“David’ s Album” (Vanguard). Disco country de Joan Baez, grabado en 1969 en Nasvhille, la capital de dicho estilo, donde conocidos músicos de sesión de la citada ciudad colaboraron con la cantante y compositora, quien dedicó este álbum a su entonces marido, David Harris, militante antibelicista durante la década de los sesenta. Canciones tradicionales, entre otras “”Will The Circle Be Unbroken”, “Poor Wayfaring Stranger” y “Just A Closer Walk With Thee; composiciones de conocidos del country como “Glad Bluebird Of Happines” o “My Home’s Across The Blue Ridge Mountains”, y alguna aportación de nuevo compositor, caso de “Hickory Wind”, de Gram Parsons, constituyen la base del larga duración. Joan se adapta muy bien a los ritmos campestres apoyada por un grupo de excelentes profesionales, entre los que figuran “The Jordanaires”. La cantante con su inconfundible y bien afinada voz también aprovecha para incluir alguna composición de su propiedad, con lo cual el álbum dedicado a su marido descubre la versatilidad de la artista que consigue, a la vez, uno de sus mejores discos de estudio. Bajo la dirección de Jules Halfant, la propia Joan Baez se encargó del dibujo de la portada que retrata a David Harris.

Canciones: “If I Knew”, (N. Duschek, P. Marden) “Rock Salt And Nails”, (B. Phillips), “Glad Bluebird Of Happiness”, (D. Skrabak), “Green, Green Grass Of Home”, (C. Putnam), “Will The Circle Be Unbroken”, (traditional), “The Tramp On The Street”, (J. Baez, G. Cole, M. Solomon), “Poor Wayfaring Stranger”, (traditional), “Just A Closer Walk With Thee”, (traditional) , “Hickory Wind”, (B. Bucannan, G. Parsons) y “My Home’s Across The Blue Ridge Mountains” (T. Ashley)

Músicos: Joan Baez (guitarra y voz), Harold Bradley (guitarra), Ken Buttrey (batería), Fred Carter (mandolina), Pete Drake (steel guitar), Junior Huskey (bajo), Tommy Jackson (violin), The Jordanaires (voces), Jerry Kennedy (guitarra), Grady Martin (dobro, guitarras y mandolina), Mimi Fariña (voz),, Bill Purcell (piano), Norbert Putnam (bajo), Jerry Reed (guitarra), Hargus Robbins (piano y teclados), Hal Rugg (dobro, steel guitar y guitarras), Buddy Spicher (violin y viola) y Pete Wade (guitarra)

Otras portadas: Joan Baez (1960), Joan Baez II (1961), Joan Baez V (1964), Farevell Angelina (1965), Any Day Now (1968), One Day at a Time (1970), Blessed Are (1971), Gracias a la vida (1974), Diamonds & Rust (1975), Very Early Joan (1983) y Recently (1988).

“Mediterráneo” (Novola-Zafiro). Joan Manuel Serrat, el “noi del Poble Sec”, poeta del día a día, de las pequeñas cosas, de la libertad, grababa durante el año 1971 en Milán uno de sus discos más conocidos y escuchados: el que lleva el nombre del mar que baña su tierra natal. Con esta obra, Serrat se universaliza al captar la esencia de la vida, el amor, la muerte, el paisaje, la alegría. En fin, como dice en una de las canciones de este disco:”Son aquellas pequeñas cosas/que nos dejó un tiempo de rosas/en un rincón/en un papel/ o en un cajón”. Todas las canciones fueron compuestas por Serrat, quien sin embargo incluye un poema del escritor, entonces en exilio, León Felipe, que lleva el título de “Vencidos”, un amargo canto al que se contraponen composiciones más optimistas como la que da título al disco o “Vagabundear”. Cual juglar moderno tampoco faltan los cantos de amor alegres y amargos de “La mujer que yo quiero” y “Lucía”, esta última todo un himno de diferentes generaciones que acogieron sin complejos las sinceras estrofas del cantante catalán, quien además supo captar la soledad de “Pueblo blanco”, la infancia perdida para siempre en “Barquito de papel” y el desencuentro entre madre e hija en “Qué va a ser de ti”. Todas estas canciones han contribuido desde 1971 a consolidar el disco “Mediterráneo” como uno de los más importantes de la música popular española, pues sus letras con patrimonio de millones de personas que se las saben de memoria estrofas como “Quizás porque mi niñez/sigue jugando en tu playa/y escondido tras las cañas/duerme mi primer amor;/llevo tu luz y tu olor/por dondequiera que vaya”. La portada del elepé fue diseñada por Enric Satué con fotografías de Colita.

Canciones: “Mediterráneo”, “Aquellas pequeñas cosas”, “La mujer que yo quiero”, “Pueblo blanco”, “Tío Alberto”, “Qué va ser de ti”, “Lucia”, “Vagabundear”, “Barquito de papel” y “Vencidos”.

Músicos: Joan Manuel Serrat (voz). Gian Piro Reverberi y Juan Carlos Calderón (dirección musical). Juan Carlos Calderón, Gan Piero Reverberi Antoni Ros Marbá (arreglos).

Otras portadas: Ara que tinc vint anys (1967), Cançons tradicionals (1968), Dedicado a Antonio Machado, poeta (1969), Mi niñez (1970), Serrat /4 (1970), Miguel Hernández (1972), Per al meu amic (1973), Para vivir (1974), 1978 (1978), Cada loco con su tema (1983), Serrat al Grec (1983), Fa vint anys qe tinc vint anys (1984), El Sur también existe (1985) y Sinceramente teu (1986).

“Cantata Sudamericana” (Philips). La tucumana Mercedes Sosa (1935) protagoniza en 1972 la grabación de “Cantata Sudamericana”, en cuya composición intervienen el músico Ariel Ramírez y el escritor Félix Luna, también argentinos como la cantante. En forma de obra conceptual, aunque cada canción sea independiente en estilo, Mercedes Sosa se encarga de poner su inspirada voz para hacer un particular recorrido por diferentes países sudamericanos con el objetivo de difundir ritmos que van desde los más populares a otros desconocidos. Sin embargo, el disco se abre con la pieza titulada “Es Sudamérica mi voz”, que se acompaña de instrumentos de la música popular de este continente pero sin definir ningún estilo, como si se tratase de la canción colectiva de los pueblos que habitan América del Sur. Bossa nova, música toba, ritmos de la Pampa, vals peruano, cantos religiosos y melodías caribeñas están representadas magníficamente, gracias sobre todo a la personal y profunda voz de Mercedes Sosa, fiel en todo momento a los cantos auténticos de los diferentes lugares de Latinoamérica. La carátula del elepé ofrece una ilustración de Mellari.

Canciones:”Es Sudamérica mi voz”, “Canta tu canción”, “Antiguos dueños de flechas”, “Pampas del sur”, “Acércate cholito”, “Oración al sol”, “Sudamericano en Nueva York” y “Alcen la bandera”.

Músicos: Mercedes Sosa (voz), Ariel Ramírez (piano y clavecín), Kelo Palacios (charango), Raúl Mercado (quena), George Kenny (órgano), Gustavo Fernández (requinto), Santiago Bertiz (cuatro y guitarra), Domingo Cura (percusión), León Jacobson (percusión), Enrique Roizner (percusión), Óscar Além (contrabajo), Raúl Cerruti (aseor de los ritmos tobas) y Los Arroyemos (conjunto vocal).

Otras portadas: Canciones con fundamento (1965), Yo no canto por cantar (1966), Con sabor a Mercedes Sosa (1966), Mujeres argentinas (1969), El grito de la tierra (1970), Traigo un pueblo en mi voz (1973), A que florezca un pueblo (1975), Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui (1977), A quién doy (1980), En Argentina (1982) y Vengo a ofrecer mi corazón (1985).

“Gravity” (Scotti Brothers) De James Brown (1933-2006), una de las grandes figuras de la música negra desde los años cincuenta, escribía en 1969 el crítico de música pop, el británico Nik Cohn: “Se ha convertido en algo más complejo que un mero cantante: es el símbolo definitivo de todo lo que los negros pueden ser, del dinero que pueden ganar, del estilo que pueden conseguir, de la arrogancia que pueden alcazar…Es un hombre pequeño, más bien feo, pero es un bailarín maravilloso, con una voz rara, histérica, penetrante, increíblemente alta. Little Richard, Arthur Brown, John Lennon, P.J. Proby…todos son cuchicheadores a su lado. Y básicamente lo que hace es construir un esquema sencillo: una corta frase musical muy sincopada, que machaca una y otra vez, haciéndose contestar por la orquesta, y estableciendo una repetición infinita, subiendo poco a poco la tensión hasta llegar a ser casi dolorosa físicamente”. A pesar de su grandeza, Brown también pasó por momentos difíciles, así en la segunda mitad de los ochenta grababa el elepé “Gravity” (1986), un disco en el que el denominado “mister dinamita” reivindicaba su aportación a estilos modernos entonces funk, hip-hop y rap, a los cuales, sin duda, se adelantó. El disco recoge algunas canciones con la fuerza característica que Brown sabía trasmitir en sus actuaciones, a pesar de la producción muy en la onda de los ochenta con apabullante presencia de modernos teclados e instrumentos programados: “Gravity”, “Tur Me Loose, I’ m Dr. Feelgood” y “Goliat”, mientras que en la parte más suave, pero de calida y profunda voz, como en los viejos tiempos, convence “Return To Me”. Por su parte, “Living In America”, uno de los éxitos de este disco, formaba parte de la banda sonora de la patriótica película Rocky IV. La portada de “Gravity” incluye una fotografía de Bonnie Schiffman, quien retrataba a un sonriente y rejuvenecido Brown.

