin ser impactante produce atracción. 

Canciones: I Have Wandered, She’s a Love, Anagarika, Travelling, We Are Like The Ocean, Passengers, Pueblo Pool, California y Keep the Faith.

Músicos: Barry Melton (guitarra y voz), Jim Boyes (voz), Dave Brady (voz)), Heather Brady (voz), Paul Cobbold (bajo), Bob Flurie (guitarra), Bob Hogins (teclados), Robin Pizer (guitarra), Elmo Shropshire (banjo), Moth Smith (batería) y Ray Martinez (guitarra).

Más portadas: Bright Sun Is Shining (1970), Melton, Levy & The Dey Bros (1972), The Fish (1975), Level With me (1980) y Songs of the Next Depression (1981).

Lúa descolorida (Edigal) 1985

Dolores Plata

Portada: fotomontaje de Xosé Abad

“Rosalía y la música. O Rosalía en la música. Hoy ya lo podemos afirmar, vedlo ahora, con esta contundencia. Muchas son en la historia las aproximaciones músico-compositivas a la obra de nuestra poeta. Variadas son además estas interpretaciones musicales de sus textos. Y ahora son un grupo de grandes músicos y la voz de Dolores Plata quien infunde a la palabra rosaliana un nuevo soplo de permanencia y actualidad en los ecos pesarosos y resistentes de este viejo país que cambia y renace lleno de pasión en las selvas eternamente verdes del mediodía interior o en las olas blancas e indestructibles del Atlántico. Sobre esta luna descolorida ondula dulce y cercano o enlazado en ritmo de los versos que suenan en el tiempo rosaliano, ahora reavivados por el espíritu nocturno y cálido de las notas jazzísticas, desveladoras quizás de una cara oculta de estos poemas lleno de pueblo y de universo. Porque en Rosalía vibra ese sentido comunal y tímbrico que nos identifica con lo humano, desde el ser esencial y propio al plural acento de las voces y de los cantos que conciertan armonías apenas distinguidas en uno mismo”. Miguel Anxo Fernán-Vello, traducido del texto en gallego de la presentación recogida en el interior de la carpeta del elepé, quien añadía:“Así es que a través de la música, de esta música, podemos una vez más purificar el sentido de nuestro amor a Rosalía y trascenderlo para otros que, tal vez en otras dimensiones, también nuestras, alcancen la comunión necesaria con la historia, con la realidad y con nuestro tiempo. Esto es un convite a todos y un homenaje de todos a nuestra cantora nacional y universal. Rosalía de Castro ilumina desde el presente esas zonas ocultas en nosotros mismos, esa noche llena de estrellas que habita ahora en los pulsos de este jazz leve que nos adentra en su voz entera de ternuras y sueños”

Canciones: Lúa descolorida. No ceo, azul crarísimo. Pasa, río. Maio longo. As torres de Oeste. Tecín soia. O meu olido máis puro. Decides que e o matrimonio. Lévame.

Músicos: Dolores Plata (voz), Nani García (piano acústico, sintetizador y melodeón). Baldo Martínez (contrabajo y bajo eléctrico), Fernando Llorca (batería), Alejandro Pérez (saxos y flauta travesera), Danilo (congas y percusión), Suso Rei (guitarra eléctrica) y Rodrigo Romaní (guitarra acústica y voz).

Más portadas: Amancio Prada, Rosalía de Castro (1975), Amancio Prada, Rosalía siempre (2005); Abe Rábade, Rosalía 21 (2008).