Canciones: “Gravity”, “Let’s Get Personal”, “How Do You Stop”, “Turn Me Loose, I’m Dr. Feelgood”, “Living In America”, “Goliath”, “Repeat The Beat (Faith)” y “Return To Me”

Músicos: James Brown (órgano y voz), Dan Hartman (sintetizador, guitarra, bajo, teclados, programación y voz ), Eddie Fairlight III (percusión y batería), Crispin Cioe, Bob Funk , Arno Hecht Horn y Hollywood Paul Litteral (metales), Ray Marchica (batería), Charlie Midnight (voz), Alison Moyet (voz), Maceo Parker (saxo alto), George Recile (batería), T.M. Stevens Guitar (bajo y voz), Stevie Ray Vaughan (guitarra), Steve Winwood (sintetizador) y Art Wood (batería)

Otras portadas: Please Please Please (1959), Night Train (1961), Live At The Apollo (1963), Pure Dynamite, Live At The Royal (1964), I Got You (I Feel Good) (1966), Cold Sweat (1967), Live At The Apollo (1968), Getting’ Down To It (1969), Soul On Top (1970), Sex Machine (1970), Revolution Of The Mind (1971), There It Is (1972), Black Caesar (1973),The Payback (1973), Hell (1974), The Original Disco Man (1981), Bright It On! (1983) y Doing to Death 1970-1973 (1984).

“Primeras grabaciones” (Elektra). Doble disco de The Doors editado en España durante el año 1974 con los dos primeros álbumes de este grupo californiano: “The Doors” y “Strange Days”, entonces inéditos en formato normal. Estos elepés grabados en 1967 son fundamentales en la discografía de The Doors. Sin menospreciar discos posteriores, los dos primeros contienen la esencia del sonido del cuarteto californiano: aparente sencillez musical (órgano, batería y guitarra, así como bajo ocasional), no exenta de atractivo, que se nutre de blues, jazz, rock y canción de cabaret. Las letras dan las claves del particular lirismo de Jim Morrison, conocedor de la poesía anglosajona y director de cine frustrado. Las canciones de los dos discos están sin duda entre las clásicas del rock. Grupos de décadas posteriores han reconocido la influencia de The Doors, un cuarteto que comenzó su andadura en la zona de Los Ángeles en la segunda mitad de los años sesenta del siglo XX. La ilustración de la portada fue realizada Patrick V. Spreckelsen y resume en imágenes textos de William Blake y Aldous Huxley, entre otros “Las puertas de la percepción”, que inspiraron a Morrison para poner al grupo el nombre The Doors. El cuarteto en su primer disco incluía “The end”, recuperada a finales de los setenta para la banda sonora de la película “Apocalipse now”, de Francis Ford Coppola. Morrison moriría en 1971, lo cual constituiría un duro al grupo, un tanto disgregado en aquella época, aunque en años posteriores el grupo, sus tres miembros originales, grabaría dos discos que pasarían sin pena ni gloria. Por su parte, Jim Morrison entraría en el panteón de jóvenes mitos del rock. En 1991 Oliver Stone alimentaría la leyenda del cuarteto y en especial de su líder con la película “The Doors”.

Canciones: “Break on through (to the otherside)”,“Soul kitchen”, “The crystal ship”, “Twentieh century fox”, “Alabama song”, “Light my fire”, “Back door man”, “I looked at you”, “En of the night”, “Take it as it comes”, “The end”, “Strange days”, “You’ re lost little girl”, “Love me two times”, “Unhappy girl”, “Horse latitudes”, “Moonlight drive”, “People are strange”, “My eyes have seen you”, “I can’ t see your face in my mind” y “When the music’ s over” .

Músicos: Jim Morrison (voz), Robbie Krieger (guitarra), Paul Desmore (batería), Ray Manzareck (teclados) y Douglas Lubahn (bajo ocasional).

Otras portadas: Strange days (1967), Morrison hotel (1970), L.A. Woman (1971) y Extrañas escenas dentro de la mina de oro (1972).

“Señora Azul” (Hispavox). Cuatro músicos con un amplio bagaje artístico y largo recorrido por diferentes grupos y como instrumentistas de acompañamiento y de sesión, Canovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, es una de las formaciones más mitificadas del pop-rock hispano de la década de los setenta, debido a su primer disco de larga duración “Señora Azul”, grabado en 1974. Los componentes de CRAG reconocían muchas influencias y hasta cierto modo podrían pasar por una versión de Crosby, Still, Nash and Young, pero el cuarteto afincado en Madrid iba más allá del cliché y la imitación. Sus canciones tenían calidad y resultaban frescas en el panorama musical de los setenta, previo a la democracia y la libertad de expresión. Sin embargo, los miembros de CRAG sabían abordar los asuntos cotidianos, casi siempre desde un punto de vista jocoso. Piezas como “El vividor” o “Don Samuel Jazmín” rebosan ironía, respectivamente sobre el cinismo y la usura, la primera con un toque entre boggie y country, y la segunda más batida por vientos. Pero el disco ofrecía más canciones de indudable lirismo: “Sólo pienso en ti”, “Si pudieras ver” y María y Amaranta”, que en el caso de la primera llegó a ocupar los primeros puestos entre las más radiadas. Las excelentes armonías vocales, la solvencia instrumental y los acertados arreglos orquestales aportaron la esencia que lleva implícita toda obra bien hecha. “Señora Azul” constituye una experiencia irrepetible del pop-rock hispano que perdura a pesar del paso del tiempo en las 11 canciones recogidas en el primer elepé de CRAG. Las caras de los miembros del grupo aparecen fotografiadas en la carátula del disco, coronada por un dibujo y el título del álbum.

Canciones: “Carrusel”, “Sólo pienso en ti”, “El río”, “Don Samuel Jazmín”, “Si pudieras ver”, “Nuestro problema”, “Buscando una solución”, “Supremo director”, “María y Amaranta”, “El vividor” y “Señora azul”.

Músicos: Juan Cánovas (batería, percusión y voz), Rodrigo García (guitarras, teclados y voz) Adolfo Rodríguez (guitarras y voz) y José María Guzmán (bajo, guitarras y voz). Rafael Trabuchelli (arreglos orquestales).

Otras portadas: Queridos compañeros (1984) y 1985 (1985).

“Gerry Rafferty” (Guimbarda). Disco doble del cantante y compositor de Glasgow, Gerry Rafferty, que recoge canciones de su etapa en el dúo “Humblebums” y del elepé en solitario “Can I Have My Money Back?”, grabadas en los años 1969, 1970 y 1971. Rafferty en sus primeros tiempos como intérprete era conocido en los ambientes escoceses de música folk, donde comenzó a destacar en la composición de canciones cuya base estaba influenciada también por el blues, el rock, la psicodelia y el pop. De esta etapa inicial, la crítica opinaba que el material compuesto por Gerry presentaba esencialmente “en una visión entre tierna y desengañada de la vida cotidiana, lo que se traduce en composiciones muy gratas al oído de la mayoría, llegando a conseguir por momentos una intimidad beatleliana capaz de ablandar el corazón más duro”. Una canción típica de este peculiar estilo es “To each an everyone”, aunque en los dos elepés recopilatorios se aprecia la variedad de registros musicales de Rafferty durante tres años. Del periodo con “Humblebums” y del primer disco en solitario de Gerry destacan “Shoeshine boy”, “Look over the hill an far away”, “Blood and glory”, “Her father din’ t like me anyway”, “New street blues”, “Mr. Universe” y “Sign one the dotted line”. La carátula de este doble elepé está ilustrada por la artista Mary Barnes.

Canciones: “Disco 1: “Shoeshine boy”, “Rick rack”, “All the best people do it”, “Look over the hill an far away”, “Blood and glory”, “Song for Simon”, “I can’ t stop now”, “So bad thinkin”, “Patrick”, “Steamboat row”, “Her father din’ t like me anyway”, “Kep it to yourself”, “Coconut tree”, “Please sing a song for us” y “My singing bird”. Disco 2: “New street blues”, “Didn’ t?”, “Mr. Universe”, “Mary Sheffington”, “Long way round”, “Can I have my money back el d?”, “Sign one the dotted line”, “Make you break you”, “To each and everyone”, “One drink down”, “Don’ t count me out”, “Half a chance” y “Where i belong”.

Músicos: Gerry Rafferty (guitarra, teclados y voz), Billy Connolly (voz y guitarra), Roger Brown (guitarra eléctrica y voz), Joe Egan (voz), Zed Jenkins (guitarra eléctrica), Rod King (steel guitar), Tom Lasker (piano y teclados), Tony Lasker (teclados), Hugh Murphy (pandereta y voz), Rab Noakes (voz), Alan Parker (guitarra eléctrica),Tom Parker (armonio, harpsichord y teclados), Henry Spinetti (batería), Andrew Steele (batería), Andrew Steele (batería), Gary Taylor (bajo y voz) y John VanDernick (guitarra y violin).

Otras portadas: De Humblebums: Humblebums (1969), New Humblebums (1970) y Open up the door (1970). De Gerry Rafferty: City to City (1978), Night Owl (1979) y Spakers & Ladders (1980).

“What’ s Shakin’” (Elekra). El blues siempre ha tenido una excelente aceptación entre un público variopinto de diferentes épocas, principalmente a partir de su difusión mediante grabaciones discográficas en los años 30 del siglo XX, pero será a comienzos de los sesenta cuando se imponga entre las preferencias de parte de jóvenes músicos blancos de Estados Unidos y Europa. Un ejemplo del interés despertado por una música básica para entender la evolución del rock, es este disco de 1966 que incluye un total de cinco nombres representativos del mestizaje entre rock y blues, cuatro estadounidenses y uno inglés. La pequeña antología recoge grabaciones de ortodoxos como The Paul Butterfield Blues Band y Tom Rush, junto a más pops como The Lovin’n Spoonful u otros experimentadores de nuevos sonidos Al Koper y Eric Clapton & Powerhouse, aunque todos interesados en no perder la raíz de un sonido fundamental para sus carreras artísticas. No es raro, entonces, que el repertorio se hiciese recurriendo en la mayoría de los casos a composiciones clásicas no sólo del blues (rock and roll negro, también) que son reinterpretadas con mayor o menor acierto: “Spoonful”, “Croosroad”, “Good Morning Little Schoolgirl” y “I’ m Love Again” pasan la prueba de las comparaciones y convencen. El diseño carpeta de la carpeta del elepé es obra de William S. Harvey con fotografía de Don Paulsen.

Canciones: “Good Time Music”,“Almost Grown”, “Spoonful”, “Off The Wall”, “Can’t Keep From Crying Sometimes”, “I Want To Know”, “Crossroads”, “Lovin’ Cup”, “Good Morning Little Schoolgirl”, “Steppin’ Out”, “I’m In Love Again”, “Don’t Bank on It Baby”, “Searchin” y “One More Mile”.

Músicos: The Lovin’ Spoonful, The Paul Butterfield Blues Band, Al Kooper, Eric Clapton & Powerhouse y Tom Rush.

Otras portadas: From The Marquee (Alexis Korner) (1962), Bluesbreakers with Eric Clapton (1966), Super Session (Al Kooper, Mike Bloomfield y Stephen Stills), The Live Adventures of Michael Bloomfield & Al Kooper (1969) y Blue Memphis (Memphis Slim con Peter Green, John Paul Jones, Chris Speeding y Pete Wingfield) (1971).

“Pure Mania” (CBS). El grupo The Vibrators comenzó su andadura musical en 1976, en plena explosión del movimiento punk, pero será un año después cuando esta formación británica grabe su primer elepé, un trabajo en el que el rock and roll en estado puro se evidencia en piezas como “Into the Future”, “Yeah Yeah Yeah”, “No Heart” o “Wrecked on You”, lo cual dice de este combo que sus miembros no eran unos recién llegados al mundo de la música. También hay giros hacia el pop como demuestra la canción “Baby Baby”, que nada tiene que ver con la imagen iconoclasta de los punkis en teoría y en estética más radicales. Los componentes del cuarteto se encuentran a gusto divulgando un estilo en el que predominan las canciones cortas, mensajes de insatisfacción cotidiana y riffs acelerados de guitarras eléctricas, medidos, que rompen con la ortodoxia del estilo al que se afiliaron en los comienzos los componentes de The Vibrators, quienes en su estreno discográfico cumplieron con creces sus objetivos. El cantante del grupo, Knock, aparece fotografiado por Keith Morris en la carpeta de este primer elepé del cuarteto inglés.

Canciones: “Into the Future”, “Yeah Yeah Yeah”, “Sweet Sweet Heart”, “Keep It Clean”, “Baby Baby”, “No Heart”, “She’s Bringing You Down”, “Petrol”, “London Girls”, “You Broke My Heart”, “Whips and Furs”, “Stiff Little Fingers”, “Wrecked on You”, “I Need a Slave” y “Bad Time”.

Músicos: Pat Collier (bajo, guitarra y voz), John Edwards (batería), John Ellis (sintetizador, guitarra y voz), Eddie Hedges (batería) y Knox (guitarra, teclados voz).

Otras portadas: V2 (1978), Guilty (1983), Alaska (1984), Live (1985), Meltdown (1988) y Vicious Circle (1989)

“Indigo girls” (Epic). Emily Saliers y Amy Ray se dieron a conocer musicalmente bajo el nombre de “Indigo girls” a mediados de la década de los ochenta, pero será a partir de 1989 cuando irrumpan con fuerza en el panorama musical del nuevo folk-rock de la citada década en Estados Unidos, donde sonaban con fuerza Suzanne Vega, Michelle Shocked, Lucinda Williams, 10.000 Maniacs (con Natalie Merchant) y Tracey Chapman, entre otras cantantes, dentro del citado estilo con predominio de guitarras acústicas, pero también con presencia de instrumentos eléctricos propios de las bandas de rock. El dúo dispuso en su segundo elepé de la colaboración de un variado plantel de músicos, algunos de Hothouse Flowers y REM, que aportaron la vitalidad presente en piezas como “Closer to fine”, “Traed to Be True”, “Love’ s Recovery” o “History of Us”, composiciones centradas en la reflexión sobre diferentes aspectos de la vida cotidiana y el compromiso con diferentes causas. La carátula del disco presenta una fotografía del dúo captada por Lena Bertucci.

Canciones: “Closer to Fine”, “Secure Yourself”, “Kid Fears”, “Prince of Darkness”, “Blood and Fire”, “Tried to Be True”, “Love’s Recovery”, “Land of Canaan”, “Center Stage” e “History of Us”.

Músicos: Emily Saliers (guitarras acústicas y eléctricas de 6 y 12 cuerdas, palmas y voz), Amy Ray (guitarra acústica, palmas y voz), John Keane (bajo, guitarras acústicas y eléctricas de 6 y 12 cuerdas, guitarra slide, shaker y batería), Liam Maonlai (batería, órgano Hammond, bodhram y voz), Mike Mills (bajo), Fiachna O’Braondin (gaita y voz), Peter O’Toole (mandolina y voz), Bill Berry (batería), Peter Buck (guitarra eléctrica), Paulinho Da Costa (percusión), Jay Dee Daugherty (batería), Kasim Sulton (bajo), John Van Tongeren (teclados), De De Vogt (bajo), Jai Winding (piano), Luka Bloom (voz) y Michael Stipe Vocals (voz).

Otras portadas: Strange Fire (1987) y Nomads Indians Saints (1990).

“El patio” (Movieplay). En Sevilla, con el nombre de la zona más popular de esta ciudad andaluza, nace el trío Triana, una de las formaciones indispensables en el desarrollo del rock hispano de la segunda mitad de los setenta, que se presentaba escuetamente en su primer elepé: “Ya teníamos ganas de hacer un LP. Por fin hemos conseguido reunir una serie de ideas, unos cuantos amigos y lo hemos realizado”. El disco en un primer momento no tendrá suficiente difusión, pero dos años después llegará a convertirse en superventas. Los integrantes del trío ya habían participado en diferentes bandas de rock y pop, en algunos casos relacionadas con la música progresiva que en Sevilla tenía un importante vivero de instrumentistas, cantantes y compositores, quienes desarrollaban su actividad con mayor o menor aceptación desde mediados de los sesenta. Triana se amolda al rock sinfónico de bandas como King Crimson o Emerson, Lake and Palmer, pero introduciendo el flamenco, como se puede apreciar en las siete canciones de “El patio”, la mayoría de largo desarrollo. Canciones de amor y mensajes de paz se mezclan con guitarras eléctricas y flamencas, con teclados y batería, una fusión que tuvo éxito y convirtió a este disco en uno de los referentes del rock hispano de los setenta. Quedan como sus piezas más escuchadas: “Abre la puerta”, “Sé de un lugar”, “Luminosa mañana” y “En el lago”. La portada del disco fue realizada por el artista andaluz Máximo Moreno.

Canciones: “Abre la puerta”, “Sé de un lugar”, “Todo es de color”, “Luminosa mañana”, “Diálogo”, “En el lago” y “Recuerdos de una noche”.

Músicos: Jesús de la Rosa (teclados y voz), Eduardo Rodríguez (guitarra flamenca), Juan José “Tele” Palacios (batería y accesorios de percusión), Antonio Pérez (guitarra eléctrica) y Manolo Rosa (bajo).

Otras portadas: Hijos del agobio (1977), Sombra y luz (1979), Un encuentro (1980), Triana (1981) y Llegó el día (1983).

"Dulce bebé James" (WB Records). James Taylor (1948), tras su estancia londinense y grabación en la capital británica de un disco homónimo en los estudios de The Beatles, que pasó desapercibido para el público del rock, consiguió con su segundo elepé (1970) el estatus de cantautor de proyección universal. Intimista, imaginativo y excelente guitarrista, un tanto blando para unos, lírico para otros, Taylor en su segunda entrega discográfica ofrece una colección de canciones que queda como exponente de una singular sensibilidad que convirtió a “Sweet Baby James” en un álbum de ventas millonarias y símbolo para una nueva generación de cantautores de ambos sexos y distintos idiomas. “Sweet Baby James”, “Steamroller”, “Country Road”, “Fire and Rain” y “Anywhere Like Heaven” con el paso del tiempo se han convertido en piezas clásicas cuando se habla de canción descriptiva de sentimientos o intimista, alegre o triste, cuando no dramática, como la mencionada “Fire and Rain”, que como todas está apoyada por el trabajo de un grupo de músicos esenciales del sonido que iba a triunfar a comienzos de los setenta en California, una mezcla de folk, country, pop, rock y blues. La portada del elepé ofrece una fotografía de James Taylor, hecha por Henry Diltz

Canciones: “Sweet Baby James”, “Lo and Behold”, “Sunny Skies”, “Steamroller”, “Country Road”, “Oh, Susannah”, “Fire and Rain”, “Blossom”, “Anywhere Like Heaven”, “Oh Baby, Don't You Loose Your Lip On Me” y “For 20G”.

Músicos: James Taylor (guitarra y voz), Danny Kootch (guitarra), Carole King (piano), Rus Kunkel (batería), Randy Meisner (bajo), Bobby West (bajo), John London (bajo), Red Rhodes (steel guitarra) y Chris Darrow (violín).

Otras portadas: James Taylor (1968), Mud Slide Slim And The Blue Horizon (1971), One Man Dog (1972), Gorilla (1975), Greatest Hits (1976), Dad Loves His Work (1981), That's Why I Estoy aquí (1985) y Nunca mueras joven (1988).

“Kalaikia” (Philips). La escena musical gallega contaba a comienzos de los ochenta con diferentes bandas y solistas que, apoyándose en la tradición musical del país, comenzaban a tener el reconocimiento fuera de sus fronteras naturales por parte del público que también admiraba a gentes como Alan Stivell, Gwendal. En Lugo se formó el grupo Brath, que también recreaba el folklore tradicional, pero constituía una novedad en su primer disco de larga duración “Kalaikia” (grabado a finales de 1982) al incorporar batería y bajo eléctrico para dar apoyo otros instrumentos propios de la entonces llamada música celta: flauta, gaita, violín, laúd y acordeón, entre otros. El resultado fue una música más emparentada con el pop, el rock y el jazz que la de otras formaciones parecidas. “Salaio”, “Teima”, “Noite de troula” o “A tola” constituyen las referencias destacables del sonido de Brath promovido por su líder, el baterista Eloi Caldeiro, quien estaba presente como compositor en la mayoría de las piezas, todas ellas instrumentales, otra de las características de esta banda, durante su primera etapa, en la que tocaban excelentes músicos que también ayudaban a la hora de componer. La carátula del elepé recoge un dibujo de A. Lenguas en tono humorístico sobre una “bruxa galega” volando en su escoba, personaje este muy presente en la tradición popular del noroeste ibérico.

Música: “Salaio”, “Longo mencer”, “Pandeirada da Agraceira”, “E a choiva caendo”, “Teima”, “No antergo castro”, “Noite de troula”, “Festa no val”, “Primaveira” y “A tola”.

Músicos: Eloi Caldeiro (bajo y percusión), Xesús Álvarez (acordeón y teclados), Manuel Botana “Lito” (bajo), Xan Carballal (violin), Xosé Antón García (gaita y flautas) y Pedro Prósper (guitarra e laúd).


Otras portadas: Lembranza da auga (1988) y Viaxe alén de Fisterra (1990).

“Souvenirs” (Epic). Dan Fogelberg vuelve a apostar por el country en su segundo elepé (1974) pero desde un punto de vista más roquero. No hay que olvidar que la producción del disco corre a cargo del guitarrista Joe Walsh, quien está presente en la mayoría de las canciones. Su toque duro se nota en “As The Raven Flies” y la vitalista “Part Of The Plan”, porque en el resto el acompañamiento entra en la línea suave, que no blanda, tan habitual en la discografía de Fogelberg, un estilo en el que los arreglos orquestales son constantes en piezas de corte melancólico como en “The long way”, aunque el cantante, compositor y músico de Illinois no olvida las raíces de la música blanca norteamericana en todo el repertorio de “Souvenirs”. Esto donde más se aprecia, es en “Morning Sky”, y tímidamente en “Illinois” y “Changing Horses”, estas dos última con exquisito e inmejorable trabajo vocal por parte de Dan Fogelberg que también aprovecha el disco para dar rienda suelta a su vocación de cantautor “There’ s A Place In The World For A Gambler” y en (Someone’ s Been) Telling You Stories, con la colaboración de unos cuantos jóvenes músicos afincados en California en los años setenta (miembros de Eagles y America, entre otros). La carátula del elepé incluye una fotografía de Dan Fogelberg realizada por el cronista del rock de los sesenta y setenta en imágenes: Henri Diltz.

Canciones: “Part Of the Plan”, “Illinois”, “Changing Horses”, “Better Change”, “Souvenirs”, “The Long Way”, “As The Raven Flies”,
“Song From Half Mountain”, “Morning Sky”, “(Someone’s Been) Telling You Stories” y “There’s A Place In The World For A Gambler”.

Músicos: Dan Fogelberg (órgano, sintetizador, piano, teclados, guitarra, vibrafono y voz), Joe Walsh (guitarras), Brian Garafalo (guitarra y bajo), Paul Harris (piano), Al Perkins (guitarra steel y pedal steel), Jimmie Haskell (acordeón), Rus Kunkel (batería), Joe Lala (congas y timbales), Kenni Passarelli (bajo y sousaphone), Nobert Putnam (bajo), Gerry Beckley (guitarra acústica), Jody Boyer (voz), Glenn Frey (voz), Don Henley (voz), Randy Meisner (voz), Graham Nash (voz) y Marie Ouhrabka (voz).

Otras portadas: Home Free (1972), Captured Angel (1975), Netherlands (1977), Phoenix (1979), The Innocente Age (1981), Windows and Walls (1984), High Country Snows (1985) y The Wild Places (1990).

“Entre Granada y Nueva York” (RCA). Dos maestros indiscutibles del flamenco intemporal, el guitarrista pamplonica Agustín Castellón Campos “Sabicas” (1912-1990) y el cantaor granadino Enrique Morente (1942) se reunieron por primera y última vez para grabar un disco bajo el título de las respectivas ciudades en que residían ambos artistas. Meses después “Sabicas” moría en la ciudad norteamericana, pero el elepé doble queda como un excelente documento de gran valor que incluye además una variada selección de palos, entre los que figuran cantes de ida y vuelta como la vidalita y la guajira. Hay que tener en cuenta que, cada uno a su manera, “Sabicas” y Morente entran en el grupo de personalidades del flamenco abiertas a la heterodoxia, aunque también en el disco destacan por su profundidad el auténtico cante jondo “No soy de esta tierra”, “Ramito de azahar” y “En tiempos”. Tampoco desmerecen los cantes levantinos “Minas del romero” y “Noche y día”, cuyo dramatismo resalta la voz privilegiada del granadino. Asimismo Morente demuestra su profundidad y conocimiento cuando interpreta estilos más livianos: “Lo más difícil del mundo”, “Suspiros de fuego”, “Esquilones de plata” y “El jardín de Venus”, que aportan la alegría que también lleva implícita el viejo cante gitano. El guitarrista y el cantaor establecieron con este disco un puente entre dos formas de entender el flamenco que en realidad estaban muy cercanas. El evocador diseño de la portada corresponde a Paco Espínola.


Canciones: “Pedro el Morato” (Taranto en tono de rondeña), “Vidalita de Marchena”, “Voz del pueblo” (Mirabrás), “Ramito de Azahar”, (Soleá), “La malanga” (Guajira), “Lo más difícil del mundo” (Fandangos), “Esa rosa” (Alegrías) “Suspiros de fuego”, (Tangos), “ Esquilones de plata” (Bulerías) , “Dame veneno” (Rondeña), “En oro y marfil” (Granaína), “Minas del romero” (Taranta), “Noche y día” (Cartagenera), “En tiempos” (Soleá) , “No soy de esta tierra” (Siguiriya), “Prefiero la muerte” (Malagueñas) y “El jardín de Venus” (Malagueña en tono de Granaína).


Intérpretes: “Sabicas” (guitarra flamenca) y Enrique Morente (cante). Montosita (segunda guitarra en “Suspiros de fuego” y “Esquilones de plata”), El Toleo (baile), Antonio Carbonell, El Negri y El Bola (palmas), y Diego Sabicas (palmas y jaleos).


Otras portadas: Sabicas (Concierto 1940-1950, The Greatest Flamenco Guitarist (1957), Concierto Los Ángeles (1958), Flamenco Puro (1961), Rock Encounter, with Joe Beck (1966), Flamenco Fiesta (1967) y Adiós a la guitarra (1972).
Enrique Morente (Cantes antiguos del flamenco (1969), Homenaje flamenco a Miguel Hernández (1972), Se hace camino al andar (1975), Sacromonte (1982) y Esencias flamencas (1988).

“King’s Record Shop” (Columbia Records). Cantante y compositora, Rosanne Cash confirma su versatilidad en este disco producido Rodney Crowell, uno de los grandes del country-rock estadounidense, cuya impronta se nota en las diez piezas grabadas en el año 1987. En ese periodo de tiempo Rosanne era ya una destacada representante del nuevo country que no dudaba en dejarse arrastrar por otros sonidos: folk, blues, rock and roll y pop, principalmente. Las mencionadas influencias se notan en “King’ s Record Shop”, un elepé lleno de sorpresas porque varias de su canciones llegaron alto en las listas de éxito. Baladas y tiempos medios, entre pop y country, abundan en canciones como la melodía escrita por John Hiatt, “The Way We Make A Broken Heart” y en “I Don’ t Have To Crawl”. También está presente el recuerdo del padre, Johnny Cash, de quien reinterpreta con auténtica finura y personalidad la vieja canción titulada“Tennesse Flat Top Box”, que adquiere nuevos matices en la segura voz de Rosanne. “Rosie Strike Back”, “Real Me”, “Runaway Train” y“Green Yellow and Red” son otras composiones que aportan calidad a uno de los mejores discos de Rosanne. La carátula del elepé está adornada con una sugestiva fotografía de Hank De Vito.

Canciones: “Rosie Strike Back”, “The Way We Make A Broken Heart”, “If You Change Your Mind”, “Real Me”, “Somewhere Sometime”, “Runaway Train”, “Tennessee Flat Top Box”, “I Don’t Have To Crawl”, “Green, Yellow and Red” y “Why Don't You Quit Leaving Me Alone”.

Músicos: Rosanne Cash (voz), Larry Crane (guitarras eléctrica y acústica), Sterling Ball (guitarra acústica), Randy Scruggs Guitar(guitarra acústica), Stewart Smith (guitarra eléctrica y Gut string guitar), Benmont Tench (piano y teclados), Billy Joe Walker (guitarras acústica y eléctrica), Eddie Bayers (batería), Barry Beckett (órgano Hammond y piano eléctrico), Mark O’ Connor (mandola), Michael Rhodes (bajo) Vince Santoro (batería), Anthony Crawford, Rodney Crowell, Kristen DeLauer, Steve Winwood, Terry Evans, Vince Gill, Willie Green, Patty Smyth, Bobby King, Arnold McCuller y Joann Neal (voces).

Otras portadas: Rosanne Cash (1978), Rigth or Wrong (1979), Rhythm and Romance (1985), Hits 1979-1989 (1989) e Interiors (1990).

“Poetas en Nueva York” (CBS). El poeta y dramaturgo granadino Federico García Lorca (1898-1936) recibió en 1986 el homenaje discográfico de varios artistas al cumplirse el cincuenta aniversario del asesinato del autor de, entre otro libros, “Poeta en Nueva York”, motivo por el cual las grabaciones realizadas por varios músicos, cantantes y compositores se centraron en la ciudad y personajes de la misma que inspiraron al citado escritor durante su viaje al otro lado del Atlántico. La mayoría de los participantes en la grabación ha reconocido durante alguna etapa de su vida la influencia de García Lorca, uno de los autores de habla hispana del siglo XX más conocido internacionalmente. El hispanista Ian Gibson reconocía que el disco era el trabajo de 14 grandes exponentes de las nuevas generaciones de cantantes y músicos populares. “La iniciativa no podría ser más conmovedora, ni, a los cincuenta años justos de la ejecución imperdonable del poeta, los resultados más absolutamente originales y felices”. La portada del elepé ofrece una pintura original de Eduardo Úrculo (1938-2003).

Canciones: “Take This Waltz”, “Els Negres”, “Grido a Roma”, “Nacimiento de Cristo”, “Tu infancia en Mentón”, “Asesinato”, “A Aurora”, “Son de negros de Cuba”, “Unsleeping City”, “Kleines Unendliches Gedicht” y “Oda a Walt Whitman”.

Intérpretes: Leonard Cohen, Lluis Llach, Angelo Branduardi, Víctor Manuel, David Broza, Paco de Lucía y Pepe de Lucía, Raimundo Farner y Chico Buarque, George Moustaki y Mikis Theodorakis, Donovan, Manfred Maurenbrecher y Patxi Andión.

“Live” (Ariola). Bob Marley (1945-1981) y su grupo The Wailers no eran unos desconocidos cuando actuaron en julio de 1975 en el Lyceum Ballroom de Londres, pero el músico y compositor jamaicano comenzaría a ser venerado a nivel internacional a partir de la gira por el Reino Unido que incluia el pase por el citado escenario británico. Marley recogía en este elepé en directo un excelente sonido reggae, amplificado, gracias a un excelente plantel de músicos perfectamente coordinados que resaltaban la influyente música de Jamaica. La consagración de Marley sirvió también para que el reggae, ska y otros sonidos caribeños llegasen a los rincones más apartados del mundo, además de influir en la mayoría de las figuras del rock, cuyo público era el que asistió al Lyceum Ballroom en 1975. En este escenario se escucharon entre otras: “Trench Town Rock”, “Burnin’ and Lootin’”, “No Woman, No Cry”, “I Shot the Sheriff” y “Get up, Stand Up”, canciones nuevas y viejas del repertorio de Marley pero que adquirían nuevas sonoridades y aportaban grandeza uno de los mejores discos en directo de los setenta. La carpeta del elepé ofrece en portada y contraportada varias fotografías de Marley con su grupo en vivo hechas por Adrian Boot, Bob Ellis y Dennis Morris.

Canciones: “Trench Town Rock”, “Burnin’ and Lootin’”, “Them Belly Full (But We Hungry)”, “Lively up Yourself”, “No Woman, No Cry”, “I Shot the Sheriff” y “Get up, Stand Up”.

Músicos: Bob Marley (guitarra y voz), Al Anderson (guitarra), Aston Barrett (bajo), Carlton “Carlie” Barrett (batería), Bernard Touter Harvey (teclados), Alvin Patterson (percusión), Marcia Griffiths, Judy Mowatt y Rita Marley (voces).

Otras portadas: Soul Rebels (1970), Catch a Fire (1973), Burnin’ (1973), Natty Dread (1974), Rastaman Vibration (1976), Exodus (1977), Birth of a Legend (1977), Kaya (1978), Babylon Bus (1978), Survival (1979), Uprising (1980), Confrontation (1983) y Rebel Music (1986).

“Strictly personal” (Epic). La ciudad estadounidense de Detroit se caracterizó en la década de los sesenta por ser el centro de promoción de diferentes estilos musicales relacionados con el rock y el soul. Los sonidos de la urbe del motor influyen década tras década en grupos y solistas de diferentes generaciones. Una de las bandas originarias de Detroit, The Romantics nevegó en diferentes aguas musicales, para en 1981 amarrarse al pop comercial y ajustado a un público poco exigente. Esto pasaba en el tercer álbum del cuarteto que practicaba un pop-rock asequible, con cierta dureza, pero también de melodías bien planteadea y, sobre todo, omnipresencia de las guitarras eléctricas, pero sin caer en las redes del heavy revitalizado de comienzos de los ochenta. “Look at Her, No One Like You” es la canción en la que resume la orientación musical de The Romantics, de la época de “Strictly personal”, una coctelera en la que se mezclaban nueva ola, punk, soul y pop de los sesenta. De todos estos se pueden encontrar rastros en “In the Nighttime”, “Bop”, “C’ mon Girl (Work Out With Me)” o “She’s Hot, All That I Want”. La carátula del disco recoge una retrato del grupo realizado por el fotógrafo Michael Halsband.

Canciones: “In the Nighttime”, “Look at Her, No One Like You”, “Bop”, “Why’d You Leave Me”, “Can’t Get over You”, “C’ mon Girl (Work Out With Me)”, “Apend a Little Love on Me”, “She’s Hot, All That I Want” y “Don’t You Put Me on Hold”.

Músicos: Coz Canler (guitarra y voz), Richie Cole (bajo y voz), Jimmy Marinos (percusión, batería y voz) y Wally Palmar (guitarras),

Otras portadas: The Romantics (1980), In Heat (1983) y Rhythm Romance (1985).

“Te doy una canción” (Movieplay). Grabado en la Habana entre 1974 y 1975, “Días y flores”, el primer elepé oficial de Silvio Rodríguez, acompañado del Grupo de Experimentación Sonora del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficas, tuvo una excelente acogida fuera de su isla natal, aunque que no fue bien escuchado en algunos países, como en España donde la censura actuó como era habitual en tiempos de Franco. Poco tiempo después volvería a reeditarse una versión completa con el título “Te doy una canción” y también con portada diferente de la original hecha en su día por Pablo Labañino. El disco representa el trabajo de uno de los principales representantes de la Nova Trova Cubana, movimiento bastante abierto a las influencias de otras músicas, como se puede comprobar en la primera entrega de Silvio Rodríguez, quien recurre al rock, jazz y bossa nova entre otros estilos, sin olvidar la importante tradición musical de Cuba, para dar apoyo a sus canciones llenas de mensajes políticos unas veces, otras más relacionados con la realidad de los humanos. Sin duda, este disco es uno de los mejores de Silvio Rodríguez, en parte por el excelente acompañamiento musical en el que resalta la utilización de los instrumentos de cuerda representativos del Caribe. El repertorio queda entre los mejores de la canción de autor. “El “Mayor”, “Como esperando abril”, “Pequeña serenata diurna”, “Santiago de Chile”, “En el claro de la luna”, “Te doy una canción” o “Días y flores” permanecen entre las composiciones clásicas de un estilo en constante renovación que tiene en la personalidad del cantante cubano una de sus principales referencias.

Canciones: “El Mayor”, “Playa Girón”, “Como esperando abril”, “La vergüenza”, “Yo digo que las estrellas”, “Pequeña serenata diurna”, “Santiago de Chile”, “Madre”, “Esta canción”, “Sueño con serpientes”, “En el claro de la luna”, “Te doy una canción” y “Días y flores”.

Músicos: Silvio Rodríguez (voz y guitarra) y Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC. Emiliano Salvado (piano), Frank Fernández (teclados), Eduardo Ramos (bajo), Pancho Amat (guitarra y tres), Pablo Menéndez (guitarra, tres y guitarra eléctrica), Daniel Aldama (percusión), Ignacio Berroa (batería y percusión), Leoginaldo Pimentel (batería y percusión), Norberto Carrillo (percusión), Luis Ballard (flauta), Orlando Valera (saxo soprano en “Pequeña serenata diurna”), y Orquesta EGREM (cuerdas).

Otras portadas: Al final del viaje (1978), Mujeres n(1978), Rabo de nube (1979), Unicornio (1982), Tríptico (1984), Causas y azares (1986) y Oh Melancolía (1988).

“El calor del amor en un bar” (Dro). Gabinete Caligari volvía en 1986 al ruedo de la música castiza con la edición de su tercer disco grande. El título del elepé anunciaba que el trío madrileño se reconciliaba con la geografía urbana de la ciudad en la que se desarrollaba su actividad musical. Rock, acercamiento a la música popular, costumbrismo, predominio de instrumentos de viento y la voz del cantante contando historias cercanas, de la calle, son algunas de las notas destacadas del elepé, un trabajo que constituye una obra de transición en la que destaca sobre todo por su comercialidad “El calor del amor en un bar”. Otras más roqueras, “Malditos refranes”, “El último tranvía” o “Canción del pollino” no pasan de ser apuntes de una labor creativa demasiado anclada por la rapidez de la entrega discográfica de un grupo que comenzaba a coquetear con el éxito y el reconocimiento masivo. La portada es obra del creador El Hortelano, uno de los dibujantes más representativos de los años ochenta.

Canciones: “El calor del amor en un bar”, “A dormir”, “El juego y el juguete”, “Rey o vasallo”, “El último tranvía”, “Malditos refranes”, “Las dos caras del mar”, “Canción del pollino”, “Por la paz” y “Esta canción no existe”.

Músicos: Jaime Urrutia (guitarra y voz), Ferni Presas (bajo) Edi Clavo (batería),Teresa Verdera (coros) Ulises Montero (saxo tenor y armónica), Frank López (teclados), Esteban Martin Hirschfeld (teclados), Andreas Pritzwitz (clarinete y saxos alto y barítono), Jim Kashishian (trombón) y sección de Vientos: José Luis Medrano, Arturo Fornes, Humberto Martínez Aguilar y Juan Cano.

Otras portadas: Que Dios reparta suerte (1983), Cuatro rosas (1984), Camino Soria (1987) y Privado (1989).

“Paris 1919” (Reprise). Galés de Swansea, John Cale tenía un abultado currículum musical cuando en 1973 lanzaba su cuarto disco grande con título evocador de una época de la capital francesa. Atrás quedaban la vanguardia musical y la militancia en la rompedora y mitificada banda neoyorquina The Velvet Underground, un pesado bagaje que sin embargo no le interfería negativamente a la hora de componer, lo cual se puede comprobar en el sólido “Paris 1919”, en cuya grabación colaboraron, entre otros instrumentistas, dos componentes del grupo norteamericano Little Feat (Lowell George y Richard Hayward), quienes imponen su boggie elegante en “Macbeth”, composición de aspiraciones literarias como las restantes del álbum. Cale incluye una orquesta sinfónica (UCLA Orchestra) para crear atmósferas envolventes “The Endless Plain of Fortune”, “Andalucia” o “Half Past France”, demostrativas de las exquisitas melodías del músico de Gales, quien no duda en adelantar un lento reggae bajo el nombre del escritor inglés y católico Graham Greene. La carpeta del disco recoge a un John Cale elegante con aires de inmaculado dandi captado por la cámara fotográfica de Mike Salisbury.

Canciones: “Child’s Christmas in Wales”, “Hanky Panky Nohow”, “The Endless Plain of Fortune”, “Andalucia”, “Macbeth”, “Paris 1919”, “Graham Greene”, “Half Past France” y “Antarctica Starts Here”.

Músicos: John Cale (bajo, guitarra, teclados, viola y voz), Bass, Guitar, Wilton Felder (bajo), Lowell George (guitarra), Richard Hayward (batería), Chris Thomas (pandereta) y UCLA Orchestra.

Otras portadas: Vintage Violence (1970), Church of Anthrax (1971), Fear (1974), Slow Daze (1975), Sabotage (1979) y Artifical Inteligence (1985).

“Alma” (Movieplay). Ya entrado en la madurez, Luis Eduardo Aute grababa en 1980 el elepé titulado “Alma” en compañía de los músicos de Suburbano, una banda que durante una temporada acompañaría en sus actuaciones en directo al compositor, cantante y artista plástico nacido en Filipinas pero afincado desde niño en Madrid. Este disco puede considerarse en la línea del anterior De par en par y del futuro Fuga, aunque en "Alma hay que reconocer el excelente trabajo musical bajo la dirección de Luis Mendo, mientras que los textos resultan menos crípticos que los de anteriores elepés y accesibles a un público más amplio que en poco tiempo convertiría a Aute en uno de los artistas más reconocidos de la canción de autor española de la década de los ochenta, tras un largo periplo como compositor de éxito iniciado a partir de la segunda mitad de los sesenta. Sin embargo, su cada vez más espaciada discografía continuará hasta bien entrado el cambio de siglo. La portada del disco incluye una fotografía de Luis Eduardo Aute al igual que en otros elepés, una costumbre de Aute cuando no utiliza pinturas de su cotizada producción plástica.

Canciones: “No te desnudes todavía”, “Tarde, muy tarde”, “Deseo”, “Libertad”, “Pasaba por aquí”, “Quiero vivir contigo”, “Alma”, “Mirándonos los dos”, “Ay de ti, ay de mí” y “De tu ruido”.

Músicos: Luis Eduardo Aute (voz), Luis Mendo (guitarras acústica y española), Gaspar Paá (guitarra acústica), Rafael Puerta (violín), Lorenzo Solano (saxos tenor y soprano), Bernardo Fuster (congas, tablas y percusiones), José Luis Villegas “Billy” (bajo eléctrico), José Manuel Yanes (batería), Pedro Peralta (batería), Miguel Saez (oboe) y Teresa Cano y Carmen Machado (voces).

Otras portadas: Diálogos de Rodrigo y Gimena (1966), Rito (1973), Espuma (1974), Babel (1975), Sarcófago (1977), Albanta (1978), De par en par (1979), Fuga (1982), Entre amigos (1983), Cuerpo a cuerpo (1984), Nudo (1985), 20 canciones de amor y un poema de desesperado (1986) y Templo (1988).

“Abbey Road” (Apple). The Beatles se adentraron en los últimos tramos de su carrera discográfica a finales del año 1969 con uno de sus mejores elepés, que llevaba el título de la calle londinense donde fue grabado y quedó inmortalizada con la fotografía de la portada hecha por Ian MacMillan a los cuatro fabulosos cruzando un paso de cebra.

 Bajo la producción de George Martin, los de Liverpool cumplieron con creces su misión de ofrecer un producto musical en el que se ponía de manifiesto otra vez la perfecta comunión de Lennon y McCartney a la hora de componer, aunque George Harrison destacaba ya por sus dotes para crear melodías, mientras que Ringo asumía su escaso protagonismo a la hora de aportar canciones con una divertida pieza. El rock duro de “Come Togheter”, las baladas "Something" y “Here Comes the Sun”, la emotiva "Oh! Darling, la beatlemaniana “Because” o la innovadora “She Came in Through the Bathroom Window” representan algunas de las mejores composiciones del abundante repertorio de “Abbey Road”, uno de los discos clásicos del pop y excelente yacimiento musical en el que siempre hay alguna pieza que admirar. Por su parte, la omnipresente portada del disco forma parte de la mitomanía de la década de los sesenta con leyenda incluida.

Canciones: “Come Together”, “Something”, “Maxwell’s Silver Hammer”, “Oh! Darling”, “Octopus’s Garden”, “ Want You (She’ So Heavy)”, “Here Comes the Sun”, “Because”, “You Never Give Me Your Money”, “Sun King”, “Mean Mr. Mustard”, “Polythene Pam”, “She Came in Through the Bathroom Window”, “Golden Slumbers”, “Carry That Weight”, “The End” y “Her Majesty”.

Músicos: John Lennon (guitarra y voz), George Harrison (guitarra y voz), Paul McCartney (bajo, guitarra, piano y voz), Ringo Starr (batería y voz), Billy Preston (órgano) y Mike Vickers (sintetizador Moog).

Otras portadas: Please Please Me (1963), With the Beatles (1963), A Hard Day’ s Night (1964), Beatles for Sale (1964), Help! (1965), Rubber Soul (1965), Revolver (1966), Sgt. Pepper’ s Lonely Hearts Club Band (1967), Magical Mystery Tour (1967), The Beatles (1968), Yellow Submarine (1969), Hey Jude (1970), 1962-1966 (1973), 1967-1970 (1973), Live at the Hollywood Bowl (1977), Rock and Roll Music (1978), Pat Masters I (1988) y Pat Masters II (1988).

“Copperhead Road” (MCA). Steve Earle, virginiano de nacimiento pero tejano de corazón, pertenece a la cosecha de 1955, por tanto es fácil adivinar cuáles son sus credenciales artísticas en relación con la música, una vez escuchados los distintos discos grabados por este compositor y guitarrista desde mediados de los ochenta. “Cooperhead Road” (1988) es su tercer elepé oficial que amplió el terreno de actuación de Steve, quien volvía a demostrar que era un tipo inquieto y buscador de sonoridades que se adaptasen a sus canciones. Country, bluegras, blues, rock and roll e incluso música tradicional irlandesa, son algunas de las aportaciones a este tercer disco de Earle, entre las que destacan la que da título al elepé, “Snake Oil”, “Back To The Wall”, “You Belong To Me” y “Johnny Comet Lately”. Estas piezas evidencian que Earle dejó de ser un posible sustituto de Bruce Springteen para convertirse en un artista con personalidad propia capaz de anticipar una el estilo denominado “americana”, pues algunas de las canciones entran en esa categoría en la que se mezclan folk, country, jazz, blues y rock. Al éxito de este mestizaje en “Copperhead Road” contribuyen por una parte la habilidad de Steve a la hora de componer y, por otra, la participación de excelentes músicos de generaciones distintas: Bucky Baxter, Donny Roberts y Bill Lloyd, entre otros. Incluso se atreve a probar con la herencia irlandesa e invitar en una canción a los punkys-folkies “The Pogues”. La carátula del disco se cubre con la fotografía del bordado de la parte trasera de la cazadora de Steve Earle, quien en aquella etapa utilizaba una estética motera.

Canciones: “Copperhead Road”, “Snake Oil ”, “Back To The Wall”, “The Devil’s Right Hand”, “Johnny Come Lately”, “Even When I’m Blue”, “You Belong To Me”, “Waiting On You”, “Once You Love” y “Nothing But A Child”.

Músicos: Steve Earle (voz, guitarras, armónica, bajo de seis cuerdas y mandolina), Donny Roberts (guitarras y bajo de seis cuerdas), Bill Lloyd (guitarra acústica y guitarra eléctrica de 12 cuerdas), Bucky Baxter (pedal steel, lap steel y dobro), Ken Moore (sintetizador y órgano), John Jarvis (piano), Kelly Looney (bajo), Kurt Custer (batería), Neil MacColl (mandolina), John Cowan, Maria McKee y Radney Foster (coros). The Pogues, en “Jonhnny Come Lately”, Terry Woods (cítara), Phillip Chevron (guitarra y voz), Jem Finer (banjo), James Fearnley (acordeón), Spider Stacy (tin whistle y voz), Shane McGowan (banjo y bodhran), Daryl Hunt (bajo) y Ardren Ranken (batería). Telluride, en “Nothing But A Child”, Sam Bush (mandolina), Jerry Douglas (dobro), Mark O’Connor (violin) y Edgar Meyer (violin bajo).

Otras portadas: Guitar Town (1986), Exit 0 (1987), The Hard Way (1990) y Shut Up And Die Like An Aviator (1991).

“Elephant Mountain” (RCA). El grupo “The Youngloods” nació como cuarteto en el estado de Massachussets, aunque como trío se afincaría definitivamente en la Costa Oeste, en concreto en San Francisco, depués del éxito de algunas de las canciones incluidas en sus dos primeros elepés. Una vez alcanzado el reconocimiento por un amplio sector de los seguidores del rock, esta formación grababa en California el disco número 3 de su carrera, todo un derroche de inspiración que afianza al trío como uno de los grupos básicos del rock ácido. El disco “Elephant Mountain” (1968), producido Charly Danields, recoge el mejor repertorio del entonces trío, mucho folk-rock con influencias del jazz y de la psicodelia, esta última muy de moda en la segunda mitad de los sesenta entre los grupos y solistas pop y sus derivados. “Darknes, Darkness”, “Smug”, “On Sir Francis Drake”, “Beautiful ”, “Quicksand” o “Ride the Wind”, son piezas que constituyen sin duda elementos básicos del sonido cálido y atmosférico a veces avivado por la mezcla de estilos practicada por la banda del guitarrista Jesse Colin Young. La ilustración de la carpeta del disco es de Charles L. Helad.

Canciones: “Darkness, Darkness”, “Smug”, “On Sir Francis Drake”, “Sunlight ”, “Double Sunlight”, “Beautiful ”, “Turn It Over”, “Rain Song (Don’t Let the Rain Bring You Down)”, “Trillium”, “Quicksand “, “Black Mountain Breakdown”, “Sham” y “Ride the Wind”.

Músicos: Jesse Colin Young (banjo, guitarra y voz), Joe Bauer (batería) y Lowell “Banana” Levinger (teclados y guitarra).

Otras portadas: Heart Music (1967), The Youngbloods (1967), Two Trines (1970), Get Togheter (1971), High ma Ridgetop (1972) y This Is The Youngbloods (1972).

“Estamos chegando ó mar” (CFE). “Se trata de progresar en toda las direcciones, de andar todos los caminos. Los tiempos en los que una guitarra española en solitario distinguía dos mundos han terminado. Los cantantes populares lo son por compromiso y por músicos. Y como tales deben ser comprendidos”. Estas palabras se recogían en la hoja promocional del primer elepé del gallego Bibiano (1950-2016) grabado en el durante el año 1976 en Madrid. Cantautor comprometido, y miembro del colectivo Voces Ceibes, Bibiano Morón, después de varios sencillos en los que ya demostraba otra manera de entender la canción, se rodeó de un excelente grupo de músicos para grabar “Estamos chegando ó mar”, un disco donde todas las canciones fueron compuestas por Bibiano, excepto el poema “Amador e Daniel”, escrito por el caurelano Uxío Novoneyra en homenaje a los obreros muertos por la policía franquista en el transcurso de una manifestación en Ferrol en 1972. Producido por Alain Milhaud, en este trabajo musical orientado al rock y el jazz más evolucionado de aquel momento, el cantante gallego se adentraba en un territorio nuevo, pues su música rompía con la canción protesta en gallego, aunque Bibiano mantenía algunos instrumentos tradicionales de Galicia, principalmente de percusión, y textos de claro compromiso social pero con un fondo más roquero y urbano. Piezas como “Estamos chegando ó mar”, “Alborada”, “O can” o “Garda a navalla” son algunos de las canciones que refuerzan la idea de un cantante en búsqueda de nuevas formas de expresión a través de la música, labor que continuaría en sus siguientes discos grandes que, como ocurrió con el primero, se han convertido en referencias destacables de la música popular gallega de los años setenta. La carátula de este elepé recoge un montaje fotográfico de Mario Pacheco. 

Canciones: “Estamos chegando ó mar”, “Alborada”, “Amador e Daniel”, “O can”, “Cantiga de Amor e medo”, “Os orfos”, “Unha mañan”, “Garda a navalla”, “Os cabalos brancos” y “Agora entramos nós”.

Músicos: Bibiano (voz, pandero, castañuelas y conchas), Benedicto (segunda voz y tamboril), Max Suñé (guitarra eléctrica), Jordi Clua (bajo eléctrico), Jorge Sarraute (contrabaixo, cocos y xilitón), Horacio Presti (guitarra acústica y charango), María del Carmen Alvira (arpa), Alvaro Is (sizntetizador, logan, piano Fender y moog) y Santi Arisa (batería y percusión).

Otras portadas: Alcabre (1978) y Aluminio (1979).

“Labour of Love” (Virgin). Primer disco de la trilogía del grupo británico UB40 dedicada a recrear piezas estándares del reggae y ska, en este caso con tan buena fortuna y calidad que la primera entrega de Labour of Love (1983) llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos del Reino Unido y, por tanto también al ranquin de los discos más vendidos de los primeros ochenta. La formación multirracial se encontraba en un excelente momento creativo como se puede apreciar en este elepé, que no se concreta en una imitación de canciones conocidas de la música más representativa de la isla Jamaica que popularizaron fuera de su tierra insular gentes como Bob Marley, Jimmy Cliff, Eric Donaldson, The Melodians o The Slickers, por citar algunos solistas y grupos que se han convertido en clásicos de la música caribeña con voz inglesa. UB40 ofrece un sonido consistente e inspirado, también en las voces, hasta el punto que “Cherry Oh Baby”, “Keep On Moving”, “Red, Red Wine” o “Many Rivers to Cross” resultan tan creíbles como los originales a pesar del toque pop que imponen los teclados en algunos temas. Seis años después de este disco, se grabaría la segunda recopilación, ciclo que se cerraría con la tercera entrega en 1999. En la carátula del primer “Labour of Love” destaca la ilustración de David Dragon.

Canciones: “Cherry Oh Baby”, “Keep On Moving”, “Please Don’t Make Me Cry”, “Sweet Sensation”, “Johnny Too Bad”, “Red, Red Wine”, “Guilty”, “She Caught The Train”, “Version Girl” y “Many Rivers to Cross”.

Músicos: Astro (percusión), Mo Birch (voz), Jim Brown (batería), Ali Campbell (guitarra y voz), Robin Campbell (guitarra y voz), Earl Falconer (bajo), Josh Fifer (trompeta), Jack Graham (voz), Norman Hassan (percusión y voz), Jackie Mittoo (teclados), Brian Travers (saxofón), Ruby Turner (voz) y Michael Virtue (teclados).

Otras portadas: Signing Out (1980), Present Arms (1981), UB44 (1982), Live (1983), Geffery Morgan (1984), Baggariddim (1985), Rat in the Kitchen (1986), UB40 (1988) y Labour of Love II (1989).

“Del mio meglio” (EMI). La italiana Mina ofrecía en 1971 algunas canciones en directo en el elepé titulado “Del mio meglio”, primero de una serie numerada que tendrá continuidad durante años con diferentes piezas cantadas por la conocida como “tigresa de Cremona”. El repertorio fue grabado de actuaciones en directo, y las canciones fueron creadas en el periodo comprendido entre 1968 y 1971. Las piezas pertenecen a compositores conocidos del ámbito musical italiano, como Mogol, Rapetti, Luigi Tenco, Antonio Amurrio, Paolo Limiti y Franco Migliaci, quienes se adaptan perfectamente a la personalidad de la diva de la canción, que incluso se atreve con el “Yesterday” de The Beatles, un grupo al que Mina siempre le ha tenido especial querencia. “Io vivrò senza te”, “Vedrai vedrai”, “La voce del silenzo” o “Non credere”, pueden ser algunas de las canciones que mejor definen el estilo de la italiana a la hora de cantar con la fuerza y el sentimiento que la caracterizan, lo cual desde sus comienzos le sirvieron para traspasar fronteras, no sólo europeas, y convertirse en una de las artistas más conocidas internacionalmente. La portada del disco incluye una fotografía de Mina hecha por Roberto Bertolini.

Canciones: “Io vivrò senza te”, “Se stasera sono qui”, “Vedrai vedrai”, “Yesterday”, “La voce del silenzio”, “Io e te da soli”, “Vorrei che fosse amore”, “Un’ombra, Bugiardo e incosciente”, “Insieme”, “Quand’ero piccola” y “Non credere”.

Músicos: Mina (voz), A. Baldan (pianoforte y órgano), R. Ceragoli (batería), P. Presti (bajo) y E. Verardi (guitarra). Grabadas en directo en el auditorio Máximo de la RSI, del espectáculo “Cabaret” de la Radio Svizzera Italiana (“Io vivrò senza te”, “Vedrai vedrai” y “Yesterday”. Las canciones “Se stasera sono qui” y “La voce del silenzio”, grabadas en vivo en Bussola di Viareggio.

Otras portadas: Il cielo in una stanza (1960), Renato (1962), Mina (1964), Sabato sera (1967), Foy You (1969), Canta o Brasil (1970), Cinquemilaquarantatre (1972), Dalla Bussola (1972), Baby Gate (1974) Mina r. (1974), Italiana vol 1. y vol 2. (1982), Catene vbol. 1 y vol 2 (1984) y Rane Supreme vol 1 y vol. 2 (1987).

“Blue Jays” (Threshold Records). En uno de los momentos de parada en la producción discográfica de The Moody Blues, durante el año 1975, dos de sus integrantes: el guitarrista y el bajista, respectivamente Justin Hayward y John Lodge, grabaron el elepé titulado “Blue Jays”, un trabajo que constituía la continuidad por parte del dúo en la línea de la formación británica originaria de Birmingham. Hayward y Lodge compusieron una decena de canciones en la onda del pop sinfónico que practicaban desde 1967 en la conocida banda de “Nights in White Satin” o “Store in Your Eyes”. Los instrumentos de cuerda, sección de ritmo, guitarras y bajo en el único disco del dúo, sirve destacar el toque de música clásica habitual en las preferencia de Hayward y Lodge, quienes consiguen pasajes románticos, a veces, otras más melancólicos, como se puede comprobar al oír algunas de las piezas de este álbum: “Remenber Me, My Friend”, “Night Winter Years” o “Saved By The Music”, en los que también destacan sus moduladas voces. La carpeta del disco incluye en la portada una otoñal pintura de Phil Travers, artista habitual del grupo The Moody Blues, en la década de los setenta, y de algunos de sus miembros cuando grababan en solitario.

Canciones: “This Morning”, “Remember Me, My Friend”, “My Brother”, “You”, “Nights Winter Years”, “Saved By The Music”, “I Dreamed Last Night”, “Who Are You Now”, “Maybe” y “When You Wake Up”.

Músicos: Justin Hayward (guitarra y voz), John Lodge (bajo y voz), Graham Deakin (batería), Kirk Duncan (piano), Jim Cockey (violin), Tom Tompkins (viola) y Tim Tompkins (cello).

Otras portadas: Justin Hayward; Songwriter (1977), Night Flight (1980) y Classic Blue (1989). John Lodge; Natural Avenue (1977).

“Hontz Gaua” (Xoxoa). Segundo disco del sexteto vasco Haizea que con el paso del tiempo se ha convertido en uno de las grabaciones más importantes del folk-rock progresivo de los años 70. Las cinco piezas registradas en 1979, una de ellas ocupa toda una cara del elepé, adentran a quien escucha en un sonido principalmente acústico que sirve para mezclar la música de raíz popular con el rock y el jazz, de ahí que en algunos momentos se de entrada a la guitarra y a una contundente sección de ritmo, como ocurre, por ejemplo, con “Arnaki”. También destacar la limpia voz de Amaia Zubiría, a la altura de las mejores cantantes del folk-rock anglosajón, del que se notan algunas influencias en este álbum, aunque el idioma vasco es utilizado como soporte literario que consigue un impresionante lirismo, caso de “Anderea” o “Argizagi Hederra”. En “Hontz Gaua” se incluyen asimismo instrumentos como el violín, flauta, percusiónes y cello, entre otros, que sirven para resaltar melodías de excelente factura como las del largo pasaje que completa la carra B del disco: “Hontz Gaua”, un derrroche de sensibilidad a cargo de todos los componentes del sexteto, quienes no dudan en adentrarse en pasajes psicodélicos. El diseño de la carpeta del disco fue realizado por el propio grupo.



Canciones: “Anderea”, “Egunarn Hastapena”, “Argizabi Hederá”, “Arnaki” y “Hontz Gaua”.




Músicos: Xabier Lasa (guitarra y voz), C. Busto (batería, percusión y xilofón), Xabier Iriondo (flauta y guitarra), Gabriel Berrena (contrabajo y bajo eléctrico) y Amaia Zubiría (voz).

Otras portadas: Haizea (1977).

“The Velvet Underground & Nico” (Polydor). Una de las bandas más influyentes del rock tuvo su origen en New York bajo el mecenazgo del artista plástico Andy Warhol, quien se encargaría de la producción del primer disco de la citada formación liderada por el neoyorquino Lou Reed y el galés John Cale, quienes estaban apoyados por el guitarrista Sterling Morrison, la percusionista Maureen Tucker y la cantante y modelo alemana Nico. El resultado de la combinación de personajes tan dispares dio origen a un elepé de 11 canciones, la mayoría compuestas por Reed y Cale, que constituyen en la mayoría de los casos piezas rompedoras y adelantadas a su tiempo, tanto por su música como por sus textos. John Cale aporta sus conocimientos musicales que lo vinculaban con la música contemporánea, mientras que Lou Reed demuestra su cercanía al rock, jazz y blues, pero desde un punto de vista diferente en el que ahonda en los aspectos menos difundidos de la vida cotidiana en una gran ciudad, entre otros la drogadicción, el sadomasoquismo y el nihilismo. “Sunday Morning”, “I’ m Waiting for the Man”, “Heroin”, “There She Goes Again” e “I’ ll Be your Mirror” son algunas de la canciones representativas de este álbum de preserntación de “The Velvet Underground”, que el paso del tiempo no impide que se mantengan como pequeñas joyas del rock y también como punto de referencia para muchos grupos y solistas de diferentes generaciones. La carátula del disco, también una de las más conocidas dentro de la símbología pop, es obra del mencionado Andy Wharhol.

Canciones: “Sunday Morning”, “I’m Waiting for the Man”, “Femme Fatale”, “Venus in Furs”, “Run Run Run”, “All Tomorrow’s Parties”, “Heroin”, “There She Goes Again”, “I’ll Be Your Mirror”, “The Black Angel’s Death Song” y “European Son”.

Músicos: Lou Reed (guitarras, teclados y voz), John Cale (bajo, piano, guitarra, teclados y viola), Sterling Morrison (bajo y guitarras), Maureen Tucker (bajo, percusión y batería) y Nico (voz).

Otras portadas: White Light/White Heat (1967), The Velvet Underground (1969), Loaded (1970), Live at Max’ s Kansas City (1972), Velvet Underground Live (1974).

“Right place, wrong time” (Guimbarda). El guitarrista Otis Rush realizó a finales de los años 40 el periplo habitual de los músicos de blues de la zona de Misisipi consistente en instalarse en la ciudad de Chicago, donde comenzaría su carrera artística al ser contratado por algunos de los sellos discográficos de la gran ciudad que difundirían su potente voz y su estimulante toque de guitarra. Tras varios éxitos en los años años cincuenta y su aceptación en la década siguiente por el público blanco dentro de los circuitos que incluían los grandes templos de actuación del rock, caso del Fillmore, Otis se convertiría en un instrumentista de referencia del sonido West Side de Chicago. En el año 1971 grababa en San Francisco el elepé “Right place, wrong time”, pero tendrían que pasar seis años para que el disco fuese distribuido a nivel internacional de cara a los aficionados al blues eléctrico. Rush demuestra una vez más sus excelentes dotes de guitarrista, cantante y compositor. En este elepé aparecen diez piezas, de las cuales cuatro son del guitarrista, quien demuestra un ejemplar conocimiento de la música negra al tocar no sólo blues, porque algunas composiciones están influidas por el soul y el rock. “Tore up”, “Right place, wrong time”, “Easy go” y “Take a look behind”, son las canciones firmadas por Rush donde se pone de manifiesto todo su poder e influencias antes citadas, pero también hay que reconocer su acertada reinterpretación de temas de otros compositores como el encendido “Natural ball” o la reposada canción con mucha alma titulada “Rainy night in Georgia”. Todas ellas contribuyen a afianzar la figura de unos de los principales representantes del blues de Chicago, aunque comercialmente no haya tenido el éxito de otros colegas de su generación y estilo. La portada del disco fue diseñada por Elisabeth Fromager.

Canciones: “Tore up”, “Right place, wrong time”, “Three times a fool”, “Rainy night in Georgia”, “Natural ball”, “I wonder why”, “Your turn to cry”,“Lonely man” y“Take a look behind”.

Músicos: Otis Rush( vocal y guitarra), John Kahn (bajo), Fred Burton (guitarra rítmica), Ira Kamin (órgano), Ron Stallings (saxo tenor), Doug Killmer (bajo), Bob Jones (batería), Mark Naftalin (piano), John Wilmeth (trompeta) y Hart McNee (saxo alto).


Otras portadas: This One’ s Good Un (1968), Mourning in the Morning (1969), Door the Door-with Albert King (1970), Screamin’ and Cryin’ (1974), Cold Day in Hell (1976), Lost Blues (1977), Troubles, Troubles (1978), Groaning the Bles (1980) y Other Takes 1956-58 (1980).

“Smiddyburn”(Guimbarda). El londinense Dave Swarbrick tenía tras de sí un abultado currículo dentro de la música británica de base tradicional, antes de comenzar su periplo en solitario, pues su nombre aparece en las grabaciones de grupos y solistas esenciales del citado estilo: Ceilidh Band, Martin McCarthy, Ian Campbelll Folk Group y Fairport Convention. Indiscutible y creativo violinista, Dave en su quinto elepé titulado “Smiddyburn” encadena diferentes piezas populares del rico folclore de las Islas Británicas para adaptarlas a su particular forma de entender la música con raíces, en ocasiones se acerca al rock, en otras suena más tradicional, pero sobre todo derrocha virtuosismo al tocar el violín tanto en los tiempos lentos como en los más movidos. También hay que destacar en este disco la colaboración de los mejores instrumentistas de entonces del folk y del folk-rock del Reino Unido, entre otros Richard Thompson, Dave Pegg, Simon Nicol y Bruce Rowland, entre otros. La carpeta del disco incluye una fotografía sin firma de un paisaje en el atardecer.

Canciones:“ What ye wha I met the streen-The ribbons of the redhead girl-Ril gan ainm”, “Sir Charles Cootye”, “I have a wife of my ow- Lady Mary Haye’s scoth measure”, “Wishing-The victors return-The gravel walk”, “When the battle is over”, “Sword dance-The young black cow”, “Sean O’ Dwywer of the glen-The hag with the money-Sleepy Maggie” y “It suits me well”.

Músicos: Dave Swarbrick (violín, mandolina y voces), Richard Thompson (guitarra, mandolina y mandocello), Dave Pegg (bajo y mandolina), Simon Nicol (guitarra), Dave Mattacks (batería y percusión), Beryl Marriot (piano y acordeón), Roger Marriot (armónica), John McCormick (contrabajo) y Bruce Rowland (batería).

Otras portadas: Swarbrick (1976), Swarbrick II (1977), The Ceilidh (1978), Live at the Whitehear (1983) y Fittin’ (1983).

“River Deep, Mountain High” (AM Records). El matrimonio compuesto por el guitarrista Ike y la cantante Tina Turner se atrevió a ser producido por Phil Spector, un personaje conocido en el ambiente artístico de la década de los sesenta por sus propuestas novedosas como el denominado muro de sonido, una técnica de grabar varias pistas de acompañamiento para obtener un sonido a veces apabullante que tuvo aceptación entre varios grupos y solistas. En el caso del famoso dúo de soul, el estilo de Spector sirvió sobre todo para que la canción que da título al elepé quedase como uno de los hitos de los años sesenta. Sin embargo, en el disco a pesar del trabajo de Spector, la voz de Tina Turner se muestra poderosa e inspirada, pero también Ike contribuye con varias piezas compuestas por este importante guitarrista negro, entre ellas “IIdolize You”, “A Fool in Love”, “Make’ Em Wait” y “Duch Fool for You”, en las que se nota la esencia del mejor blues acelerado y soul, terrenos en los que mejor se movían Ike y Tina. El disco también recoge algunas notables versiones de piezas de conocidos compositores: “A Love Like Tours”, de Holland-Dozier-Holland, “Save the Last Dance for Me”, de Doc Pomus, y “Every Day I Have To Cry”, de Arthur Alexander. La fotografía de la carátula pertenece al actor Dennis Hooper.

Canciones: “River Deep - Mountain High”, “I Idolize You”, “A Love Like Yours (Don't Come Knocking...”, “A Fool in Love”, “Make’Em Wait”, “Hold on Baby”, “I’ll Never Need More Than This”, “Save the Last Dance for Me”, “Oh Baby!”, “Every Day I Have to Cry”, “Such a Fool for You” y “It’s Gonna Work Out Fine”.

Músicos: Producción, Phil Spector; arreglos, Jack Nitzche; cantante, Tina Turner. Instrumentistas, Leon Russell, Barney Kessel, Glen Campbell, Ike Turner y otros.

Otras portadas: The soul of Ike and Tina Turner (1960), The sound of Ike and Tina Turner (1961), Dance with Ike & Tina Turner & Their Kings of Rhythm Band (1962), Ike & Tina Turner Revue Live (1964), Live! The Ike and Tina Turner Show (1965), So Fine (1968), The Hunter (1969), Workin’ Togheter (1971) y Notbusch City Limits (1973).